传承与创新

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传承与创新范文第1篇

[关键词]广西原创音乐剧 《桂林故事》 旋律特征

一、广西舞台艺术发展概况

美丽富饶的壮乡广西，素有“歌海”的美誉。众所周知，广西有12个民族，每个民族都有着自己独特的音乐艺术形式。在广西的舞台上上演过很多具有民族特色、独具风格的作品，早在40多年前，广西彩调剧《刘三姐》就创造了“唱山歌，这边唱来那边和”的舞台奇观。

近年来，广西为了全面繁荣文化艺术事业，以戏剧精品生产为龙头，通过落实重点剧目的创作，激励全区的艺术剧团和艺术家努力创作新作品、新剧目。在这种形势下，一大批具有浓郁民族特色的音乐作品如雨后春笋般成长起来，壮族舞剧《妈勒访天边》、壮剧《歌王》、民族音画《八桂大歌》、音乐剧《阳朔西街》、《太阳童谣》、桂剧《大儒还乡》、新版歌舞剧《刘三姐》、民族歌舞诗《漓江诗情》、壮剧《瓦氏夫人》、京剧《霸王别姬》、歌剧《壮锦》等优秀剧目在文艺工作者的创新实践中一次次走向全国的舞台。其中民族音画《八桂大歌》荣获2003—2004年度国家舞台艺术精品工程“十佳”剧目奖。壮族舞剧《妈勒访天边》荣获2004—2005年度国家舞台艺术精品工程“十佳”剧目奖，被誉为是“中国舞剧创作的一个里程碑”。桂剧《大儒还乡》获得2005——2006年国家舞台艺术精品工程“十佳“剧目奖。歌剧《壮锦》荣获第十三届“文华奖”。广西因此成为全国少数几个连续获此殊荣的省份之一，全国文化界为之震动。

音乐剧《桂林故事》是广西著名编剧张仁胜、已故著名作曲家傅磬联手打造的艺术精品，是广西第一部真正意义上的原创音乐剧。从2006年首演至今已有6年时间了，其间荣获第七届广西戏剧文学奖一等奖，入选三十台国家舞台艺术精品工程。2009年改编为第二稿《桂花雨》后，荣获第十三届“文华大奖”特别奖，“五个一工程”奖，全国少数民族文艺汇演剧目金奖。这一切充分说明《桂林故事》已经赢得了国内专家们的肯定与关注。

二、音乐剧《桂林故事》旋律特征分析

在音乐剧的音乐创作要素中，旋律处于首要地位。音乐剧同歌剧在音乐上最大的区别是音乐剧的旋律不需要歌剧那种充满戏剧性力量的风格，音乐剧的旋律是通俗流畅、简单明朗、易于被广大观众接受的。美国百老汇经典音乐剧《音乐之声》之所以受到全世界人民的热烈欢迎，主要在于它成功的音乐创作，该剧的旋律创作虽然简单，但是每首歌曲却琅琅上口，广为传唱，深受人们的喜爱。

《桂林故事》的成功离不开作曲家傅磬的音乐创作，首先必然要谈到其中新颖独特、扣人心弦又富有壮族特色的旋律。傅磬创作的旋律简单流畅又极富广西壮族特色，与剧情完美融合，准确地刻画了剧中人物的性格特征以及内心情感。

（一）五度跳进的运用

艺术来源于生活并反映生活，正是因为作品与生活密切相关，全剧渗透着浓郁的壮族风情，剧中音乐与壮族音乐有许多共鸣点，用壮族音乐来刻画剧中人物形象，从壮族音乐中寻找创作灵感。只有民族的东西，才是世界的，才是能够真正打动人心的舞台艺术精品。

该剧的主题山歌《妹等哥掀红盖头》是全剧的点睛唱段，也是剧中西街阿婆的音乐形象，这个唱段贯穿整个剧目，是全剧的一个亮点，在全剧的关键处一共出现4次，起到穿针引线，推动剧情的重要作用。该主题山歌的音程跳动很大，主要运用了五度跳进和射线型上升的旋律，把剧中阿婆起伏波澜的情感表现的淋漓尽致，听起来有一种凄美的感觉。谱例1：《妹等哥掀红盖头》（阿婆唱）

