美术展览设计

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美术展览设计范文第1篇

[关键词]国家大剧院 舞台美术 陈列艺术设计

引 言

作为表演艺术中心，演出是国家大剧院运营的核心。演出不仅离不开角色，也离不开布景、服装、化妆、灯光、道具等舞台美术元素。随着戏剧等舞台艺术的发展，舞台美术成为演出的又一重要符号，日益为人们所了解与认可。国家大剧院因其自身的职能与定位，其展览工作始终紧密围绕表演艺术，在策划方面更是探寻演剧、美术等不同艺术之间的切合点，结合剧院特色、发挥剧院优势，相继举办了不同主题的艺术展览。在众多极具特色的主题展览中，舞台美术作为演出的重要元素，更是得到了国家大剧院展览工作团队的重视。一方面，服装、模型、道具等舞美作品被应用于各项展览中，成为展览的重要展品或辅助展品；另一方面，剧院也通过举办舞台美术类专题展览，全方位、多角度地向观众呈现这一领域的重要成果，使观众了解演出、走近舞台，揭开演剧工作的神秘面纱，拉近了舞台艺术与观众的距离。

舞台美术具有其独特属性，无论是服装、道具，还是布景、灯光，都极具艺术魅力，同时又极具应用价值。舞台美术是一门应用学科，通过艺术设计感染观众，传递信息。展览陈列同样追求以视觉、听觉、触觉等方式带给观众启迪，引发观众共鸣。通过对舞台美术的探索，将舞台元素引入陈列艺术设计之中，可以丰富展陈形式，创新展览设计，而设计制作舞台美术题材展览更需要融入舞台元素，传递舞美理念，如此方可展现出舞台的魅力，真实再现舞台美术的艺术之美。

一、舞台美术与展览展示

舞台美术是戏剧和其他舞台演出的一个重要组成部分，包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等。它们的综合设计称为舞台设计。其任务是根据剧本的内容和演出要求，在统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台气氛。舞台美术经历了多个发展阶段，随着时光的推移，它不仅成为舞台艺术的重要一环，更融入当代人文生活之中，成为了一门学科、一个行业。舞台美术从传统的戏曲布景到现代的舞美创意，借助于现代科技的发展，不断融入新观念、新元素，影响着演剧事业发展，传递着文化讯息。舞台美术不在局限于舞台之上。它不仅受到艺术爱好者、演出团体的关注，更为学术团体、乃至整个文化领域关注。二十世纪中期（1967年），各国舞美设计组织成立了“国际舞台美术组织”，同时在捷克首都布拉格举办“布拉格国际舞台美术展”。这是舞台美术与展览陈列的首次“融合”，虽然此次展览仅是作为舞台美术设计们展示自己作品、交流创作心得的平台，并未将舞台美术元素与展览陈列设计从技术应用的角度加以融合，但仍给予人们以启迪，成为全球最大的艺术表演设计展览、世界舞台美术领域的奥林匹克盛会。自此之后，此项展览成为舞台美术领域的盛会，每四年举办一次，是国际唯一的、最具有权威性的舞台美术展，在世界艺术领域具有广泛的影响力与极高声誉。2005年在加拿大多伦多首次举办了“世界舞台设计展”，每四年一次，在世界不同国家举行，是布拉格国际舞台美术展之外世界上最重要的舞美展事。除此以外，世界各国也各自举办本国的国家级舞台美术展览，如美国每年举行一次舞台美术年会，形式趋向于行业博览会，院团、院校、工厂、个人均可参与；而英国则是于每次国际性舞台美术展览前一年，举办学术性舞台美术展览，并评选优秀作品参加国际大展。中国的舞台美术与展览陈列的首次结合是在二十世纪八十年代。1982年在北京首次举办全国性舞台美术展览，即“第一届全国舞台美术展览”。1986年中国代表参加了第六届开始参加布拉格国际舞台美术展，首次登上世界舞台；1987年中国舞台美术学会加入国际舞美组织，为“国际舞美组织中国中心”，加强了与世界舞台美术领域的文化交流。此外，地方院团、院校及舞美学会分支机构则不定期举办相关展览。这些展览虽以展示设计作品、交流创作心得为目的，但为更好的展示设计作品、还原艺术氛围，舞台美术设计师们也日趋注重设计作品与展示环境的融合，从而推动了舞台美术元素与陈列艺术设计交叉、应用。

作为国家表演艺术中心，国家大剧院成立后即将工作重点放在了原创剧目的生产制作之上，并对舞台美术行业发展投入极大关注。自开幕运营至今，国家大剧院制作歌剧、京剧、话剧、舞剧等共36部，其中58%的舞台美术为中国舞美设计制作，42%的舞台美术为国外知名舞美大师进行设计，由中国舞美工厂、服装厂进行加工。一方面加大投入，为国内舞台美术的创作提供平台，推动了国内舞台美术的发展，另一方面也通过与国际知名设计的合作，促进国内外舞美领域的学习与交流。此外，为使舞台美术“走出幕后”，使更多观众、艺术爱好者了解舞台美术、喜爱舞台美术，剧院自2009年始，举办“回眸经典――国家大剧院原创与制作剧目展”和“精彩在这里绽放――国家大剧院艺术成果展”两项展览，并将其作为常设陈列向观众开放，展览包含了剧目制作背后的故事、舞台美术设计等诸多内容，其中舞台美术模型、演出服装、舞台美术效果图、服装设计图、舞台场景复原等为展览亮点，展览每年更新一次，对文字、图片、展品等进行增补调整，截止至今两展览共吸引观众超过300万人次，极大地拉近了观众和舞台美术的距离，促进了舞台美术知识的大众化、普及化，使舞台美术不在藏身于幕后。除普及性展览外，国家大剧院也举办学术性展览，以期促进舞美领域学术交流，推动舞台美术行业发展。2011年，国家大剧院策划、主办了“2011・北京舞台美术设计邀请展”，该展览由中央戏剧学院、上海戏剧学、中国传媒大学共同协办，中国舞台美术学会、国际舞美组织中国中心进行学术支持，周本义、薛殿杰、刘杏林、高广健等国内老中青三代舞美设计齐聚于此，以作品展示、研讨座谈等方式进行学术交流。2012年，举办“古典也时尚-国家大剧院舞台服装展”，以舞台服装为主题，以服装、配饰、设计手稿、制作图样为展品，并于展期内举办专题讲座，旨在通过多个角度展示舞台服装的魅力，将舞台服装的理论与实践相结合，使观众舞台美术产生深层次了解。同年，国际舞台美术专业学生作品交流中心主办、国家大剧院协办“2012国际舞台美术教育展”，此展览以舞美专业学生作品为主，旨在鼓励青年学生进行艺术创作，加强国际学术交流，促进青年――代舞美设计们学习、成长。

