京剧艺术表演形式

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京剧艺术表演形式范文第1篇

 

关键词:京剧表演艺术程式美 唱念做打 京剧艺术 中华民族 表演形式 古典美 道德美

一、 京剧程式的特点 

京剧的程式作为一种具象 的规范 ．其形成有深刻的文化原因。它依从的是完整原则 ，从上到下，从左到右，从前到后等等 ，依据角色、行当的特点要求，进行规范、完整、细致、夸张、美感的系列舞台行动。黑格尔指出：“艺术理想的本质．就在 于使外在的现象符合心灵，成为心灵的表现”从“徽班进京”到“同光十三绝”．从“四大名旦”到“四大须生”．京剧发展到今天．凝结了无数艺术家的毕生心血．经过200多年的继承、发展，逐渐形成了观赏性、艺术性高度同一的京剧程式美京剧艺术非常重视外部形式上的表演 (即程式化 )。

强调唱念做打舞翻的基本功和表演技巧，强调形式美 。每一个动作都是 由手 、眼 、身 、发、步五体同步协作进行的。唱、念、做、打，各有各的程式 ，那么怎样把程式有机地连缀起来呢?这里就有一个起承转合的法则问题 ：比如动作的最小元素“山膀 ”．看着可能没有什 么．但是要达到形式美 ，就要有这样一个程序 ：欲左先右 ，从腰部启动 ，然后看手、眼随、上步、拉开、眼向前看、踏步、静心、亮相、睁眼、吸气、闭嘴、吸肚和挺腰这一 连串动作，并在 动作中，协调。达到浑然一体的视觉效果也就是说．从这样一个小的动作，也要体现出人物的气魄和矫健 。否则，如果是没有灵魂驱动的“山膀”．完全是一种形式主义的表现．观众就会感到你自己也不知所云。京剧重视外型的表现 ．但是必须是“使外在的现象符合心灵的表现” 例如武戏演员的“起霸”，就是一组程式动作的组合，在动作的组合顺序上几乎是一样的。在表演中，根据人物的不同特点 ．就要有不同的程式表现。比如要求《扈家庄》中扈三娘 的起霸要表现出人物的骄 、娇二气 ；要求《铁笼山》中姜维 的起霸要表现出人物的统帅气魄和智勇双全 ；《借东风》中赵云的起霸 ，因为是配演 ，虽然半个起霸 ．但是要表现出人物的八面威风而这些不同的人物个性就是要表现在基本相同的 ．经过千锤百炼的一举一动上．也就是说既要注意外型的塑造．又要使每一个动作表现出人物的潜台词。京剧艺 术的美是“美乃是灵魂 与 自然相一致所产生 的结果。”(现代美学家桑塔耶那语 ) 

二、 京剧程式的必要性 

京剧艺术的各个组合中。唱、念、做、打，都有自己的程式因为在京剧舞台上不允许有纯属自然形态的原貌 出现．一切生活的 自然形态．都须按照美的原则予以提炼、概括、夸张、美化。使之成为节奏鲜明、格律严整的技术格式即程式1．并在舞台上表现出来。京剧音乐中的板式、曲牌、锣鼓；念白中的韵白、京白，表演中的身段、手势、步法、工架，武打中的各种套路，以至喜怒哀乐 、哭笑惊 叹等感情的表现形式等等．无一不是生活中的语言 、声调、心理变化和形体动作的格律化．即程式化的表现。 其实 ．世界上各种艺术都与京剧一样存在着程式 ．没有程式就没有了艺术。程式就像我们写文章时的语汇 、词组和成语经过严格的语法规范连缀起来一样 ．比如中国画家在勾画山水花鸟时的勾勒、泼墨、积墨 、皴法 、烘托和用色的程序 ：芭蕾舞在表现各种情感时的大跳、托举、旋转、倒踢紫金冠；歌剧演员在抒感时的咏叹调 、宣叙调以及演 出过程 中的序曲、间奏曲、舞曲；电影在表现的特写、近景、中景、远景、蒙太奇、化入、化出和话外音等等一样 ，如果取消了这些程式，这些艺术也就不能存在了。取消了勾勒和没骨，还有国画吗?取消了足尖动作 ，还能叫芭蕾舞吗?取消了咏叹调还能叫歌剧吗?取消了蒙太奇和特写镜头，电影还能拍摄吗?取消了西皮二黄的种种板式，还能叫京剧吗?真可谓皮之不存．毛将焉附?可见，京剧 中的程式就像生物中的细胞．物体中的分子与粒子一样是无法分开的。

