传承古典文化

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传承古典文化范文第1篇

关键词：红木家具文化元素 民族风格

红木家具不仅是身份的象征，更独具保值增值的功能，通过家具洞悉历史、窥视其他艺术形式，无形中提升自己的艺术欣赏水平。在中国历史上，古典工艺家具发展数千年，独特的典雅气质和遵循的生活方式和生活态度，不仅让中式古典生活的美学价值渐成主流。尤其是在拍卖市场最活跃的明清宫廷红木家具，几百年过去，仍然可摆在家中待客，而且传承数百年“越传越贵”。

尤其是明式家具，工艺制作和造型艺术达到当时世界上最高的水平，在世家家具体系中占有重要地位，在造型装饰上特别讲究简洁明快，设计线条富有韵味。清式家具尤其注重雕工技艺，具有很好的观赏品b价值。对于红木家具的制作工艺，采用传统的榫卯结构，是榫和卯的结合，结构形式千变万化，是中国古典家具中令人神往的一面，构思巧妙，可有效地限制木件向各个方向的扭动。此外，在打磨、雕刻、涂饰的装饰工序上，装饰元素所包含的文化内涵和艺术价值，具有寓意吉祥等多重传统观念。只有综合考究红木家具的造型设计、制作工艺、文化内涵等元素，才能塑造出具有艺术收藏价值的家具。

众所周知，红木家具的保值增值需要建立在“精品红木家具”的基础上，只有精品的红木家具才能够保值增值。红木家具传承久远、历久弥贵，具有浓厚的中国红木古典家具文化内涵，主要得益于“型、材、艺、韵”四个特征。

一、器型优美，享受中式雅致生活

“型”是指作品的形状和造型，一件工艺品给人的第一感觉是形状，考量其造型的美观性，设计精巧优美，让人感受造型艺术的美感，这直接关系到一件家具的整体档次与品位。具体来讲则包括整体设计是否相称、上中下比重是否对称、用料大小是否合理、侧方前后是否标准、大小尺寸是否协调、各部件高矮粗细比是否合理、纹饰是否与家具的整体框架和谐统一、整体疏密曲直的形式节奏是否到位等。

早期的红木古典家具在结构的设计上，讲究纯木质结构，能工巧匠们利用各种木料，通过联结的形式解决拼接、定向、移动、旋转等结构。其巧妙的力学原理运用和结构学知识的驾驭令人惊叹。经典明清红木家具是中国传统家具制作的巅峰，因为从艺、型、韵、材方面都独具特色。尤其在“型”这方面，散发着中国传统家具的制作哲学，气韵十足。

中国古典家具作为中国传统文化的重要组成部分，经过几千年的发展，逐渐形成了一门独特的家具制作体系。而古典家具除了在造型上的美观，其设计与时俱进，充分利用人体工程学的原理，满足人们的审美要求，具有实用和收藏鉴赏价值，即人们在使用时的习惯与舒适。

明清时期，是中国古典家具发展的鼎盛期，对于这一时期的家具研究，可以解读出中国古典家具的造型结构的精髓。一般来说，明式家具在结构设计上，沿袭了宋代家具的制作方法，结构设计精巧，线条刻画流畅，充分展现了明式家具委婉含蓄的美，突出简练简的曲线，给人以无限的想象空间，诠释了空灵的禅意。中国古典家具独特的美，造型考究，结构上追求严谨的科学性，制作工艺精益求精，展现榫卯结构的蕴含的传统文化精髓。

二、材质精良，代代相传的健康体魄

“材”即为红木家具的选材、用材。同为红木，但不同木种的价格相差巨大。一件选材为小叶紫檀的和一件选材为鸡翅木的红木家具，即使其做工、造型、设计完全相同，但其价格与价值体现却大相径庭。

