花卉艺术设计

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花卉艺术设计范文第1篇

关键词：现代绘画；艺术形式；服装设计

19世纪末是整个西方历史上最大胆、最富冒险精神的时代。现代绘画在这个时期初露端倪．绘画史上出现了一个空前的裂变繁衍的阶段，这种裂变对艺术史所造成的分割，大于文艺复兴以来上所有风格的变迁；各种艺术思潮在这个时期萌芽、蔓延，未来主义、立体主义、表现主义以及与艺术传统彻底决裂的达达主义和超现实主义等艺术流派交相辉映，绘画到达了一个空前的激荡人心的高度。同时，现代服装开始从服装的普通含义中脱蛹，在法国巴黎——当时世界艺术家的活动中心．开始出现了高级时装店，标志着服装进人了一个新的纪元，这无疑是与当时的现代艺术活动有着紧密的联系的。20世纪初，在英美出现的POP艺术等更为新潮的艺术现象，在这些艺术思想和表象里已经宣告20世纪现代美术不同方向的特征成熟起来．与此同时，现代时装的概念也被C·F·沃斯的设计轰动初步定义。

绘画与时装虽不是一回事，但两者之间的联系已经历了很长的时间，而现在则愈发地深人和复杂，现代绘画的一颦一笑都影响着服装设计师的灵感动机。艺术家们将自己全新的艺术观念通过全新的艺术语言表达出来，推向社会，这些来源于现代绘画的艺术观念溶人欧美国家的各个社会阶层，并在社会道德方面、生活方式乃至言行举止都有着深刻的烙痕．服装在此方面更是有着明显的追随、呼应。

服装是人们生活状态中不可缺少的一种基本状态，作为人们生存的一个基本前提之一．它具有实用性、科学性和艺术性，因而服装本身是一门造型艺术．是区别于绘画、雕塑等造型艺术类别的一门新的艺术。同时，它与这些艺术类别又有着千丝万缕的联系．它包括其他艺术的各种特征甚至美学原理．如比例、节奏、平衡、对比等．因而服装设计本身就是一种艺术创作活动。

每年在巴黎时装节会上的新艺术服装样式．就是从立体派、黑人雕刻、古埃及美术等艺术形式中汲取营养．其特征是多采用直线的、几何纹样的形式，新艺术样式本是来源于巴黎的装饰美术博览会．脱离新美术的趣味和装饰过多的倾向而产生的。它把艺术和产业融合在一起，深受大众的青睐，它给服装带来的影响．使女性们脱掉紧身胸衣，开始穿着机能实用的筒状服装；追求由于身体活动而展开现服装魅力；强调衣服的动感．这无疑是现代画艺术对服装所带来的一种积极的影响。但是．绘画毕竟是以画面表现为目的，而服装则是通过服装表现人．过份注意绘画的表现方式．往往会赞成喧宾夺主，追求形式的新奇也应有节制、分寸，如超出限度，就有可能流于怪诞，如崩克(Punk)服装．着装的颜色令人毛骨悚然，有给人以不快之感的攻击性。

抽象广义绘画一度是现代绘画的主流，它的色彩及构图、造型都给服装以巨大的影响．毕加索、马蒂斯、布拉克、蒙德里安等现代绘画大师还曾亲自参予过戏剧服装设计。他们的绘画作品也给时装设计师们以启迪，曾是他们设计时装的灵感源泉．如法国Y·S罗朗设计的蒙德里安式套装。另外，POP艺术也给罗朗以创作的灵感而发表了著名的一系列POP艺术之唇、之躯等裙装。

