艺术作品的审美特征
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艺术作品的审美特征范文第1篇
（一）数字媒体艺术的审美体验更加大众化
在传统艺术创作中，创作者主要是具有一定艺术水准的专业人士，这些文化水平较高的创作者给普通民众带来一种神秘感和距离感，传统艺术作品不够贴近普通民众的生活，给普通民众传达了一种只有欣赏水平高的人才能欣赏艺术作品的审美体验。随着科技的进步和数字化技术的不断发展，数字媒体艺术为普通大众提供了更多欣赏艺术作品的机会，简单易操作的数字媒体技术为普通民众进行艺术创作提供了强有力的支持，大众化的创作模式和大众化的审美特点使得数字媒体艺术更加贴近人们生活，更加大众化，促进了艺术作品发展的多样化，丰富了大众的审美体验。
（二）数字媒体艺术具有开放性的美感
数字媒体艺术的创作过程与传统艺术相比具有非常大的开放性，在传统艺术中创作者所创作的作品具有完整性，创作的终结也意味着作品的完成，而数字媒体艺术可以进行复制和删改，除创作者之外的观赏者可以根据自己的喜好对艺术作品进行重新修改和再创作。数字媒体艺术作品可以根据不同作者的不同创作思路进行修改，数字媒体艺术会随着科技的发展而不断发展，不断丰富自身的艺术意蕴，满足人们更高层次的审美体验和审美需求，推动现代艺术的发展。
（三）数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征
不同于传统艺术的逻辑性审美特征，数字媒体艺术具有非逻辑性的审美特征，数字媒体艺术的发展改变了人们的审美逻辑。创作者可以尽情构思使用非逻辑性思维进行天马行空的创作，在创作中运用了较多倒叙、跳接、反转等技术，因此人们欣赏数字媒体艺术作品时，不能仅凭借惯有的逻辑思维进行赏析，而是应该从现代人的思维和创作者的创作意图角度进行艺术赏析，从而获得更丰富的审美体验。
（四）数字媒体艺术具有超现实的审美体验
数字媒体艺术的发展依托于数字化技术，传统艺术创作是以现实中的事物为原型进行再加工和创作，因科学技术水平有限，传统艺术创作灵感来源于现实生活，数字媒体艺术与传统艺术相比，具有超现实的审美体验。数字媒体艺术中展现的恐龙、生化危机、外星人等题材具有超现实性，数字媒体艺术可以运用多种现代技术进行声音和图像的模拟，能给观赏者带来极强的感官冲击和震撼的视听效果，丰富了人们的审美体验。
二、总结
艺术作品的审美特征范文第2篇
通过摄影机镜头形成的光学图像，最初产生的动因并非是平面设计的要求，然而随着科学技术的进步和社会的发展，它与平面设计的关系越来越紧密，并最终与图形融合，形成了一种重构的审美形式，对平面设计的进步起到了推波助澜的作用。
摄影的诞生对平面设计也产生了一定程度的冲击，两者之间逐渐实现了越来越紧密的融合。这种融合似乎是一种必然的趋势，毋庸置疑，这种融合也是需要一个过程的。
早期的摄影器材虽然简陋，却已然具备了较好的瞬间捕获场景和事物的功能，大量真实的社会生活图片及优秀的摄影作品与摄影术诞生之前的平面设计图形相比，更加真实、生动和准确。而这些特征也正是近代杂志、报纸、书籍插图设计所需要的。于是，摄影和平面设计在以上这些领域开始了必然的结合。这些结合多数是具有实用性目的的，即使其艺术性还不尽如人意。真正使摄影和平面设计在艺术层面上的结合，应该是20 世纪 20 年代在前苏联与德国享誉一时的“至上主义”和“构成主义”的设计师们。他们将现代绘画的造型和空间概念运用到平面设计之中，版面中综合运用照片叠印、拼贴等技法，结合几何图形的线条与强烈的对比色彩造成非常刚正有力的视觉冲击，因此作品就具有十分独特的艺术魅力（见图 1）。