主题山歌的旋律特征直接来源于壮族山歌的旋律特征，五度跳进是壮族山歌旋律线进行的一个明显特点，其形成的原因与壮族方言的语调、调类和调值有紧密的关系。很多壮族山歌的旋律都有五度跳进的特征。例如：谱例2：壮族山歌《男女老少得翻身》（天等县）

五度跳进的旋律特征在该剧的很多歌曲中都得到了充分运用，这种旋律写法对全剧的旋律风格统一起到了重要作用，使观众能够在短时间内抓住该剧的旋律个性，体会其中的民族旋律特色。另一方面，阿婆是该剧的核心人物，其他人物的旋律特征正是根据阿婆的旋律特征拓展出来的，即用核心音调为基础，加以变化，展开乐思，贯穿全剧，这正是作者创作的独特手法。例如：谱例3：《许下一个美丽的诺言》（毛仔唱）

三、总结

综观整部音乐剧的旋律创作，五度跳进的壮族山歌旋律特征在该剧的很多歌曲中都得到了充分运用，在大力弘扬和传承非物质文化遗产的今天， 这种创作手法正是对壮族山歌的一个传承和创新，让壮族山歌在“润物细无声”的状态下得到了潜移默化的传承，体现了曲作者特有的创作理念：在继承的基础上创新发展。

黎英海先生在谈到他的钢琴曲《夕阳箫鼓》的创作时曾说：“作曲家的任务之一是怎样把传统音乐中的精华，用现代人的观念，按照现代人的欣赏习惯和需要，创造性的重新编写，以便使它们在更广泛的范围内流传下去。”

保护和传承非物质文化遗产就是要在继承的基础上创新发展。保护是为了传承，传承是为了创新，创新是为了发展，发展是为了繁荣，繁荣是为了弘扬，弘扬是为了复新。

参考文献

[1]傅磬.《广西民族歌曲精选》[M ].南宁：广西人民出版社，1998.

[2]彭志敏.《音乐分析基础教程》[M].北京：人民音乐出版社，2004.

[3]吴祖强.《曲式与作品分析》[M].北京：人民音乐出版社，2003.

[4]张旭，文硕.《音乐剧导论》[M].上海：上海音乐出版社，2004.

[5]《国家舞台艺术精品工程论评》[M].北京：文化艺术出版社，2006.

[6]林华.《音乐审美心理学教程》[M].上海音乐学院出版社，2005.

传承与创新范文第2篇

一、要保留传统古彩的基本技法和独特风格。古彩艺术风格有明显的特征，表现为：图案构图，民俗元素，玻璃质感、硬朗笔触、五色艳烈、鲜亮透澈的特征，呈现五彩缤纷，古朴典雅的中华民俗风格。古彩之所以发展到今天，就是因为它的表现技法极具这种独特的风格。

1、古彩装饰的“古韵”性。古彩既有原创的图案精华，又吸收了民间版画，剪纸，年画的创作元素，并吸收了中国国画人文思想，所以它非常有明显的装饰性。概括其基本特点是：图案构思，布局满工；主题突出，内容丰富；基本五色，分块平铺，搭配协调；用笔刚直，简洁有序；局部描绘精细，红矾渲染深浅有层次。这些工艺的基本要求，构成了古彩艺术装饰的独特风格基本不变的要求。

2、古彩绘制的细腻性。古彩艺术很讲究工艺方法和材料的使用。在烧制好的素瓷白胎上，以生料(黑色)或矾红勾线，某些局部再用矾红洗染分出深浅层次，如人物的脸部；其它颜色(红、绿、黄、蓝、紫、孔雀绿等)呈透明色彩，根据图案需要巧妙搭配，平铺填绘，经窑炉烧烤，形成精美华丽的古彩瓷。在绘制古彩瓷时必须保持这种工艺的基本要求。