通过剧目制作、举办展览、学术研讨、作品收藏等方式，国家大剧院积极融入舞台美术领域，发挥自身优势打造舞台美术发展平台，推动、促进舞台美术行业发展。同时，在展览展示方面，剧院策展人们向舞美设计们“偷师”，将舞台美术设计元素融入展览之中，改变博物馆、美术馆等传统、常规的展陈形式，以舞台美术之观念呈现表演艺术、舞台美术题材展览，使展览更加灵活，更具舞台效果，从而创新展览理念，丰富展陈形式，增强观展体验，引发观众共鸣。

二、舞台美术与陈列艺术设计

舞台美术是一种视觉艺术，也是一种应用技术。通过色彩、明暗、光线、听觉、视觉、触觉等多角度、多方式向观众传达信息。展览陈列同样依靠视觉、听觉等方式来呈现。舞台元素的引入可丰富展陈形式，创新展览设计，而设计制作舞台美术题材展览更需要融入舞台元素，方可展现出舞台的魅力，真实再现舞台美术的艺术之美。

（一）、环境设计

舞台美术是不仅是视觉艺术，也是环境艺术，通过营造立体的感官环境，渲染舞台氛围。因而，制作舞台美术题材展览即需要加强对环境设计的研究。国家大剧院舞台美术题材展览在陈列设计注重对色彩、明暗、光线、视觉高度等因素的运用，追求舞台效果的营造。

在整体光环境的营造上，此类展览多以暗调为主，原因之一是演剧大幕拉开前即给人昏暗、神秘之感，暗调的展厅环境可引起观众共鸣，营造“舞台”之感；原因之二则是考虑到服装、舞台美术模型、头妆设计、道具等展品均需各自独立的小型光环境，整体暗调的环境便于各区域的光线处理，从而达到展品所需的光要求。光是舞台美术不可或缺的重要元素。无论是舞台服装，还是舞台布景，都离不开舞台灯光设计，舞台美术题材展览也是如此。以舞台美术模型的展示为例，在布展时需根据舞台美术效果图，对每一件舞台美术单独打光，处理好灯光的照度、明暗、主次、远近关系，更有一些舞台美术模型需带有特殊色泽或纹理的光线（如水纹灯等）。

视觉高度方面，舞台美术模型、服装、头妆、道具等展品的展示也有特殊要求。以舞美模型为例，此类展品对视觉高度的要求较高，100-120cm高为适宜的展示高度。高出此数值，则超过大部分人的视线高度，观赏会造成疲劳感；低于此数值，则会因舞美模型的台口设计等因素，导致遮挡视线。头妆、小型道具的展示同样对视觉高度有所要求，展具高度应为90-110cm，此高度便于观众从各角度近距离观赏展品。无论是舞美模型，还是服装、道具，均以人体视觉高度舒适为宜，特殊的模型、服装、道具等展品还需依据演出内容，通过悬挂、倾斜摆放、平铺地面等方式陈列，已达到最佳展示效果。

（二）、多媒体设计

随着高新技术的出现和运用，展览策划、展陈设计的理念在逐步更新，新技术、新观念不断地被应用于展览之中。科技改变生活，无论是展览设计还是舞台美术，都因为科技的变革而日益发展，并逐步产生同一、交融之趋势，多媒体技术即为其中代表。

步入新世纪，多媒体技术已成为舞台美术的必备元素之一。要完美呈现舞台效果，多媒体技术可谓是不可或缺的重要一环。如果说一部演剧中失去了声、光、电等多媒体技术，演出将大为失色。同样，展览陈列也因运用多媒体技术而使其更具真实性与带入感，使展陈更为灵动、更具活力。所以，作为舞台美术与展览设计交融的舞台美术题材展览是离不开多媒体技术的。如何灵活、适当的运用多媒体技术，还原舞台效果，突出展览主题，营造艺术氛围，成为展览设计的重要一环。

在烘托氛围方面，视频、音频等手段是最为直接、最易见效。通过结合展览主题，预先编制音频文件，在展厅入口、特定区域等空间进行播放，使观众在进入展厅之后即通过“声音”这一元素所感染、暗示，从而带动情绪，融入展览之中。视频手段便于补充实物展品的不足，以“2011・北京舞台美术设计邀请展”为例，舞台美术设计方案信息量极大，仅通过1000多平方米的展陈空间无法全面传递给观众，因而工作人员通过多媒体手段，将数千幅舞美设计方案编辑为视频文件，分区域、分主题进行展示，既解决了环境的局限性问题，将舞美设计方案予以充分展示，也将分散的、原属于不同类别的信息融于一体，帮助观众梳理、掌握信息。此外，视频技术也是展览的展品之一。演出是持续性的艺术，而舞台美术设计图只能展示瞬间场景，不能完整体现演出、舞美的变化之美。这就要求在展览中将演出视频、舞美场景切换变化的视频作为展品，以便展示实物展品无法展示的内容。

