初学者素描画教学

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初学者素描画教学范文第1篇

平衡构图指的是画面构图的平衡感。它主要可以分为物理平衡和视觉平衡两种，其中物理平衡指的是作用在同一个物体上的各种力量达到一种相互抵消的状态，即画面中的各个物体之间处在一个反作用力的状态下。在这样的一个情景下，我们称之为物理平衡构图。物理平衡主要是以中心轴对称的方式进行实现。构图平衡指的是在视觉上和物理位置上的均衡，以静物为例的话，静物中间摆放一个坛子，那么这个坛子就是主体物，同时也是整幅画面的中心轴，沿着这个中心轴向两侧平均分布一些静物，这些静物在位置上都是以坛子为中心轴进行对称分布的。因此，整幅画面的构图给人带来一种极为稳定的感觉。这种视觉上的平衡看似过于平稳，处在一个理想的状态。所以，很多人不建议学生采用这种构图方式，然而对于刚刚入学的学生来说，适当地进行平衡构图练习是很有帮助的，这样可以让学生更加直接的理解构图的原理以及构图的方式。因此，教师在课堂上可以先让学生练习几张平衡构图，并在练习过几张以后再让学生自己分析平衡构图的缺点，即过于呆板的缺点，从而引出第二种构图方法——视觉平衡。另外一种平衡构图称为视觉平衡，指的是通过对物体常年感知经验的积累，把物体安排在画面的中心位置上，使其看上去是平衡的。虽然画面中的物体从物理位置上看，没有处在一个平衡的状态，但是在视觉感觉方面却处在了平衡的状态，这种平衡状态往往是很多绘画作者所共同使用的一种构图方式，有时一些绘画老手甚至会主动地去将均衡构图调整为平衡构图。例如，当看到画面中的每个物体的具置过于平分的时候，他们就会将某些物体的位置移动一下，使其在感觉上达到平衡的状态。然而对于刚刚入学的学生来说，教师在让学生练好均衡构图后，可以有意识地让学生练一些视觉平衡构图，练习方式可以以主动调整和实际写生两种方式为主。通过这两种不同方式的平衡构图的练习，学生对构图的认识会不断加深。

2练习常见的构图种类，让画面变得更加灵活多变

构图种类指的是人们在长时间的实践过程中总结出来的一些构图的基本形式，这些形式有的是历代大师经常使用的构图方式，有的是经常被人们所熟知的构图方式。让学生练习这些构图种类，可以帮助学生更好地熟悉构图的类型，帮助学生将画面的构图变得更加灵活多变，从而提高学生绘画的质量。构图的种类大致可以分为三角形、圆形、四边形、s形四种，这四种构图方式中，三角形构图方式是初学者最常用的一种方式。因此，教师在让学生进行构图种类的练习时，可以先让学生从三角形构图开始练起。三角形构图分为正三角形和倒三角形两种，正三角形在力学上是最为稳定的，它可以给人带来一种稳定、坚实的感觉。所以深受绘画者喜欢。在进行正三角形构图练习时，教师要让学生了解它的优缺点，正三角形构图适用于对象高度落差较大的画面。例如，坛子和苹果，同时它也不会受到数量多少的限制，但它的缺点是三角形下面的直线容易产生构图的贫乏和空间紧缩的缺点，因而可以多让学生进行这方面的练习。倒三角形与正三角形相反，但它容易给人带去极不稳定的感觉，所以让学生进行绘画时尽量少选这种构图方式。四边形构图指的是构图以一种四边形的方式进行，它的优点是可以建立一个较为稳定的画面。圆形构图常适用于画面物体较小的情况下，如苹果堆的造型绘画。s型构图也是一个非常重要的构图方式，它可以将s型本身的柔美与构图进行结合，但是对于初学者来说，学生们使用的较少。因此，当进入到职业院校进行系统学习时，教师可以让学生加强对s型构图的练习。在进行s型构图时，教师要注意以下几点：首先，s型构图适用于画面物体较多的构图，教师让学生进行这种构图时，可以多摆放一些物体。其次，s型画面的物体透视高度比较接近，应该要注意调整各物体之间的关系。最后，由于物体较多，摆放较为紧凑，应注意调整各个物体之间的疏密关系，确保将s型的柔美更好地体现在画面当中。