20 世纪 50 年代，美国的平面设计进入发展，摄影技术在平面设计中越来越广泛地得以应用。五六十年代期间，美国涌现出新一代设计师，他们更注重个体观念的形象表达，注重平面设计的感性效果，并大量运用了摄影和插图结合的设计手法（见图 2），自此，摄影与平面设计的结合得以全面推广[1]。通过历史事实的梳理可以看出，摄影与图形的结合是一个自然而然、循序渐进的过程，是由两种艺术语言自身自觉的艺术诉求决定的，这种结合是一种历史的必然。在将来平面设计的发展进程中也必将继续得到广泛的应用与合理的发展。
二、 摄影与图形的审美特性比较
作为两种不同的艺术语言，摄影与图形各具审美特性。这两者的审美特性既有共通之处，也有一些差别。正因如此，才使得这两种艺术语言的重构成为可能。在研究这两者以何种形式重构之前，我们有必要首先认识一下它们的审美共性和审美差别。
1．摄影与图形的审美共性摄影与图形虽各具特点，但其审美特性却具有一定的共通性。这一点是两者重构的前提条件。摄影与图形的共通性主要体现在以下几个方面：
第一，摄影与图形都具有捕捉事物基本特征的审美特性。阿恩海姆在《艺术与视知觉》一书中讲到：“所谓‘观看’，就意味着捕捉眼前事物的某几个最突出的特征。”[2]而“形状，是被眼睛把握到的物体的基本特征之一”[2]56。摄影和图形都属于平面造型的艺术语言，它们都能够以自己独特的方式准确地把握物体的形状，也即事物的基本特征。
第二，摄影与图形都具有较强的审美表现能力。作为平面造型的艺术语言，摄影和图形都能够以自己的方式在二维空间中实现三维空间的再现或模仿。
第三，从审美功能上讲，摄影与图形都具有大众传播的特性。摄影和平面图形设计自诞生之日起，没有一天离开过书籍、杂志、报纸等大众传媒方式，即使是被用在纯艺术创作之中，这些艺术作品无论如何也都逃脱不了大众的审美与评判。因此，不论是摄影还是图形，二者都是集信息传达与艺术性于一体的，并且只有当信息传达的任务被充分完成的时候，它们自身的审美价值才能够真正地得到确立。
2．摄影与图形的审美差别
作为两种不同的艺术语言，摄影与图形还是具有比较明显的审美差别的。
首先，虽然两者都具有在二维空间再现或模仿三维空间的能力，但是，其模仿的程度显然是存在着差别的。图形的设计是构成空间的设计，它对于三维空间的模仿具有一定的抽象性或不准确性，而摄影则是三维空间的直接反映与再现，这种模仿的准确性比较高，是图形语言无法实现的。
其次，摄影与图形虽然都融汇着艺术家们的审美理想、审美创意及审美情感，但是这些审美观念在两种艺术语言中融汇的自由度是不相同的。图形语言的运用比较自由，因为图形的设计可以源于某个概念、某种认知抑或某个形象。设计师可以自由地发挥着自己的想象力，不受限制于约束。然而摄影的创作却没有那么自由，它一般要以三维空间作为创作依据，要靠摄影师独立的思考与操作将这个三维空间提炼或转换成二维空间，在瞬间把握事物的本质特征。因此，其创作的自由度明显低于图形的设计。
三、 摄影与图形重构后的审美构成形式
摄影与图形的审美特性各有千秋，因此，这两种艺术语言重构在一起时，如能做到取长补短，，那就必将带来卓越的审美效果。许多设计师在如何将两者重构这一问题上都进行了孜孜不倦地艺术探索，其所探索出的两者重建的审美构成形式也是多种多样的，如李西斯基大量地使用摄影蒙太奇手法，将摄影与图形重构在一起，造成视觉的冲击力；再如罗德琴科在为马雅可夫的诗集创作插图时 ( 见图 3)，运用摄影蒙太奇的手法将各种不同的照片素材统一在一个图形空间之中，使它们产生相互碰撞的可能性，从而制造出新的视觉及心理含义的画面空间等。