现代绘画的创作精神、技法、原则更是对服装有着巨大的影响与指导。这些技法在时装设计中屡用不鲜。最典型的莫如超现实主义对服装的影响了超现实主义(Surrealisn)的哲学定义是纯精神的、不受正规意识支配的行动。另一种解释是指摆脱理性的控制和审美及道德上的偏见，结合象征主义、浪漫主义思想。用夸张和反常的语言形式来追求神奇的艺术效果它在服装领域里的影响相当广泛，如曾经出现了西欧的E·夏帕瑞丽(Schiaparelli)及其影响下的K·拉加菲尔德，Y·S·罗朗等设计大师，他们都曾熟练地运用超现实主义的精神和技法设计作品倒置设计——将人们固有的视觉习惯或使用、欣赏习惯打翻，倒置而进行设计是超现实主义绘画的观念在服装设计中的典型表现形式之一。例如E·夏帕瑞丽受画家东根·达利等人的启迪，于l973年设计的一套上衣，前后反转的款式及倒置于头顶的高跟鞋帽子等。设计效果十分出人意料，从哲学意义上来讲，正是这种非理性精神的选择。使服装设计中渗入了一种前所未有的东西，使之面目一新。

E·夏帕瑞丽有很高的艺术修养，他与超现实主义画家的交往。使他对超现实主义绘画有着深刻的理解。因而能设计出一系列优秀的时装作品。对服装设计师来说，研究绘画是为能设计出独特而美观的款式。意大利的R．吉利注意文艺复兴的艺术。更注重R·劳森柏等现代绘画大师的作品。留恋于泰菲(Tate)现代绘画画廊．搜集艺术灵感。绘画艺术的素养是时装设计的根本素质。许多时装设计师本人就曾从事绘画艺术或别的造型艺术的。如P·拉邦奴、D·基旺什等．他们设计的时装较现代绘画更容易被人们接受和理解，同样对人们的审美情趣起引导作用在此时，人们对服装的精神性表现出更大的兴趣．更注重服装的审美的艺术性和象征性了。

花卉艺术设计范文第2篇

【关键词】传统绘画艺术 现代艺术设计

从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大，无不表明，只有勇于吸收，才能发展，只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。在艺术设计方面我们也还是应该“立足中华、面向世界”，既要尊重民族艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要反映现代人的内在精神追求。在艺术设计中，我们也要“寻根”，寻找我们中华民族传统文化中为其他民族所不及的思维优势和独特风采。艺术始终要讲内在的延续，一种艺术形式的产生及被容纳，需要特定的历史文化背景，其中包括一个民族的生活方式、习俗、伦理道德、审美习惯等，构成潜在的深层文化结构，深锁于民族的心理和精神之中，调节和制约着民族文化的发展和外来文化的介入。在中国设计者的作品中，时时流露出传统绘画造型艺术潜移默化的影响。分析这些影响，肯定某些积极的因素，将会有助于发展中国艺术设计。下面就从这个角度进行一定的剖析。

远在原始社会，我们的祖先就已在生活中孕育了绘画的胚胎，从已由仰韶文化为代表的新石器时期所产生的彩陶艺术所描绘的鱼纹、人面纹及花叶纹等装饰图形，至明清时期的文人绘画，我们会发现从原始社会的图形符号一直到封建社会晚期的各类绘画艺术，总有一些永恒的主题，而在这些主题之中，“形”的表现往往是中国历史艺术家借以传情达意的一种外在形式，也就是古代画论所说的“以形传神”、“借物咏志”。中国画艺术家在表现某一种自然物象时，更多地是注重与“形”所蕴涵地精神意义，而不是对自然物象作物理形态的外形模写。正因如此，中国传统绘画艺术在自然物象的描绘中往往融入了更多的“理性”色彩，将自然物象之形抽象为一种图式化的符号语言。

花卉艺术设计范文第3篇

我校的“电脑美术专业”主要面向成人学生培养三维设计人员，基于学生状况和市场需求，我们将该专业的培养目标定位为培养具有一定美术基本技能和计算机技术的三维设计人员。一般来讲，这方面的人才需要具有一定的美术基础（艺术能力），否则在制作场景、模型或特技时，很难设计出符合设计要求的作品。

基于我校的培养目标，我们将课程设置分为三大部分：第一部分为基础课，主要开设素描、色彩、速写、艺术概论等课程，培养学生的绘画能力、写实能力，提高学生的艺术修养；第二部分是专业基础课，主要讲授三大构成（平面构成、色彩构成和立体构成）、装饰画、摄影、透视等，并介绍Photoshop等平面设计软件，这部分的教学主要让学生掌握艺术的基本设计原理、设计的基本规律、设计的基本方法，内容安排上以浅显易懂为主，要求学生在完成手绘作业的同时，用相关的设计软件完成一定数量的课程作业；第三部分为专业课，这部分的教学在讲解三维软件（Maya）的同时，分阶段完成各类艺术作品的设计。