三、京剧艺术程式的继承与发展 

在如今的戏曲界 中．有些人就认为凡程式必然是陈规陋习，必然是条条框框 ，必然是对艺术改革的束缚。推崇程式 。就是反对改革创新 ，就是因循守旧 ．因此有些人以打破程式为时髦 ．以“取消程式”为炫耀 自己改革创新的资本 ：也有人墨守成规 ．认为老祖宗 留下的东西不能进行丝毫的改变 。否则就是背宗忘祖 ，糟蹋艺术。我认 为以上两种态度均走极端 ，有值得商榷之处 。艺术大师梅兰芳先生提出的“移步不换形”论 ．不仅是他 自己改革实践的总结。也是所有京剧艺术家成功改革实践的总结 “移步”就是改革，就是发展：“不换形”不是指表层的形态，而是指京剧的本质形态不能变 。移 步 是手段，不换形是目的，不移步就要僵化 、凝固、失去活力 ；换了形，京剧则不再是京剧。取消了京剧的程式 ，也就是取消了京剧艺术 。 

京剧艺术表演形式范文第2篇

一、京剧艺术启蒙教育能够提高幼儿的审美感知能力

在幼儿审美初始阶段，由于幼儿还没有形成成熟的审美意识，因而主要是以直观的形式来认识外界事物，幼儿通过嗅觉、听觉、视觉、触觉等感官共同协助，共同感知，积极参与，相互作用，达到“异质同构”。京剧艺术是一种高度综合性的艺术，它是唱、做、念、打的统一体，各类艺术活动的综合，正是调动了幼儿的听觉、视觉、嗅觉、触觉等各种感官整体地反应审美对象，为他们借助于通感形成审美意象提供渠道。

(一)京剧音乐启蒙教育能够促进幼儿听觉感知能力的发展

幼儿的思维主要是依赖于事物的具体形象、表象以及对表象的联想而进行的，学前儿童对音乐的感知也不可能摆脱其自身认知、思维发展的水平。因此学前儿童对音乐的感知体现出形象性、直观性和情感性。京剧的唱腔主要以著名的“西皮”和“二黄”两大声腔组成，即所谓的“皮黄腔”。在旋律发展中，西皮旋律色调明亮、华丽、尖锐，用平缓节奏处理时，多表现明快、抒情的喜剧情节和愉悦的人物情绪。用轻快或强劲节奏处理时，多表现热烈、激烈的戏剧场面和活泼、激动的人物情绪；二黄则旋律的色调暗淡、凝重、平静，节奏缓慢时，多用来表现压抑的悲剧情节和忧郁的人物情绪，节奏强劲时，多表现压抑、悲壮的戏剧场面和凄楚、悲愤的人物情绪。西皮唱腔总是给人以婉转流畅如行云流水之感，二黄唱腔总是给人以沉静、悲凉之感。当儿童听到西皮唱腔时，他能够产生兴奋、愉悦的情感，而二黄唱腔则让儿童安静。有了更多的思考。

(二)京剧美术启蒙教育能够促进幼儿视觉感知能力的发展

学前儿童的认知发展处手前运算阶段，他们的思维仍受具体直觉表象的束缚，难以从知觉中解放出来。因此在儿童审美初始阶段，对审美对象的形式感知比较突出，审美对象的外在形式成为儿童感知的首要刺激。京剧服装多使用绸缎精美制作，图案纹饰多以刺绣表现，色彩斑斓，华丽多彩，符合幼儿的审美偏爱。在京剧服装刺绣中大量运用金线、银线，如：《将相和》中的廉颇、《探阴山》中的包拯、《逍遥津》中的曹操等的服装都大量地使用金线刺绣；而《长坂坡》中的赵云、《群英会》中的诸葛亮、周瑜等的服装则是大量地使用银线进行刺绣。金银线刺绣的服装在舞台上的穿插使用，在由舞台灯光的照射下光彩夺目，极大地烘托出了炽熟的舞台气氛。京剧服装不论在构图、色彩、装饰等方面能够给幼儿带来强烈的视觉冲击力，提升幼儿的视觉感知能力。