3掌握平面构图技巧，提高素描画面效果的观赏性

初学者素描画教学范文第2篇

关键词：美术 色彩课 贡献

中图分类号：G71 文献标识码：A 文章编号：1674-098X（2013）5（a）-0159-01

经过多年从事中等美术教学，体会到，上好色彩课难度比较大。其原因，学生入学前，普遍没有系统或完全没有进行过色彩训练，加之入学后又没有切合实际的色彩教材，教师只有凭借自己以往的经验和传统的水彩、水粉授课模式，进行教学，使本来基础欠佳的学生更加束手无策，胡乱涂抹，使课程缺乏系统性或学生领会的慢，进步幅度不明显等一些现象。总结经验，得出的结论是：中等美术专业的色彩课，应该分为三步训练过程。

第一步，铅笔淡彩训练，是解决素描过度到色彩绘画的关键环节。

中等美术专业学生的专业基础，相对而言，素描要好于色彩。一般情况下，他们先接触的是素描。在素描课具备一定程度之后，方可接触色彩绘画练习。在接触色彩之前，如何能把素描融入色彩造型之中，是至关重要的问题。因为在色彩造型方面，不仅要有准确的色彩语言，即色彩关系、笔触运用和绘画技巧，同时，还应该具备完美的造型空间。有时，学生难于把两者融为一体，往往只注意造型而忽略了色彩关系，或者只注意到色彩变化而忘记了素描关系，使画面缺少立体感和色彩变化，使学生专业停滞不前，摸不到头绪。铅笔淡彩画，恰恰解决了这个问题。首先，用铅笔来画简易的素描关系，使其在画面中起着骨架突出空间的作用。其次，淡彩则帮助学生了解着色时如何处理好用水、用色等符合与适应物体形的关系。在铅笔运用上，主要用大轮廓、大结构的处理方法，笔法排列近似于素描写生，笔触要均匀，空隙间漏有纸地，使物体有完整的空间感，为下一步上色做好铺垫，减少学生开始接触色彩容易忽略素描关系的共性问题。在着色时，由于限制要把铅笔线条透出来，所以淡彩水分就要饱和，颜色要透明。力求要有变化并产生微妙之感，使画面即看到素描又有色彩变化。这样才能促进学生对颜色千变万化的自然感受和对色彩实践的了解与掌握。如果淡彩的水分过多，会导致水渍横流而减少颜色的相对纯度。水分过少，则色彩衔接生硬，把素描笔触盖掉而透不出铅笔笔触，画面就会干涩。所以，在作画时，一是铅笔的素描关系要准确不能拖泥带水；二是水分与颜色的调配关系要恰到好处。初学者在作画过程中，对每一笔铅笔淡彩线条和每一笔颜色与水的调配，要心中有数。只有多练习、多实践、多积累，才能把握好，进步快。

第二步，单色画的训练，是解决用笔造型和过度到色彩造型的核心。

如果铅笔淡彩是借助素描画色彩，那么，单色画就是借助色彩画素描。单色画虽然看上去是单一的颜色，但是从用笔与时间掌握上，它以含水的笔触代替了铅笔在画面中起突出空间的作用。单色画在写生中要求单颜色的干湿运用，要讲究笔触覆盖方法，以及近似颜色调配结合和反馈主体空间的造型用色等，都是解决好单色画的关键。从用笔这一问题来看，有待于用单色水彩或水粉颜料解决，一是湿画法；一是干画法。虽然用纯水彩绘画也可以训练笔触，但学生容易犯只重视色彩，而忽略了用笔，也会忽略素描与色彩之间的关系。因为素描是色彩的前提基础。让学生认清单色画与素描画区别和联系的同时，首先应该懂得两者之间的共同之处是单色画。次之材料不同，更重要的是两者有本质的区别。因为水彩画需要毛笔、水、以及时间等方面的约束与应用，而素描或淡彩中的素描，没有条件约束或被约束的较少。在单色绘画练习时，多采用灰性较强的颜色，如：熟赫、赭石等，也可用两种颜色调出若干个中间色作画。那些刺激视觉神经较强的颜色如：朱红、柠檬黄等，不适合使用。单色画法主要以单色的浓淡、深浅、近实远虚等来表现物体色彩的立体空间。用笔以勾描、点擦及纵横涂刷的效果。关键一点，必须要与水分运用密切结合。笔头含水量的多寡，会产生不同的颜色变化及笔触效果，这一点非常重要。如水分较少，移笔轻急，会显现白点闪烁的飞白效果。而水分多，则出现清澈透明之感。前者可用于画石头、树木，质感较硬、不光泽的物体。后者笔法可用于天空及光滑物体等。“形随笔立”、“下笔有凸凹之形”。即运笔之大小、快慢、轻重要适应对象的体面结构和空间变化，以及质感等条件，抓住关键，力避琐杂，更要避免特意玩弄笔触。

