古典主义音乐特征
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古典主义音乐特征范文第1篇
在西方音乐史中，古典主义乐派与浪漫主义乐派在整个音乐发展进程中，占据着醒目而重要的位置。纵观起来，二者有袭成的一面，但同时因为所处时代的不同，各自又具有着不同的音乐风格特征。
古典主义时期
西方音乐史学家通常将巴赫到早期的贝多芬的音乐称为“古典音乐”（Classical music）。包含着优秀的、第一流的、标准的、经典的词意[1]。古典音乐时期或称音乐的古典主义（Classi cism，亦译：古典风格、古典崇拜），通常指由海顿、莫扎特和贝多芬共同在维也纳形成的“古典乐派”的风格，其代表性作品对当代或后代的音乐家都具有经典的意义。
十八世纪中叶，随着工业革命、科学技术的发展，在启蒙主义思想的传播和法国大革命的巨大冲击下。欧洲社会发生了深刻的变革。在新旧社会的交替过程中，西方音乐呈现出复杂的面貌。此时，音乐艺术的欣赏者不在局限于上层社会，新崛起的中产阶级纷纷涌向剧场和音乐厅，提出了新的文化需求。因此，先前的音乐风格不再能取悦人们的耳朵，巴洛克音乐的风格逐渐发生变化。这种变化表现在两个方面：先是庄严宏伟的巴洛克音乐风格变为华丽纤巧的洛可可风格，然后是单一表情的巴洛克意识变为变化多端的动情风格，这些变化都为古典音乐的诞生准备了条件。
十八世纪的奥地利首都维也纳，是欧洲的一个音乐文化中心，也是古典音乐的发祥地。当海顿还在童年时期时，维也纳的先辈作曲家们就已经写了不少初具规模的交响曲和协奏曲，可以说他们都是近代交响曲、协奏曲、奏鸣曲的辛勤哺育者，在音乐史上有不可磨灭的功绩。但这些主调音乐体制的奏鸣交响套曲，只有到了海顿、摸扎特和贝多芬手里才臻于成熟。他们一方面接受了资产阶级启蒙思想的影响，另一方面汲取了各国先辈作曲家的创作经验，写出了形式严谨、内容深刻，形式和内容高度统一的各种器乐和声乐作品，成为后世音乐的典范。
古典主义崇尚理性，讲究感情约束及和谐均衡。作为一个历史时期，古典主义乐派的音乐特征有：1、使大、小调体系得到了充分的发展。对于大、小调范围内主和弦、下属和弦及属和弦的功能性和声使用的手法相当丰富而又有变化。2、主调织体占据重要位置，从而旋律成了最重要的织体成分，低音及和声仅起伴奏作用。此时，创作乐思基本上是主调和声思维，应用功能和声的原则，有时又广泛地运用高度发展的复调对位技巧，将两种技法结合起来。3、旋律结构不同于巴洛克时期的流动状态，常常是方整的；节奏形成了周期性结构。由于受德奥民间音乐与民歌的影响，常使用八小节、十六小节的乐句或乐段的对称性的旋律与节奏结构，使乐曲的旋律与节奏具有清晰的对称性、周期性，表现出古典音乐风格均衡，稳定的特点。4、主题擅于动机式发展，力度有了渐强、渐弱的细致安排。[2]
在这里需要指出的是，古典主义乐派的作品不同于古典主义的文学和绘画，他们倾向于重感情的“狂飙运动”精神，而不是理智地拘束于形式的规范化，将音乐表现冷漠化。他们具有理性和逻辑思维特征的庞大的音乐构思，各种音乐主题动机发展手法的创立，严谨而灵活的形式结构的运用，都是为了深刻的表现丰富而多样的感情内容。他们以炉火纯青的技法、自然流露的感情、崇高深邃的哲理性思想、严谨而完美的形式结构，体现出具有经典意义的古典音乐风格，这是无庸赘述的，维也纳古典乐派的作品，通过大量的乐谱印刷和复制，各种音乐会演出的广泛传播，在西方各国和东方一些国家，形成一种传统而延续至今。
浪漫主义时期