京剧脸谱是以人的面部为载体的图案艺术，它是夸张的艺术，使用浓重、强烈的色彩，将人物的五官相貌加以夸张。有一首我们耳熟能详的歌唱道：“蓝脸的窦尔敦盗御马，红脸的关公战长沙，黄脸的典韦、白脸的曹操、黑脸的张飞叫喳喳……”。这些不同色彩塑造的脸谱能够产生强烈的审美效果。正是符合幼儿的审美偏爱，激发幼儿探索的兴趣。

(三)京剧表演启蒙教育能够促进幼儿形体感知能力的发展

形体动作是学前儿童表达和再现艺术活动的一种最直接最自然的手段，通过这些动作表演，幼儿能够对音乐的节奏做出反应，用动作来反应音乐的速度、力度的变化等，这对于发展幼儿动作的协调性具有重要的作用。同时，幼儿不仅通过听、看等途径感知京剧艺术，而且通过身体的动作来表达他们的情感体验。

“打”是京剧艺术的重要表现手段，是京剧艺术形体动作的重要组成部分。京剧里的武打实际上是“舞打”，是把武术动作加以提炼，化为节奏感很强的舞蹈动作，是传统武术的舞蹈化。虽然是表现紧张的搏斗、厮杀，但台上绝无血肉模糊的场面，无论是舞刀弄枪还是翻打扑跌，或动或静都给人以美感。表现两军混战的厮杀场面有一种动态美，一个锣鼓点便把混战结束，交战双方集体亮相，构成一个优美的群像造型，台上演员虽然姿势各不相同，却都像雕塑一样表现出静态美。这些或动或静的动作，让幼儿感知到人的形体展示出来的美，对幼儿学习舞蹈能够一个良好的作用。

二、京剧艺术启蒙教育能够发展幼儿的审美理解能力

幼儿对艺术品的理解主要体现在：对艺术形式结构模式及其情意表现性的理解，对题材内容的理解，对深层寓意或主题的理解。受其心理发展水平的影响，幼儿的审美理解往往是将他们获得的审美资料与他们个人以往的经验结合起来，通过想象而进行的理解。审美理解表现为较为浅显的理解。京剧艺术具有独特的艺术形式和深刻的文化内涵，它能够促进幼儿审美理解能力的发展。

学前儿童对艺术形式特征的把握，明显优于艺术欣赏中的理性表达。他们虽然不能为艺术作品进行风格方面的分类，但他们却不知不觉地受着作品形式审美属性和艺术风格的熏陶，并不知不觉地融进自己的艺术实践中。京剧中的象征意义可以使他们更轻易分辨角色的性格特征。京剧艺术对色彩的运用非常全面、大胆，也非常灵活。在京戏中，为使观众看清眉眼，化妆就注重粉墨，浓眉重目，深描眼帘，进而勾画、创造出脸谱。京剧脸谱那令人眼花缭乱的色彩表现不同人物的情感和寓意。红色，多用于忠勇正直的正面人物：紫色，多用于忠贞耿直或性格果断沉着的人物；黑色，有无私、勇敢、刚烈、鲁莽、憨直的寓意；白色，多用米刻画那些阴险、狡诈、飞扬跋扈的反面人物。幼儿在看戏时，只要看见何人着何色就大致知道舞台上人物形象的好坏。京剧艺术的完整而繁密的程式体系及象征的表现手法，能够帮助幼儿逐渐理解作品的虚构性、夸张性及其特性，培养儿童对艺术作品的表现手法的理解力。