投影、动画可以强化展览的美感，还原舞台氛围，使观众易于理解、乐于观赏。以“舞・影――国家大剧院现代舞摄影艺术展”为例，展览工作人员运用电脑技术制作出一个动态的“舞者”，通过投影使其在展厅入口翩翩起舞。这种动态化的展示增强了展览的吸引力、感染力和引导力，不仅在展览开篇即点明展览主题，更直观、具象的再现了舞者在台上起舞的场景，从新的角度实现了舞台美术与多媒体的联姻。除作为展陈手段外，投影、动画也是舞台美术类别展品的一部分。在舞美设计方案中，常以投影等方式呈现时空变化，如河水流淌、春秋更替等。因而在舞台美术模型的制作中，部分设计师会将微型投影作为模型的一部分，用以呈现舞台效果。

（三）、展具设计

小中见大，展具、辅助展品等专项设计是展览的专业性和艺术性的集中体现，也是衡量展览设计专业水平的标尺之一。好的专项设计可以强化展览主题，烘托艺术氛围。因而，要完美阐述舞台美术题材展览，展具等专项设计同样不可忽视。

在环境设计中，曾谈到视觉高度问题。为达到便以观看的视觉高度，展具的高度与文物类、绘画类展览有所区别。模型类展品的配套展具高度以100-120cm为宜；头妆、小型道具类展品的配套展具高度则以90-110cm为宜。不同类型、不同体量的展品需要搭配不同展具，虽然舞台美术题材展览的展品与文物相比，对安全的要求有所降低，部分展品更需要观众的参与、接触，但对展具的设计同样需要严格把控，单独设计。以演出服装为例，不同类型的服装展示方式也有所不同。欧式风格的演出服装，适宜使用立裁模特进行展示，在服装穿戴完毕后再通过针线等小工具进行固定，突出身形、曲线等立体效果。京、昆戏服等则适合平铺展示，将戏服中华美的纹饰呈现于观众眼前。造型类服装则需要人形模特穿戴展示或是垂挂展示，以便将特殊的设计造型展现给观众。所以，针对不同类型的服装，展具的设计也需有所不同。如立裁模特展具需要便于塑形、固定的材料，如使用苯板、衬布、钢丝等综合材质制作；戏曲服饰需要根据戏服预先测量、画样、定做衣架，并避免尖锐物剐蹭丝织品。

在展具色彩方面，舞台美术题材展览较多选择黑色、灰色等单一、暗调展具，目的是突出展品、淡化展具对观众视觉造成的影响。在演出场景变更时，舞台往往为一片漆黑，舞台布景工人则身着黑色制服进行换景。国家大剧院展览团队在进行舞台美术题材展览的展具设计时，同样融入了这一理念。通过选取暗调、单一色彩的展具，突出展品的繁复、艳丽，以展品自身之美来抓住观众视线。展具结构方面，同样依据上述原则，以极简的框架式展具为主，以满足功能为前提，杜绝展具上出现繁复的装饰，较少使用通柜、玻璃柜等大型、厚重、易反光的陈列柜，较多使用鱼线等进行垂吊、固定，从而降低展具对观众视觉的干扰。

此外，为切合舞台美术题材，国家大剧院展览团队在展具设计中运用苯板、亚克力等舞美常用材料，营造舞台美术氛围。苯板是舞台美术中最常用的材料之一，因其价格低廉、轻便易于搬运、易于塑形上色等特点，常被用于舞台布景、道具的制作，以致成为了舞台美术的“符号”之一。国家大剧院舞台美术题材展览在展具设计之时，采用了舞台美术布景、道具制作的概念，将造价低廉、便于塑形及搬运的苯板制作成展览各层级部题版、头妆设计辅助展具等。一方面，突出了“舞台美术”这一主题，引发业内人士的共鸣，并使一般观众了解舞台美术的幕后生产环节，增强展览趣味性；另一方面，有效地节约了展览成本，缩短展览制作工期，大量节省了人力、物力。

（四）、版面设计

陈列艺术设计不仅存在于立体的空间中，版面设计也是陈列设计中的一项重要环节。展览是图、文、物所共同构建而成的，是二维与三维交织的产物。通过对版面内的文字、字体 、图像、图形、线条、表格、色块等要素的编排，通过视觉方式，使观众直观的感受到策展方所要传递的信息，从而阐述展览主题，普及相关知识，引发观众思考。舞台美术题材展览的环境设计较为特殊，因而在进行平面设计时便需着重注意如何在“暗”环境下处理展览版面，使之既做到与整体环境融为一体，又便于观众观看，不造成视觉疲劳，不淹没于环境之中。首先，从环境氛围来看，版面设计的整体色彩需着重把控。不同于文物展、美术展，舞美展中绚丽多变的灯光是必不可少的。在多变的光环境中，版面设计如使用过多的色块，会导致观众产生目眩、烦躁、焦虑之感，影响展出效果。其次，版面设计的过于花哨、复杂同样不适合舞台美术类展览。以文字为例，选择过多字体、增加多种字效，都会使观众有眼花缭乱之感；而图片方面，过度的进行处理，大量、繁杂的使用阴影、缩放、旋转、曝光等手法，装饰大量纹饰，同样会影响展示效果。其次，从内容方面看，舞台美术题材展览较多涉及的内容为剧照、效果图、设计图、手稿、创作思路、创作技法等图文资料。因而在进行版面设计时，需要注重对图片原汁原味的呈现，反对将图片加以过多装饰，反对版式背景方面的“重口味”设计，以免造成对原设计的“歪曲”，影响对剧目、舞台效果的阐述与展示。以“2011・北京舞台美术设计邀请展”为例，其版式设计以黄、黑两种色彩为主，辅以白色、灰色。版面从排版到字体，均以简洁为基调。从展览部题到文字说明，字体使用三种，分别为宋体、黑体、英文字体；字号使用五种，分别为展览主形象、展览一级部题、展板文字（使用二种字号）、说明文字。图片处理方面，为避免版式设计抢夺剧照、效果图等，均采用黄色背景，灰白渐变过度。展板尺寸在设计之时放弃了高、宽、大的版面，选取了简洁、轻便的小版面，规格控制在为1.5米高、1米宽之内，且放弃了对层叠、突起等字效的使用，避免过多的装饰与变化给观众造成视觉压迫。

