绘画作品

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇绘画作品范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

绘画作品范文第1篇

1.构图

构图在表层意义上讲就是所谓的“位置经营”，也就是对客观物象在画面当中进行空间位置的安排。深层来看，它是在画面当中对各个形式要素进行整体组织与安排的过程。不仅包括客观物象的空间位置，而且含有各种形式要素之间的关系，如形与色的结合关系、画面的节奏韵律安排、虚实关系的组织、画面氛围的营造等由各种形式要素结合运用所体现出的关系。

2.笔触

笔触是手的运动使画笔在画面上留下的痕迹。它既是个性化的艺术修养体现，也是画者心灵释放的记录。它流露出画家的能力水平、气质修养和感情状态，如，伦勃朗的笔触肯定有力，哈尔斯的笔触轻盈欢快，柯罗的笔触魅力潇洒，凡•高的笔触热烈奔放……笔触无疑把画家的真性情表现得淋漓尽致。

3.形体与色彩

形体与色彩是画面的核心和灵魂，怎样结合形体与色彩是每位艺术家在绘画中不断思考与探索的问题。绘画就是要达到形与色的完美结合。形体成为深层意义上的构成要素，根据绘画者本身所考虑的表现内容来看，它可以是完整的，也可以是不完整的，从构图与形体的关系上体现绘画者所思考的视角以表达其情感。形体完整与否，关键要看它在构图中的视觉要求，最终要符合画家的表现目的与艺术直觉。色彩是绘画作品至关重要的视觉传达语言，其中，纹章学方式、色调表情方式和纯色构成方式是色彩语言的三种构成方式。纹章学方式，即以装饰性色彩传达某种象征性涵义。色调表情方式，即用色彩构成画面的色调，色调在绘画中对画面氛围的影响尤为重要。纯色构成方式，即运用纯粹的色彩构成，追求色彩自身的表现力。

4.材料肌理

材料与绘画肌理都是造型艺术重要的形式要素，如果说一幅画的色彩是最根本的基调，那么材料肌理就是画面的一种基调。材料肌理运用恰当而合理有序，能给观者较强的视觉冲击力，并且在特定情况下会产生意想不到的趣味性，而这种趣味性恰巧可以表现绘画者所要表现的客观物象。当然，在绘画中也不能刻意追求肌理，否则就失去了材料肌理作为绘画形式要素的本来价值与意义。

二、在整体中看艺术形式美

绘画作品范文第2篇

吴冠中的绘画作品具有鲜明的个人风格,其美学特征可浅析如下:

1、点线面的表现

吴冠中的绘画作品体现了传统美的形式风格,对于点、线、面三要素的表现是极明显的。在吴冠中的作品中连续、间断、疏密变化的点与画面整体相结合,形成对比,以表现出强烈的节奏变化。中国传统绘画中,线不仅是主要的造型手段,而且线也是表现某种特殊情感的载体。为了达到线的中西融合,吴冠中保持了线的流畅,醉心于线条与块面的整体造型,在创作中更多地将线条运用于油画作品中。他的线极具中国画笔法的灵动和笔触的柔美,又将东方的线条与西方块面表现为主的艺术形式进行完满融合,体现出独特的油画风格及全新的审美境界。如《扎什伦布寺》。树、房屋、寺院围墙用线进行勾勒,极具中国山水画的气韵灵动。整个画面造型明确,用笔潇洒轻松,意境唯美。

油画造型最基本的手段是块面构成。吴冠中的探索性油画不仅没有忽视块面的造型手段,反而最大限度地使用块面。富于主观情感地用大的块面表现对象,达到画理与情理的结合,表现与再现的和谐。吴冠中的油画既可被视作是一些明朗有力的块面的组合,又可被视为是一些灵动飘逸的线条在画面上的切割与划分。线及面的形式美感表现得十分鲜明,来源于对中国画平涂手法的借鉴与改造,又可在西方现代派某些作品中瞧出端倪。如《忆故乡》,大块的白色与灰色相互穿插,白色的墙,灰色的屋顶,块面的塑造铿锵有力,其中点缀着黑色的乌篷船。被大面积蓝灰色平涂手法而统一起来的画面,使充满朦胧诗意的江南水乡映入眼帘,是画意,是诗境,是乡情!一切尽在不言中!