优质的用材是红木家具的卓越之源。红木家具使用优质小叶紫檀、海南黄花梨、大红酸枝等红木心材制作而成，质地坚硬耐用、纹理清晰、光泽度强、耐磨，流传百年丝毫不在话下。尤其是明清家具雕刻制品特别考究材质的选取，精挑细选。材质不仅要求质地坚韧，具有厚重感，而且色泽纹理优美，细密而透明。中国传统红木家具的黄金时代之所以产生于明代，正得益于在此时获得了大量名贵硬木良材，巧妙地运用木材的天然色泽和纹理之美，而不加雕琢。

自明朝以来，得益于海禁的开放，海上的交通贸易繁荣，人们从海外运会大量的名贵木材，主要以紫檀木、黄花梨木、铁力木为主，大量精良木料为制作明式家具的制作提供充足的保障。另外，一件家具是否用足材料对价值的影响也很大，有无嵌补、结构件有无拼接、有无边材等将导致其价值的不同。只有舍得用足量的材料才能够制作出一件精品家具，虽然成本很高，但是如果没有用足材料，在一些方面补料、贴料，这样一件家具的价值就会大打折扣。

三、多道复杂工序，终成完美臻品

“艺”即为红木家具的工艺，是体现其核心价值的元素之一。例如，榫卯结构的制作，雕饰和磨光，木材的烘干等，结合考究各道制作工序，才能制作出优美造型的家具，不仅要蕴含文化内涵，更要展现器型美感，传达出浓厚的古典气息。

那么，“艺”该从那些方面来评价呢？通常来说，可从四大核心工艺环节入手，即：木作工艺、雕刻工艺、刮磨工艺、涂饰工艺。木作工艺是否精工，可以检查家具的榫卯结合是否严密牢固、线条是否均匀顺直、每个割角是否精密平整、圆角是否对称圆润。红木家具雕刻工艺可观察雕刻画面物象是否层次分明、整体协调；物象间距离的位置、结构、比例、形态及各种特征是否准确；层次深浅是否合理、铲底是否平整，留线是否均匀，有无留疤痕和毛刺；是否手工工艺等。

刮磨工艺使家具整体达到平滑，可以观察各部位是否平整、光滑，有无波浪形、有无缺痕，对称部位是否对称，线条粗细是否均匀。涂饰工艺是整套家具里最后一道重要工序，不管是传统的生漆、烫蜡工艺，还是现代的亮光、哑光工艺，涂面均应平整光滑、手感细腻，无皱皮、漏涂，无划痕、白点、白棱、流挂、积粉和杂渣等明显加工痕迹。

榫卯结构历史悠久，是中国传统家具智慧的结晶，是举世公认的国粹。使用榫卯结构制作的红木家具，结实耐用，牢固非常，可以使用几百年不变形。并且，榫卯结构可以拆装，方便运输与维修。精湛的雕刻是明式家具中主要的装饰表现形式，蕴含无穷的美学意蕴，它的美学价值远远超出了传统家具本身的外在价值，实为中国古典艺术之奇珍。

四、恬淡清逸的美学意境

“韵”指的是，展现在形材艺上面的感觉。而相对红木家具来说，要展现“神韵”的话，就要综合考究工艺、造型、材质，也就是古典红木家具中追求的上层境界。对于那些材质低劣，有拼补有白边的，就不可能有神韵；造型不协调，不好看的，就更加远离神韵；工艺粗劣，就更无法与神韵沾边了。真正的神韵，可以细细品味，感悟意境美，是红木家具追求的最高境界。

明清家具在雕刻装饰上，是我国雕刻艺术的集大成，雕刻题材丰富，包含山水人物、神话传说、瑞兽、几何纹样等，丰富多样，寓意深远。明式家具造型优美、稳重、简朴，结构比例讲求实用与审美的统一，装饰讲究少而精，显得淡而雅致，由文人参与设计，强调家具形体线条优美、明快、清新，通体轮廓讲求方中有圆、圆中有方，极具意匠美。