（五）、安全控制

“安全”从来都是展览陈列设计中的重要原则，需要常抓不懈。它包括展品安全和观众人身安全。对展品来说，在展陈设计中，应尽量排除人为因素破坏和自然因素损害。策展方应从陈列环境、陈列设备、陈列方式等多方面进行科学处理。首先是在陈列设计应注重对展品的保护。舞美模型、舞台道具等材质特殊，多为纸浆、苯板、航模条等材料，在高热、潮湿、光照等条件下，易变形、褪色、损坏。此外，由于舞美模型、舞台道具、服装等受到舞台灯光、多媒体设备等因素影响，适宜裸展，不适宜放入展柜，变极易受到人为破坏。由此，在展陈设计之时，必须考虑如何在不影响展示效果的同时，保障展品安全。钓鱼线固定为一种较为实用的方法，通过纤细透明的鱼线将展品巧妙固定于展台之上，一方面可以避免展品丢失，另一方面也不会形成阴影或反光，影响模型、道具等展示效果。在确保展品安全的同时，观众的安全也不可忽视。展厅既是展品的展示场所，又是观众的集散场所。舞台美术题材展览因对环境的特殊要求，展厅往往光线较暗，展具也多为暗调支架，较易被观众忽视，从而易发生观众磕碰、绊倒等情况。为确保观众安全和展品安全，展陈设计时需要注重对安全通道、安全标志、安全提示等的设计，如采用荧光材料、加设警戒杆等。此外，展陈设备、装修材料等也需严格把控。以舞台美术中常用的苯板为例，它极易产生静电且易燃，存在安全隐患，因而在电路设计时就要做好预防措施，将此因素考虑在内；舞美展中大量使用灯具，用电量大，线路架设复杂，也存在安全隐患，同样在展陈设计之时需多加考量，科学处理。

正如前文所述，舞台美术与展览陈列同为视觉艺术、应用技术。在陈列艺术设计中融入融入舞台美术元素，可以更好的把控展览设计整体风格与艺术质量。在环境设计、多媒体设计、展具设计、版面设计、安全控制等专项设计中勤加思考、科学处理，在确保舞台美术的安全性、实用性的同时，提升展览的艺术性与感染力。国家大剧院展览工作者通过不断摸索，较好的诠释了“舞台美术”这一主题，并利用多样化的手段为观众呈现出不同于文物展、绘画展的又一展览类别，将舞台美术设计、展览陈列设计这对看似无关的领域融合为体。

美术展览设计范文第2篇

关键词:群众美术馆;现代时尚;空间设计;人性化;生态化

一、济宁市群众美术馆的现状研究

济宁太白路的群众美术馆室内空间存在形式表现单一，不够现代化、生态化、科技化，且美感不足，风格不够突出，室内空间分布不够明确简练，室内空间环境的表现不够连贯通顺，供人们参观休息区域太少等问题。

二、济宁市群众美术馆室内设计的设计理念

济宁群众美术馆改造前的空间设计比较单调，展示空间都很空旷，各个展区设计大同小异，也没有更多的现代造型，科技含量较少，并且室内缺乏轻松、娱乐的活动场所，这已经跟不上时展的速度更不能满足大众的需求。因此，对于美术馆的设计改造要体现时代的特色，就要对现代审美特征进行充分地了解，合理把握现代时尚元素、生态理念的运用。美术馆的存在不仅是建筑本身的价值存在，而且它也是展列艺术作品的背景和基础存在。群众来到美术馆，都是抱着学习和欣赏的心情来的，因此，在美术馆空间设计改造中，重要的就是通过设计的空间唤醒群众体验艺术的潜在心情。这就需要更好的将实用、宜人、时尚的理念的充分的运用到济宁群众美术馆的空间改造中，并将这种现代文化的氛围融入到周围的环境中去，更好的提高和改善了城市功能。

三、济宁市群众美术馆室内设计改造设计解析

3．1济宁市群众美术馆室内设计整体设计构思

在对济宁群众美术馆的实地考察之后，又参考了一些优秀的美术馆的方案设计，确定了本次美术馆设计风格，主要是以现代简约特点进行设计。对本次美术馆的改造设计中首先考虑了本地的经济发展状况和美术馆外观特点，根据现代设计基本原则以及现代审美特征进行室内设计改造。根据功能需求以及美术馆内部的结构形式，一层主要设为展览区，同时设置了学术报告厅、接待室、库存区、休息区。二层主要设有采光展厅、展廊、电子阅览室、图书室、休息区以及露天休闲区等。三层的建筑面积较少，所以没有设立展区。主要设有办公空间、贵宾接待区、技术管理室等。

