古典艺术的意义

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古典艺术的意义范文第1篇

关键词： 古典艺术 素材应用 教学 PPT

1973年，以席勒为中心的美育观首次进入人们的视野。席勒在《美育书简》中指出，想使感性的人成为理性的人，除了首先使他成为审美的人，没有其他途径。根据王道俊、王汉澜主编的《教育学》，美育又称为审美教育，是一种运用艺术美、自然美和生活社会美培养受教育者正确的审美观点和感受美、欣赏美、鉴赏美的能力的教育。美育是全面发展教育的必要组成部分。书中毫不夸张地指出了美育的重要性，认为审美已经日益成为经济发展、社会进步和民族素质提高的迫切需要。因而，学校必须将美育提上议程，着力培育学生的审美情感和审美能力，陶冶学生情操，丰富学生的精神世界，使学生产生对美的热爱并追求美，使他们带着蓬勃朝气学习、劳动及工作，善于在社会生活中发现美，表现美，把社会主义祖国建设得更加美好。该书中还说，在对自然美、社会美、艺术美的感知和情感体验中，也有助于观察力、想象力、思维力和创造力发展，明确指出美育对于学生智力发展的促进作用。

从学生的角度看，在教学中应用中国古典艺术素材可以扩大学生视野、丰富课外知识，并启发其创造力。心理学认为，情感是人对客观事物是否符合自己的需要而产生的体验，它是个体在社会生活实践中产生和发展出来的。当人依据自己的审美观点对事物进行评价时，就会产生肯定或否定、满意或不满意、愉悦或不愉悦、爱或不爱等情感。对此，情感教育的研究在心理学的基础上指出，教师在教学过程中，应该有意识地培养学生的情感，通过情感这一动力维持课堂教学的快乐氛围。利用学生的审美需要激发学生对美的热爱，促使学生获得知识、正确的审美观及高尚的情操。

古典艺术尤其在幻灯片的美化上起着重要作用，幻灯片的美化与欣赏式的引入和结尾不同，欣赏式的引入与结尾虽是简单带过图片内容，但即便只是一句话，也是“毕竟有之”。但幻灯片的美化仅仅是将与教学内容相关的图片放在幻灯片中，起到美化作用，教师对图片内容不做任何评述。如果一个课件仅仅是简单的白纸黑字，那么这个课件无疑是单调乏味的。美化幻灯片是必要的，但是美化幻灯片不是盲目的。它应该致力突出课堂所要表达的主题，使得主题清晰明确，而绝不是为了美化而美化，选择那些与课堂内容无关的内容作为花瓶摆设。幻灯片的美化首先要关心的一个问题是图片的选择，在图片的选择上，我们可以将上文中提到的，可以用来做欣赏式的引入和结尾的图片放在幻灯片中作为美化，教学时不对其进行叙述，图片仅起到美观作用。然而不是适合作为幻灯片美化的图片都适合作为欣赏式的引入和结尾。素材量如果过少，则不到视觉冲击形成直观感觉的作用，也就不太适合用于欣赏式的引入或结尾。

完成素材的收集，灯片的制作问题就是要对素材进行有效重组、整合，有时候还涉及动画制作这些问题看来虽小，但烦琐麻烦，是多媒体教学对社会压力巨大、身心俱疲的教师提出的一个不小的挑战。在幻灯片的制作中还应该注意详略得当，比如说在笔者对投影一小节的设计中，介绍皮影戏时候给了一句俗语两句诗，这两句诗可以放在皮影戏图片的下方，字体大小要适宜，重点是烘托皮影戏的图片。而在介绍剪纸时，设计中同样包含杜甫的一句诗，此时这句诗就没必要放在幻灯片中，原因是，描写皮影戏的诗中有“灯”字，“灯”直接让人联想到了光。而“剪纸招我魂”充其量只让人联想到招魂或者剪纸，设计中应用杜甫的这句诗，目的是引出剪纸，而剪纸只是介绍轴对称的载体而已。

事实上，中国古典艺术素材在教学中可应用的范围也比较大，笔者作为一个中国古典艺术的爱好者，同时是一名教师，便希望探索二者关系。这里的一些设计可能仅仅是用这些素材对课堂教学起到美化作用，而缺乏亲近性。对此，笔者期待今后有学者就中国古典艺术素材在数学教学中的应用提供实践探索。

参考文献：

[1]谢兰，唐超，邓立忠.传统文化的辛勤守护者[N].中国文化报，2012-7-18（12）.