3、古彩用笔的刚劲性。古彩艺术主要以线条构图，讲究线条美。在用笔上，强调用笔功力。绘画时，先设计好图案稿，再将图稿线条拍在白瓷胎上，然后用料笔勾画线条。勾线用的笔，必须用“料半”笔，有“笔头尖细、笔肚饱满、笔毛整齐、富有韧性”的性能，用笔时要求：看清笔意，注神于腕，落笔刚直，一气呵成。据说古彩前辈段茂发，用笔拉线条，一笔画一尺长，并做到粗细均匀，饱满圆润，可见功力所在。

4、古彩画意的民俗性。古彩艺术的另一明显的特点是它的民俗性。它的题材意寓着中国民间的故事和民间的风俗，充满着活生生的民俗风情。如明代洪武时期的《釉上红彩龙纹盘》，龙是古代民间的吉祥物，神的化身，以此作为图案主体，红线勾画，极为美丽。清康熙时期的《五彩水浒人物故事圆盘》，以民间故事为题材，以古彩图案的形式，表现宋代人物风情。民国时期《西厢记五彩直筒瓶》，以民间故事的情节，描写纯洁的爱情。这些代表之作都反映了中国民间人们生活的事物和故事，充满着纯朴的民俗气息，极具东方艺术的色彩。

以上这些特点，是我们在继承古彩艺术创作中必须把握的，只有这样才能发挥古彩艺术的风格。

二、古彩瓷画中的“创新”，就是表现题材上不能故步自封，墨守陈规，使之失去陶瓷古彩艺术的灵魂；反之，而需要我们在保留传统风格的前题下，古为今用，积极创新，不断地把陶瓷古彩艺术发扬光大。

画面内容的创新。艺术来源于生活而高于生活。在现实生活中蕴含着丰富的创作素材，我们可以将它提炼，用古彩艺术的形式表现出来，这是古彩艺术取之不尽，用之不竭的源泉。上世纪五十年代中期，陶瓷美术家段茂发，传承古彩，引为今用，创作了《红日松梅石竹图》，以景寓意，反映坚强、向上的性格和崇尚新生活的情感，是一件继承传统风格，又融创新理念的珍品。陶瓷学院教授施于人，引主席诗词《蝶恋花》为意，创作了《蝶恋花》五彩盘，画面构图丰满，繁而有序，色彩华丽，极具五彩特征。可见，在传承古彩艺术的前题下，创作更多更好的反映现实生活的古彩作品，是我们努力的方向。

传承与创新范文第3篇

动画题材的选择是影响一部动画片成败的重要因素，我国几千年来的悠久历史为我们的动画创作提供了丰富的素材，如神话传说、民间故事、戏曲名段等都是非常好的动画题材，这使得我国的动画艺术家在进行动画剧本创作时有了更多的选择空间，从而创作出了很多经典的动画片。中国的动画艺术在题材的选择上，一直注重向中国文化丰富的古典小说、民间传说、民谣、神话、民俗等进行取材，有着深厚的传统文化底蕴。如《铁扇公主》《大闹天宫》就取材于我国四大文学名著之一的《西游记》。《哪吒闹海》取材于古典小说《封神演义》。《天书奇谭》取材于明代小说《平妖传》。《小倩》和《崂山道士》取材于《聊斋志异》。而《宝莲灯》《九色鹿》《葫芦兄弟》《女娲补天》等则是以民间故事为基础改编而成的。《骄傲的将军》《三个和尚》《鹬蚌相争》等取材于寓言成语典故。这些动画作品的取材都源自于我国的民族传统文化，充分体现了我国民族传统文化在动画剧本创作中的重要性，它们中的一些作品如《大闹天宫》《哪吒闹海》等不但赢得了我国观众的喜爱，也获得了世界人民的一致好评。当前中国动画的发展落后于美、日等国家，创作出的优秀动画片也非常少，究其原因，动画剧本创作质量不高极大地影响了我国动画艺术的发展，我们在进行动画剧本的创作时，对古典小说、民间传说、神话故事、寓言成语典故等优秀传统文化题材没有很好的利用起来。因此，我们在进行动画题材的选择和剧本的创作时，必须对传统文化题材进行深入的再挖掘与整合，并注重与当前的流行小说、社会热点、流行思潮和色彩、时装、网络内容等流行文化有机地结合起来，不断创新，创作出更多更好的动画剧本，推动我国动画艺术的快速发展。