3．1．1展厅空间设计

一层设计为一个全面贯通的整体空间，也是整个美术馆展览的主体。展厅是展览空间对外交流和展示的主体部分，也是对内和对外功能的公用空间。一层展厅总面积约1200平方米，部分展厅可以根据展览活动内容进行灵活调整。展厅为更好地突出作品效果，将展厅的、墙面、顶面大部分覆盖成中性色，压低展厅的亮度，大部分的光线从作品顶部泻下，并配合局部重点射灯点亮。二层展厅面积约1000平方米，大部分为自然采光展区，配合玻璃幕墙，采光效果非常好。同时设计了艺术展廊，主要展示画家作品、雕塑和小型艺术品。

3．1．2展览路线设计

美术馆室内展览空间路线可根据展览作品的不同进行调整。展厅路线是固定的，而展览路线是灵活的。一层的展厅分布比较多，展品可以根据形式内容和规模大小的不同进行布展，利用活动展板进行自由的组合安排，形成各种不同的展览空间，展览路线也就会根据不同的展览空间发生改变。因此，一层展览路线是比较灵活的，而展览路线的不断变化，也使参观者感受到不一样的视觉体验。美术馆二层的展厅造型是固定的，展览路线也是比较固定。根据各展厅的特点尽可能发挥展览路线的长度。在展厅内进行造型设计，同时各展厅都有休息沙发的安排，避免单行路线的单调。在部分展厅内可以设置双行道，即展品的双线展示，这就增加了展览路线的长度，尽可能的把空间最大化。在二层中间是一个椭圆形的半封闭的走廊空间，和一层是相互连通的，不仅可以直接观赏到一层大厅的展览作品，而且在这个空间里也设置了休息沙发和小型的艺术品的展示，丰富了参观者的视觉体验。

3．1．3美术馆照明系统的设计构思

在二层展厅采用的是自然采光和人工照相结合。自然光线主要采用的开窗方式来实现，采用双层玻璃。展厅中灯光设计为略为偏暖的光线让参观者感受宁静舒适惬意的欣赏氛围，在设计中采用南北玻璃大幕墙来解决展厅的光线使用问题。为避免眩光，在装修时加上遮阳设施，也为以后多种展览做好准备。灵活的按照展品布置方式，设置了重点照明光源。

3．1．5室内空间质感的生态表现设计

第一，石材运用，既方便清洁和打理，又可以方便布展的需要，主要用于一层的展厅和大厅。选用的石材造价低，方便取材。第二，木材主要运用在二层展厅，主要以实木地板为主，根据美术馆的特殊要求，选用了湿度较小且天然环保的木材。木材的装饰视觉感强，足感舒适的优良性能、隔音效果好、还能调节室内温湿度、环保材料对人体健康危害小。第三，在二层美术馆采用的玻璃幕墙的形式。幕墙的设计材料运用的是双层玻璃和钢材相结合的方式。不仅增加了设计的美感，同时引入了充足的阳光，减少了光污染的现象。

四、结论

美术展览设计范文第3篇

设计者一方面将传统元素果断的带入展览展示设计方案之中，另一方面，他们又极尽所能摄取对于观者想要获取“传统”这一效果的心理期待所需要的视觉冲击力，这种冲击力也顺其自然地反应在色彩的表现与传达之中。在展览展示设计中，多种色彩的结合可以传递出设计师的极度用心，设计师们希望通过这种直观的表达方式传递出其自身所欲表达的情感，而观者亦可以在观看后的第一时间内得到这种传递出的情感，并映射出受众们早已无意识的预设好的心理期待。设计者们迎合的结果，就是越来越多的展览展示作品走在“仿古”的道路上，那么，展示设计作品中表达“古意”的一个重要手段就是运用具有传统工艺美术中常见的色彩元素，如大红色、赭石、石绿等等。

比如上海世博会中国馆设计，其所用的主色即是属于传统工艺美术中倍受青睐的红色，也被人亲切的称作“中国红”。红色在中国古代社会中是一种裹挟着极深寓意的颜色，有时它以“警示”、“辟邪”的意义出现，有时他又寓意“吉祥”、“喜庆”，而又有时，它以“自信”“高贵”的身份展现在大众眼前。在传统工艺美术的语境之中，他亦是以此三种身份频繁出现，很显然，“中国馆”携着如此富有极端意义的红色出现，既是表现出一种对于“传统”的延续，亦是表达出国人给予的积极的心理期待，同时又极尽所能的传递出设计者赋予其“东方之冠，鼎盛中华”的深刻含义，完美的将传统工艺美术语境与现代展示设计融而合一。

二、美学：现代对传统的审美意趣的继承

传统工艺美术元素无处不在的渗透在其中，很多设计者认为，对于当代设计而言，要走出一条“民族个性”的道路，就必须根植于民族文化土壤中，向传统工艺美术学习，并进行具有创造性的转化，使中华传统设计元素用在当代设计中既具有“民族个性”又有“时代性”，这样才能真正走向“国际化”。当传统工艺美术进入到现代展览展示设计作品中，展示设计作为现代设计的一个部分已经为其所深深影响，现代展示设计自然也不会单纯的摄取古典元素而排弃其内在蕴含。自然而然的，一部分展示设计作品已经深刻的继承了传统工艺美术语境下的美学观念。

（一）传统工艺美术语境下的“意境”之美

早在南北朝时期，刘勰就已经提出“神与物游”的美学观念，在此他强调主体与客体的关系，认为“物”是承载主体本身在创造过程之中“神”游的载体。那么，古代艺术家们在创造作品的同时也多是认为艺术作品可以传递出艺术家们的主体观念，这一美学思想也深深影响着当今社会的一部分艺术家。于是，在进行工艺制作的时候，古代一些艺术家打破了工匠们常常为了“用”从而制作的功利性制作，在很多传统工艺创作时候融入了主体的思想感情。理所当然的寻求艺术表达过程中的“意境”美。传统艺术的语境下，那些现在被我们分类在工艺美术的一类中的艺术家们就是在探寻艺术品的内在“意境”美，他们极力寻求“象外之象”、“无声有声”的艺术效果。然而，艺术家们苦寻的“意境”美学终于体现在传统工艺美术的各个方面。如美轮美奂的宋代影青瓷，如寓意深广的皮革镂花，如以娱众乐的灯影戏等。这里每一种艺术创作都是艺术家追求探讨“意境”美的结果。