[2]传统文化的守护者与传播者一记市政协委员黄礼雄[OL]http：///department/zhengxie/article.php content=39313.

[3]胡继华.守护古典艺术的余韵[J].美术观察，2005（06）：81-84.

[4]席勒.美育书简[M].北京：中国文联出版社，1984.

[5]曾繁仁.走到社会与学科前沿的中国美育[J].文艺研究，2001，（2）：13-18.

古典艺术的意义范文第2篇

1、依山旁水，贵树名花，综合艺术，中国古典园林是由植物、山水和建筑等组成的综合艺术品。

2、追求立意，概括提炼，力求神似，中国园林集天下名山胜境，经过取舍并加以高度概括和提炼，虽取材于自然又非纯天然模仿，立意新颖。

3、 造景含蓄，耐人寻味，一点方悟，中国古典园林的绝妙之处为含蓄，一山一石耐人寻味。

4、 动态布局，犹如画卷，百看不厌，动态序列布局，使园林空间成为连续序列的写景，有“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”的艺术效果。

（来源：文章屋网 ）

古典艺术的意义范文第3篇

关键词：西方艺术 古典主义 浪漫主义

目前在我国普遍的艺术评论或艺术审美教育中，往往把西方艺术中的音乐和美术截然分开，这样的形式忽视了艺术在本质上是相通的，都是以感性的语言和手法描述社会生活、表达人类情感。在相同的历史文化背景下，音乐与美术更是有着千丝万缕的联系，体现出相同或相似的文化艺术审美特征。本文以西方历史文化发展为背景，探讨西方艺术史中古典主义与浪漫主义时期音乐与美术的艺术特征、代表人物，力图从较为全面的文化艺术视角进行比对、交流，探索共性，寻求听觉与视觉的完美融合，通过文化艺术的广角镜头去走进西方艺术世界。

古典主义时期(18世纪中叶~19世纪初)

历史文化背景及艺术特点。“古典主义”在艺术中通常有两种含义：一种指艺术作品中追求完整的秩序和永恒的价值；另一种特指古希腊、古罗马时期的文化艺术所特有的协调、匀称、单纯、明晰、整齐等特征。至18世纪中叶，理性力量的信念是如此之强，以至于开始影响社会的权威和宗教的确立。哲学家和作家，尤其是伏尔泰和丹尼斯・迪德洛特关注到了这个重大的历史转折时代，并把其冠名为“启蒙时代”。他们相信在社会发展的进程中坚持理性而非传统和习俗是对人们最好的引导，他们对贵族和神职人员特权的抨击反映了为自己的权利而斗争的中产阶级的观点。

古典主义艺术的特点可以概括为：1.古典主义艺术家把自己作为传统的一部分，他们追求思想的明晰和形式的美，采用极客观的表达方式。2.坚持对艺术的控制和戒律，发掘表达理性和精巧技艺的潜力，发挥理想的美的想象力。3.形成秩序稳定、比例和谐的纯净而明朗的艺术风格，寻求在情感和理智、心灵和思想之间的完美平衡。

古典主义风格的音乐与美术。在古典主义时期，中产阶级的崛起对音乐产生了很大的影响。音乐中的“古典”一词主要有三种含义：1.指区别于通俗音乐的严肃音乐；2.泛指19世纪以前的音乐；3.特指以1800年为中心的维也纳古典乐派。在18世纪中叶，作曲家倾向于简洁和清晰，丢弃了很多导致晚期巴洛克那种过于丰腴的音乐手法。复调织体被否定，转向于歌唱性的旋律和简单的和声。当时的作曲家以音乐中的情绪和主题的对比吸引他们的听众。术语“华丽风格”(style galant)所指的就是这种轻快、优雅的音乐。音乐中的华丽风格类同于其他艺术上的洛可可风格。音乐中成熟的古典主义风格风行于1770年~1820年，这期间的伟大作曲家有约瑟夫・海顿、沃尔夫冈・阿玛多伊斯・莫扎特和路德维希・范・贝多芬。维也纳古典乐派的音乐具有题材重大、崇尚理性、气势宏伟、逻辑性强、强调结构的平衡与清晰的美学特征，充满了生气勃勃、乐观向上的精神气质。它强调情绪的丰富变化和对比；节奏自由多变；音乐织体建立在主调基础上且处理灵活多样；旋律富有歌唱性、易于记忆；渐强和渐弱成为力度变化的主流，钢琴逐渐替代了羽管键琴；数字低音的手法逐渐被淘汰。

