古典主义钢琴演奏风格及技巧浅析
前言：本站为你精心整理了古典主义钢琴演奏风格及技巧浅析范文，希望能为你的创作提供参考价值，我们的客服老师可以帮助你提供个性化的参考范文，欢迎咨询。
摘要:古典主义时期主要是从18世纪中叶开始，在工业革命、科学技术以及法国大革命的影响下欧洲各国发生较大的变化，相关的艺术不再仅仅为高层阶级所欣赏，中产阶级成了当下剧场和音乐会的主要观众。民间音乐的发展和各项器乐的涌现加深了钢琴与古典艺术的融合，这也极大改变了人们的艺术品位，还有钢琴在其独有的演奏风格和技巧下，促使钢琴古典主义音乐体系形成，其中的代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等。文章将根据各个代表性钢琴音乐家的演奏，分析其具体的风格和特点，并研究演奏要点和技巧。
关键词:古典主义；钢琴；演奏风格；技巧
一、引言
在古典主义时期，人们对音乐的追求主要是理性思维方面，通过平衡情感和道德行为约束，来展现音乐独有的情感特点，而其中的主调是运用单个曲调来当作音乐线索，并结合和弦、和声的运用来为人们创造古典音乐。这个时候，更是奏鸣曲发展的重要阶段，在其结构和演奏方式的形成后，古钢琴逐渐被现代钢琴所代替，运用质朴和简洁的音乐风格，将艺术内容和演奏形式很好地融合在一起，音乐组织从水平到纵向上的时间转换，利用多个声调和复调旋律分解，有关和声的运用，可以起到烘托和伴奏的作用。
这时候的钢琴作品主要是以主调音乐为主，旋律大多比较流畅，在古典主义时期将其与主调进行有机结合，节奏感较强，且富有周期性，音乐中的矛盾更为突出，在发展的过程中，将古典主义时期几位具有代表性的音乐家结合当下的演奏特点进行对比和统一发展。
（一）交响乐之父—海顿
古典主义时期，海顿是这时候音乐的先行者，尤其是在交响乐方面的贡献，他的键盘音乐体包含小夜曲、三重奏以及奏鸣曲等，所以运用的体裁形式多，相关的音乐作品质量和数量都比较多，而其钢琴音乐风格属于乐观、幽默以及大众的，在具体的音乐结构上，利用平衡的原理，将和声与对位进行融合，比如后来的莫扎特和贝多芬都是在海顿音乐结构的基础上，进行钢琴演奏。海顿的奏鸣曲系列成为现代钢琴学生联系和非常喜欢的一个音乐曲目。在初次听海顿的音乐中，不会像莫扎特那样旋律富于歌唱性，而是带有一些朴实、幽默的特点，海顿对生活的热爱和赞美使其奏鸣曲作品成为经典。与其他音乐家不同的地方是整个音乐在进行创作的过程中，键盘作品并不是总体创作的主体，它将主要的创作重点放在了交响乐和弦乐四重奏的相关创作上。在总体进行创作的过程中，现阶段普遍研究认为它的大部分键盘作品都是为钢琴而写的并非是为了羽管键琴而写的。虽然普遍认为当时的钢琴声音音质相对更加轻薄如翼，但是通过延音踏板以及强弱等各方面的细微变化，也进一步形成了独特的古典风格，成为古典风格形成的不可或缺因素之一。在进行创作过程中，海顿的创作预示莫扎特风格的成熟，相应的作品，在进行鉴赏的过程中，初次聆听并非如莫扎特作品一般十分动人，相反，其风格具备着较强的独特性，有一种粗暴甚至是野性的成分，掺杂在其中。他的作品并不非常关心钢琴方面的歌唱性，其本身创作更加致力于纯正的表情，所有的钢琴作品更加关注的是一种朴实的热情，而且有着较为丰富的幽默感作品不注重对各类技巧的炫耀。这样的特点也进一步形成了相对较为独特的风格，让其成为整个古典主义音乐之中的一朵奇葩，形成了较为独特的风格特性。
（二）音乐家—莫扎特