审美理解是审美主体长期以生活和知识积累为基础形成的，儿童在生活中得到感受，在感受中获得对形象的理解，程式是中国戏曲艺术表演的重要手段，是生活动作的规范化，是把生活中的自然形态，按照美学原则加以提炼、概括、美化、夸张而形成的一套严格的技术格式。京剧的表演是高度程式性的，京剧中对种种生活情景的表现，都有特定的程式规范与之相对应。京剧的程式具有极丰富的表现力，不仅表现一般的生活现象，如吃饭、喝酒、睡觉、走路、看书、写字、关门、开门、喜、怒、哀、乐等，也能表现复杂的生活现象，如男女婚姻、悲欢离合、一桩公案等等，几乎生活中的一切现象都能用程式恰当的表现出来。只有理解了这程式技法才能看得 懂京剧。这些程式贴近幼儿的生活，便于幼儿理解，容易激发幼儿的兴趣，促进幼儿对艺术作品的技巧的理解。

三、京剧艺术启蒙教育能培养幼儿的审美创造能力

审美创造能力指的是审美主体在感受美、鉴别美和欣赏美的基础上，进一步通过自己的实践活动“按照美的规律”直接创造出美的事物的能力。审美创造能力可以表现为创造性想象的能力和创造性表达的能力。京剧艺术具有虚拟性及动态性，京剧艺术启蒙教育能够给幼儿提供充分的想象自由，幼儿可以藉此将头脑中的原有的记忆表象和想象表象组织起来，从而进行再创造。

(一)促进幼儿创造性想象能力的发展

儿童具有表现形象的潜在能力，受他们认知能力的制约，他们的认识总是不完整，常常会把局部的、不同特征的属性的事物杂乱地融合在一起，组成新的非现实的形象。他们依靠直觉行动、虚幻的感觉表现生命形式。儿童可以通过想象将风马牛不相及的事物组合在一个空间中，他们习惯于接受想象、夸张、拟人等手法表现的艺术作品。研究表明，婴幼儿已经蕴藏着创新潜力，但是这种创新潜力具有稳定性差，可塑性强等特点。因此利用他们的可塑性，引发他们的创造性想象的发展，是早期审美教育的首要任务。

京剧的虚拟性是一种写意的艺术观，对于整个剧种和某一出戏的整体来说都具有全方位的意义，在京剧舞台上对于时间、空间的处理都是虚拟的，对于人造环境、自然环境的表现也是虚拟的，对于人物的外形与言行的刻画是虚拟的，对于人物精神气质的刻画也是虚拟的。例如表现涉水行船，台上并没有船，也没有水，完全靠演员手中执一支木船桨来表示，给人以人在舟中的感觉；表现骑马，台上并没有马，演员手中执一根马鞭，左腿微抬，右腿轻跨，马鞭一举就表示已经在骑马了；用唢呐模拟鸟鸣、马嘶声、娃娃哭声；用锣鼓表示风声、雨声、水声等；用四个龙套代表千军万马；用四员大将“起霸”的舞蹈动作代表武将出征前整盔束甲，准备厮杀的宏大场面等等，京剧舞台上这些虚拟的表现手法能给幼儿以充分的想象，他们可以根据简单的动作、布景道具等展开自己的想象，将他们的所知觉和理解的内容融合在一起。为最终孕育出美的形象奠定基础。

(二)促进幼儿创造性表达能力的发展

审美教育不只是培养人静观美、欣赏美的能力，更重要的是提高人的审美创造力。对幼儿来说，在感受作品的基本情绪的基础上，应大胆、积极地用多种手法表现自己的感受。学前儿童在审美表达过程中，有时并不按照预想和计划来进行，而是依据自己构思与表达过程中出现的问题不断进行调整，以至于最后形成各种不同的表达形式。

京剧艺术表演形式范文第3篇

【关键词】现代京剧；传统京剧；舞台表演

中图分类号：J80 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）12-0051-01

一、现代京剧与传统京剧

传统京剧又称平剧，是中国影响最大的戏曲剧种之一。徽剧是京剧的前身，京剧产生于清朝乾隆年间，是根据徽、汉戏班的二黄腔、西皮腔等不同的部分剧目、唱腔、曲调和表演方法，吸收了一些地方民间曲调而形成的一种新剧种。

