表演艺术教育范文精选

摘要：钢琴表演艺术作为一门理论实践性的艺术学科，它的发展趋势与社会发展时代化、个性化及民族化有着必然的联系。钢琴表演艺术应密切关注时代化、个性化以及民族化的时代特征，与时俱进，从而更好地推广钢琴作品、音乐艺术，使钢琴表演艺术学科日趋完善、成熟。

关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化

钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。

一、个性化表演是钢琴表演艺术发展的基础

钢琴表演艺术据其特性及其作品的需要，表演者采用单独、侧面对观众的表演形式。这种传统的表演形式为表演者创造了一个对音乐更好地理解和阐释的艺术氛围，在突出表演者自我意识的同时，向观众传达对音乐的逻辑性和严谨性的理解；也正是这种传统的优秀的表演形式，我们才能欣赏到各种不同风格的表演。风格既表现于内容，又表现于形式，它是由内容和形式的统一所表现出来的总体的特色。对于一首作品，表演者根据自己想表达的思想内容，选择能够反映、表达自己心理的表演形式。不同的表演形式，也是表演者风格和修养的体现。例如演奏贝多芬的《热情》，表演者除了根据作品给予指定的表现形式进行表演创作外，施纳贝尔突出了严谨、理性的古典学风；李赫特尔感情激荡，气势恢宏，风格浪漫；鲁宾斯坦呈现了温文尔雅的气质；霍罗维茨则表现了炉火纯青的技术和强烈的个性；肯普夫表现出对作品的深刻理解和成熟的技巧。正是有了这些不同风格的创造，《热情》才会像钻石一样始终闪耀着夺目的光芒，产生了不同的审美价值。这对于有音乐素养的听众来说无疑是一种精神上的享受和心灵的慰藉。

在钢琴表演过程中，个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里，共性寓于个性之中。也就是说，表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础，但也有许多潜在的不定点和空白，给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段，创造另外的一种音乐审美效果，拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出：“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的，音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造，并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上，通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动，进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作，尽量完善音乐意境，表现音乐情感与内容，并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。

京剧是中华民族传统文化中极具代表性的国粹艺术，对我国戏曲艺术发展有着十分重要的影响作用，其特点鲜明、程式规范的表演形式也在国际戏曲舞台留下了浓墨重彩的一笔。为了让更多人能够了解和喜爱京剧这一中华传统文化艺术瑰宝，实现京剧艺术的弘扬与传承，开展京剧表演艺术教学至关重要，其中在学校教育中融入京剧教学内容不失为实现京剧艺术传承的有效举措。笔者在参与北京市教育科学“十三五”规划2017年度优先关注课题(CEIA17070)的过程中，阅读学习了《中国京剧表演教学研究论纲》一书，通过对我国京剧艺术表演教学的深入了解与研究，进一步认识到京剧艺术传播的重要性，并由此对京剧教学在学校教育中的传播路径展开探索。戏剧出版社出版发行的《中国京剧表演教学研究论纲》，是有关中国京剧教育教学实践创新人才培养研究的首本著作，被称为“中央戏剧学院京剧系建立以来第一部教学研究论纲”，书中通过口传心授、方程式语言和创演研究三个篇章集中展现出京剧表演人才培养教学的思想理念和课程特色。其中口传心授篇主要介绍口传心授的教育方法、教学原则及教育内涵等内容，系统性地阐释了京剧表演专业教育体系;方程式语言篇围绕着京剧表演程式，详细叙述了京剧创作方式及规范;创演研究篇对京剧表演专业的教学理念与责任使命进行全面分析探讨，并通过经典教学案例分别对导演教学、表演教学、唱腔创作和剧本教学展开深入研究。从理论知识视野和实践教学操作的整体来看，该书前瞻性、实用性和可行性突出，以技巧、美学、成效三个方面展现出京剧的文化内涵及表演规律，为京剧表演专业人才培养提供了清晰的发展方向和路径。

一、京剧基本概述及重要价值

京剧属于我国首批非物质文化遗产，因其悠久的历史底蕴、生动规范的表演形式、与众不同的艺术特点以及全球化的影响力，被称之为“国剧”。通过表演艺人们日积月累的舞台实践经验，京剧艺术在脸谱、唱腔、音乐、表演和文学等方面形成了一套规范化且格律严谨的表演程式，其中舞台表演行当主要分为生旦净末丑，同时根据唱法和角色分工不同，又分为武生、老生、青衣、花旦、刀马旦等，结合唱、念、做、打等四种艺术表现手法，可以打造出一场优秀、完整的京剧艺术表演。相较于现代表演艺术而言，京剧具有独特的文化价值和美学价值，它对于音乐美、画面美、意境美的艺术追求，不仅可以带给观众以美的享受，还展现出独具中华文化特色的审美价值。同时京剧表演艺术与中华民族传统文化血脉相连，蕴藏着数百年的历史内涵，是我国传统文化在世界艺术领域的重要标签。因此，助力京剧表演艺术良好发展对于弘扬中华传统文化和增强人民文化自信而言意义重大。