本文以三维软件（Maya）为例，讨论基础绘画在艺术设计中的教学意义。

一、艺术技巧与技术的平衡

这里讲的三维艺术可以是静态的也可以是动态的，但是它的总流水线可总结为：建模、动画角色、材质纹理、灯光和摄影机、效果、渲染和合成，可以看出一套工作方案是需要团队合作的。同时，我们可以看出基础绘画的相关知识贯穿于流水线的每一个部分，掌握艺术技巧和技术技巧的平衡是十分必要的，二者是相辅相成的。从根本上讲，设计者必须具备两个能力：创造新事物的能力和表达设计思想的能力。拓宽绘画和艺术欣赏力可提高设计思想能力，而电脑能力又可激发设计者的灵感创新能力，二者的平衡即可完成更完美的艺术作品。

二、基础绘画在艺术设计中的教学意义

从教学意义上讲，引进计算机技术其实是艺术设计学科自身发展的需要，数字艺术设计实质上是科技发展的产物，对艺术设计教育有着很深刻的意义。然而，电脑毕竟不是人脑，人在绘画创作过程中与触摸感、线条、色彩的运作所产生的直接性、随机性、亲和感以及绘画动作的速度、节奏感带来的愉快是电脑所不能给与的。可见，基础绘画技能及艺术欣赏力在三维设计中的运用是十分重要的。

1.徒手绘图能力在艺术设计教学中的运用

计算机虽然可以在屏幕上精确地表示形体的点、线、面，但它不能完成作品构思设计阶段的设计思维的模糊性和随机性，也不符合设计阶段的设计表达，无法替代创造性思维活动。对于缺乏想象构思和创造能力的学生，利用设计手绘稿的训练，即图示思维的设计方式，可以有效地提高和开拓学生创造性的思维能力。

在教学实践中，首先要让学生完成一定数量的手绘初稿，让他们将头脑中的形象勾勒得愈加丰满后，再进行角色的形象设定、场景设定、色彩稿的制作，然后才可以上机完成美术作品。

在整个创作过程中，手绘这一环节是很重要的，手绘稿的完成完全依赖于基础绘画课程中绘画技能的训练。学生刚开始设计作品时，并不认同这样的做法，认为手绘是在浪费时间，但是当他们完成一定数量的手绘稿后，才发现许多成熟的作品就是从最初模糊不确定的构思通过手绘修改得来的。如图1和图2所示，从手绘稿和最终作品的对比可以看出设计者手稿的重要性。

手绘设计稿的训练，无疑是培养学生形象化思考、设计分析及方案评价能力、开拓创新思维能力的有效途径。手绘能力的提高来自于基础绘画中素描和速写能力的训练，在教学中，学生经过训练可以深刻认识到：基础绘画是艺术设计的基础，对作品主题的选择和定稿有着很重要的意义。

2.造型能力的培养

Maya软件利用数学理论中的点、线、面来完成角色的三维模型，角色模型制作的好坏主要取决于设计者如何把握角色的造型特点，即“角色”的“基本型”的捕捉。这种基本型的捕捉能力主要来自于基础绘画中素描、速写技能的培养，即在完成素描作品时，画面的比例、动势和体积的关系合理协调。如果说素描是用手中的画笔通过线条来描绘作品的三度空间的效果，那么Maya软件就是利用计算机通过点、线、面来塑造角色的。在实际教学中，首先让学生学习使用软件的基本方法，然后制作角色模型，制作模型的前提是要求学生熟悉角色的生理结构，一个角色形象可能很夸张，但这种夸张必须建立在对角色准确把握其生理结构上，这样设计的角色造型才能生动，打动观看者。

如图3所示，这是乌克兰的一位数字艺术家的三维作品“Giraffe”，这个长颈鹿的形象非常的可爱，很吸引人，它的形象被人性化，变形虽然大胆夸张，但是我们可以看到这样的变形是根据长颈鹿的基本生理结构而变化的。