浪漫主义（Romanticism）一词，源于拉丁文Romance，指用拉丁语系中罗曼语(Roman)写的中世纪一种称为“传奇”的民间文学体裁。作为艺术流派，浪漫派（Romantic）是英国于1659年开始最早出现的一个名词，十七世纪末运用于法国、德国。十八世纪，它通常作为“野性的”（Wild）或“幻想的”（fanciful）的同义词普遍使用[3]。十九世纪初，它的派生词（Romanticism）浪漫主义出现，才专指艺术与思想的一种潮流。浪漫主义是十八世纪末和十九世纪初欧洲资产阶级民主革命和民族革命时期的一种文艺思潮，它的特征是追求个性解放、强调抒发个人感情，反对拘泥于形式，凭理智进行文艺创作。音乐上的浪漫主义运动稍晚于文学，浪漫乐派音乐强调个人的自我表现，是一种个性化、理想化、富于诗意的感情重于理智的音乐。欧洲的浪漫乐派大致可以分为三个时期：早期（1820―1850），代表人物有韦伯、舒伯特、伯辽兹、门德尔松、舒曼、和肖邦；中期（1850―1890），代表人物有李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等人。在这需要指出的是，中期的浪漫乐派比早期的更加热衷于表现个人的主观情绪，兴趣也转向交响音乐和歌剧等大型体裁；晚期（1890―1910），这一派作曲家主要是德国人和奥地利人。代表人物有沃尔夫、等[4]。
浪漫主义乐派的音乐风格对古典主义来说，有革新的一面，也有承袭的一面，它的音乐特征主要是：1、以调性音乐为主，由于半音和声及远关系转调的频繁运用，已有调含混之感。2、和声是重要的表现手段，在功能和声的基础上加强了色彩变化。3、在音乐旋律的创作上强调其抒情性，乐句结构的伸缩性很大。4、配器手法迅速发展，作曲家门探索各种乐器组合的可能性，力图取得绘声绘色的效果。[5]
同浪漫主义诗歌、绘画一样，浪漫乐派音乐侧重于感情，理性属于次要地位；侧重于作曲家主观的生活体验，内在心灵世界的描绘，强调个性与个人情感的表现，以自传式的写法和自我为中心的感受占据主导地位，追求富于幻想的、鲜明的音乐色彩。他们喜欢传奇性、虚构性的题材和音乐形象来体现作曲家的艺术理想和生活愿望。大自然的景色和魅力，是他们经常获得灵感的源泉之一，带给他们丰富的艺术想象。触景抒情或借镜抒情，是他们的创作特点；在作品中重视和反映民族的特点，强调在民间艺术中寻取创作素材。
总之，做为西方音乐史中两支重要的乐派，他们都表现出各自的音乐特征，浪漫主义乐派音乐是古典主义乐派的继承，但又有它全新的一面。
注释：
[1].[3]黄腾鹏.西方音乐史[M].甘肃 敦煌文艺出版社.1994，5
[2]张洪岛.欧洲音乐史[M].北京 人民音乐出版社. 1983，10
古典主义音乐特征范文第2篇
他的钢琴音乐创作对整个西方音乐有着重要的作用，文章通过列肖邦钢琴作品在艺术特色和演奏特征两方面的阐述，着重分析肖邦钢琴作品在音乐思想与演奏方法上的特色。
关键词：艺术特色 艺术形象 演奏特征 演奏 钢琴作品 声音
精神分析学说诞生时是作为一种简单的精神病学方法，其理论基础极其薄弱，然而在20世纪头十年里，精神分析就已确立了自己的一般心理学理论，这一理论重新阐述了人的精神生活的各个方面。如艺术、宗教、以及社会和政治生活的现象。所以，精神分析的这些般心理学和哲学的理论渐渐从这一学说的原始的，纯精神病学的内核中扩展，逐渐形成了自己的文化哲学。
弗洛依德认为在人的心理过程中起决定作用的不是人的意识和理性，而是“无意识”，人的本能欲望受到压抑，存在于心灵的最底层也即存在于无意识中。人的整个机体是一个能量系统，而在人的心理过程中起决定作用的是人的心理能量。它有时以社会所能认可和接受的形式显示出来，使这种无意识发生转移，而艺术创造和想象，对艺术的欣赏和体验就正是这种转移的结果和产物。本能中的无意识转入到意识领域，人在这个过程中得到真正的愉悦和满足。
弗洛依德的精神分析学说对现代派文艺产生了巨大的影响，在音乐领域也不例外。不少音乐理论家创造性地采用其中的无意识理论对一些音乐作品(尤其是浪漫主义以后的作品)进行了深入的分析其中以瑞士音乐学家恩斯特・库尔特(Ernst Kurth，1886-1946)和奥地利艺术理论家安东・埃伦茨维希(AntonEhrenzweig，1908-1 966)等人为代表。
