美术的审美特征

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美术的审美特征范文第1篇

摘要：中国正处于产业结构调整、经济全面复苏并带动社会发展的关键时刻。传统工艺美术作为文化载体的作用越来越凸现出来，向国外推广本国工艺美术产品已成为文化传播的重要手段。许多国家甚至已经把通过推广工艺美术产品列入了国家战略，变成了一项重要的政府行为。创新是任何时代、民族艺术发展过程的一种必然规律。而对工艺美术造型的创作来说，传统文化的思维方式贯穿着其始终，并且这种独特的思维方式成为它艺术和审美价值构成的基础与文化内涵。

关键词：产业升级；工业美术；创新

党的十报告明确提出，“以科学发展为主题，以加快转变经济发展方式为主线，是关系我国发展全局的战略抉择”，应“着力增强创新驱动发展新动力，着力构建现代产业发展新体系”。所谓产业升级，实质上是指产业各部门由于要素禀赋的变化而引起生产要素密集程度不断变化升级的过程，即产业结构从以劳动密集型产业为主，发展到以资本密集型产业为主，最后形成以技术密集型产业为主的一种演变过程。

目前，从时间纬度上看，中国正处于产业结构调整、经济全面复苏并带动社会发展的关键时刻。从当前空间维度上看，世界上发达国家如美国、英国、日本、德国、韩国，都已经相继根据国内的实际情况推出了支持相关产业升级，谋求更大更为长远的产业推进计划，以此推动国内经济的蓬勃发展。人才、教育、科学已经成当前各国最为重视的发展动力，并成为国家发展的传略性决策。针对中国的经济发展现实，如何保证健康长远的发展势头，就并须改变当前诸多经济发展模式，改变粗放型的的低产值的经济增长模式，发展成为结构合理、次序井然的经济新形态。新的社会经济发展和转型不仅需要“硬性”的条文规定、大手笔的经济刺激方案和更多机器与厂房，也更需要“软性”的文化产业的发展配合。只有将文化创意产业发展合理地定位于城市文明进程和产业升级发展的良好平台以及社会经济转型中重要的产业链条和纽带，才能使它产生更大的驱动力，也才能更好地服务当前社会经济的发展。

美国美学家理查德·舒斯特曼说：“由于现代生活的支离破碎及其带来的震惊、流水线劳动的机械重复以及大众传媒任意并置的信息和露骨的轰动效应，我们对事物的直接经验已经不再能形成一个有意义的、连贯的意义整体，而只是在碎片似的、非整合的感觉——一种只是生活过而不是被有意义地经验了的东西——中的挣扎。”①或许正因为这样，承载着传统意蕴和美感的传统工艺美术产品又重新吸引了人们的视线。

总书记在十七大报告中指出，应“大力发展文化产业，实施重大文化产业项目带动战略，加快文化产业基地和区域性特色文化产业群建设，培育文化产业骨干企业和战略投资者，繁荣文化市场，增强国际竞争力”。在信息时代的今天，世界各国之间的政治、经济联系日益密切、频繁，文化交往不断增多，各国对文化传播越来越重视，传统工艺美术作为文化载体的作用越来越凸现出来，向国外推广本国工艺美术产品已成为文化传播的重要手段。许多国家甚至已经把通过推广工艺美术产品列入了国家战略，变成了一项重要的政府行为。

宗白华说：“世界是无穷尽的，生命是无穷尽的，艺术的境界也是无穷尽的。”②每一种艺术都有其技巧语言，即便是最富有个性的艺术家都得用它来进行交流，甚至可能用它进行观察。造型是艺术创作的手段之一，艺术造型形成的因素源自对象与艺术家两者。由视觉形象要素——点、线、面等综合构成的艺术造型，并非简单地模仿和“再现”现实中各种人物、动物、背景，而是突出了作品形式的特有造型语言的表现因素和观念因素。因为某个造型体系的形成，本身便是先民各种观念形态交互作用、综合而成的结果，与此同时，工艺美术的创作又是出于各代技术工匠之手，他们对技术的认知与理解，以及社会环境与思想观念，都会对工艺美术的艺术造型产生影响。

从过去节庆时节的特殊内涵的艺术形式，到如今大众化的快餐式的艺术消费。工艺美术已经从作坊式的加工形态逐渐形成具有自我特色的产业模式雏形，其自身的内在审美形态已经在市场化、城市化的现实环境的冲击下形成巨大的变迁。脱离广大农村土壤的乡村艺术，如何适应时代变迁成为其生存发展的首要问题。实际上，一种艺术种类成熟之后，会塑造出与之相适应大众审美心理结构和欣赏习惯，艺术形式的变化，会在一定程度上影响这种大众审美心理结构和欣赏习惯。