莫扎特的音乐地位，主要是由其协奏曲和歌剧式交响乐而奠定的，钢琴作品中有许多不同的奏鸣曲、幻想曲以及舞曲等，他是海顿钢琴音乐的继承与发展，并使得古钢琴转向现代钢琴，莫扎特演奏的钢琴曲目，含有丰富的思想情感，更贴近社会大众。他的钢琴演奏风格较为典雅和澄净，且音乐较为沉缓，注重表达平和的情感，对于音质和指尖的跳动有着严格的控制和要求。莫扎特最与众不同的地方在于，他宛如落入人间的精灵一般，所有的钢琴音乐都是那么的纯净，这种纯粹的感情进一步深化了钢琴音乐的情感延伸，宛如在聊天对话一般从欢乐之中透露出不同程度的哀愁和哀伤，形成独树一帜的钢琴艺术风格，为总体钢琴艺术发展史添上了浓重的一笔。这种音乐的形式感和对称感仿佛是与生俱来的一般，而且这种适当的均衡几乎可以说与莫扎特本人的直觉和灵感呈现密切联系，也与他自身的技术技巧呈现高度的关联性。在音乐作品之中，往往对于激情表现有着独特的表达方式，也有独特的认知，几乎没有炫技的因素。他在作品中更加关注作品的亲切性，因此也形成了自身独特的曲风。除了极个别简单的乐曲，莫扎特其余作品虽然并没有高深的技巧，但非常注重手指触键，需要极高的颗粒性。而且莫扎特奏鸣曲主题都非常富于歌唱性，这种歌唱性的主题让奏鸣曲的表现力更加丰富，我们只有不断加强自身音乐修养，才能正确表达出其内在的感情。
（三）天才—贝多芬
贝多芬的一生一共写了三十多首钢琴奏鸣曲，这些曲目里面包含了他对当时的社会、自然、历史以及情感等经历，作品矛盾冲突激烈，这时候兴起浪漫主义音乐，使得奏鸣曲进入从发展的高峰。对贝多芬而言，他的钢琴演奏主要是运用音乐和情感来展现钢琴演奏的激情和戏剧化，对力度的控制和使用，多次运用极强或者极弱音，使得人们感受到强烈的情感，和音乐融为一体。此外，在个人情感的表达和旋律的运用上，受到巴赫音乐的影响，根据羽管键琴的演奏特点，创造一种新的演奏方法，使得音乐更加圆润和具有质感，同时结合一些独特的符号的使用，在演奏时注重加强对声音的处理，从而使得钢琴演奏更加饱满。
（四）奏鸣曲—克列门蒂
他的创造历程跨了较长的年代，并早在1771年就已经创造了第一个奏鸣曲，主要是受到巴赫和亨德尔这些人的影响，因此他主要是通过研究这些作品，进行音乐演奏，并使得相关的乐器使用普及开来。克列门蒂在钢琴的演奏过程中，运用双音、密集型音乐的分解和弦以及六和弦技术的大量运用，并运用踏板来进行演奏，使得其音乐具有很强的活力和渲染力，在演奏时增加力度，注重手指的灵活运用。
（五）钢琴之王—车尔尼
他是贝多芬的学生，主要研究的是钢琴教学，学生中有钢琴之王—李斯特。车尔尼的演奏风格是依据浪漫主义风格，运用连音处理，创造出富有节奏、优美的音乐，并对音乐的强弱较为重视，还利用对指法的研究，使得手腕可以灵活地自由运用。他是维也纳音乐的创始人，并留有大量的钢琴练习册，其主要风格不但有传统的古典主义特征，而且对浪漫主义色彩进行延伸和发展。此外，还有四手联弹和弦演奏、安魂曲、协奏曲等，在贝多芬的影响下，结合其个人的钢琴演奏风格和特点，根据钢琴演奏的不同种类和深浅，编制了许多钢琴演奏教学资料，更是贝多芬音乐和现代钢琴演奏的桥梁，对不同的钢琴练习人群，分别提供了专业的练习方法。
三、钢琴演奏要点研究
在古典时期下的钢琴演奏，主要运用的是主调，相关的大小调被广泛地运用到演奏过程中，而和声水平在大幅度提高，并且以低音、和声作为伴奏音乐。
（一）演奏方法