以库尔特为例，他认为，在包括音乐在内的艺术中，存在着无意识与意识之间(也即理性与非理性之间)的某种对立。这种对立，在不同的音乐思潮中情况是不同的。在古典主义音乐中，意识和理性占据主导地位，而在浪漫主义音乐中无意识和非理性则占了上风。
库尔特是从世界观的高度来阐释古典主义音乐的，认为它是建立在意识清醒的理性主义的基础之上的，“古典主义的艺术，在其世界观中发现了一种使张力平静下来的和谐……转向光明和美感的强调。这种古典的宇宙观诞生在意识力战胜下意识力的完美的胜利感之中。”古典主义音乐正是在对自身要求充实和完善中，在对英雄气概的赞扬中表现了人类的尊严，伟大和自信。
随着19世纪初叶欧洲社会情势的变化人们逐渐失去了对清醒意识的信任，原有的理性主义世界观同社会心理力量之间的平衡开始受到冲击，直至被打破，这便构成了产生浪漫主义思潮的心理基础。当古典主义发展到顶峰时，这种转变不可避免，在过渡过程中，两种艺术倾向不是相安无事，而是在较量中充满了发自内心深处的骚动。作为这两个潮流之间的伟大的过渡人物，贝多芬的功绩便在于他把这两种艺术潮流融为一体，将古典主义音乐推向顶峰，为新的浪漫主义音乐开创了先河。
浪漫主义音乐不同于古典主义音乐的一个重要标志在于心灵深处无意识领域的非理性心理内容侵入了音乐机体，并占据了这个乐派的主导地位。浪漫主义音乐在从无意识的内在心理能量向感官可以把握的外在音响形式转化的过程中，对古典形式从内向外地进行瓦解，扩展，逐步与原来的旧的形式分离，使古典主义音乐理性化的、严格的形式受到冲击，最终实现突破。浪漫主义精神也推动着自身同其他艺术门类，特别是诗歌的密切融合。这不仅导致了艺术歌曲的繁荣和标题响诗的出现而且最终导致全面显露浪漫主义艺术特征的乐剧的诞生。
在对弗洛依德精神分析学说及一些受其影响的艺术理论家的研究中，我发现他们在一定程度上都建立了自己的一套较为完整的逻辑但是，这些理论也存在着不同程度的缺陷(如弗洛依德将人的心理过程和行为根源归结到性本能的偏狭结论，弗洛依德追随者对其理论应用的部分牵强之处等等)。诚然，从理性主义向非理性主义转移是20世纪哲学思潮中最明显的特点之一，这转移应当说最清楚不过表现在弗洛依德精神分析的崛起上面。然而，我个人认为，对其理论的应用应采取审慎的态度，不能因为弗氏理论影响的深远就对其理论不加选择地全盘采纳。
我们可以发现：几乎一切创造性的音乐思维，一种新的音乐风格的诞生，在最初多是来自无意识深层心理，因而总是被视为“反常”但随着其自身的发展，它逐渐被理性所控制不断规范化，最后走向有意识，成为一种稳定的，一个时代所特有的历史风格。纵观音乐发展史，无论是文艺复兴初期的弥撒曲，还是巴洛克初期蒙特威尔第的牧歌，拟或古典主义时期贝多芬的交响乐，最初都是当时反常规的作品，而现在却作为古典音乐，作为一种有规律可循的音乐为人们所项礼膜拜。
古典主义音乐特征范文第3篇
【关键词】古典主义歌剧；艺术风格；钢琴伴奏；伴奏创作；演奏方法
一、古典主义时期的歌剧概述
古典主义时期的歌剧音乐，不仅体现了意大利的优美舒展和德国的严格庄重，也展示了法国歌剧中宏伟瑰丽的特点。这一时期歌剧的代表人物主要是格鲁克，他博采意法歌剧之长，竭力创造不分国别的公认的歌剧形态。他在1776年创作了《阿尔切斯特》，他的歌剧改革代表作还有1762年的《奥菲欧与优丽迪茜》和1770年的《帕里斯与海伦》等。莫扎特、贝多芬同时代的海顿以交响乐、四重奏、清唱剧创作见长，也写过20部歌剧，只有《阿西德》（1763）、《阿尔米德》（1784）等少数作品是正歌剧。此外还有5部木偶歌剧，现仅存《费列蒙与色西斯》一部。他的歌剧早已被人们遗忘，只有一部小型喜歌剧《月中世界》（1777），因内容表现人类遨游宇宙空间的遐想而令现代人感到兴趣并付诸舞台演出。
二、古典主义时期音乐的艺术风格