如图4所示，在人头部建模的教学中，人的头部的颚骨、颧骨、下颌骨和颅顶后脑勺这些骨点面片相互组合而构成。在制作中，角色人物的“五官”比例、头部面部的分布直接影响角色模型的静态艺术效果和以后制作动画的布局，另外人种的不同也直接影响到人物面部五官的比例。图4是欧洲人的头部模型，大家可以看到与亚洲人的骨骼分布是有区别的。教学时，学生开始不太理解人头部的块面分布，后来将素描教学中的造型知识用于三维设计的教学中，学生能够理解两门学科的关联性，并利用这个特性完成自己设计角色的造型。

3.色彩的运用

造型艺术是通过形象来表达思想内容的艺术。塑造形象需要有点、线、面、色彩等因素，如果没有点、线、色块等诸种造型要素，任何形象是无法塑造的。色彩是数字艺术的重要元素之一，它能产生独特的心理效应，令作品产生先声夺人的效果。在三维设计的教学中，我们利用基础绘画中的色彩知识要求学生在三维设计的渲染模块中学会综合运用颜色、光照、轮廓、外形和构图等技能来做好场景模型、创建纹理映射、进行灯光位置的设定及合成场景，这一部分的教学不仅要介绍色彩、纹理贴图，还要介绍灯光、摄影的知识，因为我们对色彩的感觉认识完全借助于光线。

由于数字艺术作品的色彩受软件技术的影响，不同于绘画中色彩的使用全凭艺术家主观对色彩的把握，作品的创作需要艺术家借助于灯光、材质和环境制作理想的色彩效果。有些灯光会被吸收，有些则被反射，光亮的地方可以直接反射光线，而粗糙的物体则是散射光线。例如，Maya造型被反射的光线不会照亮其他表面，但是在制作中可以设置材质和纹理，用来模仿真实世界的表面光线反射，这种真实图像的创建必须设置所有的材质，如颜色、镜面反射、反射率、透明效果及表面细节等。

可以说，这部分内容的教学是学生所学知识的总括，即将基础绘画中的色彩知识应用于三维设计中并完成作品，是对学生综合能力的训练。

花卉艺术设计范文第4篇

论文摘要：传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系，强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中，注重学生的创造性思维和创新能力的培养，运用恰当的评价方法，培养学生的学习兴趣，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。

近年来，随着艺术设计专业的升温与发展，作为美术教育的重要组成部分的绘画基础课在艺术设计教学中却得不到应有的重视。究其原因，主要有以下几点：

美术教育中的绘画基础课教学绝大部分是坚持机械地照搬现实的原则的，很少在教学中要求学生的创作与创新，与设计专业重点培养和开发学生的创新已设不合拍。

在设计教学中往往将绘画基础课作为设计专业的附属课程，其重要性自然要大打折扣。

实际上，艺术设计中的绘画基础课教学是在美术教育中的基础课教学基础上做更高的要求，不仅要认识和了解对象的形体、色彩、结构等特征，更重要的是要将组成对象本身的元素进行提炼和概括，转换成设计语言和元素进行创新的排练和组合，新城区别与原有对象的新的视觉形态，这实际上就是一个创作的过程。不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。

素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗?何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性;目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的?这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。

传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家;但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢?既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢?一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。

