大艺术家歌词

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大艺术家歌词范文第1篇

摘要：作为听觉艺术的音乐和作为视觉艺术为主要表现形式的绘画，两种艺术门类形式不同、表现不同，在保存着各自艺术特点的同时，又有着相辅相成的艺术魅力。本文试图从音乐艺术和绘画艺术的特点入手，分析两种艺术门类的分有，从中窥探视听艺术的相同和相异，并在艺术欣赏和艺术体验中感悟其异曲同工之妙。

关键词：艺术门类；音乐艺术；绘画艺术；艺术欣赏

[中图分类号]：J602[文献标识码]：A

[文章编号]：1002-2139(2012)-10-0090-01

从远古的巫术礼仪开始，艺术就在不同的艺术门类下发展，逐渐形成了以视觉艺术、听觉艺术、视听——想象艺术为主要艺术门类的艺术体系。不同的艺术门类有着不同的欣赏过程，但对我们进行艺术感受和审美感知却有着异曲同工之妙。

一、魅力的听觉艺术——音乐艺术

“凡音者，生人心者也。情动于中，故形于声，声成文，谓之音。”音乐，是最心灵化的艺术。音乐通过由乐音组织而成的旋律，可以最丰富最细腻的表达人们的情感世界的复杂变化。

提起音乐，我们不得不从音乐最本初的性质谈起，即音乐是什么？它的本质和作用又是什么？对此几千年来有着众说纷纭的见解与论说。“如果仅仅从物理学角度来说，音乐不过是以音响为基本素材构成的艺术。但从生理心理学角度，音乐则是通过音响作用于人的听觉，从而影响人的直觉、感觉，甚至通过音乐影响人的情感和思想。所以音乐足以成为人类情感自我抒发相互交流的一种形式，也是人类自我娱乐的一种手段。”以上定义仅仅是从音乐的物理学角度来解释，而艺术作为人类艺术和情感表达的一种门类，不能仅仅只从物理学角度来表达和定义，我们还要从音乐本体论的角度探寻，音乐从其人类学、社会学的角度来归纳，音乐是人类本性的表现，是人类最本真精神的表达，也是人类文化艺术的结晶。

音乐艺术与其他艺术的不同是当它不与歌词或者文本、标题等音乐以外的因素结合而完全独立时，此时音乐不再具有歌词或文本赋予的强烈的昭示感，转而它变成了最抽象和不可捉摸的。此时摆脱歌词和文本束缚的音乐是在表达着什么，听者只能凭借自己的感觉去理解和感悟。这就是音乐物理本性的一种特点，音响本身不具备如文字、图像等其他艺术的确定性和具体性。音乐的感受可以以激情冲撞每个人的胸怀，但是无法用定义来描述。音乐所涤荡的情感是多方面的，带给我们的感受是整体的全面的甚至神秘的不可莫测的。故音乐作为最丰富最细腻的表达人们情感世界的艺术形式，是最奇妙和充满魅力的听觉艺术。

二、视觉的召唤——绘画艺术

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是一门运用线条、色彩等艺术语言，通过构图、造型和设色等艺术手段，在二维空间里塑造出静态的视觉形象的艺术。

绘画艺术作为造型艺术的一种，凭借线条和画面来表达一个瞬间，一个层面，一个具体或瞬间的场景。主要从视觉艺术上表达艺术家的情感，并通过视觉关照对绘画艺术进行欣赏。它的审美特征首先体现出了造型性和直观性。绘画艺术是艺术家用线条、色彩在平面里塑造形象，以直观的视觉感官来感受的艺术形式，并用来表达艺术家的情感体验和艺术理念。绘画艺术具有直观性和确定性，是视觉艺术门类的艺术代表。

三、音乐艺术和绘画艺术的异同

1、音乐与绘画艺术的同功之妙

音乐艺术和绘画艺术作为视听艺术的主要表达形式，具有各自不同的特点。但归结于艺术门类的范畴之内，两种不同艺术形式却有着相同艺术特点和艺术功效。

首先，音乐艺术和绘画艺术都是艺术家表达自我情感的一种方式。音乐艺术家通过音符、音乐的表达来传达自我情感，绘画艺术家则通过线条和色彩来表达自我感受。艺术家通过自身的艺术素养和对生活的理解感受。欣赏者对艺术品进行关照和欣赏，从而产生了审美感知和艺术理解，欣赏者和艺术家通过艺术作品进行情感交流和传达。所以，作为不同的艺术门类，无论是视觉艺术的绘画还是听觉艺术的音乐，都是艺术家自我表达情感的一种方式。并借助其作品达到和欣赏者传达和交流感情的目的。