18世纪后半叶，西方音乐渐渐转向了古典时期，从钢琴创作和演奏风格上来看，都有明显的变化，逐渐形成了明朗、抒情和温馨的特点，并渐渐形成以维也纳为中心的欧洲音乐基地。古典时期音乐着重形式美、稳重、有秩序、合乎逻辑，同时又有大胆发挥、创造性、幻想的情感，在风格上是严谨而优雅、简朴庄严、准确。
在节奏上，连奏作为音乐整体的一部分，以“极甚精妙和敏锐的方法”来处理。古典主义时期由于钢琴的变革，因此在钢琴上可以弹出比较好的连奏，特别是贝多芬的某些作品中，强调非常连的声音，连奏成为重要的新的因素。
在旋律上，认为旋律是古典和浪漫主义时期音乐的“灵魂”。旋律追求优美动人的气质，倾向于整齐对称的方整性乐句结构，与民间音调或民间舞蹈的节奏联系更紧密了。
在速度上，古典主义时期的演奏速度比巴洛克时期有很大提高，速度往两头扩张，贝多芬的快板乐音比海顿、莫扎特又快得多，而表现力深刻的慢板乐章往往更慢。
在力度上，力度就是音量，即声音强弱的程度、轻重的程度、大小的程度。音乐是一种美，旋律的美都体现在力度的变化。古典时期由于“槌子琴”的出现，音量增大了，可以用不同的触键，来做渐强、渐弱的变化，因而音乐表现力比巴洛克时期更为丰富，如果说在海顿、莫扎特时代还比较局限于发明的“槌子琴”，那么到了贝多芬时期又有更大的发展，力度明显增大。
三、古典主义时期的歌剧伴奏创作
（一）歌剧创作
歌剧是莫扎特音乐创作中最重要的体裁。莫扎特扎特从小迷恋歌剧，11岁时就开始写歌剧，一生创作的20多部作品涉及歌剧的各种类型：意大利正歌剧（《克里特王伊多美纽》《狄托的仁慈》等4部）、意大利喜歌剧（《开罗的鹅》《受骗的丈夫》《费加罗的婚姻》《唐璜》《女人心》等7部）、德奥歌剧（《巴斯蒂安和巴斯蒂安娜》《后宫诱逃》《魔笛》等4部）。
（二）莫扎特歌剧钢琴伴奏的特点
莫扎特歌剧钢琴伴奏具有优美轻快、音乐形象丰富多样，同时富有民族性及艺术性，正是这些音乐特点才使得莫扎特歌剧生命力旺盛、朝气蓬勃。研究莫扎特歌剧的伴奏特点，有助于更好的演唱莫扎特的歌剧音乐，下面对他歌剧的音乐风格加以阐述。
1.莫扎特的歌剧伴奏具有民族精神和气息
莫扎特的一部小歌剧《巴斯汀与巴斯汀娜》，是他十二岁时以法国卢梭的《乡村仆者》为蓝本，用德文写出的一部歌剧。而后又创作成熟的德国歌剧《后宫诱逃》、《魔笛》等作品。这些歌剧，从唱词、对话到音乐全都具有德国民族特点，歌剧的旋律、调式、曲体结构及和声。
2.莫扎特歌剧伴奏具有优美、轻快的特点
莫扎特在歌剧创作上非常重视伴奏在歌剧中的地位和作用，重视音乐对人物形象的塑造、心理描写和刻画的作用。在歌剧中，他常常用伴奏赋予每个角色独特的个性，使作品散发出瑰丽的艺术风采。
在演唱和伴奏莫扎特的歌剧时，旋律上莫扎特追求自然轻松、精巧、典雅纯净的音乐线条，音色上表现出晶亮透明、圆润优美，节奏上强调均匀生动活泼。这些都充分的体现了莫扎特歌剧音乐的典雅轻快、优美灿烂的特征。如歌剧《唐璜》中的第二幕第一场唐璜的咏叹调“请你来到我窗前”，全曲是轻快的6/8拍，小快板速度，歌曲的节奏活泼欢快，旋律优美动听，活生生地把唐璜盼望采列娜快快来到他身边的急切心情淋漓尽致地表达了出来。
四、古典主义时期歌剧作品钢琴伴奏的演奏方法
在触键方面，古典主义时期钢琴演奏方式还是以指尖触键手指发力为主，因而要做出比较均匀的音色和旋律线条，和现在大多数人脑海意识当中的触键用力方法相似。
在力度方面，古典主义作曲家对于情感表达的细微差别的兴趣，导致了渐进力度的广泛使用，如渐强与渐弱。这些作曲家不把自己限制在巴洛克音乐中常用的那种极端力度的改变（从大声到小声的突然转变），渐强与渐弱的力度改变，表现出令人震惊的新鲜感。在古典主义时期，作曲家对渐进力度的爱好，导致了钢琴取代了大键琴。钢琴家通过控制手指对琴健的压力，来控制声音的大小。
在旋律方面，古典时期的旋律悦耳动听，且容易记忆。即使在一首非常复杂的作品中，也可能含有民谣或通俗的感觉，有时作曲家也会直接借用一些通俗的曲调。
【参考文献】
[1]邓季芳.谈钢琴演奏中的中心环节[J].乐府新声，2004（6）.