2、光色的运用和拓展

吴冠中在油画中极少表现直接的阳光及固定的投影,他追求薄薄的云彩遮住太阳时的明亮和柔和,追求阴天的和谐与沉静。他的油画风景吸取传统山水画的特点,采用平光,强调黑白,追求单纯和简练的意境。吴冠中说他个人并不喜爱缺乏意境的形式,也不认为形式就是归宿。采用平光下的色彩,抛弃了印象派对光色瞬间的追求,唤起的是主观心理感受,而不是对外部视觉经验的模仿。吴冠中的油画尽管用色及造型源于西方现代派,但却给人更中国化的美学感受,他牢牢掌握了西方现代绘画中黑白灰之间的整体组织关系。在吴冠中油画风景中,黑白与色彩之间充满着和谐与呼应,这是因为他在汲取西洋的色彩之所长的同时,还深入接触到黑白与色彩之间的有机体结构问题。如《雨后山涧》,用浓重的黑点出山石,用纯白颜料或留出的白底来暗示瀑布,用轻灵透气的灰色表现云烟空旷的远山,这样的笔情墨韵难道不是中国化的审美意识体现吗?由此可以看出,吴冠中将西方现代派的“形式结构”和中国绘画的意境进行巧妙融合,在油画中采用中国画的一些手法,用油画的笔墨和写意的手法着力创造出画面意境。他的油画风景体现了中国传统写意原则的延伸和再创造。作为一个中国人,我们在当下的语境中如何结合中西绘画理论之所长,规避之所短是我们不得不面对和思量的,在这一点上,吴冠中的绘画给我们带来了有益的启示。

绘画作品范文第3篇

2、个人认为欣赏一幅画无论你是赞叹也好，或是给你带来一丝情绪波动也罢，这其实就是你欣赏的过程。虽然你不懂技艺，虽然你没有拿着放大镜看细枝末节，但是你确实已经欣赏了。

3、从专业的角度来说，不同的绘画类型，我们评价和欣赏所侧重的角度是不一样的。比如油画，我们注重的就是形、光、色以及笔触。接下来我以国画为例，介绍一下如何从专业的角度欣赏。

4、中国画首先重气韵，与诗词一样，讲究不能有匠心。所谓气韵，其实就是一种整理的观感、是对生命状态的领悟。

5、中国画再重笔墨。中国画相对而言色彩较少，通常以墨为主，以色为辅，更能突出线条的应用和美感。在欣赏时可多关注作者的用笔。

绘画作品范文第4篇

徐渭（1521―1593），字文长，号天池，又号青藤道人，山阴（今浙江绍兴）人，出身于破落的士大夫家庭，自由博览群书，年长后爱好弹琴、骑射、击剑、学佛习道，对戏曲有着精深的研究。他才华横溢，在诗文、戏曲、书法、绘画等方面都有很高的造诣，徐渭的一生可以说是戏剧化的一生。

徐渭的一生充满悲剧：年纪轻轻，亲人就一个个地逝去；20岁时中秀才，后在科举上屡试不中；37岁时应浙江总督胡宗宪之邀在其幕府任书记，参谋机要，曾献计打败沿海倭寇的侵扰；晚年相对安定，而胡宗宪因涉严嵩案被查办入狱，徐渭因此精神异常痛苦，导致神经失常，多次自残未死，又因误杀其妻入狱从而坐牢7年，出狱后曾应友人邀请赴北方边关游历。徐渭晚年穷困潦倒，靠卖画度日。但从不为当政官僚作画，“有书数千卷，后斥卖殆尽。畴莞破弊，不能再易，至借稿寝”，常“忍饥月下独徘徊”，闭门谢客，只有在张元汴去世时，去张家吊唁。最后在“几间东倒西歪屋，一个南腔北调人”的境遇中以73岁高龄结束了一生。死前身边唯有一狗相伴，床上连一张席子都没有，凄凄惨惨。

当代戏剧学家王长安先生在《徐渭三辨》一书中曾用一首“十字歌”来概括徐渭的一生：“一生坎坷，二兄早亡，三次结婚，四处帮闲，五车学富，六亲皆散，七年冤狱，八试不售，九番自杀，十堪嗟叹！”