其次，艺术作品通过其自身的特点在表达情感的同时达到鼓舞人心和宣泄情绪的艺术功效。作为听觉艺术的音乐，许多优秀的音乐作品其激昂的音乐符号给人激荡的情感体验，最后达到鼓舞人心的作用。而作为视觉艺术的绘画，许多表现现实社会和真实情感的作品，在静态中表达了动态生活的永恒。虽然表达形式不同，但作为艺术启迪心灵，激发感情的作用是相同的。

艺术家凭借不同类型的艺术媒介来表达和宣泄内心的情绪和情感，使最终创作的作品具有了感召的力量。在艺术品长存的过程中，艺术品被不同的欣赏者欣赏，从而产生新的涤荡情感的力量，这些力量或鼓舞人心，或交流情感，此时艺术品成为了一把有力的武器，起着宣泄情感和涤荡人心的艺术功效。

2、音乐与绘画艺术的相异之处

音乐艺术作为听觉艺术的主要表现形式，和作为视觉艺术的绘画，在艺术门类的分化之中，虽然具有相似的艺术作用，但艺术表达上有着明显的不同。

首先，艺术表达媒介不同。作为听觉艺术的音乐，通过其物理的音响载体、音乐符号传达情感，是一种不确定性的听觉艺术。绘画艺术是借助线条、色彩等组成确定性的视觉画面来表达情感的艺术形式。

其次，欣赏方式不同。作为听觉艺术的音乐主要通过具有音乐的耳朵来对音乐进行欣赏。马克思在《1844年经济学哲学手稿》中所讲，“对于不辨音律的耳朵来说，再美的音乐也毫无意义。”作为视觉艺术的绘画，则是通过对线条和色彩的辨析与理解对绘画进行体验和感悟艺术家所传达的思想和境界。

第三，音乐艺术和绘画艺术带给受众的情感冲击不同。视觉艺术具有确定性的视觉冲击，给人以直观的艺术感受。如果不借助歌词等文本，单纯地从音乐声响来欣赏，音乐艺术具有一定的神秘性和强大的冲击力。那流淌的音乐带给欣赏者瞬间的艺术冲击力，有时候会超越静默的视觉欣赏。这种不确定的冲击力，涤荡起的审美感受具有更强大的力量。

音乐艺术和绘画艺术作为艺术门类中的一种艺术形式，虽具有鲜明的不同但在艺术欣赏中常常被联觉运用，在审美艺术范畴之内，往往具有不可分割的艺术效果和艺术效应。艺术的历史源远流长，艺术的门类纷繁林立，在我们探索艺术的世界时，时刻把握艺术门类的特点，进行有的放矢的艺术欣赏，对于我们遨游艺术海洋有着如鱼得水如虎添翼的艺术效果。

参考文献：

大艺术家歌词范文第2篇

一、培养音乐素养的重要性

根据美声学派的美学原理“音乐之中，歌词为先，节奏次之，声音居末”。歌曲的艺术表现在于透过声音表达出蕴含在整部作品内部的艺术内容和境界。如果歌唱时表情不是发自内心，只是装腔作势，卖弄技巧，自我表现，这样的歌唱只能说是浮光掠影，形似而神不似是不会感动听众的。

塑造歌剧中的一个人物形象，并非易事，而艺术歌曲的表达，尤为深刻。国画中都要在画旁题几句诗，以说明画中有诗，诗中有画这个难以了然的境界。艺术歌曲也一样，也就是它的音中要有诗，诗中要有音，珠联璧合，音乐与诗的配合浑然一体，难以分离。如果歌唱者对诗词和音乐，仅是表面的感性认识，不作理性分析，那就很难表达出作曲家的要求和歌曲的意境。

艺术表现发自内心，思想境界高尚，则艺术品味也高，要成为艺术家除掌握声乐知识及中外曲目外，更重要的是学会如何做人、处世、接物，对人类有伟大的同情心，对善与恶、是与非要有明辨的能力，既要有崇高的理想，又要有高尚的情操，这样，在表达一部作品时才能精确地表现出其真正的艺术价值。