在各种重构方式中，意大利平面设计师和插画家阿尔贝托 塞韦索的创意颇具特色。他在作品中大量运用了计算机技术，通过图形设计将原本的数码摄影进行解构，并再组合，所以一些作品颇具立体主义的风范（见图 4）。
这种解构与重组打破了摄影的原有模式，造成摄影与图形间的一种视觉矛盾，成功地挑战了传统的视觉方式。形成解构的图形设计无论从线条上还是色彩上都极具现代感与装饰感，与解构之后的摄影恰如其分地重构之后，形成了兼具现代特色与装饰效果的艺术作品。阿尔贝托 塞韦索的作品多以暗色调为主，许多作品常常以配以大面积的黑色作为背景（见图 5）。这种暗色调与大面积的黑色背景恰恰使得画面不会因为图形设计的装饰感过强而显得繁乱喧闹，反而让背景与前景的解构和装饰效果形成了强烈的对比，带来更为震撼的视觉冲击。
在当代的平面设计中，致力于摄影与图形重构形式探索的设计师不乏其人，此处不再一一赘述。而需要明确的是，艺术是一条永无止境的道路，摄影与图形的重构也不会止于当今的各种重构形式。设计师们将会不断地探索，找出更多的重构构成形式，创作出更多优秀的设计作品。
四、 摄影与图形重构的审美意义及其价值
对于任何一件艺术作品来说，审美属性在其众多属性中无疑是最为重要的。一件艺术品如果不具有审美价值，那我们就不得不质疑其存在的合理性和可能性。对于平面设计这一艺术门类而言也是如此。如果一件设计作品、一种设计形式不具备任何审美意义和审美价值，那么对于它的任何讨论和探索都将是徒劳无功的。根据设计美学理论的说法，设计美可分为材料美、结构美、形式美和功能美等构成要素，而针对摄影和图形这种重构形式，我们将从结构美与形式美两个方面来分析它的审美意义及审美价值。
1. 摄影与图形重构的结构审美意义及其价值
“所谓‘结构’，是指物质系统内部各组成要素之间相互联系、相互作用的方式。”[3]美学家 M 李普曼曾经说过，“结构是一切意思和意义的基础”，“没有结构，任何东西都不存在，都不可设想”。由此可见，结构美是一切审美，包括整个设计美的基础，而摄影与图形的重构则丰富了结构美的构成方式，对设计作品的结构审美具有重要的意义。它们以两种不同的艺术语言形式相组合，扩充了设计作品的结构组成，使得设计作品的结构更具层次感，画面也更加丰富。例如阿尔贝托 塞韦索的设计作品，如果只具有单一的摄影或图形，其作品结构就显得单调而乏味，但当设计师用艺术的手段将两者重构之后，作品的结构立即呈现出惊艳的效果，其结构美瞬间就能打动人心。
2. 摄影与图形重构的形式审美意义及其价值
对于艺术作品来说，形式美是具有相对独立性的审美对象，它指的是构成事物的物质材料的自然属性，如色彩、形状、线条和声音等，及其组合规律，如整齐一律、对称与均衡等，而所呈现出来的审美特性。其平面设计作品中的形式美则指各种设计素材按照一定规律组合起来的色彩、线条和形体等形式因素本身所具有的那种被高度概括化、抽象化了的美。歌德曾经说过：“题材与表现它的方式必须与明显的艺术规律有联系，那就是和谐、清晰、匀称与对比等，这样的艺术作品看上去就会觉得美丽。”因此，形式美是审美创造和审美接受的重要环节。毫无疑问，摄影与图形的重构对设计作品的形式美具有重要的审美意义与审美价值。