在美术方面，伴随着思想和行为上的革命，视觉艺术领域的风格也发生了变革。18世纪初，浓重的、巨型的巴洛克风格让位于更为亲近的洛可可风格，洛可可风格崇尚轻快的色彩、弧形的线条和优雅的装饰。但是到18世纪晚期，艺术的趣味又有了变化，洛可可艺术被认为是琐碎的、过于装饰的，并且缺乏民族的内涵。洛可可风格被新古典主义所取代，所谓新古典主义，首先是遵循唯理主义观点，认为艺术必须从理性出发，排斥艺术家的主观思想感情。艺术形象的创造崇尚古希腊的理想美，试图再现古希腊和古罗马艺术中高贵的简洁和沉着的庄严；注重古典艺术形式的完整、雕刻般的造型，追求典雅、庄重、和谐；强调明确的线条、清晰的结构、高尚的主题。曾参加过法国大革命的画家雅克・路易斯・达维特在他的古罗马场景的描绘中寻求英雄主义和爱国主义的灵感表达；英国画家威廉・荷加斯的绘画讽刺性地描绘了英国贵族和中产阶级的行为和道德；西班牙画家弗朗西斯科・戈雅高度个性化的视觉形象猛烈地抨击了伪善、压迫和残暴。

浪漫主义时期(19世纪)

历史文化背景及艺术特点。资产阶级的法国大革命成功以后，得利的是资产阶级贵族，人民大众依然处于社会底层，忍受剥削和压迫。资产阶级在革命时宣扬的“自由、平等、博爱”的诺言并未实现，人民对那些粉饰现实、为统治者歌功颂德的虚伪的学院派艺术极为不满，这就导致了浪漫主义思潮的产生。浪漫主义的产生与当时的启蒙思想密切联系。启蒙运动号召人们打倒封建统治的精神支柱――天主教会，在文艺领域反对旧的古典主义，提倡文艺家要到农村去，主张到茅棚里访问百姓，看看他们的生活。19世纪初迎来了浪漫主义风格的发展与繁荣，它强调主观的情感体验和幻想，热衷于对大自然的迷恋和对中世纪艺术的特别眷顾。从某种意义上说，浪漫主义是对18世纪新古典主义和理性时代的反叛。浪漫主义作家割裂了由来已久的与传统的联系，并且强调情感表现的自由。浪漫主义的内涵非常宽泛，它包容了人性表达的方方面面。浪漫主义运动不仅在地域上覆盖全球，并且影响了所有的艺术门类。浪漫主义艺术的特点可以概括为：1.主观的情感体验是浪漫主义艺术的基本特征。2.浪漫主义者尤其热衷于在幻想的领域探索内心世界：潜意识的、非理性的、梦幻的世界。3.自然是浪漫主义艺术的灵感源泉，物质世界被看做是慰藉的源泉和人类心灵的反映。