美声演唱是一门综合艺术，必须具备广泛而深厚的音乐素质。除了掌握必备的演唱技巧外，还必须有丰富的知识，较深的社会阅历和正确的艺术观等。

二、从相关的艺术中吸取营养

从事艺术的人，知识要渊博，如同金字塔一样，下面堆得宽广，上面才能高精尖。如果一个歌者在文艺领域中只懂得音乐、在音乐中只懂得声乐，在声乐中只学到练声，在练声中只追究求练“高音”，这样便是方向错了，钻进了死胡同。知识贫乏，就像电线杆一样谈不上高精尖，又如何能攀登艺术的高峰呢？

从事声乐艺术的人应多读诗词、文学名著。这些经典著作中，精采的段落应能背诵。“熟读唐诗三百首，不会作诗也会吟”，诗歌和文学经典著作读多了，便会加深对诗词作品的理解，自然能分析人物的特征形象。这样，在塑造歌剧当中的人物时，就可以做到心中有数。还要多听音乐会，多听名家的演唱，琢磨他们的歌唱发声方法，观察他们的艺术表现。要常看歌剧表演，听器乐演奏。此外，也应经常看电影、观赏绘画、参观画展以及各种艺术展览。

因为一个人的直接生活经验是十分有限的，善于从其它形式的相关艺术中吸取营养，不失为一条丰富音乐知识加强音乐素养的良好途径。其它形式的艺术作品，也是艺术家们根据生活而创造的成果，其中不乏对生活中的各种经验的描述和体验，善于向其他的姐妹艺术学习，一来可以丰富自己的生活积累，二是可以观察其他艺术家们是如何体验生活描述生活的，并从中得到启迪和感染。从而进一步加强自已对音乐语言和歌词的文学语言的理解和把握能力，加深欣赏能力和演唱的深度。

三、准确把握作品的内涵

声乐表演是二次创作，也就是说，声乐表演必须以一次创作即声乐作品为依据。歌者首先必须认真地读歌词，理解歌词表达的内容。把握歌词所蕴含的情感基调，是悲是喜，是痛苦还是欢乐，细细体味剧情发展变化的脉络及深刻的内涵。有造诣的艺术家总是以认真地研读作品、仔细琢磨、反复推敲作者的原始情感为出发点，从而达到对作品的准确传达和提高再现。其次，要准确地、仔细地反复读谱、反复小声的哼唱，认真地不随意马虎地对待每一个音，搞清楚作品的体裁，音乐的基本风格，作者的创作意图等等。

再次，分析作品中的角色，作好歌曲的处理设计。拿到一首不熟悉的作品后，要看其是歌剧选段，还是艺术歌曲或创作歌曲，或是哪个国家的民歌。如是歌剧还必须了解整部歌剧的剧情梗概、弄清楚时代背景、故事发生的时间、地点、所演唱角色的性格特点，人物之间的关系及内心活动、角色的生活氛围等等，从而把握住角色的气质和表演分寸，准确地塑造剧中的人物形象。

四、注重演唱中的声情并茂

声，即为声音和技能、技巧。美声唱法又有“靠前”的声音和“靠后”的声音，在好的声音中还出现了面罩共鸣、头腔共鸣、胸腔共鸣等等方法。情，则是将声音推向更高一个台阶必不可少的过程。情的表现则需要演唱者将自身的思想、人生体验、文学修养揉合在一起表现出来。以达到闻者知其声，观者动其情的地步。如戴玉强在美声的基础上融入了通俗的演唱方法，使他的声音包容在他浓浓的情感之中，就说明了无论何种演唱方法都离不开情的处理。以情代声可以掩盖声音上的不足，可以唤起

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听众的情感共鸣。可以想见，一个有着好嗓子的人，演唱的歌曲达不到以情代声的声情并茂，只能算是一个匠人、一个歌者。说白了就如机器人，一台录音机，只不过是记录了音乐的经过，不能算是真正的演唱者。美声的美就在于演唱者的声音被扩宽之后的情感和技巧的处理。以及能准确地诠释歌曲的情感走向。