二、从绘画作品中品味徐渭的“墨戏”人生

（一）文人画对徐渭绘画作品的影响

徐渭生性高傲，狂放不羁，其坎坷的人生经历是他愤世嫉俗性格形成的主要原因，并表现在他的绘画艺术作品中。如果说徐渭的一生是戏剧化的一生，那么他的绘画作品可以说是“画在纸上的戏剧”。而文人画中对生命的觉解，深深地影响着这位伟大的花鸟大写意画家，他将自己整个生命融入到绘画作品中，成为带有浓厚文人画的杰出代表。

文人画，又称“士夫画”，并非指特定的身份（如限定为有知识的文人所画的画），而是具有“文人气”或“士夫气”的画。“文人气”，即今人所谓的“文人意识”。著名美术家、艺术教育家陈衡恪论文人画，认为“是性灵者也，思想者也，活动者也”，他用“思”来概括文人画的基本特征。明末清初著名的书画家恽南田说：“秋令人悲，又能令人思。写秋者必得可悲可思之意，而后能为之。不然，不若听寒蝉与蟋蟀鸣也。”看一幅《秋声赋图》，如果不能给人以智慧的启示，不如去听寒蝉鸣叫。这些更好地诠释了文人画智慧启迪的重要性。徐渭说自己的画：“百年枉作千年调。”用自己有限的生命创作出对这混乱人世思考的图式，却嬉笑自己是“墨戏”之笔，道出了他的画不在形似，而在于表现他人生的真实本色。正如其现藏于上海博物馆的一幅四米长卷《拟鸢图》中，画心自题“漱汉墨谑”四个大字，把他人生的悲歌用淋漓的水墨泼洒出发自内心深处的叹息。

“墨戏”中崇尚自由创作的精神，在元代文人画代表吴镇身上也常常体现：如他的《秋江渔隐图》题诗中落款所提到的“梅花道人戏墨”，在《芦滩钓艇图》中诗后落款“梅老戏墨”等。被称为“墨戏”的创作方式，最早追溯到北宋二米的“云山墨戏”，而后到徐渭这，成为“墨戏”之法的鼎盛代表，可以说文人画的创作精神深深地影响着徐渭的艺术人生，反过来，徐渭又把其这种精神发展到极致。

（二）徐渭绘画作品中的“戏而非戏”

徐渭用一种“游戏”的心态作画，在纸上为所欲为，而这种“游戏”的心态并非儿戏，而是用大胆、泼辣、乱头粗服的画风，发挥了文人画中以笔墨抒情写意的传统，并结合苍劲奔放的书法题诗，表现他倔强不驯的鲜明个性，体现其绘画作品中的“戏而非戏”。

徐渭的绘画代表作有《墨葡萄图》《榴实图》《荷蟹图》《杂花图卷》等。著名的写意作品《墨葡萄图》，画的不是传统美学中所表现的晶莹剔透的葡萄，而是暗黑的月影下枯萎干瘪的烂葡萄。画中以狂放泼辣的行笔和淋漓酣畅的水墨，画出枝叶低垂掩映着的串串葡萄，用笔似草书之飞动，淋漓恣纵，画上方以奇倔的行草题诗：“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”诗画与书法在图中得到恰如其分地结合，他一生饱经患难、抱负难酬的愤恨抒泄于笔墨中。

除此之外，徐渭的泼墨牡丹，不拘于牡丹的富贵高雅特征，色彩绚烂，却常常以水墨绘之，有意改其本性，用一种“游戏笔墨”刻意营造强烈反差的意象，其目的是赋予牡丹清雅脱俗的格调和神韵，表达对现实的激愤，所谓“从来国色无装点，空染胭脂媚俗人”。他笔下的墨竹，枝淡叶浓，逸笔草草，竹枝气势劲健，形成了一股巨大的审美张力，来表现竹的高洁清爽之气，这正是画家身处下层、怀才不遇、品格高洁、绝世独立人格的真实写照。