传承古典文化范文第2篇

关键词：古典文化；传承；中国文化

一、日本对古典文化的推崇

1 近年来日本古典文化被推崇发扬的代表

近年来，有关日本古典文化的书籍和影片在世界上引起了很大反响。其中最出名的代表是梦枕貘的《阴阳师》系列以及根据此套书改编的同名电影《阴阳师》。其中电影版《阴阳师》一经公映，在日本国内造成较大影响，电影大获成功。位于京都的晴明神社也在电影公映后受到日本全国乃至世界各地的游客的参拜，“晴明祭”也在世界范围内造成了较大反响。更多日本人开始关注本国的古典文化，更多的外国人开始关注日本，并对日本的古典文化产生浓厚的兴趣。

2 日本古典文化的代表“祭”

“祭”这个词，在中国人的意识里，是祭祀死去的人的节日，但是这是一种错觉。日本的“祭”，与中国的祭祀意思稍有不同，日本的“祭”，更多的是作为一种庆典存在。

日本的祭典活动规模大小不一，但很普遍。日本各地的祭祀活动，大多与祈福与驱恶有关，但最多的是以“祭”形式出现的庆典活动。无论是在日本的哪一个地方，都有充满了古典风情的节日活动，活动现场也会吸引世界各地的友人前来参观和游览。这是古典文化在现代社会的一种非常完整的传承与发扬。

二、日本现代社会的古典文化

日本的古典文化历史可以追溯到两千年前，历史悠久，注重修养的日本人将其古典文化传承至今。日本全国各地都广泛分布着神社、寺庙，每年都要举行丰富多彩的日本古典民俗活动，并且各地的风俗也各不相同。比如著名的札幌“雪祭”，京都的“祗圜祭”等。

除了节日方面，在现代社会的日常生活中日本的古典文化也得到了体现。现在仍有很多家庭居住的是日本的古典庭院，庭院里的布置就充分体现了日本的古典文化美，即日本古典文化的“和风之美”。最具代表性的是已经有了千年历史的“竹筒敲石”。一敲一打之间充分体现了日本古典文化的美学价值。可以说，日本的古典文化已经深深地映刻在每一个日本人的日常生活之中。

三、对中国的启示

1 古典文化应与时俱进，进行改良

目前中国在传统节日方面做得还不够，只是商家的炒作，并没有赋予所应有的文化内涵。在这一方面，中国应向日本学习成功的经验，赋予传统节日应有的文化内涵，将传统习俗通过庆祝活动展现出来，让更多的国人参与其中，以达到传承古典文化的目的。

2 运用先进的宣传手段发扬古典文化

日本国内制定了一系列的政策来保护其古典文化，不仅仅局限于物质文化，还有一些艺术上的、精神上的非物质文化。受到了法律保护，古典文化的传承就有了依靠，有了法律的支持，传承这些文化就有了强制性。而中国目前的法律法规还不够完善，对于非常容易流失的非物质文化没有明确的法律法规来约束。这也造成了许多非常有意义的古典文化的失传，对于世界来说，这都是巨大的损失。

3 让改良后的古典文化为现今中国社会所接受

中国现在在高速地发展着，而与其一同高速发展着的，还有中国的古典文化以及现代中国人的思维。许多古典文化在文艺作品或者是以其他方式进行的改变里都存在着或多或少的差异。这些些许的差异需要有一个正确的引导来让这种改良后的古典文化为现今的中国社会所接受，被现代人的思维所接受，让古典文化以一种新的姿态展现在现代国人的面前。

从日本成功发扬其古典文化的经验中，可归纳出许多关键点。如何突出重点，学习日本的经验，并从现实的经济、社会环境出发勇于探索创新，这对中国古典文化的发扬不无借鉴意义。我们应参照现今中国的国情，坚持循序渐进的方针，一步步地将中华五千年光辉灿烂的文化传承给国人并发扬至世界。

参考文献：

[1]梦枕貘，阴阳师，南海出版公司，2005.