浪漫主义风格的音乐与美术。音乐中的浪漫主义始于约1820年，止于1900年前后。其中最为著名的浪漫主义音乐家有弗朗兹・舒伯特、罗伯特・舒曼、克拉拉・维克・舒曼、弗雷德里克・肖邦、弗朗兹・李斯特、费利克斯・门德尔松、埃克托尔・柏辽兹、贝蒂奇・斯美塔纳、彼得・伊利奇・柴可夫斯基、约翰・施特劳斯、约翰内斯・勃拉姆斯、朱塞佩・威尔第、贾科莫・普契尼和理查德・瓦格纳等。仅以上名单就已经让我们感受到浪漫主义音乐的丰富和多样，以及对今天的音乐会和歌剧曲目的持续影响。浪漫主义时期的作曲家继续沿用古典主义时期的音乐体裁与曲式。作品中的浪漫主义情调表达已经在莫扎特，尤其是贝多芬的音乐中得到体现，贝多芬对他的后继者产生了深远的影响。浪漫主义作曲家喜欢用有表情的、歌唱似的旋律，也出自古典风格。然而，在浪漫主义和古典主义之间还是有很多的不同。浪漫主义作品在音色、力度和音高方面趋向于更大的变化范畴；前所未有地强调自我表现和风格的个性化；具有民族主义和异国情调的特点；注重标题音乐的创作；强调富有表情的音色；强调充裕、色彩化和复杂的和声，和声语汇更宽阔，更强调色彩性的、不稳定的和弦，以此获得更为强烈的感情冲突；新的曲式结构被采用，并且在所有的曲式中紧张性更为突出，较少强调平衡和解决，曲式上注重微型化和巨型化。浪漫主义音乐与其他艺术领域有着千丝万缕的联系，尤其与文学作品的联系。

启蒙运动在美术上奉劝画家不要关在画室里，应该到百姓的生活中观察和描绘生活。因此，浪漫主义艺术家接受了启蒙运动的观念――回到自然中去。他们在政治上反对专制，提倡个性解放和天赋人权，在艺术上反对因循守旧的古典主义学院派；在艺术创作上主张反映现实生活中的重大事件和人，竭力刻画人物的个性并赋予丰富的情感，画家创作过程中必须充满激情。由此产生了动荡的构图、狂放的笔触、丰富而热烈动人的色彩，有时以比喻或象征的手法塑造艺术形象，借以抒发画家的社会理想和美学理想。开创浪漫主义的画家是吉里柯，而将浪漫主义发展到高峰的则是德拉克罗瓦。早已不被人们欣赏的哥特式大教堂，却被浪漫主义者看做独特和神秘的景象。在建筑领域的“哥特复兴”重现在建筑结构中，如伦敦的国会大楼(1836~1852)、纽约的圣三一教堂(1839~1846)等。

瑰丽多姿的西方艺术史给今天的人们留下了无数宝贵的艺术财富，而其中古典主义和浪漫主义时期更是最具影响力的代表。本文在有限的篇幅内尽可能对其整体风貌做言简意赅的论述，主要着眼于历史文化的大背景，对古典主义与浪漫主义时期的音乐与美术进行比对，探索共性，以此建立起对西方文化艺术审美的整体视野，以促进对其更加深刻的理解和研究。（本文为河南工业大学2009高教研究项目）

参考文献：

1.朱英萍：《音乐鉴赏》，郑州：郑州大学出版社，2006年版。

2.左庄伟：《美术鉴赏》，南京：江苏美术出版社，2006年版。

3.于润洋：《西方音乐通史》，上海：上海音乐出版社，2001年版。

4.杨琪：《你能读懂的西方美术史》，北京：中华书局，2007年版。

古典艺术的意义范文第4篇

关键词：中国古典舞 身韵

引言

中国古典舞是中华民族文化的艺术结晶，在中国舞蹈史上有着极其重要的地位，堪称为中国舞蹈的艺术典范。它的渊源可以追溯到中国古代宫廷舞蹈或更为遥远时代的民间舞蹈， 它是在民族民间传统舞蹈的基础上， 从戏曲舞蹈、武术身法和芭蕾舞步中提取精华，并结合中国古代舞蹈美学以及当代审美观点和原理，经过历代表演家的调整、提炼和创新， 长期流传下来， 具有典范意义和古典风格的舞蹈。它的诞生与发展，反映了人们对民族舞蹈文化的尊祟，显示出中国传统舞蹈艺术的独特风韵。中国古典舞经过不断的发展，从外形到内涵突破局限，整理和创造出了许多别具一格的古典舞，更创建了古典舞的身韵。

中国古典舞身韵的艺术特征

“身韵”即“身法”与“韵律”的总称。身”即身法，指中国古典舞的外部表现技法；“韵”即韵律，指中国古典舞的内在气韵。俗话说“无韵则神死，少韵则风格无”，身韵是中国古典舞不可缺少的标志，是中国古典舞的艺术灵魂所在。“身韵的主要特点有：一是在形体动作上要求以神似为主，主张将身法与韵律集中在“变其形而扬其神”上；二是展现出神形兼备的审美特点，集中体现古典舞的形神统一。