创新是艺术发展的内在动力，也是自身完善的必然规律。首先，“艺术来源于生活”，生活所指的社会环境是发展变化的，为此艺术必然随之产生种种变化。这也充分证明艺术的本质在于创新，这是其魅力所在之处。此外艺术的创新也是由创作主体与接收主体所决定的，随着时代的变化，艺术家的思想、情感、创作理念、技术材料都会随着时代的变化而变化，而艺术接收者也是如此，两者的结合，也必然导致艺术必须具有不停的创新变化，才能跟上时代的脚步，成为人们思想情感的寄托，成为社会文化的代言人。

创新是社会发展的助推器，并随着社会的发展，以满足人们的需求为目的。创新一般分为两个层次，一个层次是对事物的固有标准的改革。工艺美术有着自身的传统标准、形式体系、功能效用，只有重新建立标准，才能称得上创新。另一层次是升华品质，强化固有的形式和内容的审美。

创新是指对原有事物模式的改变，这种新模式不仅具有新颖性、领先性，还与社会环境相适合，以自我独特的审美，形成新的物化形态。所以说，创新就是创造，是发展，是突破。而艺术的创新，尤其是工艺美术的创新，就必须是创作者新颖的创造思想的物质化表现，是满足消费者审美心灵的精神需要，是符合社会环境的审美需要，是产生更多附加产值的突破性的创造。在这一思想指导下，工艺美术产品的转变就绝不是内容的扩充，也不是形式的借鉴与深化，而是在内涵本质上进行变革，要与时代的社会需求相适应，在功能、材料、形式等全方位的变革。

但随着时代的变革和社会的发展，经济似乎成为了唯一的动力，在市场经济的推动下，价值衡量标准产生了巨大的变化，这对中国传统工艺来说，是一个非常大的冲击。工艺美术的技艺传承，如同其他手工艺一样，在社会大变革的面前，显得羸弱不堪。我们常说，

艺术的继承表现在思想、内容、作品形式、创造技法的传承。工艺美术的传承更表现出直接的师徒传承的特点，其不仅是对一种技术的传承，更表现在人与人之间的文化的认同。实际上，就是对某种文化的守护与延续。手工艺作品在文化视角上，可以说体现着本民族的文化精神与特质。宗白华说：“形式之最后与最深的作用，就是它不只是化实相为空灵，引人精神的飞跃，超入美境；而尤在它能进一步引入‘由美入真’，深入生命节奏的核心。世界上唯有最生动的艺术形式——如音乐、舞蹈姿态、建筑、书法、中国戏面谱、钟鼎彝器的形态与花纹——乃最能表达人类不可言、不可状之心灵姿式生命的律动。”③从工艺美术的实际功用可以看出，实用是其存在的根本，但艺术性是其发展的推动力。

每一种艺术都源于社会环境的需求，由于这种需求的内在推动，才产生满足这种需求的审美创造，并在生产实践的过程中形成特有的文化特色与创作经验。这些经验并形成某些特定规律，世代被创作者们传承与发展，从而形成具有自我区域内特有的文化与艺术内涵。可以说，工艺美术正是一文化传统的直观反映，使其成为民族文化的物化载体，成为民族特有文化内涵有审美观照。

从工艺美术的艺术形式进行观照，可以说，从造型、构图经营、色彩运用和装饰艺术等方面的应用；无不体现着创作者的艺术洞察力和审美能力；在造型构思上追求意象创造，不受客观事物的限定，充分发挥艺术家内心的想象力，追求人们的一种美好的艺术理想，表达人们心中的愿望和期待，通过各种夸张、装饰、象征等手法来体现；色彩运用上更是明艳活泼，又简单纯朴，体现了中国人传统的色彩观念，深受中国传统民俗生活的影响，用色上，看似极其简单但画面却呈现丰富的艺术效果。而这些艺术思维又都是其背后的祈福求平安的精神动因使然。因此，工艺美术的艺术审美价值，一方面体现在作为一种民俗意义上的文化内涵，另一方面体现在作为一个艺术种类所沉淀下来的艺术思维，从而具有重要的审美价值。

罗杰·弗莱说：“人类积累和继承下来的艺术珍品，几乎全是那些形式结构为主要因素的作品。”④构成是一种造型概念，它的含义就是将不同形态的几个以上的单元重新组合成一个新的单元，并赋予视觉化的、力学的观念，实际上就是组成一个有意味的形式。所谓有意味的形式就是美的形式，它是积淀了社会内容的自然形式，包括观念和想象的成分。

构成的特点就是形式美，是人们在从事造型艺术活动中，单独抽出构成形式作为审美对象，是美学关注人类实践活动的产物。工艺美术在构成上不仅遵循了形式美感的要求，在理念传达上又有进一步的创新，表现历代人们对工艺美术形式美的深刻理解。工艺美术往往被理解为特定形式的艺术作品，割裂了其内在的意义与趣味，无法与特定文化习惯联系起来，造成形式性的单纯审美，从而造成一些误解与浅读。这也是当前文化语境内，工艺美术面临的最大问题。