第三步，就是我们认为常规的、传统的色彩写生练习。

初学者素描画教学范文第3篇

关键词：基础素描；素描审美；造型方法

素描是绘画艺术的基础，有着无可超越的地位，基础素描教学也是众多院校相关专业的必修基础课，素描绘画涵盖的题材极其广泛，从静物、石膏到人体绘画，从风景到建筑，处处都能体现对造型的要求和审美的能力。对于学习素描的学生来说，在造型技巧中学习审美，同时在审美过程中提高自身的造型技艺。素描既可以作为独立的艺术形式存在，同时也是学习绘画，解决众多问题的必经之路，素描需要解决的问题几乎包罗绘画中的全部，形体结构、比例关系、透视关系、解剖结构、点线面的应用、黑白灰层次、空间塑造等。

一、素描是造型艺术的基础

长久以来，学习素描都是以写实为开始，要求学生尽可能的客观描写写生对象，构图之后比例关系是第一个步骤，不管静物还是石膏像，亦或是风景，比例透视关系是首要解决问题，只有在大的框架内抓住对象的基本比例和透视关系，接下来的形体塑造才具有写实意义。绘画过程是一个艰巨的过程，是自主能动性得到发挥的过程。手脑眼并用，抓住对象的内在关联，各素描关系的合理统一是需要整体和局部观察、刻画相交替的，既需要遵循客观对象，又需要在现实中去提炼。所以，观察是绘画的前提，学习绘画也是重构观察方法的过程。绘画形式因人而异，观察方法跟艺术家的创作也有先天的联系。敏锐的观察力是深入绘画的一个重要能力。高校素描基础课的侧重点理应放在培养学生观察力上。素描的学习不能是技艺的不停重复。重复性训练最后出来的只是有着扎实技艺的匠才。学生的观察力也是学生总体能力的一个反应，任何艺术形式的实践都需要跟理论知识相结合，这种结合是内在的积累。比如，除了素描相关的课程以外，美术史论，美术批评理论，设计学，哲学等课程都是很好的培养学生认识对象、观察对象的途径。

二、素描是造型思想和观念的延伸

在高校中基础素描解决的一般是造型写实问题，这个是最低层次的要求。艺术设计专业学习素描的目的不是为了客观还原对象，而是能够更好的创造“对象”，绘画专业学习素描是尽可能从主观中去理解和认识对象。这种创造、理解或认识的目的都是去延伸自身对艺术的感悟，这是更高一个层次的造型艺术。每一个人对艺术的理解都是不同的，在艺术领域去追求和毕生挖掘的都是这种“另类”，所以在基础素描中，也不能用同一个标准去衡量素描绘画。启发式、，逆向思维、或是延展性教学都是应该加强和实践的方向。素描既能作为一个独立的艺术体系存在，也是加强各艺术形式之间联系的纽带。在艺术院校里不乏基础较好，技艺强的学生，但是对于创作缺乏与之匹配的能力，这也是院校教学的一种失败，建立完善的素描教学体系不单单是看学生能够客观的描绘出什么，更应该关注学生在看的时候能够想到什么，这既能让学生结合本专业的特点进行创作，也能打破学生对于素描绘画狭隘的简单认知。艺术主张和艺术理解需要教师去引导，通过学生对自己的绘画意识的培养逐渐到艺术主张的培养，并能够不断的更新已知的思维观念，通过观察，用心去感受作品的内在。