（二）“意境”美对于现代展览展示设计的影响

艺术家们努力营造的“意境”也是现代设计者们多年研究后所追求与承袭的美学思想，代代相传的工艺不仅在形式上走进了现代展览展示设计，在思想上也逐渐成为评判具有“民族意识”的展示设计是否带有“感情”的标准。这种传统文化语境下的特有的审美思想，对于那些携带“民族意识”的“中国化”的展览展示设计走向世界是具有极其重要的意义的。《考工记》曾经提到：“天有时，地有气，材有美，工有巧，和此四者，然后可以为良。”主体与客体关系的辩证统一都阐释在这句话中，设计者既要具备工具的丰富，又要孕于天时，且加诸以自身变化之功，则“可以为良”。“意境”的主观阐释与客观结合，造就成功的设计作品。如在一些展览展示设计的橱窗设计之中，雕花楼空与古典园林中窗户的结合常常被挪用在橱窗设计中，这就可以配合设计者本身的趣味营造出“意境”美，达到“移步观景”的效果。很多设计作品中，我们都可以看到传统工艺美术常常追求的“意境”美，不仅影响曾经，亦随着时代的变迁，影响着其后的许许多多，这是影响，也是继承。传统工艺美术是历史的产物，准确地说是历史生活的产物，对于其传承并且影响，甚至改变，都将是展示设计乃至设计本身的根本主题，发展，创新与改进，都将是现代展示设计的永恒目标。这里一方面揭示出传统工艺美术传承和发展的方向，另一方面也验证了传统工艺美术在美学思想上对于展览展示设计的影响。

三、功用：现代异化传统的本质体现

以上这些无论是形式美，还是意境美，都是虚幻的美学观念，而展览展示设计的根本竟也还是未曾脱离“功能化”这个永恒不变的话题。现代展览展示设计在面对功用本身时，更加注重对于“形式美”的追求，而这对于传统工艺美术来讲，却是完全不同的另一种新解。传统工艺美术是建立在“致用”的目的上产生的，对于青铜器、陶器、玉器、丝绸制品等来讲，他们的“功用”大于“审美”；如一场大型人文展览的展厅设计，一次艺术品的拍卖展场设计，一个博物馆永恒主题的展示设计等，都将被观者要求达到“赏心悦目”，从而吸纳大批的参观者进行参观行为。那么，我们就可以说，现代展览展示设计的目的都应当是“审美”大于“功用”的，或者，我们还可以委婉的表达成为，作为现代展览展示设计来讲，都是“审美”偕同“功用”展示在观者面前的。这将是有异于传统工艺美术的极大的不同之处。按照什克洛夫斯基的看法，“艺术的目的不是提供认知的对象，而是提供感知的对象，是要恢复人们对事物的鲜活的审美感觉”。展览展示设计本身作为一件供观众欣赏的“艺术品”来讲，应当是提供给观者感知的对象，为观者提供可以感觉到美感的设计作品，那么从传统工艺美术的角度来看现代展览展示设计，我们将会发现，这将是现代展示设计对于传统工艺美术的异化体现。

四、展示：传统前提下如何适应世界

传统工艺美术对于现代展览展示设计作品的影响无处不在。然而，在保持完整“民族意识”的“中国化”的现代展览展示如何适应日新月异的社会、面对高速发展的现代化并走入全球化语境呢？这将是一个永恒的问题，笔者在欣赏现当代艺术作品之余，略加小议。我们可以清楚的在现当代艺术品中寻到线索。如1998年蔡国强展示在纽约当代美术馆的《草船借箭》，陈丹青曾经这样描述过他看见这件艺术品时的所见：“《草船借箭》的出现，使这件制于泉州的大装置显得触目而冥顽，浑身带着彻头彻尾的陌生感。它的材质全然是异国的：一架废弃的南中国木船，一簇簇仿制的古中国的箭，那么“土”，那么“草根”，与纽约无数装置的材质——金属、塑料、泥土、石块、垃圾、纺织物、电子废料、凝固的汁液、腐朽的生命物——大异其趣。

现在，犹如野蛮的闯入者，它被悬挂在纽约，像是一场被主动邀请的挑衅；而作者的思路，或者说，动机，尤其对西方主流艺术构成陌生感。”很清晰的，陈丹青点出了该件艺术品之所以成名的根本原因。我们可以清楚地看到，蔡国强的这件作品的材料与原始都是传统工艺美术中常见的元素，而他将这些元素重新组合于纽约当代美术馆，则赋予了他另一番新意。这新意无疑是成功的，而他他之所以成功，也正如同陈丹青所说的那样，“对西方主流艺术构成陌生感”，从而汲取不同于这个国度感觉的另一种眼光，满足了他们对于这个遥远国度的异域风情的无线猜测。

美术展览设计范文第4篇

1 美术馆展厅空间环境艺术构成与氛围营造

室内空间设计是一个从整体到局部，再从局部到细部的推敲与完善的过程。展厅内部空间的设计既是固定的又是变化的，通过采用多种因素对空间进行调整，能使同一空间产生不同的视觉效果，给人们带来不一样的视觉感受和心理变化。