工艺美术是一种文化的载体，也是充满民俗内涵的艺术形态。所谓的民俗艺术，是指艺术的内涵与特定环境的民俗内涵产生契合，形成具有一定指向性的艺术形式。所谓“民俗艺术”，系指依存于民俗生活的各种艺术形态，作为传承性的下层艺术现象，它又指民间艺术中能融入传统风俗的部分。“民俗艺术”往往作为民俗传统的象征符号和民俗生活化的原生艺术，在岁时节令、人生礼俗、民间信仰、社会交际、衣食住行、消遣娱乐等方面广泛应用。“传承性”、“传统性”、“风俗性”和“群体性”作为民俗艺术的主要特征，具有深厚的文化背景和坚实的社会基础。“民俗艺术”并非强调“民俗”与“艺术”在形式上的相互交叉，而主要指在精神内涵上的整合和一统。“民俗艺术”也并非简单的等于“民俗”加“艺术”，而应视作艺术体系中的一个完整而独立的概念。

民俗是特定区域内传承有序的文化现象。工艺美术与之相契合，必然在精神的内核上产生超于现实形式性的审美特色，成为人们精神上具有特殊内涵的物品，并由此产生具有浓郁乡土情结的文化现象，成为人们生活中精神慰藉和文化物品，演变为日常生活中必不可少的艺术作品，成为一种观念化得形式。（作者单位：东南大学艺术学院；江苏经贸职业技术学院）

江苏省社会科学基金项目“江苏省工艺美术产业化发展研究”（09YSC007）阶段性成果之一；江苏省教育厅高校哲学社会科学基金资助项目《经济转型背景下的高职院校艺术类应用型人才培养模式研究》（项目编号2013SJB760010）阶段性成果之一。

参考文献：

[1]《中国戏剧史长编》.周贻白著，人民文学出版社，1960 年

[2]《中国影戏》.江玉祥著，四川人民出版社，1992 年

[3]《中国皮影艺术史》.魏力群著，北京文物出版社，2007年6月。

[4]《中国民间美术史》，王树村著，岭南美术出版社，2004年11月。

[5]《论工艺美术产业集群的发展策略》.丁勤，《创意设计》，2012.6

注解

①[美]理查德·舒斯特曼.生活即审美——审美经验和生活艺术[M].彭锋等译.北京：北京大学出版社，2007.22-23

②宗白华.艺境[M] .北京：北京大学出版社，1987.150

美术的审美特征范文第2篇

恩格斯说：“每个人都是典型，但同时又是一定的单个人。”这句话提出了艺术典型是共性与个性的辩证统一。就像各类艺术一样，不能孤立的把它们分开来看。在中国， 李泽厚先生也认为艺术是不可定义的，而民俗博物馆与艺术博物馆的展品经常混同， 也说明艺术品与非艺术品的界线是异常模糊的。艺术之所以难以界定， 还由于现代派艺术作品的千奇百怪，不可捉摸……一位音乐家4分3秒的完全沉默， 毫不弹奏， 也称艺术品……所有这些， 都使艺术和非艺术的划分非常困难。①

一、各类艺术的审美特征

审美性是艺术的一个特征，作为一种特殊的精神产物，任何艺术作品都必须是人所创造的，反映着人类劳动和智慧的结晶。然而只有能够给人以精神上的愉悦和，具有审美价值或审美性的人类创造物，才能称作艺术品。

（一）表现的艺术

1.建筑：建筑也是静态的表现艺术，和工艺品一样具有实用性和审美性。它通过对空间、比例、形体结构布局，以及装饰、色彩、图案等制造出一种情调，侧重于情感和意境的表现。如巴洛克建筑强调实体与空间的运动感和豪华感，通过富丽的装饰，营造出一种舞台般的梦幻效果。虽然建筑是静止不动的，但是具有音乐一般节奏和韵律，建筑的美类似于音乐美。正如德国美学家谢林称“建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑。”②

2.音乐：音乐是一种动态的表现艺术，也叫表情艺术，音乐的审美特征不仅通过音响、节奏、旋律以及和声等表现手段，还通过音乐家的表演来使欣赏者产生美感。这种音乐所传递出来的美感既有作曲家的创造，又有演奏家的再创造，这种极具概括性的艺术，是最能振奋人心的精神艺术。正如叔本华所说：一切艺术都希望达到音乐的状态。