二、动画形象中民族传统文化的传承与创新

动画形象无疑是一部优秀动画片的关键和灵魂所在，只有创作出好的动画形象，才能把角色的性格特征和故事情节充分地表现出来。许多优秀的动画片就是因为它塑造出了许多鲜活而极富个性的动画角色形象而取得了巨大成功，比如我所熟知的《大闹天宫》中的孙悟空、《哪吒闹海》中的小哪吒、《米老鼠和唐老鸭》中的米老鼠和唐老鸭等杰出的动画角色形象，虽然很多年过去了，我们却仍然记忆犹新。我国的动画艺术家们在进行动画形象的创作时，非常注重对传统文化艺术的传承与创新，将动画形象的创作与我国优秀的传统艺术造型语言如戏剧、壁画、年画、剪纸、木偶、皮影等有机地结合起来，创造出了许多具有鲜明中国民族风格的经典动画形象。如《骄傲的将军》中将军的形象就是借鉴了京戏脸谱的元素，赋予了角色鲜明的个性。《大闹天宫》中的孙悟空、玉皇大帝和四大天王等动画角色的形象造型，都取材于中国的传统文化艺术，包含了敦煌壁画、中国戏剧、庙宇艺术及民间年画等多种民族传统艺术元素，从而取得了巨大成功。《哪吒闹海》中的动画角色造型也非常具有民族特色，它融合了中国门神画、壁画及中国戏剧等民族传统造型元素，运用简练的线条、传统中常用的红、绿、青、白、黑等色彩，把哪吒、龙王、李靖等神话传说中的人物生动地展现了出来。木偶动画片《阿凡提的故事》中机智诙谐的阿凡提的造型则吸取了新疆的地域性元素。这些动画作品的角色形象都是从我国民族民间传统艺术中吸取了大量有益的成分，在对传统文化艺术进行传承与创新的基础上创作出来的，因而具有极强的形式感和民族特色，对我国乃至世界动画艺术都产生了重大影响。随着经济的发展和国家对动漫行业的大力扶持，我国的动画市场日渐繁荣，动画公司也越来越多，动画片产量也逐年增大，但是真正让人印象深刻、家喻户晓的动画角色形象却越来越少。究其原因，主要是近年来我国的动画作品都开始模仿日本和美国，却逐渐丢失了我们自己的形象塑造风格，创作的主动性不突出，造型语言单调而重复，严重影响了我国动画艺术的发展。因此当前我们在动画形象创作中必须加强对民族传统文化的传承并结合当代人的审美需求不断创新，才能创造出优秀的动画形象，大力促进我国动画艺术的发展。