首先，从形式上讲，这种重构形式符合形式美的审美规律。形式美的审美规律是抽象的，这些抽象的规律是图形这种艺术语言本身就已经具备了的，当它与摄影重构之后，这些形式美不仅没有被削弱，反而被加强、被突出了。例如在阿尔贝托 塞韦索的作品中，其图形本身便具有强烈的形式美感，是一种富有节奏性、具有不对称特征及强烈对比性的形式美。当它与摄影重构之后，这种节奏感、不对称感及强烈对比就被放在更为突出的位置，它的形式美感被强化了。两者的重构既在审美形式上显得矛盾对立，又在最高审美层面上达到了和谐统一。这种形式美感是单独的摄影或图形都无法实现的[4]。
其次，这种重构形式在形式美的意义上实现了两种艺术语言审美特性的互补。摄影的审美特征是具体、详细而缺乏概括性、抽象性的，而图形的审美特征是抽象、概括却缺乏准确性的。将两者的艺术语言重构在一起则实现了两种审美特征的互补，使得设计作品的形式美既具有抽象美、概括美的简洁，又不乏具象美的细腻，从而达到了形式美的又一新的高度。
艺术作品的审美特征范文第3篇
具体而言，美术的审美特征，可以分为以下三大层面行解读。“美术”一词，又称为“造型艺术”，可见造型性是美术的最基本的审美特征。所谓“造型性”，是指艺术家运用一定的物质材料，塑造出欣赏者通过感官直接感受到的艺术形象。”例如绘画，就用线条、色彩等艺术语言，在二维空间（平面）里塑造形象：书法也是在二维空间（平面）运用笔墨、布白、结构、章法等艺术语言，塑造文字形象，表现神采、气韵;摄影也用影调、色调、构图等艺术语言，同样在二维（平面）空间塑造艺术形象;雕塑则用泥、石、木、金属等材料，在三维（立体）空间塑造形象。所有的造型艺术，无不通过具体形象的造型来塑造艺术形象的基本手段和基本审美特征。
美术的造型审美特征，要求美术家要注意观察生活，善于捕捉生动感人的人物或事物的外部特征，在此基础上，以表现人物或事物的外形为自己的特长，并做到“以形写神”、“形神兼备”。成功的典范：意大利画家达・芬奇的油画《蒙娜丽莎》。又如我国清末画家任颐，就有惊人的形象观察力、记忆力、表现力，在他年仅10岁时，一次他单独在家，适逢父亲的一个朋友来访，因见不到任颐父亲，便很快告辞，任颐就用纸笔把来客的模样画下来，他父亲归家看到画后，立刻认出了来访者是谁。造型性作为美术的审美特征，至关重要。
美术的另一大审美特征，是它的永固性。
美术必须采用物质材料与艺术语言，将事物发展变化的瞬间固定下来，可以供人们多次、永久性欣赏，甚至流传百年千年。这些美术品成为人类文化史上的瑰宝。例如西班牙、法国等西方国家旧石器时代的洞穴壁画。史前时代的雕塑品《奥林多夫的裸女》、《持兽角杯的妇女》等，距今有上万年的历史。我国内蒙阴山地区发现的岩画，距今也有上万年的历史。
当然，世间的万物都是一分为二、辩证统一的整体。美术的永固性审美特征，是与它的瞬间性密不可分的，也就是说，美术作品是选取人物或事物的瞬间形态而被固定下来的，这就要求美术家以静显动、以不变显万变，善于寻找恰当的表现方式，在动静的交叉点上，抓住客观事物发展变化的某种瞬间形象，然后再将其固定下来。例如古希腊阿格桑德罗斯、波利多罗斯、阿塔诺多罗斯联合创作的雕塑作品《拉奥孔》，取材于古希腊诗歌《荷马史诗》中的故事。雕塑《拉奥孔》选择的恰恰是拉奥孔父子三人濒临死亡痛苦挣扎的最后一瞬的形象，表现出入物激情的顶点，达到了“寓动于静”、“寓瞬间于永固”的至高境地。又如我国画家罗中立创作的《父亲》，也选取了勤奋、慈祥的父亲的瞬间形象，创造出震撼人心的永恒的艺术形象。可见，永固性作为美术的审美特征，既是重要的，又是辩证的。