身韵的产生使古典舞摆脱了对古典戏曲舞蹈的依附，形成了自己独特的舞蹈模式和表演特征，这些艺术特征直接影响着、规范着古典舞的艺术创作。身韵的艺术特征主要表现在：

1.圆形艺术:中国古典舞被称为是“划圆的艺术”，在长期的表演实践中，舞蹈艺术大师将圆形的动态概括为:圆、曲、拧、倾、收、放、含、仰。圆形动律是中国古典舞有别于其他舞种的本质特征。

2.形神兼备的艺术:中国古典舞强调手、眼、身、法、步互相配合，连贯一气，做到“形未动，神先领，形已止，神不止，以神领形，以形传神”。

3.刚柔相济的艺术:古典舞的表演“刚柔动静统一”，动作讲究起伏迭起、有动有静，在行云流水般的动作之中穿插“亮相”。

中国古典舞身韵的表现风格

做为一名舞蹈演员，我了解一个优秀的舞者不但要掌握扎实的基本功和灵活的技巧，还要认识并且掌握不同的舞蹈风格。而要做好古典舞的表演，则需深刻体会其艺术灵魂——身韵。身韵为古典舞提供了最核心、最本质的“元素”， 它具有特殊的系统训练要求，它将训练身法和陶冶神韵相结合，把“形、神、劲、律”做为古典舞动作元素，并将它们结为一体，使古典舞蹈具有很高的艺术欣赏价值， 所以说，身韵是整个中国古典舞训练、表演等诸环节的有机组成部分，更是古典舞的精髓所在。 而“形、神、劲、律”做为身韵的基本动作要素，它们更是高度概括了身韵的全部内涵。

形: 即外在动作，包含姿态及与其相连的运动线路。

形首先体现了“拧、倾、圆、曲”的曲线美和“刚健、挺拔、含蓄、柔韧”的气质美；其次表现为“平圆、立圆、8字圆”的三圆运动，尤其体现在“提、沉、冲、靠、含、仰、移”的动律上；最后，形还体现着“由动到静”或“由静到动”这瞬间的变化。

神:即神韵、心意，是身韵中起主导支配作用的部分。在神这一元素中， 身韵强调内涵的气蕴、呼吸和意念，强调神韵及内心情感。“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。所谓“心、意、气”，正是“神韵”的具体化。

劲:就是力，它包含着轻重、缓急、强弱、长短等关系的艺术处理。它有如下几种典型的亮相劲头: “寸劲”——体态、角度、方位均已准备好，运用一寸之间的劲头来“画龙点睛”；“反衬劲”——给予即将结束的体态造型以一个强度很大的反作用力， 从而强化和烘托最后的造型；“神劲”——一切均已完成， 而用眼神及肢体作延伸之感， 使之“形已止而神不止”。

律：是指动作本身的运动规律，它包含动作中自身的律动性和它所依循的规律这两层意义。一般来说动作接动作必须要“顺”， 这“顺”劲正是律中之“正律”， 但古典舞往往又十分重视“不顺则顺”的“反律”， 以产生奇峰叠起、出其不意的效果， 无论是一气呵成、顺水推舟的顺势， 还是相反而行的逆向动势， 或是“从反面做起”， 都是体现了中国古典舞的圆、游、变、幻之美， 这正是中国“舞律”的精奥之处。

形神劲律，这四大动作要素的关系，是经过劲与律达到形神兼备，内外统一。其规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。这些都是一名优秀的舞蹈演员一定要具备和掌握的。 技术技巧有了身韵的辅助，才能有艺术的感染力和表现力， 正是这些特殊的规律产生了古典舞的特殊审美性。

中国古典舞身韵的灵魂作用

任何艺术创作都要遵循自己统一的表现手段，中国古典舞的创作亦是如此。在传统古典舞创作上曾有过把不同性质、不同民族的舞蹈动作硬加在一起拼凑而成的作品的现象。而这样创作出的作品是不能很好地体现中华民族的精神的。正当中国古典舞创作陷入低迷的时候， 身韵理论从中国戏曲舞蹈、武术中脱胎而出，展示出其鲜明的民族特色和深遂的艺术魅力。身韵的产生是一次质的飞跃，它突破了原有身段的动作定式，取而代之以变幻无穷、富于表现的艺术方式，这种方式在身韵中的表现就是元素的提炼、动作的派生以及动作性格的可易位性。它是对戏曲中身段的改造与升华，是从审美的角度来继承和研究传统的身法，是根据舞蹈自身的特性和时代精神的要求加以发展演变的结果。