美术馆内展厅空间环境艺术一般都注重经济、简约、地域性的设计策略，装饰风格以简约、大气为主，选用的装饰材料、后期饰品以及展示灯具等都应注重统一性。点、线、面是构成空间的基本要素，在美术馆展厅空间中，展品、展台、橱柜等我们可以看作是构成中的点元素；人们在其中的参观轨迹，便是线元素；整体区域的划分，即是面的完美组合。美术馆展厅空间在这三种基本元素的协调下，构成了和谐、统一和个性化的空间体系。

展厅空间环境艺术不仅能够给人们带来视觉上的美感，更给予人美的情感体验。艺术心理学认为艺术是直接表述人的以美感体验为核心的情感体验，如何营造满足人们欣赏的空间氛围是展览空间结构设计的关键要素，首先要形成一种心理感受的展示空间，它将会是以视觉为主，同时伴随着听觉、嗅觉和触觉。其次要考虑展览的内容，包括展品种类，另外还有个人意愿等都要做全面的思考、努力。美术馆展厅的主要功能就是利用外部因素充分展示出每一件作品的闪光点，从而引起参观者的共鸣。

2 美术馆展厅空间色彩和灯光效果与氛围营造

（1）色彩是室内空间设计的灵魂，美术馆展厅的色彩对内部设计空间感、舒适度、环境气氛、使用率，对人的生理和心理均有很大的影响。了解和熟悉色彩的明度、纯度、和色相给人产生的情绪反应，能创造出预期想要的空间效果，将会达到出其不意的效果。不同民族、不同文化、欣赏习惯的差异，都能直接影响现代人对色彩的心理作用。因此，在准确把握色彩个性情感与展示表达内容一致的前提下，应密切关注人们的色彩喜好和审美习惯，从而正确运用色彩的特性。例如，美术馆展厅某个区域展现的是以历史为主调的陈列作品，人们对“历史”这一概念的习惯性理解是陈旧的、过去的事物，色彩多以低纯度，弱对比色调表现历史的源远流长、博大精深和陈旧感。这种整体色调一般以低浓度黄色系为主，可以使人们在观赏的过程中产生平和的心态，稳定的情绪，能更轻松地融入整个空间氛围之中。美术馆展厅的整体色彩与展品是协调一致的，不同的展示分类搭配不同的颜色，这样的色彩设计方法不仅对展厅空间起到明显的视觉划分作用，更重要的是能充分彰显出艺术作品的创造价值和个性化。展厅中墙面色彩的细腻淡雅与光彩夺目的展览品共同融入整个温馨舒适的空间氛围中，参观者不会轻易产生视觉疲劳，反而会与艺术品之间的对话产生更高的意境。

（2）美术馆展厅空间内的灯光效果大多“柔和”为线索贯穿始终，空间内独特的灯光效果能够渲染出精神与气韵相融合的时空氛围。温暖柔和的光线会起到减少浮躁、喧哗，给人带来恬淡静谧的效果，大都采用明亮而不刺眼的暗黄色灯光。在展厅空间顶部安装有规律的灯光，一般均匀地照在地面和板面上，主要是为了使参观者能更加清楚地看到展览作品的说明与介绍。在这种具有创意的灯光效果下，作品的整体感会带给观众比较舒服的视觉感受。灯光的渲染会带给人们不一样的情感体验，在艺术展览空间中如果灯光照明运用恰当得体，展厅内定会别有一番风趣。

（3）色彩与灯光在高校美术馆的展厅空间中是相辅相成的，在艺术展览空间内色彩设计占有十分重要的位置。优秀的色彩设计搭配上合理而又完美的灯光的点缀，会对展厅产生一种特殊的空间效果。灯光与色彩相呼应，会给展厅蒙上一层迷人的神韵。此外，灯光与色彩的调节作用也是十分明显的，主要包括对展厅空间感和温度感的调节，它能调节空间感的远近和大小，调节环境中的冷暖气氛，能强化和统一空间整体色调使每一件作品都呈现出完美的效果。

3 高校美术馆展厅空间内作品展览陈列形式与氛围营造

高校美术馆展厅内的作品陈列形式是展示设计的一部分，它具有独特的文化内涵和艺术底蕴。展示道具是作品陈列展览过程中必不可少的，针对作品本身的种类和特性来一一对应所要使用的展示道具。展示道具的设计当然也必须符合展品的造型和形态，这样才能生动的烘托艺术品让参观者的审美眼光有所变化。例如，多层结构的玻璃展柜，不仅能给展厅带来通透的视觉效果，而且还方便参观者能从多角度观摩展品。还有常用的多层展台，可使相对于小型的艺术作品尽显层次，与此同时展厅空间内也将会产生高低错落形式的变化，带来一种奇妙的视觉起伏韵律感。作品展览陈列的每一个细节都有可能会引起参观者的注意和思考。展厅内展览作品的陈列形式要与整个空间氛围融为一体，这样才能更好地激发观赏者的艺术灵感。

4 高校美术馆展厅空间内人性化设计与氛围营造

美术展览设计范文第5篇

关键词：美术　单元教学　地方资源　展览

当同学们伫立在一幅幅美术作品前，面对那一双双渴望的眼神，我们在尽可能讲授一些基本知识以外，更需要鼓励同学们充分发挥自己想象的主观能动性，努力引导并带领同学们积极拓展美术实践活动的有效空间。

实践一：以“主题性单元教学”的方式促进某一教学项目的整体开发、设计，充

分体现区域特色课程的优势，有利于培养学生的研究、思考、创造和解决问题的意识，从而发挥教学的整体优势

早在1931年，美国芝加哥大学的莫里逊就创导了著名的“莫里逊单元教学法”，得到迅速推广，并发展成为多种不同的单元教学法。

我国目前课程改革和发展的方向是积极建设国家课程、地方课程和学校课程三位一体的课程体系，强调发展地方课程和学校课程是形成具有地方特色美术教学的重要途径，强调教师对教学内容的选择和开发并形成具有自己特色的教学风格。采用“主题性单元教学”的方式，可以通过几个课时共同完成一个教学主题。这种教学方法既能够适用地方主题性课程的开发，又便于体现灵活多样的技能训练过程。