三、基础素描教学的手段与形式

素描教学需要系统、严谨、完整的过程，讲究循序渐进和正确的观察及作画习惯，新生入学带来考前班的素描绘画习惯，极其讲究方法而不是所谓的“观察”。一个地方或是一个考前班出来的学生几乎统一的作画工具，统一的画风，统一的作画步骤和方法。这已经脱离了绘画中对“观察“的要求，不管是静物还是石膏又或是人物写生，打轮廓都是切直线，铺大调子都是一遍遍的画颜色，画面中心或是近的区域必然是重点塑造的亮点。这明显已经进入到素描的“套路“中来了。基础素描绘画讲究的是结构及体块关系的表达，以这个目标为中心，不要求线条排的多美，画面多么干净。基础素描的要求说来不高，无非是解决轮廓、形体与结构、明暗关系以及空间的塑造。通过绘画者的观察，把实际的对象搬到画面上来，这个过程重点考虑的是“观察”的问题。以人物写生为例，每个人都千差万别，去抄表面的光影或是黑白，无法画出紧凑、质感、立体的人物形象，缺少精神气。观察要建立在良好的解剖知识下，才能更加主动的把客观对象变为具有一定个人审美的绘画作品。另外，画的像不像的问题是初学者以及大众作为衡量好不好的一个重要指标。个人认为画的像不像只是绘画过程的一个附属“产品”，遵循和掌握以上造型能力，画的像就会必然产生。其实通过大师的作品我们也能发现其中的解剖也不尽准确，但是这并不会影响作品的美感，相反，还能增加作品的视觉冲击力。德加“素描画的不是形体，而是形体的观察”。这也从而证实，素描其实就是发现的行为，准确也只是感觉上的准，而不是客观的准。在素描教学过程中，需要引导学生并不是简单的描出外形；素描不是单单由轮廓组成。画素描，更多的是思考和理解的过程，同时也需要时常停下来，否则很容易过犹不及。刚刚进入校园的新生，对绘画的套路都很熟悉，可能身边的应试高手是他们崇拜的偶像，但是问及德加、安格尔、丢勒，了解的也许就不多了。大师经典的作品是我们学习的源泉，临摹其作品是学习的的门槛，大师的作品超越了所有的时代。

四、素描表现语言以及媒介的探知

素描既是相对独立又是融入到各类艺术范畴中的艺术形式，其带有的艺术表现语言及方式也是通过绘画方式及媒介表现出来的。画面形式语言的研究和训练在高校的基础教学中也是应当被重视和培养的。通常面对写实绘画，画者更多的是关注物体本身，很容易造成画面局部的割裂，整个画面的构成关系应当是和谐且统一的。素描是一种用单色或少量色彩绘画材料描绘生活所见真实事物或所感的绘画形式，其使用材料有干性与湿性两大类，其中干性材料有铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔、银笔等，而湿性材料有水墨、钢笔、签字笔、苇笔、翮笔、竹笔、圆珠笔等，习惯上素描是以单色画为主。尝试众多的表现方式，运用更多的媒介进行素描创作往往会有意想不到的收货。即使是在同一主题下进行创作，利用不同的工具、材料、媒介来表现也会有很大的变化。即使是同样的材料，在不同的机理效果下传达出的质感差异也会很大，这就给素描提供了很大的施展空间和舞台。素描的绘画空间被扩大，表现语言相对也得到了扩大。研究各个时期的素描，研究不同材料带来的质感各机理效果，打破习惯性思维找到适合自己的表现方式和语言方式，同时通过此来技法和提高创造空间。

参考文献：

[1]蒂尔•塞勒，克劳迪亚•贝迪著.《当代素描新概念训练教程》.上海人民美术出版社，2006.12.