传承古典文化范文第3篇

关键词：中国古典舞；古代女乐舞蹈；传统文化

0.前言

女乐舞蹈是中国古典舞的一个分支，其在我国的奴隶制社会产生，在封建社会结束，长久以来都是以一种十分特殊的艺术发展的方式改变和流传下来[1]。在汉唐两代时期，女乐舞蹈的主要经典的风格是细腰长裙和婉约俊逸等，这些风格对于当代古典舞的创作和发展都有十分重要的借鉴作用[2]。女乐舞蹈在发展的过程中一直处于比较尴尬的境地，不断被一些政治方面等的原因导致其一直被忽视。笔者主要探索中国古典舞对于古代女乐舞蹈的传承和发展，具体讨论如下所示。

1.古代女乐舞蹈概论

女乐又被称为是女子乐舞，根据相关的资料显示，女乐指的是古代一些专业的女性乐舞艺人，其主要的活动范围是在王室贵族之间以及奴隶身份等，从更大的意义上来说，女乐包括所有的女子参与的乐舞的活动。女乐舞蹈者因为技艺比较出色而备受当权统治者的喜爱，但是女乐舞蹈者的社会地位十分低下，其身份处于从属地位，在权贵之间不断被进行赠送和买卖，这样在一定程度上带动了女乐舞蹈技艺的发展和提高。女乐有两种表现形式，分别为宫廷女乐和民间女乐，具体见下表1。

2.中国古典舞对古代女乐舞蹈的传承及其发展

我国的舞蹈发展经历了很长时间的探索，在这个探索的时期内，形成了主要的三个流派，分别为身韵派、汉唐派和敦煌派[3]。身韵派就是指现在普遍意义上的古典舞，其主要来源处是戏曲舞蹈，而汉唐派和敦煌派的舞蹈风格加入了一些西洋的舞蹈元素在内，能够和中国的传统文化相区别，又能够证明中国古典舞的传统元素在内，表现中国传统历史文化的传承特点。

2.1古典舞身韵派对古代女乐舞蹈的传承和发展

古典舞蹈神韵派就是指现代意义上的中国古典舞蹈，其在我国建立之初，提出了关于以我为主并进行多方位吸收的相关方针，以我为主就是指以中国的传统文化为主体，特别指的是一些例如京剧和昆剧的舞蹈。多方位吸收指的是武术以及体操等在内的一些被中国的古典舞进行接纳或者是吸收的舞种。在宋朝之后，舞蹈就逐渐融入到了戏曲之中，其主要的表现方式是歌舞表演。但是由于朝代的更替的原因，一些当权者对于汉族乐舞的一些排斥反应导致舞蹈出现流变。身韵派对于女乐舞蹈有一些部分的借鉴，主要借鉴的部分是在宋朝之后的戏曲舞蹈部分中所提取出来的一些动作性的方面，然而舞蹈却只能是代表那个时期内的风格性特点，无法表示整个中国历史舞蹈的精髓。

2.2古典舞汉唐派对古代女乐舞蹈的传承和发展

汉唐派能够和女乐舞进行重合的一种派别。根据相关的研究，中国古典舞的基调都能够被定义为是大范围地搜索一些古代舞蹈的资料，并寻找历史上一些曾经出现过的任何一种形式的舞蹈类别，主要以文化背景为基础，力求最大限度地反映古代舞蹈的真实情况[4]。在汉唐两代时期，舞蹈走向了集大成的时期，当时经济发展繁荣，国家实力雄厚，乐舞的种类也十分丰富。一些统治者有了更多的剩余下来的财富用于欣赏，其中女乐是最为主要的部分，因为汉唐两代时期的舞蹈主要以女性为主，十分符合当时的审美特征，这个时期内的舞蹈发展成为了整个古典舞流派的宝贵资源。另外，从舞蹈的风格方面来看，汉代的舞蹈在艺术特征方面主要是舞袖、舞足等，在汉代舞蹈中以袖进行舞蹈是十分普遍的现象，其能够使用袖子的延伸来增加舞蹈者的曲线美，舞足主要是在盘鼓舞中得到体现，舞腰注重的是技巧性的动作。在汉唐两代时期，其舞蹈的训练主要是通过对袖子的使用来达到突出其舞蹈风格的目的。