三、动画音乐中民族传统文化的传承与创新

动画作为一种视听的艺术，必须将画面与音乐完美结合，才能真正将影片的主题思想深入表达出来，刻画出经典的动画角色形象，烘托感情等。我国大多数经典动画作品的成功都离不开对音乐的合理运用与深入研究，特别是对民族民间传统音乐的充分运用，以此来增强影片的感染力和民族风格。如水墨动画《小蝌蚪找妈妈》，音乐以中国民族乐器古琴和琵琶为主，画面主要借鉴了我国著名画家齐白石先生的国画风格，优美画面与美妙音乐的完美结合是该片取得成功的重要因素。《牧笛》则是把笛声与和谐的自然之音相结合，并大量运用中国南方音乐曲调，再结合中国水墨风格的画面，使影片达到了独特的具有浓郁民族特色的艺术境界，美国评论家将其称为“在中国听到的最妙的电影音乐”，并于1979参加丹麦举行的第三届欧登赛国际儿童和青年电影节获得金奖，影片能取得重大的成功是与对我国传统音乐的运用密不可分的。《哪吒闹海》也大量运用了中国传统音乐，如两千多年前的古乐器编钟、京剧中的打击乐器等，再结合具有中国特色的动画角色形象及场景设计，把中国的传统文化艺术完美地融入到动画片中，获得了评论界的一致好评，还获得了多个国家大奖。《阿凡提的故事》充分发掘了新疆地方音乐的特色，音乐的运用使动画片呈现出独特的风情。总之，我国动画能创作出很多成功的作品，是与在对民族传统文化艺术的传承与创新的基础上，充分挖掘和运用了民族民间音乐、戏曲的精华分不开的。我们在当前的动画音乐创作中，一方面，我们既要重视对民族传统音乐的传承与创新，将我国丰富的音乐资源很好的运用到动画片中去;另一方面，在动画音乐的创作中也必须跟上时代的发展，注意将传统音乐与当前流行音乐的有机结合。

四、结语

传承与创新范文第4篇

安蒂诺里家族的大名在业界如雷贯耳。这个拥有600年以上历史的家族从1385年开始酿酒，几乎就是意大利葡萄酒的代言人，继承了悠久的传统，同时以充沛的激情不断创新，他们将波尔多品种在意大利托斯卡纳种植成功，并酿出了评分极高的玛瑟托（Masseto100%美乐葡萄），被誉为意大利的帕图斯（Chateau Petrus），乃至在全球范围内得到广泛瞩目和极佳的口碑，称其为意大利“国宝级”品牌毫不为过。

马切斯・洛多维科・安蒂诺里是安蒂诺里家族兄弟三人中最年轻的一位，他出身贵族世家，投资森林和房产，热爱亲近大自然和收藏艺术品。讲起家族传承，他敬佩他的叔叔―在托斯卡纳引进非当地品种葡萄的先驱。尽管当时葡萄酒的品质并不出众，但叔叔骨子里不拘一格追求完美的性格感染了洛多维科。洛多维科的哥哥，就是大名鼎鼎的现任安蒂诺里家族掌舵人皮埃罗・安蒂诺里（Piero Antinori）。20世纪60年代晚期，皮埃罗邀请当时法国最著名的酿酒师将法国的发酵酿造方法引入意大利，并且在酒庄内改用法国木桶存酒，做出了闻名全球的托斯卡纳葡萄酒。而洛多维科在发现百事乐之前，曾于1981年建立奥纳尼亚（Ornellaia）庄园，酿出了顶级玛瑟托（Masseto100%美乐葡萄），曾经被全世界最有影响力的酒评家罗伯・帕克评为满分，这也是唯一被法国波尔多酒商们认可的可以与拉菲、拉图媲美的意大利葡萄酒。2001年，洛多维科把奥纳尼亚酒庄卖给了美国加州的罗伯特・蒙大菲（Robert Mondavi）。

坐落在上马雷马海岸边的百事乐庄园是位于比博纳（Bibbona）丘陵之间的一个葡萄酒村庄。这里是整个马雷马地区最佳的葡萄生长区。“最初我们只是想扩大种植美乐葡萄，不料机缘巧合，让我们发现了百事乐。为什么相邻的两块地种出的葡萄却大不一样，真是宇宙中最神秘的事。” 洛多维科说。这里结合了独特的土地条件和海域的冷却效果，既具有波尔多土壤的潜力和深度，也大大受益于与美国加州气候相似的特征，不仅葡萄产量大，而且品质一流。洛多维科看着当地的美景，一路赞叹，“这里是所有酿酒师的天堂”。于是，洛多维科与哥哥皮埃罗首次携手合作创立了百事乐酒庄。这也是业界的美谈一桩，人们偶尔会看着酒标上两只扶着族徽尾巴一上一下的狮子，猜测它们分别代表了谁。