大艺术家歌词范文第3篇

【关键词】西方近代艺术 巴洛克艺术 艺术文化

【中图分类号】J53 【文献标识码】A

【DOI】10.16619/ki.rmltxsqy.2016.23.018

巴洛克，欧洲早期艺术文化的风格代表，这个词语最早来源于葡萄牙语（BARROCO），意思是“不圆的珍珠”，尤其特指形状怪异的珍珠。在意大利语（BAROCCO）中，意思为“奇特、古怪”等解释。在法语当中，“Baroque”称为形容词，有“俗丽凌乱”之意。在17世纪的欧洲，无论是建筑、绘画、还是雕塑、音乐，都具有巴洛克倾向。因此，将色彩斑斓的17世纪说成巴洛克时代也并不为过。

“奢华而充满戏剧性地”巴洛克绘画

巴洛克时期的绘画艺术被分为三个时期：17世纪的西班牙绘画、弗兰德斯绘画与荷兰绘画。在这三个时期里，服饰奢华的描绘、人物形象的冲突、豪华风格的宫廷等风格，最能体现巴洛克艺术文化的精髓。

17世纪是西班牙绘画史上的黄金时代，被誉为“西班牙的圣母画家”牟利罗便是这一时期的代表人物。牟利罗在15岁左右失去双亲，成为孤儿。为了抚养比他还小的弟妹，他依靠绘画的才能，到集市上靠画即兴的速写赚钱养家。通过自己的勤奋，牟利罗被画家赏识，开始了自己的绘画艺术生涯。

早期的牟利罗以生动的风俗画为主要内容，大量的作品描绘了下层人民生活的场景，这与他少年时代贫苦生活、赚钱养家的生活经历有着密不可分的关系。《吃葡萄和甜瓜的孩子》可以说是他的重要代表作品之一。

之后，牟利罗的画作转向以圣经故事为题材的宗教画。在创作过程中，他善于把握色彩和光线，绘画技法细腻、柔和，将绘画表现出圣洁而又甜美的艺术风格。《圣母纯洁受胎》是牟利罗最具代表性的画作，画面当中一位纯洁的圣母目光高举，容貌清秀，双手缓缓交叉于胸前，在梦幻般的光线照耀下，显得神圣而庄严，众多天使簇拥在圣母的周围，形态生动各异，让画面显得圣洁而又平易近人。

弗兰德斯，最初包括荷兰和比利时的西南部，受西班牙统治，之后荷兰首先独立，同时弗兰德斯也就不复存在。在弗兰德斯绘画中，被称为“欧洲第一的巴洛克绘画大师”的鲁本斯是该时期最具成就的画家之一。他的作品《抢劫留西帕斯的女儿》《上十字架》《复活》《爱之园》等，至今仍然影响着世界绘画艺术的发展。

绘画作品充满戏剧性人物冲突，描绘人物形象以女性最有特色，是鲁本斯绘画的主要特点。海伦・富尔曼是鲁本斯的第二任妻子。鲁本斯常常以海伦为模特进行创作，其中体态丰满、肌肤白皙、富有女性质感的样貌将海伦描绘得貌美娇艳，令人为之倾倒。

鲁本斯的一生创作丰盛，他的作品对19世纪早期的浪漫派绘画产生了重要的影响。戏剧性冲突、人物形象姿态夸张、宏大的场面都充分体现出强烈的世俗甚至异教倾向，而正是这一特点使鲁本斯成为当时全欧洲文化风行的巴洛克艺术的主要代表。

既不豪华、又不艳丽的坎坷画家伦勃朗则是荷兰绘画中当之无愧的一位伟大艺术家。他的一生留下600多幅油画、300多幅蚀版画和2000多幅素描，以及100多幅自画像。在他的肖像画和人物构图中，他善于以概括的手法表现人物性格，擅长用聚光及透明阴影突出主题，而且还运用细腻的笔触表现对象的质感，这些特征成为伦勃朗绘画的重要特色。

“时代的宠儿”之巴洛克雕塑

历史上，巴洛克艺术曾被人诟病为仅是愉悦视觉的颓废的艺术。而我国著名的翻译学家、美术评论家傅雷在《世界美术名作十二讲》里却认为：这是在一个伟大艺术时代以后不可避免的。前人在艺术表现上已登峰造极，后来的艺术家除了求新外，别无可能自显。雕塑艺术的发展，也成为巴洛克艺术文化中不可缺少的组成部分。