2.3古典舞敦煌派对古代女乐舞的传承和发展

古典舞中的敦煌派的成立主要起源于《丝路花雨》的成功演绎。古典舞敦煌派的主要的动作来源是敦煌莫高窟伎乐天等一些壁画中的静态的造型。在敦煌壁画中，其主要的形象都和当时的一些女乐的舞蹈有着很大的联系，即便不能说的上是完全还原其舞蹈的形象，也可以称上的一定程度上的形似。另外，甘肃处于古代丝绸之路中间，其舞蹈的形象在一定程度上和一些印度传过来的西域区域的舞蹈有着很强的相似性，这些相似性仅仅从其服饰以及其舞蹈的基本动作方面都有一些印度和新疆地区舞蹈的影子，存在很大的相似性。因为各朝代都进行了不同风格的礼佛，这就导致敦煌莫高窟的壁画上面也出现了各种各样的飞天的形象，丰富了古典舞的类型。敦煌派古典舞的创作素材主要来源于敦煌莫高窟壁画中的描述，而这些莫高窟上面的描述情况都能够丰富地反映当时古代女乐舞蹈在例如佛堂和寺庙的发展状况，体现了古代女乐舞蹈的完整发展历程。敦煌莫高窟壁画中所描绘的情况都是当时的一些画家将一些古代女乐舞蹈中的传神动作刻画在石壁上，才能够讲座这个宝贵的财富流传到现在。敦煌派对于中国古代女乐舞蹈的借鉴和传承都能够对后人进行中国传统文化的研究和考察提供重要的依据。

3.结语

我国的经济和社会在改革开放以后得到了迅速的发展，中国古典舞的发展也是紧跟着时代的步伐发展了起来，逐渐走向了多元化的发展形势，形成了各个流派并都取得了很好的发展成绩。这个辉煌成绩的背后都反应了很多舞蹈爱好人士和研究人士的努力，未来的中国古典舞蹈要走向更加宽阔的发展之路。笔者主要分析了古代女乐舞蹈以及中国古典舞对古代女乐舞蹈的传承及其发展，以期为促进中国古典舞蹈的健康发展提供建议。（作者单位：无锡文化艺术学校）

参考文献：

[1]曾湘玲.中国古典舞创作现状及未来发展思考――以“桃李杯”舞蹈比赛为研究个案[J].歌海.2010（06）

[2]史晓眉.刘凤学与唐乐舞重建[J].交响-西安音乐学院学报.2010（03）

传承古典文化范文第4篇

说到古琴的传承，就不得不说现在的高职教育中的音乐教育了。当前高职院校虽然都开设了乐器课程，但主要是一些西方乐器，学习古琴的学生少之又少。笔者认为，对于古琴专业的教育，根本在于培养学生广泛而坚实的基础知识，同时要具有古琴专业的知识和技能。在很多的高职教育中，普遍存在着传统授课的现象，教师一味地授课，学生单一地、被动地听课，课堂没有一丝的生机。所以，高职课堂中教学的规律应适当地有一些变化。在一些课时的安排上，教师应做到有意减少授课的时间，主动增加一些鉴赏古琴的时间，让学生亲身体验和感受学习古琴所带来的快乐，使学生在学习中占据主要地位。

虽然中国古典音乐在现实生活中的审美价值毋庸置疑，但是中国古典音乐现在的发展情况却不尽如人意。音乐理论界甚至出现了“古琴必然消亡论”。近年来，音乐界西化成风，很多人忽视了自己民族的传统音乐——古典音乐，这就使古典音乐的创作没有大的进展，无奈地退出主流音乐的舞台。我们一直倡导东方式的含蓄美——清静、微妙、玄远，这与西方艺术有很大差别，很多人已经和传统文化中的优秀艺术产生了隔膜，而且相对于其他乐种来说，有关部门、团体对中国古典音乐较为忽略，如经费少、编制少、人才少等，致使现在了解古琴的人越来越少。