美术的基本特征是再现空间（平面或立体）形象，因此再现性自然也是美术的重要审美特征之一。美术家都十分注重再现生活中的形象，并以写生、速写作为素材的积累，这无疑都是正确的。
许多成功的美术作品，也的确以再现性为基本审美特征。例如董希文的油画《开国大典》，就再现了开国大典时天安门城楼上庄严神圣的历史瞬间，成为史诗性作品。又如摄影作品中《二次大战时的邱吉尔》、《》等，更凸显出美术作品再现性的审美特征。
当然，这种再现性也是与表现性辩证统一的，即通过再现性体现表现性内涵一表现美术家主观的思想、情感、意愿。正如德国美学家黑格尔所说：“艺术作品比起任何未经心灵渗透的自然产品要高一层。例如一幅风景画是根据艺术家的情感和识见描绘出来的，因此，这样出自心灵的作品就是要高于本来的自然风景。”例如我国国画中的梅、兰、竹、菊“四君子”，就分别寄托了画家的情感、情操、志向、志趣，达到了客观与主观，再现与表现的完美结合。
艺术作品的审美特征范文第4篇
一、传统教学理念中的美术教学
在传统的教学理念当中，美术教学除了实际操作外便为理论知识，枯燥空洞的授课内容和方式严重影响了学生对美术课程的学习热情和理解。加之美术课在目前的初中教学中属于非本位课程，更使其受到了家长、教师和学生三方面的轻视。作为非考试科目，美术教学往往被视为附属科目，教学内容也没有受到重视，鉴赏和解析等方面的教学教师通常会采用理论讲解的方式进行授课，不但内容枯燥而且深奥难懂。在这种不良的教学环境下，学生的美术知识很难得到提升，也影响了德智体美全面发展的教育目标的实现。
随着教育体制的改革，教师面对学生的教学过程已经不再是以往简单灌输和机械接受了，美术教学也是如此。教师在进行美术课程教学时应当调动起学生的学习积极性并与学生建立起情感上的互动联系，只有这样才能适应当今的教育要求。
二、绘画审美分析的教学优势探析
将绘画审美分析，引入到初中美术的教学当中来主要是因为审美分析能够减少客观条件的约束，而且能够使学生和教师产生教学上的共鸣，教师在教学中的灵活性也将得到增强，这对提高学生对美术课程的学习热情，培养学生的鉴赏能力都是十分有利的。
首先，在初中美术教学中引入绘画审美分析符合新课程改革的要求。在大力推崇素质教育的今天，传统的教育体系已经逐渐被淘汰，新的教育体制正在建立，这表现在初中美术的课堂上就是传统教学方式的改变：新的课程安排明确对中学生“审美意识”和“创新思维”的培养提出了要求，而绘画审美特征分析内容的加入，将学生的感官充分地调动了起来，为学生创造了一个良好的想象和学习空间，这一点与新课程改革是十分相符的。
其次，在初中美术教学中引入绘画审美分析能够提高学生的美术理论知识和审美水平。学生在对绘画的特征进行审美分析的过程中，不但能够对艺术作品和艺术家会有充分了解，同时也能够为学生创造一个广阔的思维空间，使其能够通过自己的发散思维对其形成独特的主观意识，对艺术品的优点和缺点做出分析，而在艺术鉴赏时学生也必然将美术理论与艺术品联系在一起，这就在无形中巩固了其理论知识，并提高了审美观。
最后，在初中美术教学中引入绘画审美分析能够充分发挥教师的潜能。通过审美观念的引入，学生的学习兴趣得到提升并且在绘画审美特征分析的过程中形成了自己的知识体系和审美观，因而就会给教师提出更多的教学要求。教师为了配合学生的程度更好地引导其学习就必须不断寻求学生能够接受和感兴趣的联系点，同时也不断提高自己的教学能力。
三、引入绘画审美分析教学方式的应用