洛多维科的故事从人手收割、分桶酿制的坚持讲到设计别致、内涵丰富的酒标，最后归结到他带来中国的美酒。以野猪为酒标的恩苏雷欧（Insoglio del Cinghiale）在洛多维科的比喻里，像一个温暖、亲切同时带点性感的女郎。在餐厅点酒，不必醒太久也能品其味，“喝了会很开心”，如果想喝其巅峰状态，最好醒酒5小时。主牌百事乐（Biserno）酒2006年曾出过3000支被一抢而空。这是一款融合了大气与柔情的酒，力度很大，酒精度达到15%，但真正入口，却并不感觉单宁有任何纠结之处，反而有丝绸一样的顺滑感。至于比诺（Il Pino di Biserno），这款口感细致的酒中没有任何特别突出的酸味或甜味，各种味道达到微妙的平衡。用来与烤肉特别是牛肉（菲力德牛腩或托斯卡纳带骨牛排）搭配享用是洛多维科力荐的。“中国人喝茶，习惯单宁的味道，所以比美国人更懂酒。百事乐葡萄酒与带糖的上海菜非常衬。”

美好生活，醇香喜悦

美醇（香港）有限公司

美醇是出色的葡萄酒经销商，对于客户而言，它是最贴心最专业的葡萄酒私人助理；对于葡萄酒庄而言，它是最可靠最出色的宣传者。美醇倚靠质量保证的产品和训练有素的专业优秀团队以及严谨完善的售后服务，致力于将真正的葡萄酒文化在中国推广，把健康良好的饮酒习惯在中国普及。美醇带给人们的，不仅是高档香醇的异国佳酿，还有典雅、醇香、喜悦的美好生活状态。

美醇是一家1995年始创于香港的专业葡萄酒公司，是香港最古老的排名前三位的FINE WINE公司。它所有产品都由经验丰富的品酒师利用其专业而挑剔的眼光在法国知名葡萄酒产区里精心挑选质量上乘的葡萄酒，并致力于把物超所值的产品介绍给每一位葡萄酒爱好者。

美醇的客户80%是私人客户，都是各行各业的精英人士，其中不乏知名的葡萄酒收藏家或者大企业家；20%是口碑极高的西餐厅或大酒店，例如香港中环的一些意大利餐厅、上海的半岛酒店等。这些尖端的客户对产品的来源、质量和服务都要求非常之高。因此，美醇提供的葡萄酒全是世界品质上乘的精品，这些美酒在很大程度上包含了各个层次的代表作，能够满足无论是初学者还是资深爱好者的不同需求。美醇除了为客户提供高质醇美的葡萄酒，也为他们提供优质高尚的葡萄酒活动。美醇会不定期举办的酒宴，嘉宾人数从不超过12位，出席的来宾却个个大有来头，有酒庄庄主、知名客户、专业品酒师等。

这两年，美醇把原本占据产品份额90%的波尔多名庄葡萄酒数量减至60%，而增加了一些新款的勃艮第葡萄酒，这些酒在名声上虽不及波尔多名庄名酒，但品质上却是无可挑剔的，全都是评分极高、味道极好、排名世界前50位的好酒，可以预见这些酒将在美醇的全力推荐下，成为葡萄酒爱好者的新欢挚爱。也由此可见，数量从来就不是美醇的追求方向，高质的美酒、高质的服务、高质的品味才是美醇的终极目标。

传承与创新范文第5篇

【关键词】戏曲音乐；配器；传承；创新

戏曲，顾名思义，有“戏”有“曲”。“戏曲”是“戏”与“曲”的组合体。就戏与曲的关系来说，戏（戏说的故事情节）是戏曲的载体，而音乐则是戏曲的灵魂。二者互为依存，缺一不可。作为戏曲灵魂架构主体的戏曲音乐配器，如何才能做到在传承优秀传统的基础上，与时俱进地为戏曲音乐注入新的元素，使传统戏曲音乐的生命之树长青，在传统戏曲日渐式微的今天，显得尤为重要。