在钢琴的演奏过程中，主要有四个方法：连奏、非连奏、断奏、半跳音。1.连奏（1）手指与钢琴不能留有间隙主要是在连奏中，对乐句感比较重视，尤其是在下键中，不要高抬手指，不然会影响音乐的连贯性。（2）手指不能离开琴键在钢琴演奏中，钢琴每个琴键发出的声音都有维持的限定时间，特别是在同音连奏的乐段处理中，如果要想获得很好的演奏效果，就要充分利用手腕的作用。（3）音符之间的重合在下一个音符开始后，前面的音才可以离键，要保证各个音符之间的重叠和衔接。2.非连奏它主要是在快节奏的跑动乐段中出现，和连奏相对比来看，对琴键和手指的要求不高，但必须保证音乐的连贯性，对第三关节的起落快慢，要保证下放干脆和准确。3.断奏主要是跳音处理，不能太过急促，可依据演奏音符的二分之一为准，尤其是对一些钢琴初学者来说，将其声音处理得非常尖锐，这会严重破坏整体的音乐节奏和美感。可以运用第一关节将跳音抓准，并在演奏方法上，来提高演奏水平。4.半跳音主要是在歌唱部分或者是旋律较为缓慢地乐段中，指的是同一个连线的音符存在跳点现象，要结合手腕的力量，保证音符的间隙和连贯性。
（二）踏板
在现代钢琴中踏板可以分为：中、左踏板以及右踏板。在不同的踏板运用中，要依据这两个原则：第一是右踏板不要在下行的音阶中使用，否则演奏出来的声音会呈现出浑浊状态。第二是在手指踏板的运用中，不要依赖于机械，要凭借手指的作用，它不仅可以保留长音，而且会加快其他声音，所以要根据踏板的特点和功能，进行合理使用。1.右踏板它的使用较为频繁，但往往会被滥用，主要有两种：节奏和切分踏板。其中的切分踏板是在音符下去之后才可以进行更换，可以保证音符的连贯性。在贝多芬以前的时间中，人们使用的都是古钢琴，因而对现代钢琴具体的使用方法不熟悉，所以要保证旋律的重叠和乐段的连贯，要结合相关的演奏技巧来进行改进，并保持手指和步调一致。节奏踏板主要是在加重的音符或者是情感变化较大的地方运用到。2.左踏板在意大利语言中左踏板是一根弦的意思，三角钢琴中的左踏板，可以使得琴键发生移动，因而在使用击弦机时，不会打散整个琴弦，这样演奏出来的声音就会变得非常柔美，比如贝多芬的奏鸣曲中就运用到了左踏板。而对其踩踏的力度大小，对音色有着根本性的影响，声音的柔和度会在力度加大时，声音会越为柔和。3.中踏板它主要是用来保持在踩踏前的音符，因而具有连续性的作用，但对后续的将不再保留。这个踏板的运用较少。
（三）装饰音
这个主要是巴洛克时期具有显著代表的音乐风格，在发展到古典主义时期时，对其做出了调整和改变，它由颤音、波音、逆波音、回音四个部分所组成。装饰音在古典主义时期发生的变化主要表现在这几个方面：第一是长音符前面会有三个左右或者多个小音符，主要是由32分音符所构成，比如莫扎特的奏鸣曲当中就有这样的。第二是在处理时，这些长音符往往会被处理成节奏正拍，将前面的音符进行提前演奏，这样是错误的演奏，具体的要先将32分音符作为节奏正拍，并在其后边使用主音。第三是32分音符可以延迟主音，比如肖邦会在乐谱上，使用斜线作为装饰音，并将32分音符其中的首个音符与左手边的低音位置对准。1.颤音。它是以上边的二度音作为首个音符，当前一个旋律和这个音符相同时，可以将其放在颤音的开始位置，这样可以保证旋律的连贯和统一。但不同的作曲家对颤音处理没有统一的标准，需要根据自身的演奏经验和专业水准来进行。2.波音和逆波音。它们需要跨度三个音符，当主音过大时，可以将波音延长到5个音符，但这个处理不适合逆波音，因而逆波音只能是三个音符。3.回音。它主要以上方二度音作为开始，但要弹成四个音，如果使用本音来进行，那么需要五个音。
四、技巧训练
在古典主义钢琴演奏中，音阶和琴音是其中常见的演奏技术，而且对节拍要求较高。
（一）音阶
它主要是由全音、半音以及其他音符，并依据相关的顺序排列所组成的，包括三度、六度、八度等类型。通常情况下，其训练音域在24个大小调基础上，跨越四个八度音符，对于不同的曲调音阶都有固定的方式，当出现指法错误时，就会影响整体演奏质量，还会导致旋律紊乱。所以在训练中，主要是加强对指法连贯性和完整性练习在车尔尼的钢琴练习曲目中，有些旋律速度较快，可以练习对十六音符的快速弹奏。