比如，我们可以利用地方特有的资源来组织教学，如乡村的麦秆、黏土、谷类、果壳、竹木等，海边的贝壳、卵石等，城市里的易拉罐、各种包装盒、装饰材料的边角料等等。WWW.133229.coM

学生作业能够在原有基础上进一步美化和装饰，提高作业的品位。某一日本学者说：“学生的作业不是垃圾！”说的是要珍视学生的作业，美术教育就应该设法让学生的作业更美，有更高的品位，使学生从中体验到成功的喜悦，这不仅能增强学生对美术的兴趣，同时使学生充满自信，而这一切都是学习的强大动力。

为了引起学生的学习兴趣、提高学习效率，各地学校纷纷研究开发综合课程，而美术作为一种表达语言是最能与各学科有机结合的。我们的做法是将寓言、童话、历史故事改编成课本剧，让学生设计、制作木偶或面具，以及相应的服装、道具、舞台进行表演；将物理、数学知识制作有创意的文体造型或运用于室内设计、产品造型设计之中……

结合团队活动组织学生对地方传统文化进行调查，然后组织教学。比如，我们在教学实践中结合剪纸、刺绣、蜡染等教学内容让学生调查身边擅长此类艺术的艺人，请他们讲述这一艺术的传说、历史、特点、方法，收集相应的资料，然后回来创作；我们还组织学生调查社区（乡村）的历史和变化，让学生结合社区（乡村）的地形规划设计未来的社区（乡村），并分头设计制作各种建筑模型，然后将全班的建筑模型结合绿化、休闲、文化、服务等功能的需求，以及地方文化特色组合成一个社区（乡村）整体的模型，最后可以此举办主题班会，届时可以请家长、社区里的人们一起参加，听学生们的想法，也听听大家的意见。

无论是乡村的麦秸秆、谷类、果壳，还是城市的易拉罐、包装盒、装饰材料的边角料，或者是民间传统的剪纸、刺绣、蜡染等，我们都可以根据自身条件选择其中的响应内容，采用“主题性单元教学”的方式，实现地方特色的课程开发，从而摸索出美术教学实践的有效途径。

我们在平时的作业展览时，展出的每一件美术作业旁都配上一本活页夹，其中存放着学生在完成这一作业时所做的文案。比如，中职学生服装设计的作业（在一个等人大的服装模特儿架上制作的以创意为目的的作业），在其文案中包括：服装设计知识，不同风格服装资料的收集（电脑打印、画报剪贴、手绘或复印）与说明，自己的服装设计稿（手绘、电脑绘画或实物拼贴）与设计意图，计划采用的材料（包括布料、线绳、纽扣、敷料以及废光盘、瓶盖等杂物），在制作时是否遇到困难，如何解决了这一问题，最终的作业效果（照片），作业的体会或小结等。可见，我们不仅要看重学生的学习结果——作业，更要看重学习过程——学习、计划、研究和思索、解决问题的过程。这样的过程我们是通过“主题性单元教学”的方式去实现的。

实践二：形式多样的美术作品展使学生视野开阔、激情倍增，同时也让校园文化更添风采

与教学结合紧密针对性较强的各种展览，可以使美术教学出奇制胜、别开生面。它有助于增强学生的参与意识，提高学生的欣赏能力，并且能给学生创造学习美术的浓厚气氛，使其在自觉、主动和热情中学习。同时也为实现美术教学的新课程标准，激发学生的创新意识，带来意想不到的效果。我们的做法是：

学生阶段性作品（作业）汇报展。这种展览可不间断地举行，因为美术教学中阶段课是我们惯用的设课方法，也称强化训练。只要完成一个阶段课，接着就来一个学生作品（作业）汇报展，这样既可以鼓励先进的学生，也可促进后进的学生，也让所有来“读画”的观众评出优秀的作品编入画册，从而又提高了展览的品位，扩大了美术教学的影响面。

教师作品示范展。这种展览适宜安排在新学年之初，此时正值新生入校，豪情满怀。新的一天带给他们美好的开端，预示着今后的路将是什么样的一幅图画。教师的示范作品能够带给同学们美的享受，美的追求。同时，在技法表现上也能给以同学们一定的启发教育，为同学们在今后的美术绘画之路上注入新的活力。

分门别类专题展。这种展览一般适用于单元展、年级展、不同美术专业展、非美术专业兴趣特长展。比如：现代招贴画展、标志设计展、民间剪纸展、蜡染、扎染作品展、挂壁制作展等等。这种类型的展览，具有很好的可欣赏性，人人喜欢，大大提高了学生的动手能力，增强了学生的参与意识，成就感使学生对未来充满信心，从而激发更好的学习热情。

全校学年大型展。这种展览是指举行学期展、学年展、分届展等等，一般选择上述方法之一种。比如分届展，可以把某专业班级在校期间的学习内容通过毕业设计的形式作个总结，并评选出更优秀的作品。学校不仅要发给学生美术作品收藏证，还将被藏的优秀习作推荐参加全国、省、市级举办的学生技能制作、美术作品比赛，或推荐到有关报纸、杂志发表。

美术学习并不是简单的信息输入、存储和提取，而是新旧经验之间的双向作用的过程，这个过程需要不断实践才能完成。教学内容的设计，教学方法的实施，以及教学结果的评价，美术实践活动的开展，都应该围绕着服务于学生创造力的培养这一重要目标，因此每一个美术教师都要在“如何培养学生的创新能力”这个问题上下一番功夫，花一番脑筋，探索出适合学生发展的有效空间。