一、引进现代乐器充实戏曲音乐

不断地采用外来的、新兴的、深受人们喜爱的演奏乐器充实到传统戏曲乐队中，丰富戏曲音乐元素，既是传统戏曲音乐改革创新的需要，也是时代的要求。一部中国戏曲音乐乐器的发展完善史其实就是不断吸收、引进、兼收并蓄的过程。无论是国粹京剧，还是曲剧、豫剧、秦腔、越调等剧种，其唱腔伴奏和间奏（场景）音乐演奏的乐器无不经历了由简至繁、从单到众的发展历程。如洛阳曲剧最初的伴奏乐器主要是三弦、月琴、古筝以及由八角鼓指挥的简板和云锣；豫剧乐队的伴奏乐器曾有“一鼓二锣三弦手，梆子手拔共八口”的说法，亦即“八件乐器一台戏”。可以说，所有地方戏曲的演奏乐器都是从最初的一两件伴奏乐器，逐步发展壮大成为建制完备的综合性大型戏曲乐队。没有借鉴、没有引进、没有革新创造，就没有戏曲昨天的辉煌和今天的存在。豫剧的主奏乐器板胡、曲剧的主奏乐器曲胡、京剧的主奏乐器京胡，包括那些能演奏出一首首扣人心弦的美妙音乐的所有拉弦类乐器，均是从隋唐时期我国北方少数民族“奚部落”的拉弦乐器“奚琴”演变而来的。“以竹片轧之”演奏的奚琴传入中原后，改进为马尾弓拉奏，不同地区的人民又根据不同剧种戏曲音乐的需要进行改造，逐步形成了适宜于京剧需要的京胡、适应于豫剧演奏的板胡、适应于曲剧演奏需要的曲胡、适应于合奏或独奏的二胡，等等。“胡琴”的引入、改造与创新，增加了戏曲演奏乐器、丰富了戏曲音乐元素、促进了戏曲唱腔设计，带来了戏曲音乐的革命性变革。在社会飞速发展的今天，在不同民族、不同地域、不同国度文化广泛交流的今天，为了戏曲音乐的发展，为了争取更多的戏曲爱好者特别是年轻戏曲爱好者，我们当依据各种戏曲音乐的特点，不断引进音色优美、年轻人喜欢的民族乐器、西洋乐器等，以优化戏曲音乐乐队，丰富戏曲音乐元素，增强戏曲音乐的表现力，壮大戏曲音乐乐队，为戏曲音乐增音添色。

二、用新的音乐元素充实传统戏曲音乐

戏曲音乐的发展、创新，需要适合自身演奏特点的新乐器的加盟，更需要随时注入新的音乐元素。如果拉弦声部薄弱、单调，就可以增加高胡、二胡、中胡乃至革胡等富有表现力的音色元素，丰富拉弦乐声部；如弹拨乐声部不足，影响戏曲的整体音乐效果，就应增加或新添诸如琵琶、古筝、三弦、柳琴、月琴等乐器音色，以增强对弹拨声部的支撑；如乐曲的感染力上不去，则可运用唢呐、竹笛、笙、管子（闷子或筚篥）等乐器，以强化吹管声部的音色构成；包括在现代音乐中被广泛采用的套鼓、电声乐器、传统与现代打击乐器（鼓类、键盘打击乐类、色彩化打击乐类、拟声性乐器类）等，都可以根据剧种特点和不同剧目的演出需要，引入到传统戏曲音乐中，对音乐色彩的构筑进行完善。对戏曲音乐进行现代化改造，在配乐中引进现代音乐元素，如管弦乐队、混编乐队伴奏，对人物形象的塑造及戏剧矛盾冲突的发展推波助澜；依据剧情需要加入合唱、伴唱、变体饶舌（rap）等现代艺术手法，从而加强戏曲人物表现力、气势渲染力。结合现代人特别是年轻人的生活节奏和欣赏习惯，对传统戏曲唱腔设计中的拖腔、花腔的冗长重复进行“删繁就简”，革新改造，用新的演唱形式进行再创作。针对戏曲音乐节奏变化丰富但板腔体意味浓重的传统特点，有针对性地引进不规则节奏及律动，打破传统的一、三重音，在某些特定情况尝试运用二、四重音，连续切分等技术手段，对戏曲音乐的动感不足加以推动，在现实的戏曲音乐创作中也具有积极的推动作用。