二、京剧融入学校教育的意义

一方面将京剧教学融入学校教育有助于戏曲艺术的传承与发展。随着现代化信息时代的到来，电视、电影、短视频等各种新兴媒体对京剧这类传统戏曲艺术行业的发展造成了巨大冲击，许多年轻人越来越不能理解和欣赏京剧表演艺术，只有通过教育的形式让京剧走进课堂，才更有利于实现京剧艺术知识的普及与传承。另一方面，传统文化教育也是素质教育的重要工作组成之一，在学校教育中融入京剧教学不仅可以有效培养学生的艺术审美和陶冶艺术情操，同时有助于加强学生对传统文化艺术的认识与理解，从而充分实现人文素质教育教学，促进学生综合素质全面提升，符合现代化教育发展方向。京剧教学的有效传播途径首先，京剧是一项集音乐、舞蹈、美术、文学等多种艺术内涵于一体的综合性表演艺术，可以在美术、音乐、历史等课程的教学内容中实现京剧专业知识及相关元素的良好融入，例如在历史课上研究京剧发展历程，了解不同时期的京剧表演风格，或是在美术课上欣赏京剧脸谱线条和分析京剧角色服饰特点等。从而让学生对京剧表演艺术产生深刻认识及了解，以激发他们对京剧的兴趣和学习热情。其次，通过多样化的校园文化活动促进京剧文化教育发展，比如在艺术墙上绘制京剧元素图片吸引学生们的关注;以京剧表演艺术科普讲座向学生传播专业的京剧知识，深化他们对京剧艺术的认知;利用校园广播站分享京剧音乐，潜移默化地将京剧艺术融入学生的学习生活之中。最后，在学校构建京剧教育体系和教学环境，形成京剧表演艺术系统性的研究与教学，营造浓厚的京剧艺术学习氛围，引导学生积极参与京剧教学活动。同时组织学生现场欣赏的京剧艺术表演，让他们切实体会京剧表演的艺术魅力，勾起内心对京剧表演的学习探索欲，进而主动进行京剧学习。综上所述，学校教育是实现京剧教学活动和传承京剧表演文化的重要途径，丰富多样的传播方式有助于吸引京剧艺术爱好者以及培养更多优秀的京剧表演专业人才，助力我国传统京剧艺术得到更好地弘扬与发展。《中国京剧表演教学研究论纲》一书专业内容详实、叙述条理清晰，适合广大京剧表演工作者参考阅读，也可以作为京剧表演初学者的教学指南。

作者:姚志强 何依霖 单位:中国戏曲学院继续教育部

摘要：钢琴表演艺术作为一门理论实践性的艺术学科，它的发展趋势与社会发展时代化、个性化及民族化有着必然的联系。钢琴表演艺术应密切关注时代化、个性化以及民族化的时代特征，与时俱进，从而更好地推广钢琴作品、音乐艺术，使钢琴表演艺术学科日趋完善、成熟。

关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化

钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。

一、个性化表演是钢琴表演艺术发展的基础

钢琴表演艺术据其特性及其作品的需要，表演者采用单独、侧面对观众的表演形式。这种传统的表演形式为表演者创造了一个对音乐更好地理解和阐释的艺术氛围，在突出表演者自我意识的同时，向观众传达对音乐的逻辑性和严谨性的理解；也正是这种传统的优秀的表演形式，我们才能欣赏到各种不同风格的表演。风格既表现于内容，又表现于形式，它是由内容和形式的统一所表现出来的总体的特色。对于一首作品，表演者根据自己想表达的思想内容，选择能够反映、表达自己心理的表演形式。不同的表演形式，也是表演者风格和修养的体现。例如演奏贝多芬的《热情》，表演者除了根据作品给予指定的表现形式进行表演创作外，施纳贝尔突出了严谨、理性的古典学风；李赫特尔感情激荡，气势恢宏，风格浪漫；鲁宾斯坦呈现了温文尔雅的气质；霍罗维茨则表现了炉火纯青的技术和强烈的个性；肯普夫表现出对作品的深刻理解和成熟的技巧。正是有了这些不同风格的创造，《热情》才会像钻石一样始终闪耀着夺目的光芒，产生了不同的审美价值。这对于有音乐素养的听众来说无疑是一种精神上的享受和心灵的慰藉。