现代京剧主要是指之后至今的所有反映人们现代生活的京剧。受现代观念的影响弘扬民主、自由、平等的生活。

二、分析传统京剧与现代京剧的舞台表演

舞台表演是视觉、听觉、时间、空间四位一体的一门综合艺术①。戏剧是由演员扮演角色在舞台上当众表演故事的一种综合艺术。演员通过京剧所具独特艺术表现形式：唱、念、做、打推动整个剧情的发展，对京剧作品进行演绎。对舞台装饰、布置、服装等不做过多的要求。

（一）《贵妃醉酒》唱段的舞台表演

1.演员的心理活动。作品《贵妃醉酒》主要描写的是唐玄宗驾转西宫梅妃处，杨贵妃闷闷不乐，独饮闷酒，不觉沉醉，自怨自艾，悻悻回宫的一段剧情。因此作品中杨贵妃的心理活动应该是由期盼唐玄宗的到来到失望，最后自饮自酌喝醉怨恨的复杂心情。

2.形体表演是京剧艺术表演的重要组成部分。京剧形体表演的基础：手、眼、身、法、步。又称“五法”。①京剧演员的每一个姿势、步法都有严格的规定。剧中，杨玉环的饮酒从掩袖而饮到随意而饮，梅兰芳以外形动作的变化来表现这个失宠贵妃的心理变化过程。繁重的舞蹈举重若轻，像衔杯、卧鱼、醉步、扇舞等身段难度甚高，演来舒展自然，流贯着美的线条和韵律。

3.声腔的特点。《贵妃醉酒》的声腔运用的是传统声腔体系――四平调。杨贵妃一角唱腔醇厚流利、嗓音高宽清凉、圆润甜脆、音色饱满、情感表达含蓄丰富。

4.京剧伴奏乐器分管弦乐与打击乐。其中，打击乐是京剧伴奏乐器中的灵魂。京剧的打击乐器有大锣、单皮鼓、板、钹、铙等，称为“武场”；管弦乐器有京二胡、京胡、三弦、月琴，称为“文场”。

5.舞台布置及演出角色的舞台服装、饰品等等。随着时代的发展，观众要求外在舞台装饰、角色服装、饰品的搭配既要符合剧情、又要美观大方。传统京剧《贵妃醉酒》中的场景布置、演员服饰等都较为传统。宫廷的道具、传统的桌椅摆设与其他京剧中的一样，没有其自身独特性。

（二）《智斗》唱段的舞台表演

1.演员的心理活动。《智斗》是京剧《沙家浜》中较为经典的唱段。剧中阿庆嫂以她朴实的本色语言，以及形象生动的比喻，表现了她的革命胆略与融入当地环境的生活情趣。和谐自然，贴切生动；锋芒内含，一语双关。既合乎一位见惯世面、混迹江湖的春来茶馆老板娘的身份，又流露出一位肩负重任、坚忍不拔的革命者的凛然正气。

2.作品的文学性。（1）京剧唱词的艺术文学性。京剧冠为国粹，闻名世界。然而，传统京剧场次庸俗，不重视唱词的艺术文学性。现代京剧《沙家浜》，唱词优美，曲尽人情。在文学性方面，具有很高的审美价值。（2）唱词风格。在京剧《沙家浜》中，编写唱词的风格上，力求把传统的戏曲形式与现代的思想和审美观结合起来，并致力于戏曲剧本的“可读性”。在《斗智》一场，阿庆嫂那段精彩纷呈的唱词，字字珠玑，可点可圈。它散发出的浓烈泥土气息，显示了来自民间的乡土文学的醇厚与机趣。（3）声腔特点。京剧起源自秦腔、徽戏与汉调，其实也是地方戏曲的一种变种。以“俗文化”的形式，创作出具有很高文学性的优美唱词。

3.在服装道具等方面。现代京剧《沙家浜》发生于时期，因此剧中人物阿庆嫂、刁德一、胡传魁等任人物在服装、道具等方面全都是以当时普通妇女、伪军等真实形象塑造出来的，相对具有艺术性。