由此可见，古琴需要普及，需要“大众化”。一般而言，广大人民群众对音乐作品的评价处于主导地位。音乐作品的形成需要一个特定的环境，在特定的时代中起到的作用也是不同的。当社会条件有了变化以后，这些有时代特征的音乐作品在发挥其功能的基础上也会有新的变化。古琴不受重视，无法参与大型音乐会进行传播，是由于古琴本身也有缺点，首要问题是它能发出的音量太低，演奏古琴的场所必须具备音响设施，这样才能够使观众听到它的声音，这就给现场演奏带来了一些麻烦，不便于让大众进行欣赏。然而有了音响的加入，又对古琴原有的韵味产生了一些影响，所以这就要在音响装置方面进行研究和补救。此外，古琴的曲子较难懂，一般人不易接受，所谓的“琴道”“文人琴”“修身养性”等观念的思想包袱太重，让人们不敢与之亲近。这就需要坚守古琴音乐业者，尝试古典与现代音乐的嫁接，让两者间不可逾越的艺术鸿沟逐渐消失，将古典音乐在保持纯粹的基础上，融合进一些有利于贴近大众的元素。例如，改革古琴曲让其能焕发新声，改革弹琴方式与乐队结合，甚至改革琴学观念，让其合乎时代旋律，反映社会现实生活，为人民大众服务等。在今日社会，我们要努力推广古琴，让更多的人了解古琴、弹奏古琴，在不违背古琴的本质内涵、继承中华琴学的精粹的基础上，将数千年来古琴文化中最优秀、精华的成分结合今日时代旋律进行发扬，真正弘扬中国古琴文化。但我们要注意的是，若在“大众化”的改革与创新中丢失了古琴的本质精华而迎合大众欣赏习惯、以博得大众欢迎，丢弃了古琴静美、清雅的品性，那便得不偿失了。

古琴音乐自古以来就是一种精英文化，也许，古琴的确不同于任何一件民族乐器，因其古朴、幽静的品位决定了它无法成为时尚，我们需要真正把握琴之特质，发掘琴文化之精华，并坚持不懈、持之以恒继承下来、弘扬开去，若始终使自己处于孤芳自赏的清高中，这有可能使曾经璀璨的文化成为历史的尘埃。我们应该重视古琴演奏艺术的推广和传播，比如，专业团体在世界各地巡回演出，音乐家经常进行古琴专题演讲，为电视台、广播编写古琴专题片等，让更多的人了解古琴、欣赏古琴、传承古琴。

传承古典文化范文第5篇

她也仿若从那古雅岁月中走来，带着一抹不属于这个躁动年代的从容与执着，坚守着对于东方古典文化的信仰，以她笔下的水墨情怀为我们再现那段历史风物、中国容颜，让艺术改变生活，以美学感动心灵。她，就是不折不扣时尚集团的创始人方艺霖。

以老工艺重塑新生活方式

从木雕到宋瓷，从苏绣到龙井，从蜜蜡饰品到漆画手绘，这些充满东方古典意味的老工艺仿佛在告诉我们，忘形东方生活馆并不仅仅与那些传统而精致的女装相关，更与我们遗忘已久的东方底蕴生活一脉相承，这是一场对生活方式的定制与复兴，不仅于服装，更着力于渗透、演绎、还原所有生活中的美学质感与个人精神。在学画出身的方艺霖看来，这些古旧工艺为整体生活方式的打造提供了灵感与动力，而所有与美相关的产品都可以成为定制之列，无关领域，只为凝炼一场生活的艺术，“我们希望以服装为出发点，塑造出一套新东方时尚的生活哲学，一套文化理念，创造出魅力与舒适的结合，让每一件服饰作品在自由轻松、时尚大气之余都能传达一个概念，讲述一个积极的故事，从而影响更多的人，形成对自我生活品位的觉醒与提升。”