通过对这些表现艺术的了解，我们知道了表现艺术也来源于生活，欣赏这类艺术作品使人直接感受的是艺术家的情感、心灵和精神境界。

（二）再现的艺术

再现艺术指的是再现生活，但不等同于对生活机械地的模仿，它是艺术家通过对生活的加工、改造、提炼中表达艺术家的审美理想和思想感情。

1.雕塑：雕塑是静态的再现艺术。它通过形态造型来反映和再现生活。雕塑的审美特征在于把丰富的内容凝缩在一个形象鲜明的塑像，借助有限的动作、姿态、脸型、面部的描写等，使欣赏者联想、想象到更多的内容，它所表达的思想感情具有概括性，凝练性和普通性。如罗丹的雕塑《思想者》，它是《地狱之门》中央上部的一个坐像，表现了一个强有力的巨人对地狱里悲剧所引起的思索。作品中的动作、神态有力地表达了他矛盾的心情和内心的痛苦。作者用这个想象来象征《神曲》的作者但丁。③

2.绘画：绘画作为一门悠久的历史艺术，它和雕塑一样也是静态再现艺术。它的审美特征通过线条、色彩、构图等运用，来塑造形象、再现现实、反映生活，也体现出了画家审美感情和审美理想。

（三）语言艺术

语言艺术主要指文学艺术，它的突出审美特征是借助语言塑造典型的艺术形象和意境，深刻反映生活和丰富情感。文学艺术一般分为两类：一类是诗歌、散文等，一类是小说。语言艺术通过“形象―语言―形象”的过成，给欣赏着提供了想象和再创造的广阔天地，使欣赏着能够根据自己的生活经验和对语言的理解产生意境美，从而获得强烈的审美感受。同时文字、绘画与诗歌在美术传统中长期存在密切的融合。但是语言艺术也有缺点：它不像绘画可以直接展现出人物形象，必须经过欣赏者的再创造之后才能获得审美感受，有一定的局限性。

二、小结

艺术的多样化，艺术分类也多样化，所有的艺术分类方式都是相对的。通过这些艺术的分类，我们能容易找出它们之间的审美特征，不仅提高和发展各门艺术，同时也提高和丰富各门艺术欣赏的能力。每一种艺术一方面努力追求自己特有的现实方式，另一方面有都接受其他门类的影响，各种类艺术之间相互区别，同时又相互联系和相互渗透，它们都是认识与情感、再现与表现的统一。它们的特征也是相对的，我们绝不可以将其绝对化，本文通过对各类艺术之间的审美特征的学习为自己在以后的艺术创作中做一些铺垫，以期能激发出创作的火花呢。

注释：

美术的审美特征范文第3篇

关键词：宋元山水画 各流派特征 审美特色

中国山水画是以自然风景作为描写对象的绘画形式，它作为一个独立的画科，至今已有一千多年的历史。它孕育于秦汉，萌芽于魏晋，独立于隋代，成熟于唐代，于宋元达到高峰。

宋元是山水画的鼎盛时期，名家辈出，流派纷呈，集中体现了古代山水画的艺术成就和审美特征。据《图画见闻志》《宣和画谱》《画继》《图绘宝鉴》所载统计，仅画家就有180余人。题材、内容广泛，江南江北，名山大川，宫景台阁，村野渔樵，各尽风貌。从形式上看，水墨、淡彩、青绿巧整点缀，皴法、构图、题款各具特色。其分类主要有青绿山水、浅绛山水和水墨山水三种，分别以工笔或写意的技法形式予以表现。

北宋之初以巨然、李成为代表，形成南北两家流派。李成以画“寒林平远”著称，画家依据自我的观察，以强调近景、中景，由近及远按比例逐渐放小的方式来描绘北方平原苍茫的地形面貌；同时还关注季节气候与环境的描写，创作出具有荒漠和严酷季节的“寒林”的形象，烘托出一种荒寒而悲怆的诗意。从而形成“气象萧疏，烟林清旷，豪锋脱颖，墨法精微”的作品面貌；李成的山水画在北宋被誉为“古今第一”。现存代表作品有李成与王晓合作的《读碑窠石图》(日本大阪市立美术馆藏)、《茂林远岫图》(辽宁博物馆藏)、《晴峦萧寺图》(美国纳尔逊知陆藏)。至后是以北方画派的范宽、郭熙为代表形成“雄健与秀美”的两种流派。北宋初期的李成、范宽与中期的郭熙深受荆浩的影响，作品仍体现着雄浑壮美的五代之风；范宽常年深入终南山、太华山，对景凝想与构思，其山水画的风格与李成的风格迥然不同，偏重壮美气势的意境表达，用碎而坚实的笔墨皴出富有质感的壮观山石，山顶设置密林群体结构，一泻千尺的瀑布装饰点缀，使北方山川的壮美有着身临其境之感。范宽晚年笔墨更趋“枯老”“劲硬”之笔触，成功地刻画出北方关狭地区“山狭浑厚、气势雄拔”的山体形象。范宽的代表作有《鼷山行旅图》《雪景寒林图》（天津艺术博物馆藏）。郭熙是北宋中期山水画成就的代表。他的《早春图》准确地描绘着季节风景之特征。以其秀劲的格调透发出李成的影迹。其绘画作品还有《鼷山秋霁图》《关山春雪图》等，郭熙以大师特有的谦虚与诚恳直言道：“今齐鲁之士，唯摹营丘；关陕之士唯摹范宽。”并反对其时的因袭之风，“不局一家，必兼收并览，于自然中饱游饫看。”充分体现了郭熙的绘画作品笔法严谨而挺健，斧劈斫法，苍劲中极富阳刚之美。同时，也体现了郭熙极严肃的创作态度。