三、传统京剧与现代京剧是传承的关系

现代京剧在唱腔、板式上有所发展。吸收了交响乐等音乐元素对剧情的渲染是传统京剧难以达到的。现代京剧的唱词为了适应广大听众全部用普通话演唱。在服饰、舞台布景等方面取消了传统京剧的行头，布景丰富了，道具丰富了，程式化没了，不分演唱流派。另外，现代京剧和传统京剧还可以从内容上进行区分，传统京剧多表现历史题材，如《贵妃醉酒》，而现代京《喾从诚质堤獠模如革命现代京剧《沙家浜》等等。

注释：

①王晓光.论歌唱的舞台表演[J].东北师范大学，2009.

参考文献：

[1]梁伯龙，李月.戏剧表演艺术[M].高等教育出版社，2004.

[2]上海戏剧学院《戏剧艺术》编辑部.舞台表演艺术论[M].华东师范大学出版社，1981.

京剧艺术表演形式范文第4篇

关键词：京剧；国粹；多媒体；人类非物质文化遗产代表作

2010年11月16日联合国教科文组织保护非物质文化遗产政府间委员会第五次会议，审议通过中国申报项目《京剧》，将其列入人类非物质文化遗产代表作名录。这是继昆曲之后对中华文化和中国非物质文化遗产保护工作的又一认可。

京剧是二百多年前汉剧与徽剧“两下锅”的产物。从清乾隆年间四大徽班进京演出，至嘉庆年间汉戏来京，四大徽班与汉剧艺人“两下锅”共同演出，在相互融合中，又从昆曲、梆子腔等剧种中不断吸取营养，渐渐成为了一个新的剧种——京剧。1840年后京剧正式形成于北京，不仅成为京城戏曲舞台的主流，而且开始向全国传播，现在它仍是具有全国影响的大剧种。

京剧兴盛于上个世纪二三十年代，在中国戏曲的三百多个剧种里，京剧虽然诞生很晚，却后来居上，荣登“国剧”的宝座，与中医、国画并列为中国的三大国粹。剧目之丰富、表演艺术家之多、剧团之多、观众之多、影响之广泛，都居中国之首。由于诸多的原因，当代京剧的发展却面临着困境。1.剧团负担重，生存艰难；2.人才流失、断层现象严重；3.耗资巨大，动辄上百万，很多剧场演不了；4.戏曲创作与演出市场严重脱节，获奖剧目得不到普及推广；5.电视及多元艺术的冲击。

2008年国家教育部规定京剧进入小学课堂。将京剧纳入学校教育非常必要，这是传承京剧的重要举措和良好开端。但学生没有基础，只靠学唱几个名家名段和传统的课堂教学模式，让学生较完整地接受京剧知识比较困难。作为一名戏曲鉴赏课的教师，我颇感责任重大，思考怎样使京剧在课堂中渗透给学生，和世界同步达到保护与传承的作用。

一、京剧在课堂教学中存在的困难

由于京剧是中国古老的传统戏剧形式，学生对京剧知识的理解相对缺乏，很多学生对京剧的了解只是通过电视剧知道京剧大师梅兰芳而已。在艺术多元化的今天，学生觉得京剧距离我们越来越远。1.念白、唱腔听不懂；2.程式化的表演看不懂；3.传统剧目内容不懂；4.行头繁杂读不懂；5.角色行当搞不懂。这样学生就有陌生感、距离感。虽然在教学规定的唱段当中，有不少是现代京剧，样板戏虽然易学易唱，但也不如流行歌曲上口。而且京剧是一门综合艺术，光从简单的学唱入手是不够的，唱念做打是京剧艺术的核心。

二、入门要了解京剧的行当，

京剧是程式化艺术，表演、剧本、行当、音乐、化妆、服饰等方面，都有规范性的程式。尤其是角色行当是中国戏曲特有的表演体制。行当作为戏曲中的人物，最终形成生、旦、净、丑四大行当。每个行当都有若干分支，分支以下又有细目，各有其固定的程式和表演特色。行当是根据人物的性别、年龄、身份、地位、性格、气质等自然属性和社会属性来划分的。