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古典主义音乐特征范文第4篇
一 西方古典音乐简介
古典音乐，英文名称“classic music”，其中“classic”，在西方文学家笔下有“最为优秀的”、“经典不衰的”之意，在中国，它被翻译为“古典的”。故“classic music”在中国又被称为古典音乐。广义上来说，西方古典音乐包括巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期三个时段。
在古典主义时期，音乐受到法国革命的冲击以及当时返璞归真的思想所影响，在特征方面渐渐地变得成熟起来，具备了以下几条特征：第一，主调音乐取代了复调音乐。古典音乐在巴洛克时期形成所以带有巴洛克时期的印迹，但在这一时期内“以旋律与和声背景”为主体的主调音乐才占主要地位。第二，和声得到了进一步地发展，由“主―下属―属―主”建立起来的功能和声以及其调性关系体系构成了音乐结构的骨架。和声语汇增多，借助于离调的手法以及转调的手法，旋律更加具有表现力，变得更加立体化。第三，受到法国革命的冲击作用以及当时返璞归真的思想所影响，这一时期的音乐慢慢地脱离了宗教内容，开始展现以“人”为中心的人文主义内容。“人”取代“神”成为音乐作品的主角。第四，音乐结构形式发生变化。奏鸣曲、变奏曲被广泛运用。
二 从钢琴发展史探究西方古典音乐
任何一种音乐流派乃至一首音乐作品，都是离不开乐器的，其中乐器形式的演变对其影响尤其巨大。西方古典音乐与钢琴的关系亦是如此。
根据现有文献的记载，世界上最早的古钢琴叫做克拉维卡，其制作年代大体是在12世纪至14世纪之间，为欧洲所使用。其外形为长方形，于木箱之上添加一些琴键，有的在四条腿的内侧右部大约三分之一处安装了音板，其右端和厚板相互连接，其弦轴也被固定在这块厚板上，而弦是经由马桥后被固结在音板的另一侧。另外，腿内左侧三分之二处安装有键盘，键子的后面有平头钉固定。弹奏时，后端抬起，平头钉随之敲击弦而发出声音。羽管钢琴在结构上与古钢琴是大体一致的，不同的是弹奏时由安装在键子后面的羽毛管触动琴弦而后发出声音的。
由于古钢琴以及羽管钢琴，发声都相对较弱，音量变化也很少，故逐渐被槌击式钢琴所代替。所谓槌击式钢琴，它是将羽管钢琴加以改进，即在木槌上包裹皮革而成。与古钢琴相比，其音量可以通过演奏者敲击键盘的力度随时变化，弥补了古钢琴存在的音量过小以及无法调节的缺陷，从而增加了钢琴的音乐表现力。后来，钢琴又经历了一系列的变化，例如，1820年，塞巴斯蒂安?艾拉尔把击弦结构改为复震奏结构，从而使得弹奏者可以以更大的速度，更快的频率敲击键盘，从而弹奏出更为复杂的音乐作品。1825年，阿尔菲斯?巴考克第一次使用铸铁弦架，从而增加了弦架对于琴弦拉紧之后所产生张力的承载能力，紧绷的琴弦不再会以弦架的变形而变得松弛。这一改变使得钢琴的音准更为稳定，使用寿命更长。1850年，乐器制造家又对钢琴做了进一步的改进，将支撑结构与弦列的交叉排列以及复震奏式击弦机相结合，从而现代钢琴最为理想的结构形式被确定了下来。
不仅乐器结构形式的变化，音乐理念以及键盘技巧的改变，也会导致音乐风格的改变。西方古典音乐即是如此。下面，我们从西方古典音乐所经历的三个时代，来具体探究其变化。
1 西方古典音乐之巴洛克时期
巴洛克时代的代表人物――巴赫（Johann Sebastian Bach）在演奏乐曲时，手指几乎不离开键盘，以极其细微的动作轻松的进行弹奏。因此，手指是完全可以独立活动的，不管在任何情况之下，都可以行云流水般的弹奏下去。故巴赫的音乐中，充满着颤音、回音、依音、波音等装饰音，从而使得音的力度以及延续变化得以代替。