在钢琴表演过程中，个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里，共性寓于个性之中。也就是说，表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础，但也有许多潜在的不定点和空白，给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段，创造另外的一种音乐审美效果，拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出：“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的，音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造，并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上，通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动，进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作，尽量完善音乐意境，表现音乐情感与内容，并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。

摘要：在我们的所接触的表演艺术中，除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作，二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。二度创作在声乐表演艺术中是占有极其重要的位置的。作为声乐演唱者一定要好好学习和积累各方面的知识来为作品的二度创作服务，这样我们的演唱才能打动听中，声乐演唱的艺术道路才会越走越宽。

关键字：二度创作创作能力创作效果

在我们的所接触的表演艺术中，除了即兴表演以外的所有表演艺术都存在着一个共同特点。即它的的出炉需要两道工序。一是创作，二是表演。搞表演艺术的人都知道创作的重要性。在选择剧本、脚本、乐谱的时候都很用心。因为创作质量的高低对于演出成功与否起到前提的作用。同样文艺创作者也明白在演出时演员的重要性。因此他们在选择演员的时候也是很用心的。如果演员的水平不错且又适合这个作品，那么就能使作品的内涵、潜力得到充分的发挥。假如作品一般演员水平非常高，临场发挥很不错。结果演出非常成功。作者就会认为：比我想象的好多了。因此很多的事实告诉我们：艺术的表演环节太重要了。对于声乐艺术同样如此。

不仅把乐谱上的记载和基本情绪相对，而且在演唱中揭示出了作品深层内涵，显示了自己与他人不同的艺术个性，从而使作品因其演唱而增色的声乐表演就称作“二度创组”或者叫做再创作。二度创作决不是任意、自由和无限制的，它有一个原则和范围。这个原则和范围也就是一度创作和二度创作之间维系的一种辩证统一关系的纽带。因此，二度创作的首要原则就是：必须在一度创作规定内容主体的范围内活动，即不能离弦走板，歪曲内容和作者的基调，违背作者当初创作的初衷。二度创作是沿着一度创作主旨方向上的创作，是因演唱而加强一度创作主体的感染力，而不是削弱或改变主题。其次，二度创作应该尊重一度创作的时代背景和民族、地域风格。再者，就是二度创组方案一定要在自己的技术能力许可的范围之内。如果你在一个高音上向做到弱音的效果，但还没成熟的掌握这一技巧。很可能会出现破音或者虚弱的声音。要对作品进行二度创作可以试着从以下方面入手：

1.速度

每首歌曲都有特定的速度标记，但每一种标记都有一个灵活的幅度。如Largo(广板)每分钟46拍，但这也是一个参考的标准，可以根据自己处理上下浮动。此外，还可以在个别地方处理成稍快或者稍慢。如《教我如何不想她》（刘半农词。赵元任曲）中的“为风吹动了我头发”，为了唱出动感，我们可以把前六个字速度加快，唱的紧迫一点，最后“头发”两个字再适度放慢拉宽，这样唱出了动感也唱出了被风吹动的头发的形象。

1.速度

每首歌曲都有特定的速度标记，但每一种标记都有一个灵活的幅度。如Largo(广板)每分钟46拍，但这也是一个参考的标准，可以根据自己处理上下浮动。此外，还可以在个别地方处理成稍快或者稍慢。如《教我如何不想她》（刘半农词。赵元任曲）中的“为风吹动了我头发”，为了唱出动感，我们可以把前六个字速度加快，唱的紧迫一点，最后“头发”两个字再适度放慢拉宽，这样唱出了动感也唱出了被风吹动的头发的形象。

2．音色

音色的调节和声门的状态、喉位高低、气息力度、共鸣腔的使用有关，是演唱者进行二度创作的重要手段。如《黄河怨》中的“哭诉我的愁和怨”这几个字音可以用哭泣抽咽的音色来唱。更能表达女主角伤痛欲绝的心情。

3．音量

在二度创作中选择和变更演唱的音量也是创作中常用的方法。从一般规律来看，无论欢乐还是痛苦，高涨情绪的迸发和宣泄需要较强的音量。平静的叙述需要音量适中。