绘画审美特征分析，在初中美术教学中的应用，在活跃了理论知识的教学方法同时也为美术课堂创造了一个良好的鉴赏意境。
艺术作品的审美特征范文第5篇
一、钢琴教育的现状
现代的钢琴教育主要存在的问题是功利性太强，在高中以及之前学习阶段加大了钢琴的教育力度，让学生能够通过艺考考进比较好的大学，但是在这之后一般都会忽视了钢琴的教育，这样一来，钢琴就不再是素质教育的工具，变成了升学的道具。
同时，在现在很多的钢琴教育中，一味的重视技能和能力的培养，忽视了对受教育者情感体验的培养，让钢琴演奏者空有一身好的本领，却没办法通过钢琴表达自己的真情实感，日积月累，钢琴教育便失去了它原本的教育意义。让钢琴演奏单纯地变成了技能的表演，无法让个人情感和原创者的情感产生共鸣，失去了音乐作为一门艺术的根本意义。
二、艺术审美特征在钢琴教育中的体现
（一）良好的感性样式
在钢琴教育的过程中，往往会将追求良好的感性样式放在突出地位，但要注意不要将钢琴教育中的纠错放在表面现象上，而是用过对内在情感的纠正上，这样可以让学习者在学习的过程中产生对声音的审美情趣，也能通过不断的联系和改进加强审美能力的培养，让学习者能够从更深层的角度理解钢琴，获得钢琴演奏的能力。
（二） 充满内涵的技能技巧
人类精神文化的特殊形态便是艺术的表现形式，这种特殊性主要表现在实践过程中的一种对表现对象的追求，而一般的实践活动都是对事物实质的追求。这种特殊性早就了艺术的独特优点和特点，让艺术更加具有神秘性和吸引力。而这种特殊性在钢琴教育中主要体现在不断练习这方面。
对于技巧的内涵，法国杰出女钢琴家玛格丽特?朗曾经说过：“技巧就是触键，是指法艺术，是踏板，是对总的分句规则的知识，是具备丰富的表情调色板，可供钢琴家根据他要表现的乐曲风格，根据他的灵感而自由调度。总而言之，技巧就是对钢琴的完全掌握，是无所不包的完备的艺术造诣”。表示想要获得高阶段的学习一定要重视练习的作用，甚至是高端的钢琴艺术家，如肖邦、贝多芬等都从没有将技术和演奏划分开去，这要求学习者在学习的过程中重视技能的培养，如果没有掌握好相应的技能，再有天赋也是枉然。
在这之后，如何将高超的技术和情感的体验融合在一起是学习的一大难点。很多人在掌握了高超的技术之后，便执着与技能的表现和学习，无法将自己的感情融进表达之中，长此以往，钢琴的演奏逐渐变成了技能的炫耀，而没有真情实感的流露，这是钢琴演奏的一大弊端。需要学习者不断的进行自我摸索，将技能和情感巧妙的结合在一起。
（三）赋予作品意义的过程
文献修养对审美特征的影响主要是通过文献修养的意义体现出来的。文献修养是对演奏者个人素质的要求，要求钢琴演奏者能够充分了解自己演奏曲目的背景和深层内涵，能够从更高的角度对音乐作品进行鉴赏和运用。
在演奏某一音乐作品的时候，一定要加强对音乐作品背后的了解和理解，能够充分地感受到创作者在进行创作的时候的情感表达和内心深处的情感波动，这种波动会影响到音乐作品的实际表达和演奏效果。不同的接受主体对音乐会由不同的感觉和感受，这种感觉和感受是基于这一主体自身的修养和学识的。艺术作品的深层内涵往往超越了作品自身的历史环境和表现形式，具有更高层更普遍的思想内涵和思想情感，能够让不同时代不同时期不同种族的人产生相互共鸣的情感，在艺术作品内涵的驱动下获得比较高的情感以及审美的体验。
这样的艺术作品具有更加强烈的神秘性和不确定性。这就对演奏者或者欣赏者提出了比较高的要求，让人主观的情感思绪变成了音乐艺术作品内涵的阐述主体，增加了艺术作品的表现力和多样性，让真正具有高端艺术影响力的音乐作品永远都会过时。