巴洛克雕塑的主要特点为造型不对称，热情奔放，技法娴熟，装饰华美繁复，不仅有温热的肉体，还有轻盈的绸缎。在当时那个年代，尤其以意大利和法国的成就最为著名。正如谈论文艺复兴时期，离不开“意大利三杰”一样，谈论雕塑也绝绕不开贝尼尼这位家喻户晓的雕塑大师。出生在艺术家庭的贝尼尼天资聪颖、艺术天分高超，8岁时的作品就受到教皇赏识，少年成名的他拥有很高的荣誉，因为那时的意大利，艺术和艺术家拥有至高无上的荣誉和来自世俗、宗教甚至百姓的尊重。

由于长期供职于教皇，为宫廷服务，贝尼尼以肖像为题材的雕塑居多。《狂喜的圣泰莱沙》就是巴洛克艺术文化当中的典范之作。这座雕像旨在于表现圣女泰莱沙在领悟天意时刹那间的狂喜。到了贝尼尼创作晚期，他曾被法国国王路易十四邀请到法国参加对卢浮宫的设计，但这时他的雕塑显现出一些程式化倾向，大量世俗审美情趣的渗透，使作品缺乏灵气和创新。

贝尼尼，这位有着积极精神的巴洛克艺术家，其一生光辉灿烂。他的优秀作品具有很高的现实主义意义。贝尼尼的伟大在于他确定了巴洛克雕塑的时代精神风貌。同时，他也是一个多才多艺、颇具才华的建筑家。他不仅可以为贵族、伯爵建造教堂、陵墓，而且还可以为剧院添置布景，为音乐谱写旋律，为剧本撰写作品等。他对那个时代的影响在历史上是无人能与之匹敌的。

欧洲古典音乐的前身之巴洛克音乐

音乐作为一门独立的艺术，开始于16、17世纪之交的意大利，当时出现了一种新的表演形式，即以音乐伴奏演唱一些神话故事――这就是歌剧的起源。后来，随着歌剧的缓慢发展，音乐也逐渐得到了发展。

最初的意大利歌剧是巴洛克音乐的重要载体。换句话说，巴洛克音乐是随着歌剧的产生而产生的。在创作歌剧的过程中，当时的作曲家既要发挥音乐的功能，又不能因此而湮没歌词。为此，他们采用新的音乐形式，使之具有提高歌词戏剧效果的作用。这样，就有了最初的宣叙调，以及后来的小抒情调和咏叹调。

清唱剧是巴洛克音乐的重要组成部分。它与歌剧不同之处在于演出时不需要专门的服装和布景，也没有戏剧动作，主要靠歌词演唱，简单的情节是靠解说者叙述的。最初的清唱剧演唱的地点主要是教堂，而并非剧院或音乐厅。这与当时的音乐文化存在着紧密的联系，因为当时人们生活的大部分时间会去教堂进行祈福和祷告，有的时候，开会也会在教堂进行，所以教堂成为人们生活的主要场所。清唱剧进入教堂，给人送来欢乐，带走悲伤，所以音乐文化慢慢地就在教堂里面开始传播，并将美好的音乐传到每个人的心里，让更多的人们来到教堂欣赏音乐。

小结

大艺术家歌词范文第4篇

李晖：我现在车子里放的自己做的音乐，我理解Hip Hop可以分两种，一种是强调音乐、节奏，有一种主要是歌词、内容，旋律只是辅助，内容带来力量。昨天我听到没有过多的内容，因为不强调内容，强调的是音乐的本身的元素，很单纯的。所以原则什么样的方式，有这两种，也是偏内容另外一个不是形式，在深挖作品的时候，会走出两条线索，一个是靠内容取胜，一个靠艺术本身取胜，不是抨击现实的问题，是艺术本身的问题。《当代艺术》：这个作品给人的感觉，看似跟人的距离有点远，实际有一个人主动性在里面。

李晖：当然，你提到观众可以参与，可以去发现，因为作品的每一个角度都是不同的，尤其是你站在镜子前面。镜子这个东西，在中国古代哲学里面，经常出现的，我觉得不太一般的是，禅宗对这个，“明镜亦非台，本来无一物，何处惹尘埃”镜子本身有这个作用，镜子有很多你看不到的作用。展览现场如果没有观众，这个作品看起来则的是很简单的，也有点神秘。

《当代艺术》：您是如何发现镜子和灯光的关系?