首先应当培养学生的观察能力，如结构素描练习中的理性分析作图，表现可见与不可见的关系等;其次培养学生的表现能力，除了传统光影调子的表现外，还应提倡学生个性独特的表现方法，不可用抽象、具象来评判学生作品，应看重他们的真实情况与独特视角，并鼓励他们能用语言来表达创作体会，注重启发和引导学生提高审美意识和艺术表现的独立性;最后，是培养学生的创新能力，从静物的自由组合练习到想象默写及意象创作。有了这些方法或步骤的练习，我想培养出的学生才能更适合于不同的设计领域，才能培养出更多富有创新思维和创新能力的艺术设计家。如今，年轻人价值取向多样化，审美趣味多元化，这样的课程练习对于学设计的学生也许会更受欢迎些，毕竟“兴趣”是学习的第一原动力，是成功地完成某件事情的重要因素，培养和提高学生的专业兴趣，是艺术设计专业基础绘画教学中不可缺少的内容和重要环节。另外在教学中需要教师注意的问题是，不可过于看重结果，注重对学生日常学习和发展的评价，注重学生的学习体验。在学习过程中及时给予评价和反馈，鼓励学生的创新意识;有时，由于我们教师审美口味的不同，没有很好地与学生进行沟通，没有很好的评价标准，片面性的评价可能会挫伤许多学生的积极性，提高课堂的学习气氛和提高学生的学习兴趣是我们教师首先要解决的问题，只有做好观察与沟通，把握好学生的个性特征，虽然每个学生的特性不同，但我们的每个学生却都是有可培养性的。

我们只有正确地把握传统绘画基础和艺术设计的绘画基础的关系，运用正确的评价方法，鼓励、培养学生的创新意识和创新能力，才能正确把握艺术设计基础教学的客观原则，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。

参考文献：

花卉艺术设计范文第5篇

关键词：绘画基础课；艺术设计；教学；联系

随着互联网技术与信息技术的不断进步与发展，艺术设计行业越来越依赖计算机。同时，计算机技术与互联网技术的珠联璧合，也让艺术设计工作更加高效，作品更现实化、视觉化与精细化，这使得绘画基础训练逐渐被人们遗忘。但艺术设计中非常重要的价值之一就是审美价值，而这种多元化、高水平、有内涵的审美价值恰恰需要绘画基本功所培养的美学修养与艺术表现力才能获得。

1绘画基础课与艺术设计教学之间的联系

基础绘画课程是增强艺术设计人员创造力与审美能力的重要途径，如果将其看作一门单纯的技术训练课程，这无疑是狭隘的。绘画基础课程不仅包括技术技巧，更包含对审美品位、艺术修养与创新精神的培养与开发，它是一门全面训练“艺”与“技”的课程，同时它也是所有造型艺术的基础，应当受到各大艺术设计教学的重视。［1］艺术美既是抽象的，同样也是具体的，美没有固定标准可言，但其具有特定的规律可循，绘画基础课就是由这些美学规律所构成的。在教授绘画基础课时，教师应将形式美与写生训练有机联系起来。例如，如何处理点、线、面的空间布局与关系、画面各个要素的比例配合、和谐、虚实、主次关系以及结构与构图的形式美等。在学习过程中，逐渐培养学生对美的认知与敏感度，了解在造型艺术设计中美学法则的体现方式，比如单一与重复、多样与统一、对称与均衡以及节奏与韵律、对比与调和等。绘画基础课与艺术设计教学是相辅相成、相互促进的关系。因为艺术设计教学最重要的是培养学生的创造能力，而非把学生培养成“电脑快手”。科技只能作为创造性思维的辅助工具，而不能完全取代人们的创造性思维，进而主宰整个艺术市场。中国古代画论中就有提及“物有常理、画无定法”，绘画的表现形式是多样化的，艺术流派也是百花齐放、百家争鸣的。［2］因此，教师要在绘画基础课上充分鼓励学生自由创造，使其凭借自身独特的创造力与想象力，带着感情作画，让学生在掌握技艺的基础上激发灵感，激活想象力与创造力，从而提高艺术修养，提升艺术设计作品的审美价值。例如，家具和室内艺术设计专业主要是学习空间立体造型的学科，只有将构思用一定形式表现出来才能付诸方案并实施。绘画基础课中的立体构成以及画法几何知识就成为连接技术与艺术的桥梁，是艺术设计的理性基础。［3］在室内设计时，必须展示出表现图，而这种具有二度空间画面的、立体感的绘图需要运用高度概括的绘画技巧与精准的透视制图才能完成。这种快速、思维活跃的绘图表现手法需要用大量的速写训练累积才能掌握，其中还包含对色彩构成以及敏锐的色彩感的训练，也是从不断的写生训练中才能得出。因此，我们说绘画基础课与艺术设计教学是相互影响的关系。