三、用现代配器技法丰富

传统戏曲音乐巧妙运用现代配器法中点描、繁冗织体延续、通奏低音，反功能和声铺垫、块状结构对话等技术手段，从音乐本体对戏曲音乐进行外科手术式的改革与创新，对于重塑戏曲音乐形象，丰富戏曲音乐内涵有着深远的意义。借鉴西方音乐技法，结合乐队演奏实际，以层叠式的配器手法优化既有的齐奏演奏模式，可以增强音色的多样性体现，有利于线条化创作思维的推陈出新，提高乐队演奏员排演参与感，活化听众观感体验。反映在音乐层面，传统的曲剧唱腔音乐包括配器，在层次上线条化构筑不足，齐奏多，点状支撑多；支声线条少，副旋律概念不明显。使得伴奏音乐层次单一，表现力受限，不利于戏曲音乐层次丰富发展的需要。这些问题，都是戏曲创作者在未来创作中可以关注的点和完善的面。在实践过程中，通过对成品剧目乐队总谱的阅览、排练参与、音响实验与效果检听得论：戏曲音乐创作中的唱腔设计与音乐配器关系密不可分，合理分配乐队音响构成对唱腔乃至剧目有着重要的作用。唱腔设计服务于剧目行进需要，乐队配器服务于戏曲音乐构成，配器手法吸收各类管弦乐配器精髓，以延续与创新的态度，让戏曲活起来、传下去、出精品、出名家。例如，按照传统戏曲乐队配器手法，对待音乐中长音的处理，往往依靠拉弦乐器以振音技术来实现：例01.而在传统戏曲乐队的配器手法中，为此长音附加弹拨乐以丰富音响，往往采用齐奏的做法：例02.这种配器手法，优点在于手法简单，效果统一，可以造成比较显性的声音效果，乐队排练容易协调。缺点在于缺乏层次性，在乐队演练过程中无趣味性可言，在音乐表现上较守旧，缺乏新意。在创新性的创作中，运用区别以往的创作思维，效果截然不同，表现形式呈现如下：例03.运用多线条、递进式的配器手法，灵活配置弹拨乐器与打击乐器，附加拉弦乐器的支声复调手法运用，使乐队色彩的丰富性、演奏的趣味性、形制的灵活性得以充分调动。从而真正实现戏曲音乐配器传承与创新的切实践行。艺术形式日新月异，表现手法千变万化，虽然万变不离其宗，但传承与创新始终是艺术保持生命力的唯一法则。戏曲音乐生命力顽强，植根土壤丰沃；在数百年的发展过程中，兼收并蓄、沉淀与生发是其不断延续的推动力。在创新中继承传统，在创作中开拓创新，从技法中提炼元素，自生活中萃取菁华。以技术服务于艺术，以艺术传达出生活，从生活中汲取灵感，从灵感中总结技术，这是一种艺术生长的轮回，螺旋式上升的过程在诞生无数精美艺术作品的同时也激发创新意识与形态的进步，这个过程是传统戏曲音乐艺术的自我蜕变，也是自我认知与觉醒的丰翼与振声。把戏曲音乐真正作为戏曲的灵魂来进行戏曲的艺术建设，戏曲院团需要专职与专业的作曲，这一点应当引起地方院团、主管部门的重视与关切。当代戏曲文艺创作者，将在党的领导下，以推动文化创新、建立文化强国为己任，唯不断开拓以求文化传承与创新，溯文化本之渊源，树中华强国声威，丰戏曲传统之翼，振民族文化之声。

作者:张展 单位:洛阳市艺术研究所

参考文献：

[1]国务院办公厅.关于支持戏曲传承发展的若干政策[S].北京：国务院办公厅，2015-7-11.