绘画作品范文第5篇

关键词：绘画；夸张手法；艺术处理

中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）29-0198-01

一、夸张的概念与作用

夸张也就是强调的意思。简单来说，夸张就是“更”：使原来大的更大，瘦的更瘦，强的更强，弱的更弱等。因此夸张需要一个客体，即一个原本就存在的东西，比如胖瘦强弱，以供夸张。许多人时常误解夸张的意思，他们认为变形夸张就是把角色变得更胖更大或者角色跑的更快，不是这样的。夸张也可以意味着更小，更慢或者更细微的变形，关键就是哪个更加生动。每个形象都有其自身的特征，这些特征使他们看起来和其他人不同。毕竟，我们不是原样照搬生活中的原型，而是在创作一个新的艺术形象。理解了那些镜头里描述态度和行动的形容词，然后夸张化角色们的行为举止，就能使他们变成更生动起来。使这些特征更加地醒目独特，就是夸张的目的。

二、夸张性在绘画作品中的特点

（一）装饰画风格的夸张

装饰画，最早是以线为造型基础依附在器皿或者建筑上的一种画，后面逐渐流行于各种介质之上。装饰画着重于表现物象的形体结构，大多不采用焦点透视或用散点透视用复线或色块来表达平面感。装饰风格的夸张特点是造型极为精炼，画面的物体大多由直线与曲线结合，将对三维空间的表达美化成趋于平面状态。

（二）版画的夸张

版画作为一种独特的美术种类，是人们表达内心里单纯、明快、强烈感情的一种绘画方式。所以其夸张性就表现为色彩上的强烈对比与明暗关系的高度简化，造型设计上的平版化。

（三）年画的夸张

年画的夸张性表现在于构图非常饱满，图形占满整个画面左右对称；角色造型夸张、儿童造型是头大身体小，画面的线条粗犷且粗细相间；色彩鲜艳、对比十分强烈；题材有些以门神为主，气氛严肃庄重，有些以儿童为主，气氛喜庆热闹。

（四）漫画的夸张

漫画是用变形、象征、比拟等手法来表现诙谐幽默的画面，以取得对生活中某种现象的讽刺或赞美的效果。它作为常见的一种美术形式，是用简单而夸张的方法来描绘生活中的事物。所以漫画相对于其他艺术形式而言，更生活化一点。其夸张的意义就是把生活中的某些事物进行大幅度的扩大或缩小，使画面不协调，从而产生幽默感。

漫画的夸张性特点在于情节上的无厘头，画面中的很多事物行为规则都不符合自然界规律。其中比较有代表性的例子当属世界漫画大师莫迪洛的漫画。他的作品反映的都是生活中常见的事物。莫迪洛的漫画风格童趣幽默、天马行空。莫迪洛的漫画画面色彩鲜艳、线条流畅大方，他笔下的角色都有着圆圆可爱的大鼻子。欣赏他的作品犹如置身一个浪漫的梦幻世界。

三、绘画作品中夸张性的表现形式

（一）线条的夸张

线条是构成图像的基本手段，每一根线都有特定的方向、长度、明暗、质感以及在画面中的位置，他们都表现了形体的转折、透视关系，具有概括形体的能力，符合在短时间内抓住物像关键部位和概括其特征的要求。

线有很多象征性的意义，比如直线让人想起大地、天空或者躺下的死者；斜线则预示着危险的来临或运动感；锯齿状的折线让人想起闪电、事故或者纠结的情绪；圆形隆起的曲线象征着流畅与孕育、优雅、成长；互相垂直的两条线说明是人造的结构。所以，绘画作品中线条的夸张也就是从线条的方向、长度、明暗、质感以及在画面中的位置这几点来展开的。

首先是线条方向的夸张，主要表现为曲线、折线、直线。在中国的工笔画以及日本的浮世绘中用的线条大多采用流畅的曲线，从而表现画面的圆润与精巧，有时用来表现女性的温婉。

（二）色彩的夸张

绘画作品中色彩的夸张，就是指在美术创作中，在一个物体固有色的基础上进行色彩的加深、减淡、或者变色等处理，从而达到一定的情感诉求。

（三）结构的夸张

画面中的结构，就是构图。构图就是作者想要把几个零散的元素组织成一个有意义的整体的过程。构图就是让线条跟形状构成一幅画面来表达某种情感诉求。 通过构图，作者将画面中最有趣的元素放在观众视野的焦点上。运用构图原理，让各种不同大小、不同形状、不同色调跟质感的对象有机的联系起来。

绘画作品中构图包括三个要素，布局、大小和对比。