2创新绘画基础课教学，增强创新能力与提升艺术修养

近年来，各大高校中的艺术设计专业不断扩张，但是却鲜有对艺术设计专业教学课程进行创新与改革、提升教学质量与效率的高校。作为艺术设计专业的基础，绘画基础起到了至关重要的积淀作用，古人所说的“厚积而薄发”就是如此。但是很多高校在教授绘画基础时，只是采用传统教学方法，教会学生如何对事物以及人像进行写生，课堂内容枯燥，纯粹是对技艺的训练，而忽视了对学生创造性思维以及艺术修养的培养。教师需要引导与鼓励学生感知、理解、联想以及思考不同自然物体，打破传统限制，重组、重现这些物体的质感、色彩以及形态，实现从具象转换为抽象，从空间转换为平面的教学效果，从中寻找设计的规律，抛弃传统守旧的模式与思维，激发创作灵感，提升艺术设计作品的审美价值。我们应当创新绘画基础课教学，使之在艺术设计专业教学中充分发挥“启蒙导师”的重要作用。

2.1造型设计训练

在新课标的要求下，艺术设计教学对色彩的运用有了更高的要求，让学生学会如何整体性运用色彩，借此增强学生的归纳与抽象创造能力。此外，教师在造型设计训练中，还要注意对形式美的训练，要求在点、线、面的处理上达到和谐、均衡、对称以及对比的效果。因为在艺术设计的审美观念中，和谐是人类对美的追求的最高境界。［4］

2.2使空间与形体从自然转换为抽象

教师通过讲授空间色彩、绘画、透视等知识，增强学生的空间感觉认知能力以及构建能力，同时引导学生认知与分析材料与工具在绘画过程中的意义与作用，从而显著提高学生对色彩的认知与运用水平。

2.3使写生从空间转换为平面

造型设计其实是为学生提供了一个写实的空间，使学生能够突破诸多限制，实现从空间到平面的有机转换。教学的目的在于让学生写生对比合适的物体，由黑白空间转换为彩色平面，从而增强学生的学习能力与设计能力［5］。

2.4让绘画基础课程“活”起来，展开艺术实践交流

现场教学与课堂教学还是存在一定的差异性，教学效果也不同，如果学生每天都在校园里学习教学内容，这将会极大地束缚他们主动学习的意识与兴趣。因此，需要在课堂学习之余穿插一些艺术实践交流活动，用以开阔学生艺术设计的眼界，充实知识与艺术修养，也便于增强学生的整体意识［6］。教师可以带领学生参观各种艺术画展、博物馆以及展览，对优秀艺术设计作品的内涵进行解读，对优秀的设计想法与表现形式进行学习与借鉴，让学生得以多角度、近距离地与优秀艺术设计作品进行交流，激发主动学习的意识与兴趣，拓展与充实设计知识，重视绘画基础课程。

3结语

艺术设计同样也拥有非常激烈的市场竞争环境，但从实质上来说更像是审美的竞争。在商品性能相同的情况下，它的商业价值与经济价值往往被审美价值所评判，这也就是为什么美国人会说“美是一把销售成功的钥匙”的原因。艺术设计专业作为艺术与技术的结合体，绘画基础课程在其中起到的作用是显著的，它通过培养学生的绘画技艺、审美品位以及创造性思维，在不知不觉中实现提高学生的艺术设计水平与艺术修养的教学目的。

参考文献：

［1］王琪.浅析地方高校新办艺术设计类专业绘画基础课教学中存在的问题与对策［J］.教育教学论坛，2016（25）：100-101.

［2］王晶，董芳.浅谈现今高校艺术设计专业绘画基础课程教学中的几点创新内容［J］.大众文艺，2013（01）：230.

［3］徐向东.职业学校艺术设计基础教学中的创造性思维培养与训练［J］.科技与企业，2013（17）：226.

［4］朱小英.装饰绘画基础课程学业评价体系改革研究——以茶包装中的装饰画为例［J］.福建茶叶，2017，39（03）：115-116.

［5］应宜文.中美艺术设计专业绘画课程教学的历史传承与现状［J］.美术观察，2013（03）：117.