初学者素描画教学范文第4篇

【关键词】素描 基础

一、何谓素描：

“素描”，迄今仍是一个争议不断的名词，素描是什么？其实很难给它一个完整的、精准的定义。按《辞海》的解释，有两层意义：一是绘画的一种。主要以单色线条和块面来塑造物体形象，水平较高的素描画有独立的艺术价值；二是绘画术语。造型艺术基本功之一，以锻炼观察和表达物象的形体、结构、动态、明暗关系为目的。

当今，大既分“传统素描定义”和“现代的素描再定义”两种说法。

传统和多数人理解，且常见的“素描”定义：素描是指运用单色或清淡的、素的颜色来作描绘的作品或行为。狭义来说，是单色绘画，广义来说，素色的绘画也算素描的一种。

另外，摘自台湾的《康和教师手册》有更广义的解释，可算是廿世纪的“素描再定义”：素描是描绘者在既定的面积或在平面的物质（纸、布……）上，描绘出外在的形体在空间中的位置，并藉此训练来掌握物体的明暗层次和基本形象。

二、素描的地位：

素描是“观念”，也是所有图形行为的基础，尤其是绘画的基础。到了现在，素描已被认为是一门独立的艺术，是一种专门的表现技法，包括线条的描绘、光影、重点、调子等，具有独立的地位和价值。

素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻（浮雕），另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。

素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。

三、素描的种类：

1、颜色划分：

由木炭，铅笔，钢笔等，用线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。

2、工具划分：

素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。（艺术视觉百科全书）

3、一般划分：

轮廓和线条是素描的一般称谓。

不同的笔触营造出不同性格的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。

4、概念划分：

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。

它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。（大不列颠百科全书）

5、过程划分：

在西洋美术辞典这本书中，与素描相关的解释，只有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。

一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录，用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备（雄狮图书公司出版）

四、素描工具：

工具材料对素描而言，只是一种手段，而非目的。

素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同，关系着素描的性质和构图，工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果，工具也能影响画家的情绪和技巧。

五、素描题材：

素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了19世纪又出现以日常生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

至于20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中（立体派）。

在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求“表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表”，超现实主义者则着重表现潜意识心理。

除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。实用素描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。

文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。

六、常用的素描语言：

1、明度：色相明亮或沈暗的程度。

2、比例：一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。

3、构图：各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重复的体系去安排。

4、轮廓线：描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。

5、平衡：在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。

6、线影：平行或靠近得足以形成一个面的断续线。

初学者素描画教学范文第5篇

[关键词]素描;核心;造型

造型艺术最后完成的作品,显示了一种总的视觉效果――色彩的绚丽和谐、线条的节奏韵律、黑白的响亮对比、艺术形象的塑造以及因体感质感的表现而获得的真实感等等,这是各种艺术手段的综合表现。我们在欣赏艺术作品的过程中,往往陶醉在这样外在形式的美感享受之中,而忽视了最根本的东西;即构成艺术形象的最基本也是最重要的因素――形体的力量,也就是形体所蕴藏着的巨大内在潜力和丰富的内涵。形体是作品的支柱,色彩、线条、明暗只是它的表现形式的。艺术家在创造的过程中运用全身解数,对客观媒介一步步的进行处理和概括,进行反复多次的研究,什么地方增加一点,什么地方减少一点,不惜花时间画出几个甚至十几个不同的式样进行比较,最后选择他认为最恰当的造型,用色彩、线条、黑白色调表达出来呈现给观众。在这个艺术造型的深化过程中,素描承担着最重要的任务。

一提起“造型”,很容易让人误解为写生。因为我们长期以来形成了这样一种观念,一说某人造型不过关,就是指画面的比例不合适,解剖形体法结构有毛病,或是对着对象画不准或画不像。如某人不仅能画得准确结实,而且画得像,就说某人造型能力强。其实这只能是说其写实能力强或弱,而不是造型能力强。因此,画的准确与否,画得像不像和解剖结构掌握的好坏来判断造型能力的强弱的说法,我是不敢苟同的。如果说造型是基础,我倒十分赞同,但我觉得还要再补上一点,既造型是画家每一幅作品的基础和支柱。它不仅仅只是对客观物象的形体结构的准确表达,更重要的在于艺术创造――既将客体的形体变化为艺术作品中的形体。造型的关键在“造”上,造就是创造,而不是简单地模仿。艺术造型和画匠的按照片放大人像的根本区别就在“造”上。因为按照片放大用不着动太多的脑筋,只要把握好正确的比例就行,没有什么创造价值。而艺术作品中的造型,则是艺术家智慧的结晶,是创造的结果。真正的艺术大师一辈子都在研究造型。马蒂斯晚年已经功成名就,却依然如初学者在花园里画小花草的速写,研究花的形体的变化,用他的话说,“我每次看到它们都不一样”。他正是在捕捉一种新的感受,这种感受将促使他对旧形体的改变,而创造出新的现象。一个造型能力强的人,应该会写生、会变化、会概括、会处理,善于创造,如同一个高明的木匠,拿来一根木头,能够让他变成各种各样的木制品。假使以画得像,画的准确、结实与否来判断造型能力的强弱,它无法解释中国古代绘画与雕塑的造型了,难道中国古代艺术家们造型都不过关吗?其实正相反,中国古代的画家们比西方古代的画家们更重造型。我国古代的人物画家们虽不崇尚对着对象画写生,并不等于不重造型。这种造型的方法,更强调艺术的取舍、概括、提炼,更强烈的体现了艺术造型的法则,很值得从事素描教学的人们去认真研究。