（二）琴音
它的音域是四个八度，而且有着明确的指法要求，将琴音和音阶的训练相比较来说，琴音相对简单很多，主要是对和弦的分解处理，因而在训练中要加强对琴键掌控和手指相关的训练，尤其是各个手指的独立性，对钢琴演奏水平来说，影响较大。通过这两个方面的训练，可以提高演奏的水准。
五、古典主义时期钢琴演奏的音乐特点
（一）原有的主调代替了复调
这个时期的钢琴演奏不但延续了巴洛克的理性，并以旋律和和声作为演奏背景，取代原有的复调，具有强烈的情感因素。这种特点在很多作品之中都有较为明显的体现，古典主义时期或者古典主义音乐，其本质意义上所泛指的是具备经典性的和最优秀的作品，而在18世纪中下叶时期这一时间段内，很多具备代表性的音乐家及他的音乐作品都受到了法国大革命的影响，更加注重返璞归真和返回自然的思想，音乐十分的质朴，也具备着较强的平民性特点。这样发展的过程中，主调就代替了原本的复调音乐，这种音乐特性具备着较强的感染性，虽然古典音乐仍然离不开巴洛克时期的一系列影响，带有着巴洛克时代的各种印记，但是在古典主义时期的总体音乐方面，以旋律与和声背景为主体的主调音乐还是占据着一个明显的主导地位。传统的复调音乐开始发生了不同程度的微妙转变，这其中的音乐方面表现形式和创作理念也发生了微妙的转化。
（二）和声的继续发展
在和声的发展过程中，主要是从主到下属再到主要演变中，利用和声的功能和声调变化关系组成相关的音乐结构，在和声的词汇运用方面更加丰富化，并使用一些离调和转调方法，使得和声更具有层次和立体感。从主调代替副调音乐的相关情况来看，旋律和声背景开始成为主体，这也就意味着在音乐结构框架方面发生了较大的改变，而和声在这一过程中必然会得到进一步的发展，并采取不同程度的表现手法，进一步让其旋律更加具备感染力和表现力。这种手法和相关方法加以应用之后，旋律可以变得更加立体，那么在情感表达方面也可以更加具备针对性，从而能够取得更好的艺术效果，形成了相应的古典主义时期的音乐特色。
（三）音乐内容从宗教转到人身上
古典主义时期的钢琴音乐，主要是受到社会环境和启蒙思想的影响，从原来的以宗教为主要的演奏内容，逐渐转移到人的身上，并以人为核心，表达人们的各种情感。启蒙主义思想的出现极大程度上让音乐摆脱了宗教的影响，由宏观的宗教内容开始以人为中心进行人文主义的创作，情感和人的内心表达，取代了宗教之中的神，成为音乐之中的主体和核心，也成为创作的关键性组成部分。这也是古典主义在不断发展中的一大特色，能够让人作为主体进行相应的创作，从而形成具备独特性和特色性的艺术形式，标志着人文主义的发展。
（四）结构形式的变化
主要表现在这几个方面，奏鸣曲代替了一些古组和托卡他等曲目形式，形成了具有明显的节奏感，音乐结构更细致，贴近人的情感；还有变奏曲的运用，促进了钢琴音乐的进一步发展，使得演奏方法和情感表达上有着较大的突破。
六、结语
综上所述，在古典主义时期，是古钢琴到现代化钢琴转变的重要时期，在其间出现过许多著名的钢琴音乐家，通过分析他们的演奏风格，可以明确这个时代钢琴演奏的特点，并结合在演奏中的要点研究，确定具体的技巧训练方法，从而提高钢琴演奏水平。
参考文献:
[1]郭颖.古典主义时期钢琴作品的演奏风格[J].才智,2010(30):187.
[2]郑钰韵.浅谈古典主义时期咏叹调钢琴伴奏的演奏技巧——以莫扎特《我亲爱的宝贝》为例[J].环球市场,2019(7):205.
[3]段可佳.浅谈演奏古典时期钢琴音乐作品的技巧训练[J].北方文学,2012.
[4]文一旋.演奏古典时期钢琴音乐作品的技巧训练探究[J].音乐时代,2020(5):17-18.
作者:万莎莎 单位:江西艺术职业学院