从这一时期的钢琴弹奏方式，我们可以感知到巴洛克时期的音乐风格。这一时期，音乐家的作品，绝大部分是为了上流社会的需要而作，总体来说是为了显示上流社会的财富及其地位。故其音乐特点在于十分奢华，装饰性的音符十分之多。节奏也十分的强烈，而且短促富有律动，旋律也十分精美。复调音乐在乐曲中占据着主要的地位，同时，节奏的思想，即在乐曲之中加入的小节线，也在这一时代开始萌芽。这些形式在后来直接演变为了奏鸣曲、协奏曲、变奏曲以及交响曲、前奏曲等钢琴作曲方式。总之，巴洛克时代的钢琴音乐体现了强烈的秩序之美，强烈的节奏以及复调式的和声，都是和谐、规范、重复旋律的最好体现。
2 西方古典音乐之古典主义时期
维也纳音乐时期，即古典主义音乐时期，在钢琴的弹奏上，由于维也纳轻动作机钢琴的改进，古典音乐的标志性人物海顿（Franz Joseph Haydn）和莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）确立了独立奏鸣式的音乐结构模块，从而使得乐曲中的个性化旋律得以从背景之中很好的突显出来。这时期的弹奏者，在弹奏时继承了羽管式钢琴的键盘控制风格，既轻柔又不失紧凑，在弹奏不时之中还带一点华彩的效果。
从中，我们可以看出西方古典主义时期的音乐风格是朴实、真挚的。之所谓“古典”，其实更为准确的来说，它指的是古希腊以及罗马所处的“经典的古代”。18世纪上半叶，启蒙运动兴起，与文艺复兴所提倡的人文主义相同，启蒙运动更进一步的要求“自由、平等、博爱”。启发人们去摆脱教会以及封建的思想束缚，去勇敢的追求思想的自由以及个性的张扬。并且进一步提出了反对世俗君权的口号，主张人们要回归自然，推崇人的理性，音乐也受其影响进入到一个新的时代――古典主义时期。这一时期，音乐特点渐渐的走向了质朴与平民化，音乐风格也趋于完善和成熟。总体来说，主要有以下几个特征：
第一，主调音乐取代复调音乐，成为音乐的主流。尽管古典音乐的萌芽是在巴洛克时代，故带有明显的巴洛克痕迹，但是不可否认，这时以“旋律与和声背景”为基础的主调音乐依然是当时音乐的主流。这主要是因为此时期的音乐，要求作曲家在作曲时尽量去掉繁琐而无用的修饰，回归到最为质朴、自然的状态。在风格上人们更加崇尚轻松、简洁的主调音乐，反对过于刻意严肃、装饰的巴洛克音乐。在这种推崇自然、而又饱含激情、合乎理性的音乐审美思想的指导下，清晰、明朗的旋律从之前复杂的、多声部的复调形式中解放出来，以往主次不分，几条旋律同时进行的复调织体，也转变为以主要的旋律线为基本，其它的声部只作为陪衬和辅助的主调织体。因此，这种主调音乐旋律大都比较清晰。
第二，和声获得进一步的发展，这一时期功能和声（“主――下属――属――主”为主体建立起来）以及功能和声的调性体系是当时音乐的主要骨架。此外，这一时期，和声的词汇也更加的丰富，手法上更为多样，故在音乐旋律的表现力上更为丰富、立体。
第三，受到启蒙运动及其法国大革命的感染，这一时期的音乐在风格上，使人文主义更为突显，逐步的脱离了天主教的内容，主题是“人”，而不是“神”，人文精神成为音乐作品的主角。另外，作曲家也逐渐的认识到，钢琴不仅要表现出自然界的各种声音，还应该要学会模仿人类说话或者唱歌，特别是模仿能够表现普通人感情的说话或者唱歌方式。这就要求乐曲在旋律上以及结构上，不仅要有对比，还要有适当的对话，从而轻动作机钢琴音乐变得更加的丰富，也更加的生动和有趣。
第四，音乐的结构形式也产生了一系列的变化。奏鸣曲因其严谨清晰的结构、细致的质体、平易近人的语言，取代合组曲等曲式，成为主要的音乐形式。另外，变奏曲在这一时期也被广泛的采用。
总而言之，古典主义音乐的自然、简洁的主调音乐风格与巴洛克时代的严肃有序相比，音乐风格更为鲜明、规范，同时处于自然平衡原则以及适当的比率指导下的对比原则，也使得音乐的主次体现更加的完美，境界更加高尚。
3 西方古典音乐之浪漫主义时期