身韵的出现解决了中国古典舞在从戏曲中产生时就存在的风格化舞蹈与程式化动作的矛盾，改变了其在戏曲与芭蕾之间进退维谷的局面。做为中国古典舞的一种新型理论，身韵使人体潜在的表现力得到了充分发挥，为创造生动鲜明的舞蹈形象赋予了新的艺术手段。它以时代风格的古今适用、动作舞态的丰富多彩以及很强的舞蹈性与民族审美性相结合的特点，而被充分运用到创作当中，使中国古典舞在创作上有了很大的进步！

结束语

中国古典舞现在仍未渡过它的童年，其自身还在成长发育中。但是身韵的创建，使它的审美内核已趋稳定，其理论基础也已比较扎实。综上所述，我们不难看出身韵在中国古典舞中的地位和作用，我们完全有理由说身韵成就了古典舞的今天，身韵理论的注入，使古典舞逐渐摆脱戏曲的原形，向真正舞蹈的范畴迈进。但身韵并不是古典舞的终结，而是一个具有衍展性的生长源点。它体现了中国古典舞的风貌及审美的精髓并以其丰富多变的舞姿、浓郁的民族风格及强有力的表现能力成为中国古典舞的核心和主要标志，它是中国古典舞艺术灵魂的所在！

参考文献

[1]刘恩伯. 中国舞蹈艺术[M].上海:上海音乐出版社， 2002.

古典艺术的意义范文第5篇

2012年1月13日开幕的《屋漏痕――形式的承载》是浙江美术馆在农历虎年的最后一个展览也是这个省级美术馆的第一个大型当代艺术联展。

“屋漏痕”，从字面上看，是雨水由上而下地淌，自然顺势渗入墙壁，并逐渐叠现的痕迹。从中国书画的笔法上看，意指一旦发力，笔画便顺势而就，自然而然。“屋漏痕”是中国传统艺术对造诣、对技法和表现高境界的理解。当然，这里不是为了证明传统技法、传统文化在现代绘画中的运用和意义。相反，我们希望循着感性的思路，从这些形象的词汇中汲取问题加以讨论，点化逻辑的区别隔膜，使其与当代语义及语境产生联系――它会变得丰富有趣并具有强大魅力――从而重新使我们建立与艺术之“道”的关系。

对弥漫着“全球化”、忽视地缘差异的当代语境来说，或者对中国当代艺术发展所经历过的矫枉过正来说，“屋漏痕”的语义正是既不反对理性又尝试超越理性的觉解，是一种对灵性的唤醒。传统书法典故给出了一个新的看待当代艺术的启发，以及一种打破和超越时空的新视角：我们所视、所思、所做的点点滴滴是否能将我们带入到自然的状态与境界，并通过艺术家的思考与表达层层深入到精神层面?如果可以借助这个线索制造更多的结构、定义甚至假设来看待我们在时代中的创造，看待艺术作品的由内至外、形式到主题，是否就说明我们可以拥有更开阔的视角来观察、判断艺术的涵义呢?这使得我们与语义需保持适度的距离来进行艺术及文化的反省。然而，要做到这一点，我认为就必须把目光投向更深远更广阔的疆域。这也是当代艺术的一个重要启示。

参加此次展览的艺术家出生在1970年代或1980年代，用年龄的界限来做展览不是我的初衷，而是这些艺术家的作品更能吻合于这次展览的寓意。人们总是喜欢用“年轻一代”来形容他们，但他们停留在我的视野里已经相当长的一段时间了。随着人生的沉淀与感受的堆积，这些艺术家从各自的切入点反复锤炼着对人生的认识与理解，他们有他们的深刻与他们的天真。在我看来，这些艺术家们建构出的世界，凝固着社会的、生活的细碎、真实的情感，如层层自然流淌的水痕。