北宋后期杰出的青年山水画家王希孟的《千里江山图》画卷，长为1183厘米，该卷兼具精工和神韵两大特色，大青绿着色，细致富丽，呈唐人之风；江南的“米氏山水”烟雨迷蒙，富有文人意趣，自成一家。画卷表现了峰峦绵亘，幽岩深谷，江河旷远，天地苍茫，宏大雄壮的祖国山河景象。全面继承了隋唐以来青绿山水的表现手法，突出石青石绿的厚重、苍翠效果，使画面爽朗富丽。其次，在北宋，赵伯驹、赵伯骕以青绿山水见长，画风上承唐代李思训而又有新创，在设色山水画中，北宋中期提倡“小景山水画”，以坡坂汀渚、小山丛竹、江湖水鸟为题，赋色淡雅简练，有实有虚，充满文人情趣。有图例所证：北宋山水画家赵令穰的绘画作品《橙黄桔绿图》（24.2厘米X24.9厘米,台北故宫博物院藏）。王诜的青绿山水画作品《烟江叠嶂图》（上海博物馆藏），充分体现了北宋文人画的勃兴与初步成就，同时代表文人画在山水画领域发展成就的还有米芾、米友仁父子的创作作品，与青绿山水所不同的是，他们推崇纯然为水墨的发挥，确立起“平淡天真”的文人画美学标准和审美情趣。

南宋时期的山水画家以李唐、刘松年、马远、夏圭最为知名，四人并称“南宋四家”在继承北宋成就的基础上又有了新的发展和突破。在“南宋四家”中，李唐是一位承上启下的关键人物。李唐的山水画作品《万壑松风图》(台北故宫博物院藏),李唐早期受荆浩的影响，作品气势峻厚，峭拔雄浑的北方山水刻画得细腻真实，使用的是典型的“小斧劈皴法”，刻画的山石仍然是雷霆万钧的阳刚力量，其作品逐成笔墨精练、阔略豪放、元气淋漓的风格审美特征。山巅的丛树，近处的松林，有隐有现的石径，加强了画面幽深的情调。左方中景各有瀑布一线垂下，几折而后，转成一滩溪涧，涧水穿石而过，如闻声响，真是画到有声就是诗。李唐在晚年将山水画的构图和表现语言运用得简练概括，开创了勾皴同时进行的技法，为马、夏画风的兴起做了铺垫。

美术的审美特征范文第4篇

〔关键词〕古典艺术 审美特征 稳健 庄重

沃尔夫林以“古典艺术”一词来表征盛期文艺复兴艺术，也即 16 世纪艺术。与之相对应，他以“古风艺术”一词来表征早期文艺复兴艺术，也即 15 世纪艺术。“古风艺术”和“古典艺术”是借自温克尔曼在《古代艺术史》中发展而来的艺术史分期概念，沃尔夫林也籍此表明他所坚持的论点：文艺复兴时期，尤其是文艺复兴盛期是艺术发展的巅峰期，其独一无二的价值可以与古希腊艺术比拟。这种观念是与人类长久以来的普适价值观相联系的，它反映了人类自古以来最习以为常的观看世界的方式。

沃尔夫林认为，“古风艺术”拙朴天真，富于生活气息，于描绘中显现出对生活的热情，其表达是远未完备的，但又预示了在巴洛克艺术中将要展现出来的东西：运动。而“古典艺术”精炼集中，于理想化的艺术形象之中反映成为“完美的人”的生活理想和相应的审美理想，平静而高贵，庄严而持重。古典艺术的完美性源自对文艺复兴时期社会精英人士的生活理想的认识，而社会精英人士的代表就是拉斐尔、卡斯蒂利奥内伯爵等。

沃尔夫林在盛期文艺复兴――古典艺术中，不仅发现了“新的形式”，也发现了“新的理想”和“新型的美”。 ①他认为，相对于 15 世纪的早期文艺复兴艺术，这样的美更为平静、厚实、宽阔，所描绘的空间和其间所布置的物体间建立起新的关系，坚实的刻画形成鲜明的体量感，庄严持重。他从以下几个方面入手，诠释了堪称完美的“古典艺术”相较于文艺复兴早期“古风艺术”所表现出的不同审美体验。