随后，音乐的发展进入浪漫主义时期。浪漫主义时期的代表人物――克莱门蒂（Muzio Clementi）的钢琴弹奏也称为一绝，可与莫扎特比肩。他的钢琴弹奏，技巧极其华丽，转调也极富浪漫主义的色彩。与同时代的音乐家相比，其表演更为具有魄力、更为大胆，也更加的华丽多彩。
相比之下，贝多芬（Ludwig van Beethoven）的弹奏之法是粗犷的，但是其中却不乏某种深邃的意念与力量。这与贝多芬自身的音乐风格类似，他就是要通过这种方式将自己的感觉准确的表达出来，就是感觉要像在钢琴的单独演奏上，获得犹如一整支管弦乐队在表演的效果。此时及之后，钢琴的功能逐渐的被提高，钢琴的黄金时代即将到来。
随后的舒曼及肖邦由于更为协调的使用了延音踏板，故能弹奏出更为曼妙而且富有诗意的音色。并且肖邦还认识到了手在弹奏时的弱点，从而进行调整，最终确定了自身的技巧。
从钢琴的弹奏技巧我们可以看出浪漫主义时期的音乐风格多偏向于幻想，作曲内容比现实生活题材更加广阔。音乐家更多的去挖掘音乐在曲调、和声以及旋律等多方面的表现性，从而对古典主义进行了彻底的突破。总体来说，这一时期的作品更注重主观情感的变化，主张以一种更为直接的方式来表达甚至是宣泄作曲家的感情，所以无论是肖邦的《幻想即兴曲》、《船歌》还是舒伯特的《即兴曲》、《音乐的瞬间》，都带有这样一种汹涌澎湃的美。
古典主义音乐特征范文第5篇
关键词：演奏风格；钢琴演奏；演奏技法
音乐的韵味蕴藏于风格之中。不同时代、不同的作曲家，有着不同的风格。演奏者在演奏一首作品时，必须要了解和研究作曲家的创作思想和创作背景，用熟练而准确的演奏去反映不同作品的时代特征和风格变化。
研究音乐风格已成为钢琴演奏和钢琴教学研究的重要课题。钢琴艺术的发展经历了四个主要风格形态时期：巴洛克风格时期；古典主义风格时期；19世纪浪漫乐派和以印象派为先河的20世纪钢琴音乐等四个风格时期。各个时期的作品都有其特定的风格特征，这就要求演奏者演奏不同风格的作品时，在指触、力度、速度、音响等方面都要作出不同的处理，以便更准确地表现作品特定风格特征。本文着重从力度、声音、和声，以及演奏技法在不同时期不同发展阶段的作品风格性演变发展及特点做下列比较分析。
一、从巴洛克时期到20世纪，力度范围有了很大的扩张
由于钢琴作品的整体风格不同、演奏技术的重大演变、乐器性能的不断完善等原因，导致了从巴洛克到20世纪时期钢琴音乐的力度风格有了很大的扩张。力度范围从巴洛克时期的p―f扩展到20世纪的pppp―ffff。
由于巴洛克时期的古钢琴采用细弦、木结构及钢片拨弦，它的构造及发声原理决定了乐器的音量很小，因此在现代钢琴上演奏时必须十分节制，力度保持在p―f的范围内，避免过分宏大的音量。
古典时期由于“椎子琴”的出现，音量增大了。比如：莫扎特钢琴音乐中所涉及的力度指示，主要是p与f，力度对比的幅度也在此两极之间。贝多芬时代力度有了更大的发展，贝多芬时期力度幅度一般在ppp―ff之间。
浪漫主义时期的力度与古典主义时期比起来，又有了很大的扩张。比如：李斯特用到了ffff。这与浪漫主义时期的音乐风格有着很大关系。浪漫派音乐，强调个人感情抒发，因此力度起伏很大，音乐表现力更丰富。
印象主义的代表作曲家为德彪西，在他的作品中，声音的力度主要在弱的范围内变化。在轻声范围内作出无数层次与音色的对比，是演奏印象主义作品不可缺少的基本功。
20世纪钢琴作品的力度范围大大扩大,一般都使用从pppp到ffff的力度范围。
二、从巴洛克时期到20世纪，音色的变化更为丰富
音乐是声音的艺术，钢琴音乐也不例外。不同风格的钢琴作品对声音的要求不同。欣赏德彪西的《月光》与贝多芬的《悲怆》奏鸣曲第一乐章，感受会截然不同。前者静谧、朦胧；后者激越悲愤。这种强烈的反差，声音的变化是非常重要的因素。
巴洛克钢琴音乐的重要特点是其复调性。演奏巴洛克时期的复调音乐作古典主义时期钢琴的声音和古钢琴完全不一样，海顿和莫扎特的音乐需要一种极清晰，极透明的音质。而贝多芬声音结实，雄厚，他的音乐内容富于戏剧性，有着宏大的气魄和深刻的哲思。