李晖：镜子和灯光肯定会发生关系，我做这个作品，想看看能呈现出一个什么样的状态。在构图上，一进门作品就在中间，有一点仪式感，这是我比较惯用的方法。

《当代艺术》：之前有一个作品，早期的车之类的(注：《双头吉普》)，那个时候是强调一个作品，一个物象，现在有一些作品跟环境结合，跟空间结合，包括用气雾烟之类，请问你对整个空间的结构的关系之间的看法?

李晖：我觉得是一个脉络，做装置做雕塑，思维方式不一样，完全是三维的东西，空间是你作品永远存在的。而不是说地面的概念，也不是墙面的，是空间的概念，所以空间在这个里面，已经变成了一种思维方式，你要怎么分配空间，要怎么利用，空间对你的挑战，你怎么回应，我觉得这个是真正装置艺术家(要关注的)，可能让别人觉得这是布展的事，不是艺术家的，我觉得这个恰恰是最重要的。

《当代艺术》：您是不是在创作的时候，改变新鲜感，突破新鲜感。李晖：新鲜感是独特的，一定要有自己的方式，艺术家最可怕的是重复别人，必须要有自己的(东西)。

《当代艺术》：您的作品在创作的过程，有没有告诉观众，有一个线索，因为早期看到有一些作品，跟您现在的不太一样，您有没有一个规划，或者是说有一个长期的想法，发展自己创作的脉络?

李晖：每个艺术家都在想，这个问题重要不重要，我现在不能判断，因为所有人强调想法要有脉络，作品要成体系。比如大家都在书本上看到一句话都觉得正确，但是我觉得那句话本身没有什么意义。你成不成体系，对别人可能没有什么意义。只对跟你发生关系的人或者方面有意义。

《当代艺术》：谈谈你对音乐的一些想法。

李晖：我不是研究音乐的，我只是听，我作为一个听众，就能想象到别人看的我的作品什么感觉，因为我不专业但我知道我能听懂什么，艺术并不神秘，每一个观众，都可以看懂，我觉得这是最重要的，因为首先你的作品，信息量要足够，要做得非常直白，你做的是1+1=2，得不到3，这也是我一直在想，为什么一个过程以后，你做作品会越来越简单，或者是更多的是想法，慢慢的趋于抽象，这是有规律的，因为你想得到你想感动别人得更多，我觉得是这样的。因为很多大师，到老了以后，没有那么多理论，就是靠直觉，我觉得他对艺术和创作的直觉，是不能总结出来的，就是属于他的。但是我30多岁，就能达到这样，那是不可能的。我觉得这个可能是一个方向，你慢慢追求，你知道奔哪个方向，大概感觉是对的，是好的，你要是给自己设定线索了，就是在限制，这是给自己下定义，比如说我是研究批判主义的，我的所有东西都要批判，都要批判现实，这就是给自己下定义，给自己挖陷阱了。我觉得肯定是不对的。

《当代艺术》：您乐于见到您的作品而解读的那个范围超过了您自己预期的范围这种事情发生，您是怎么想的?李晖：每一次都发生，从我做第一次作品，一直到现在，这种感觉都有。所有人解读跟你想象不太一样，我只是站在我自己的角度，别人不可能站在你的角度，站在你的角度，你让他感受，他也感受不到，这是一个很正常的。

《当代艺术》：您作品形式上的导向性，您觉得强吗，有故意设置一个东西，让大家进入您创作的那种状态?李晖：我这个里面做了很多，漆黑的空间，我觉得那是批评，很多人批评我，玩效果。

大艺术家歌词范文第5篇

Wild Style （1983 美国）

导演：查理·埃亨

制片人：查理·埃亨

编剧：查理·埃亨

摄影师：克利夫·戴维森、约翰·福斯特

配乐：法布·费夫·弗雷迪、克里斯·斯坦、街舞团体磐石帮、嘻哈组合冷冻粉碎兄弟、闪手大师

演员：Easy A.D. A.J、全能K.G、帕蒂·阿斯特、忙蜂、

70年代后期，纽约布朗克斯那些贫穷少数种族家庭里出生的孩子编出了一套新式舞蹈：动作不连贯，以节奏为中心，伴舞的曲子无论旋律还是伤感的歌词都充满韵律。拥有褐色的皮肤才好融入，来自同一街区的人才会得到尊重。由一个DJ选择音乐，一个MC连贯这些音乐，同时对着舞者和观众们一通评说。经济上被剥夺权利的年轻人在纽约的大楼外墙、地铁列车和巴士车站到处涂鸦，于此同时Hip-hop文化诞生了。