一、古典艺术的审美特征

1、稳健简单的尊严美。与15世纪将人物动作处理得优雅、矫饰以及过分讲究不同，16世纪艺术体现的是一种稳健、简单体现人的尊严的审美风格，在绘画中，“人物的姿势越发稳重，那些过度装饰、生硬造作和立脚不稳的缺点已被克服。”②除此之外，16世纪的艺术恢复了古典艺术中对“体现坚强气质的有力动态的兴趣”③，在艺术表现中注重力量和生命力的表现。

《自画像》是拉斐尔作于 1506 年的一幅作品，是他早期创作的典型风格。与其他几幅成熟期的肖像画相比，这幅作品轮廓线缺乏变化，尤其是肩膀、帽子、脖子，不能很好地形成圆润过渡，略嫌生硬单薄。而其成熟期的《一个妇人的肖像》，通过强烈的明暗对照，形成了鲜明的视觉焦点，这个焦点就是眉宇和鼻梁的明暗转折处，我们可以感觉到，寥寥数笔就能将眼窝和鼻梁连接起来。在 16 世纪，这样的连接所形成的强烈对照总是得到强调，艺术家将表情线索汇聚于一个单纯的整体，这或许就是 16 世纪艺术稳健风格的秘密所在。沃尔夫林指出，这种美是以人的尊严观念为基础的。

2、丰满厚重的成熟美。在16世纪，丰满、厚重成为新的审美理想。15世纪，人们崇尚纤细、轮廓清晰的青春美，而到了16世纪，从前那些纤细处理的部分，被更丰满、更强壮的表现手法所替代。沃尔夫林认为，15世纪艺术体现的是青春美、而16世纪艺术则是一种成熟美的表现。这个时期，“美见于体现古想的丰满躯干的宽大臀部上，而且视觉追寻的宽大而统一的各个面。”④

16 世纪的意大利艺术开始发展比之 15 世纪艺术更纯粹、更强有力的表现，在这个过程中，主体形象的鲜明突出和空间延伸是同步展开的，对于 16 世纪的艺术家来说，其画笔仿佛就是最小的“光圈”，其画布就是最大的“景深”。人们偏爱紧凑、坚实、厚重之美，这并不与雄浑开阔的图像空间的要求相抵触，因为重要的是表现得充实，而不是题材的实际面积如何广大。

15 世纪的趣味是画得“漂亮”，16 世纪的趣味是画得“结实”。而且，主体形象之间开始更为紧密地联结，形成统一的整体。譬如拉斐尔的《圣母和圣子》，画面的水平线被压低，三个人物间形成一个三角形的团块，其充盈的体量感，通过与波拉约洛《圣塞巴斯蒂安的殉教》纸片一般的人物相比可以一目了然。

3、稳重庄严的细节美。在细节的处理上，16世纪绘画在对人物的细节的刻画上，相较于15世纪而言更为工整，给人一种稳重庄严的审美感受。比如在对人物的发饰的处理上，15世纪时期“趋于划隔分股的发型和细致的装饰倾向”，以及“改变前额的自然框架，超出原来的发际线而扩大前额的面积”，而16世纪则“更喜欢单一体块的简单发式的欣赏趣味”，“头发表现为梳得光滑服帖、有条不紊的体块”，并“以清晰的水平线作为前额与发型的分界线” ⑤，这两种不同的处理方式，就造成了前者娇揉而后者自然的视觉感受。在16世纪，艺术家在创作时追求“重量感和节奏感”，15世纪人物画中修长的颈脖，在这个时期由戴有沉甸甸的项链的粗壮脖子所替代，而原本那些“编织复杂图案的衣料”则变成了“具有重量感的能产生大效果而不必近观细察的衣料”，由此来凸显人物尊严而高贵的神采。

4、简朴庄重的空间美。古典艺术对垂直和水平轴向的强调是始终如一的，它赋予图像空间构成以稳定感、重量感和毋庸置疑的明确视域，引导欣赏者仅从一个唯一被作者确定好的角度去观看最能够反映形体常态的效果。

藏于乌菲齐美术馆的委罗基奥的《基督受洗》，是具有代表性的15世纪艺术，人物和各部分的景物都像剪纸一样，整个图像空间像是拼贴出来的，尤其是背景，就是一块紧贴在人物背后的幕布。右边中景那棵树，下半部像是和远处的山石紧挨在一起，而其上半部分由于刻画得过于清楚，似乎已经跑到前景里来了。主体人物刻画得筋脉毕露，近乎平面装饰图案。而左边的残垣断壁又压在人物背上，再次令人物嵌入背景之中。一个开阔的场景，由于缺乏有秩序的表现而显得平板拥塞。同时，人物的动作也过于局促，慌慌张张，尤其是耶稣基督被表现得像是凡人，他的身体几乎是在瑟瑟发抖，画家似乎仅是粗略地将日常生活中的行为举止排列在一起而已。