要想看懂京剧，首先要使学生能够分辨各个行当中的人物，人物之间的关系搞清楚了，自然也就看懂了内容，继而喜爱京剧。教师应把京剧中各类典型人物的图片打在多媒体课件上，结合特点来逐一介绍，并且讲到每个行当，都要放一段有关的视频资料，加深印象。再把现代京剧和传统京剧结合起来介绍，对比、分辨、判断、赏析巩固记忆。

三、识脸谱辨忠奸美丑

脸谱是京剧表演艺术中的有机组成部分，它是最具有民族特色的化妆艺术，有着独立的欣赏价值和审美意义。每个历史人物或某一种类型的人物都有一种大概的谱式，形象的善恶美丑一目了然。故此，我们从这里入手，给学生放《唱脸谱》，杭天琪的独唱与合唱分别播放，不同声部的音响对比更能加深记忆，同时放映生动的京剧脸谱。例如，将白脸曹操的奸诈、红脸关羽的忠义等京剧脸谱呈现在大屏幕上。多媒体教学技术与流行音乐有机整合，充分优化了教学情境，适应学生的心理特点，艺术的娱乐功能对学生具有强烈的吸引力，更能激发他们在学习中的热情，引发他们的好奇与联想，使其产生浓厚的学习兴趣及强烈的求知欲，从而调动起学习的积极性。

四、利用多媒体了解现代京剧的虚拟特点

我们要了解京剧课堂教学中面临的困难并充分认识多媒体教学技术在戏曲教学中的重要性。例如，将多媒体教学技术运用到京剧课堂教学中来，通过图像、音频、动画等形式将《智取威虎山》人物形象和故事情节产生的背景展示出来。用多媒体技术将整个故事背景设计组合，直观地塑造出“杨子荣”的英雄形象，了解在时期，为了今天的幸福生活而牺牲的先烈，在欣赏中渗透爱国主义教育。因此，熟练应用多媒体教学技术于京剧课堂教学中，可以让学生直观地认知戏曲人物形象。使学生增加趣味性。播放第三场《打虎上山》的片段，穿林海、跨雪原的虚拟意境，取其意而弃其形，制造弹性的时空，让有限的艺术表演展现无限的生活内容，虚拟的表演使其艺术呈现更加简约和便捷。不求形似，力求神似，京剧不是写实的真，而是艺术的真，程式化的表演法比生活的真更深切。

五、今昔“男旦”对比，了解京剧艺术在时展中的变迁

京剧大师梅兰芳家喻户晓，他出身梨园世家,60载演艺春秋，梅兰芳对旦角的唱腔、念白、舞蹈、音乐、服装、化妆等各个方面都形成了独特的艺术风格，位居四大名旦之首。这种男扮女装，阴阳反差，是时代的需要。因为京剧始创于封建社会，舞台上没有女性，因此，旦角都由男性承担，京剧大师梅兰芳为艺术做出巨大的牺牲，同时也做出了巨大的贡献。

而今天社会男女平等，可是，有些“伪娘”为了标新立异，需求刺激搞噱头，费尽心机男扮女装，到底是为了传承艺术，还是哗众取宠？事实告诉我们，梅兰芳是为了艺术牺牲，而“伪娘”是牺牲了艺术。从这个角度我们引导学生分辨良莠，净化心灵，有利于京剧沿着正确轨道发展。如用多媒体手段，把梅兰芳和“伪娘”的表演对比播放，和学生一道分析他们的唱腔、身段功架有何本质的不同，让学生知道京剧是综合性表演艺术，它集“唱念做打”于一体，通过程式化的表演手段，叙述故事，刻画人物。不仅要形似，更要神似，增强学生对京剧的认知和辨别能力，有利于国粹的保护与传承。