透过不折不扣的服装，让顾客体验到一种颠覆以往的风范与形象，由此而来的改变使方艺霖很是欣慰，“不折不扣以高雅时尚风格为主，相对而言，宫心则走更高端的艺术路线，因此许多人以为这分别是两个群体的客户，其实不然。”认同并欣赏不折不扣传神之美的客人，同时也追求着更精致高雅的生活理念，“他们可以分别适应于不同场合的需要，而我们服装所塑造的个人气质与视觉冲击力，往往让人过目难忘，那些来自外界的关注度，让我们的女性客户感到满足，也体会到了我们品牌的真正价值。”

如何让生活成为一门艺术，让工艺升华为美学，是其中不可回避的一道命题，作为服装设计师，方艺霖不仅仅着眼于服装，她以更宽厚的胸怀，更开放的视野，凝望着各种东方传世工艺的未来，跨越领域的框架性划分，以其细腻而独到的艺术触觉，融汇所有与美学相关的境界与感悟，她笑言，“因为艺术是相通的，设计师其实应该不只是成为设计师，她需要站得更高，对各种古典艺术形式拥有更形神兼具的认知度、把控力与创作力，涉猎更多如民俗、历史、诗词、器物等中国文化领域，从古老技艺与新兴工艺中汲取意念与灵感。”

以跨界元素传承东方文化

在这里，那些最纯粹的传世工艺经历了岁月流变，时光洗礼，却始终静默而生，风华绝代，你可以酿一壶静谧古雅的香气，绣一袭精致动人的旗袍，守一世矢志不渝的情怀，等一场梦回东方的邂逅。

对东方古典文化情有独钟的方艺霖，对工艺传承有着深刻的感悟与理解，“外国拥有自己国家民族的服饰，而属于我们中华民族的服饰却日渐消弭，追溯历史，唐装、旗袍本为中国的国服，而目前市场上，由于竞争激烈，使得中国传统风格的服饰变得泛滥与廉价，成本也越来越低，因此我们永远也看不到让人惊叹的作品。”方艺霖不愿眼见古老而深厚的东方民族艺术的没落与衰退，她开始执起画笔，守住中华古典工艺的文化净土，“我们以高端定制的方式推广古老的苏绣技艺，而最年轻的绣娘也已经60多岁了，我深深地感受到，如果没有市场，那么中国的手工绝活最终将断层，更无法将老艺术家的技艺传袭下来。”为此，不折不扣坚持以苏绣工艺定制为推广的主要作品，为古典东方文化的续存与复兴肩负一份责任，“在苏绣服装的高级定制流程中，最少也要经历10个人的共同努力才能成型，从最初的画稿、勾稿、上色、印布到刺绣，手工繁复，而且耗时较长，定制的旗袍也需要至少45天的时间周期，这些传统文化的工艺作品与当下的快时尚完全不同，它以慢工出细活，专门为客人的气质而定制，而且追求一定的艺术境界。”

这是一种对待传统文化的尊重与敬畏，也是对于古典艺术的眷恋与追求，除苏绣以外，漆画工艺、蜜蜡饰品、养生茶品、手绘织物也在方艺霖的作品之列。然而，传承并非复古，在方艺霖看来，文化传承的精髓在艺而不在形，与完全承袭传统的古装相比，方艺霖更为创造性地诠释了古典工艺的新生形象，“我们在传承苏绣等古老文化的基础上，融汇了设计师的时尚性、概念性以及跨界的元素进行再创造，我们所呈现的东方古典文化并非沉闷的器物，而是鲜活的空间艺术，如化蛹成蝶形状的试衣间，泼墨效果的木地板，半葫芦模样的古风池塘，祥云飘逸流动的天花板，以及以木船再造的美人镜等，我们希望以多种功能性，多款不同领域的工艺作品，多层次的视觉感官体验来传承东方文化精髓，在商业化之下孵化心灵的感动，让参观的客人身临其境，心有所感。”