而在拉斐尔的《圣母子与小圣让・巴蒂斯特》中，远景的白云与天空融为一体，自然地向后伸展。前景圣母子和圣约翰的轮廓总的来说是清晰的，但在阴影旁边的部分相对会模糊些，使形体与气氛融合。同样，相对锐利的边缘也并非象刀刻出来的那样，而是有一个巧妙的圆转过渡，仿佛形体沐浴着空气，在委罗基奥《基督受洗》中的生硬效果被避免了。在形体与形体相接的地方，相互交搭的线条总是穿插避让，形成多种变化。其中最基本的变化就是刻画靠下、靠后形体的线条在即将与压在其上的线条相交时，会稍稍变淡，隐去刻露的痕迹，并形成图像空间局部近实远虚的空间推移。形体绷紧的一侧，边缘轮廓清晰光滑；形体松弛的一侧，边缘柔和微妙。在拉斐尔的作品中，有了明确的前景、中景、近景划分，色调对比、形体刻画的清晰程度也相应逐层递减，使形体自近处的平面向远方伸展，这样，平静与开阔联系在一起，简朴庄重的空间美感油然而生。

结语

肯尼斯・麦克利什曾说：“尽管古代社会可能是专横的，但它所提供的典范作品的情感丰富性和风格多样性，常常使它成为一个生气勃勃的社会。这种丰富性和多样性，在艺术中表现得格外强烈，因为它们所反映并使之不朽的文明的宏伟成就，赋予它们内在的生命。”⑥因此，人们总是对“古典艺术”表现出趋之若鹜的向往情怀。

沃尔夫林对于文艺复兴时期艺术的研究，不仅仅是关于艺术风格的，也是关于我们如何观看这个世界的。通过沃尔夫林的古典艺术理论，我们将清晰地意识到科学作为一个文化过程，既负载了人类对真理的永恒追求，也负载了人类永无止息的批判精神。

如果把文艺复兴艺术的全过程归纳为一个观看造型艺术历史发展的基本图式，那么通过上文的分析，可以这样说，艺术的进程既是连续变化的，又是循环发展的，在连续变化中，存在草创期、成熟期的渐次发展。无论如何，无论是15世纪早期优雅、轻盈、娇柔的艺术表现，还是16世纪盛期庄严、稳重、厚重的艺术形式，对于今天的我们而言，都是珍贵的艺术体验。

注释：

①沃尔夫林，潘耀昌译.古典艺术[M].北京：中国人民大学，2004 ：2.

②同上：第270页. ③同上：第275页. ④同上：第281页. ⑤同上：第312页.

⑥[英]肯尼斯・麦克利什，查常平等译.人类思想的主要观点――形成世界的观念（上）[M].北京：新华出版社，2004：71.

参考文献：

[1]曹意强.时代的肖像：意大利文艺复兴艺术巡礼.[M].北京：文物出版社，2006.

美术的审美特征范文第5篇

关键词：电影艺术 审美特征

电影是一门年轻的综合性艺术。它是近代科技与艺术结合的产物。是动态的再现型艺术，它的美就在于塑造鲜活的典型的艺术形象，在更广阔的范围内反映和再现生活的本质。然而，电影与电影美学又不是同一个概念。电影是指以纪录社会现象和自然现象片段为基础传递信息、制造效果的一种异质综合性的媒介手段，是可以配有声音效果并具有画面性质的动态影像。而电影美学要求电影首先要以电影的特殊艺术手段来认识现实和反映现实，也就是要具备电影的思维特点和艺术特点。电影艺术几乎拥有着其它艺术的所有表现手段。因而相对于一般美学来说，电影美学无论在色彩、空间、线条、影像上都表现的更复杂更全面一些。本文旨在从电影艺术的高度综合性、反映现实的逼真性、视听的高度融合性和时间空间的高度自由性四个方面浅要地探究电影艺术的审美特征。

一、电影艺术的高度综合性

我们说电影艺术是各种艺术中综合性最强的一门艺术，这是因为电影几乎拥有着其它艺术的所有表现手段。在它的肌体中有文学、戏剧、舞蹈、音乐、绘画、雕塑等各种因素。而这种综合性应该体现在两个方面：一是，多种艺术的综合，并且，集各种艺术元素于一体。它汲取了各种艺术的表现特色。如：汲取了绘画对光、影、色、线条、体积的独特处理,以及如何运用二维平面去创造三维空间的艺术本领；汲取了音乐的韵律美、节奏美和音乐独特的听觉艺术元素；又如：将文学溶入电影艺术,主要在于汲取文学塑造人物形象与典型的方法,以及故事情节的结构安排,细节的描写方面等。二是，电影艺术与科学技术的综合。电影艺术是各种艺术中科技含量最高的一门艺术，它综合了光学、声学、电子学,计算机科学的最新研究成果。电影从无声片、有声片到现今的彩色片和立体电影，都是与科学技术的发展分不开的。