在浪漫主义时期，由于钢琴表现手段的发展，这一时期作品音量与音色都有很大的变化与对比，有着色彩变化更丰富多彩的声音。如肖邦《夜曲》优美绵长的旋律线条，李斯特《狂想曲》雄伟辉煌的气势。声音的多层次是浪漫派音乐的最大特点。
声音是演奏印象主义作品的第一要素。纯净、透明、柔和、朦胧、是演奏印象派作品时的基本的声音性质。
演奏20世纪钢琴作品，要求每个音的单个独立。从巴托克写于1911年的《粗野的快板》为开端，20世纪的钢琴音乐似乎也从此改变为“打击乐器”。从此，需要“敲击性”音响的作品层出不穷，成为本世纪钢琴音乐不可缺的基本音色。
三、从巴洛克时期到20世纪，和声经历了巨大的变化和发展，从复调性音乐发展到无调性音乐
复调性是巴洛克时期钢琴音乐的重要特点，复调音乐在巴洛克时期占据了重要的地位。复调音乐是多层面、多线条、多重性的复杂思维。
古典主义时期主调音乐代替复调音乐，以“旋律与和声背景”为主体的主调音乐占据了首要地位。由主――下属――属――主建立起来的功能和声及其调性关系成为音乐结构的骨架。
浪漫主义时期的音乐丰富多彩，这一时期作曲家对和声做了大胆的革新。比如：肖邦将半音阶和声及其伴随的不协和扩展到了前所为有的领域。通过运用和弦外音，以及远关系转调等手段来获得新鲜的和声效果。
演奏印象主义作品时的一个重要的课题是对和弦及和声的处理。在处理时应注意以下原则：（1）把旋律层与和声层分开，不但在音量上，更重要的是要在音色上分开；（2）在两层和弦复合时，协和程度较高的和弦应略突出，另一个不协和程度较高的和弦则奏的稍弱些。
20世纪音乐的音响结构上发生了巨大的变化，使得不协和音响成为主干。无调性音乐、序列音乐出现，这是演奏20世纪钢琴音乐作品需要特别注意的。
由此可看出从巴洛克时期到20世纪，和声经历了巨大的变化和发展。巴洛克时期，线性复调结构以调性为基础。古典主义与浪漫主义音乐以功能和声为中心。到了20世纪，则是无调性音乐、序列音乐、不协和音响结构为主导。这是每一位演奏者在处理不同风格作品时需要特别注意的。
四、钢琴演奏技法从巴洛克时期简单的运指弹奏发展到20世纪的复杂的、多元化的弹奏
不同时期、不同风格的作品在演奏技法方面也存在着极大的风格差异。为了能更好地表现不同风格的钢琴作品，熟练掌握钢琴演奏技法在不同时期不同发展阶段的作品风格性演变发展及特点十分必要。
在巴洛克时期，弹奏时多使用手指部分，手指是发力的基本出发点。
古典主义时期钢琴技术有了很大的发展。在这个时期，莫扎特和海顿主要强调手指的运用，以敏感的指尖，尤其是最靠前的第一关节，作为触键的主要部位。而贝多芬之后逐渐发展为手指和手臂结合的方法。
浪漫主义时期被誉于钢琴技术发展的鼎盛时期，出现了大量的超级技术。比如：八度的大量运用、托卡塔式的两手交叉等。钢琴演奏超越了“只用手弹奏”的阶段，开始运用了从指、腕、肘、臂乃至全身的“琴人合一”的新阶段。
印象主义风格的作品要求富有朦胧感和色彩性对比的音色，因此，演奏时要以轻而薄、纤细而柔软的触键为主，多用勾、摸、抓等接近水平的方式。
现代主义风格对钢琴演奏的影响是十分大的，为了体现现代音乐的“不协和”的主题思想，首先在钢琴演奏手指运用的方法上“打击”演奏取代了“颗粒”演奏，更有甚者以手掌拍键、手肘压键和手臂滚键。
由此可见，风格问题是一个十分复杂，十分值得研究的课题，它要求我们在平时的练习中要把一般的技术技巧与作品的风格结合起来把握，严格限定每一首乐曲应有的声音、力度、速度、触键等技术问题，在钢琴演奏技巧训练的同时，加强演奏钢琴作品不同时代风格性变化研究，树立正确的风格概念，只有这样，才能更准确、更生动地揭示丰富的音乐内涵。
参考文献：
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