素描所表现的对象,几乎包括了自然界的一切。人物、动物、山川河海、树木花草、街道房屋都是素描画家所猎取的题材。但是,人则是他们最感兴趣的表现对象的,各个历史时期都留下了大量表现人物的素描作品,这大概是因为人们希望通过艺术来重新认识自己的缘故。对人的研究,远比其他的东西来的复杂,这不仅因为人体的构造远较其他的动物复杂,而且还因为人的运动较其他任何动物都要复杂和变化多端。另外,还因为人们太熟悉自己的形态特征了,所以观众对艺术家的要求也格外苛刻。这里,我就以人体为例,简述一下自然形态规律研究的过程。首先是从相对静止的状态中去研究,如人的基本比例,大概的构成关系,我们常说的“三体积四肢”就基本上概括了人体的形态特征:再去研究每一体积和肢体是由哪些骨骼和肌肉组成的,这些骨骼和肌肉的基本形状如何?它们之间的构成关系如何?各体积之间是如何连接在一起的?为了让我们更清楚明了的认识人体的体块关系,我们将各部分的骨骼肌肉用类似的几何形体来表达,好像英语中的字母一样,从一个单词由若干字母组成,人体一部分的结构则由若干几何形体来构成。这种方法的好处在于将不明确的形体明确起来,将不规则的东西规则化,有利于我们理解和掌握。。

我不赞成那种把培养学生模仿自然的能力,视为素描教学的主要任务的训练方法,从而在各个专业的造型基础训练中进行推广。它作为某一专业中的某一画派的基础训练,也许是富有成效的,但在所有造型艺术专业的基础造型训练中来实施是不科学的。首先,它不是理解的客体自然形态和生理结构的最为有效的方法;其次是这种方法不具备普遍性的意义,忽视了各专业之间的特性,使基础训练同专业教学脱节。但更主要的,我以为这个方法的最大害处在于它忽视了学生创造力的培养,他对“造型”的解释是片面的,很不完全的,他以学生能熟知自然形态和生理结构为能事,以表现客体的自然表象为目的,而忽视了学生审美意识能力的培养,忽视了学生自己从艺术的角度去重新认识、理解和表现客体的内在实质的能力的培养,忽视了培养学生对着客观物象说出他自己的话,拿出他自己的主张。这些年大家在艺术创作上开始进行广泛的搜索,力图拿出自己的主张,输出自己的艺术语言,但是,在素描教学――这个涉及艺术造型的关键领域中得改革,却未能引起足够的重视。素描作为造型基础的训练,对于一个艺术家今后的发展关系极大,要造成多种风格并存、百花齐放的艺术创作局面,必须首先对素描教学进行改革,尤其要在青少年中造成一种印象。因为从过去和目前的情况来看,大凡准备献身于美术事业的人,大凡想进美术学院的青年,则都必须熟练地掌握契斯恰克夫素描的方法――这块行之有效的“敲门砖“,否则,他一辈子别想跨进艺术院校的大门。这种情况,目前虽然有改善,但从全国情况来看,依然是改观不大。我想现在是到了应该彻底改变的时候了,否则,必将因为素描教学的适应性差、素描教学观念的狭窄,而影响各类艺术人才的成长,妨碍艺术创作出多种风格的发展。