二、电影艺术反映现实的逼真性

我们知道电影最早被称为“活动的照相”。至于照相我们是清楚的，所谓的照相就是真实地记录生活中的原貌，所呈现出来的画面是静态的。而活动的照相也是真实地记录生活中的原貌，只不过是把可见的事物在运动中纪录下来，所呈现出来的画面是动态的。因此，二者具有一个共同特性――逼真性。谈到逼真性，照片的逼真在于人物、景物的真实；而电影的逼真性除此之外还在于，电影还能发出物体的声音和人的语言，它和活动的画面结合在一起，使电影具有了更强的逼真性。另外，电影还能够把生活中的颜色和色调逼真地反映在银幕上，使人们直接观赏到色彩艳丽的世界。这样，银幕上的生活由于运动的画面、声音和色彩三者的结合，就更加接近于现实生活了。这一点我们是很容易理解的，我们都看过电影。有些电影看过数边，甚至过了许多年我们依然喜爱，比如：《地道战》。究其原因，就在于影片的内容就是生活本身，它真实的反映了生活的本质，用镜头真实的纪录了生活。

电影艺术的逼真感还有另一个表现――蒙太奇――电影的独特表现手段。蒙太奇虽然来源于建筑学，但它与人们在日常生活中观察事物的经验却有着相似性。人们在观察事物时，总是不断地改变空间范围和视角。比如：有时远观、有时近取；有时从这个角度观察，有时从另一个角度观察；有时平视，有时斜视，有时仰视，有时俯视；有时固定地看一个事物的变化，有时则随着事物移动看一个事物的变化。人们正是通过观察点的变化以及从不同的观察点上所得的综合印象去了解事物的外貌。而电影正是根据这个特点产生了远景、全景、中景、近景、特写、大特写、平拍、斜拍、仰拍、俯拍等景别以及包括推、拉、摇、移、跟、升、降在内的各种移动镜头，并将各种景别、镜头连接在一起，使观众如同在现实生活中那样去观察反映在银幕上的生活，产生一种接近于现实生活的逼真感受。

三、电影艺术的视、听融合性

电影艺术是视觉与听觉为主的影像艺术。视觉、听觉以及视听融合性都是电影艺术的基本特性。要探讨电影艺术视、听的融合性，首先，来看看传统艺术。绘画艺术是用画面来塑造形象,但是缺少了音响效果；音乐艺术是用声音来塑造形象,但又缺少了画面，也就缺少了形象感。而电影艺术的出现，尤其是有声电影的出现,使艺术具有了音响与画面的高度融合。电影和戏剧又有所不同，电影和戏剧虽然都重视动作性，但电影更重视的是视觉动作而戏剧更重视的是言语动作。电影艺术不仅善于汲取绘画的特点,还要考虑画面的安排,关注画面美,同时还善于通过各种音响来构成节奏感与和谐美。音响和画面的高度融合性,使得形象更为真实,更为丰满,更具立体感。比如：《满城尽带黄金甲》中台的画面外传来令人荡气回肠的《台》的音乐,构成音响与画面渗透、情景交融的意境。

四、电影艺术时间空间的高度自由性

电影艺术是一种典型的时空综合的艺术。它作为一种全新的综合艺术，是在时间与空间上同时展开的。电影艺术的时间是指空间化了的时间,成为具体可闻可见的空间运动；电影艺术的空间是指时间化了的空间,它有一个时间的流动过程。电影既是在空间中展开的时间艺术，也是在时间上延续的空间艺术，它把时间艺术的表现性与空间艺术的造型性有机地结合了起来，而成为拥有时空自由的一门崭新的艺术。由于电影艺术的这种特性,它在时空结构上具有了极大的自由性。比如受众对一个时空统一的镜头的感受并不是纯粹用钟表来计算的,它还受到镜头中所包含的信息量的多少以及它的节奏的影响。信息量大,时间感就短，信息量少,时间感就长；节奏变化强烈,时间感就短,节奏变化缓慢,时间感就长。这里还涉及一个电影艺术时空的交错的问题。所谓时空交错指的是打破现实时间的自然顺序,将过去、现在和未来的时空场面进行交叉衔接,将联想、回忆、幻觉、梦境同现实融为一体,使时空呈现出跳跃性并获得多层次的展示。电影艺术似乎有一种不受物理空间和自然时间束缚的力量,与其他艺术相比,电影艺术更能摆脱时空的客观规定性,从而获得更大的自由。

通过以上四个方面的简单论述，我们对电影这门新兴的艺术的审美特征有了初步的了解。这不仅有利于电影艺术的创作，同时也有利于电影艺术的欣赏与评论。当然，要进一步的、深入的探究电影艺术的审美特征，不仅要对电影艺术本身进行深入的研究，而且还要对音乐、舞蹈、绘画、雕塑、建筑、摄影、电视、现代科学技术、受众以及审美心理学等多学科、多角度进行横向与纵向的研究与分析。以便更好的促进电影艺术的发展。

参考文献：

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