参考文献：

京剧艺术表演形式范文第5篇

关键词:声乐演员舞台形体表演声情并茂神形兼备

声乐演员在舞台上不仅要歌唱,同时又要进行“神形兼备”的舞台艺术表演。如果一个歌唱者站在舞台上从头到尾一动不动地只唱不做动作,这种演唱就显得呆板而缺乏生动感。而美好的歌声与“神形兼备”的舞台艺术表演相结合,就能使歌声更加传神,使表演更加形象化。这是歌声与形象完美统一的结果。

我国京剧,经历了一两百年的发展,形成了许多传统的有着程式化的舞台艺术表演方法,概括为“四功”(唱、念、做、打)“五法”(手、眼、身、步、口)。著名京剧艺术家侯喜瑞说:“‘做’就是说以表演为主。‘表演’不论是哭、笑、惊、喜……都得通过手、眼、身、步、口五法。”侯老先生的话中,我们可以看出,凡属声乐舞台表演艺术总是将演唱与“神形兼备”的表演密切地结合在一起。演唱者的责任是不仅自己具有美妙的情绪感觉,而且更重要的是让大众也具有相同的感觉。因此,声乐演员也有必要研究一下舞台艺术表演方面的问题。

一、手势是感情的“无声的语言”

声乐演员站在舞台上演唱,自然离不开手势的表演。因为手势是人类的一种“无声的语言”,它不仅能帮助情感表达渲染气势,而且能够为形体造型。唱戏有唱戏的“架势”,唱歌要不要“架势”呢?应该说又要又不要。声乐演员站在舞台上必须有一种控制力,并且要按歌唱的正确姿势来进行歌唱艺术的表演,因此是需要有一定的“架势”的,但这种“架势”要摆得恰到好处。在歌唱艺术的表演中,应该以歌唱为主,手势动作为辅,不可喧宾夺主,分散观众的注意力。手势动作应该是千姿百态的,根据歌曲的内容需要,灵活自如地做一些手势表演。大体可归纳为“引”“定”“开”“合”“托”“错”几种手势。声乐演员在演唱时手势不能太多,双手动作要求自然、协调,做到随情而动,把手势动作放在有意无意之间。如果为了做动作去故意摆弄手势,动作就显得生硬、做作,失去了手势辅助表演的意义。要把手势动作作为表现感情的一部分,形成辅助歌唱的“无声的语言”,使歌声、手势与感情完全融会在一起。

二、眼睛是心灵的窗户

眼睛是心灵的窗户,人的各种复杂的乃至细微的感情,均能通过眼睛表达出来。不同的眼光、眼神,反映着不同的心态与感情。京剧大师侯喜瑞老先生对舞台表演中眼睛的表现方法有着很精辟的论述:“‘眼是心中苗’虽然是句俗语,但可以说明眼睛对表演的重要性,因为人物的一切感情都要通过它看出来。所以说,手、步、身、口都对了,眼睛不精,不拢神,也没法抓住观众。”侯老先生论述京剧架子花的“眼法”,对于歌唱艺术表演有很重要的参考价值。声乐演员在舞台上表演,要懂得“眼法”的表现力。首先眼睛要有神,用眼神与观众交流,用眼光示意景物的高、低、远、近,用眼睛表达情感,总之,通过眼睛各种“眼法”表演,把歌唱活了,唱出“精、气、神”来,这样才能抓住观众,才能感人。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感,换言之,演唱者没有歌曲的情感审美感受,就不能表现美的感情,就没有艺术。“情之相通,美寓其中。”一首歌曲能否达到强烈的震撼人心的艺术效果,当然原因是多方面的,但演唱者是否能准确、深刻地揭示自己的真实情感,可以说是“美寓其中”的基本条件之一。演唱者既要传达感情,又要使别人得到美的感受,这就要求演唱者本人首先被作品中美的情感所震动,要有一种把自己美的情感非表达出来不可的强烈愿望,这样的演唱才能具有美的感染力。

三、面部表情要有“春、夏、秋、冬”之分

古人曰:“凡人声音不等,各有所长。”我国古代卓越的音乐家、诗人和思想家嵇康,在他的《声无哀乐论》中说:“夫喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧凡此八者,生民所以接物传情,区别有属、而不可溢者也。”(今译:“大凡喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧这八种情绪,是人们用以接触事物传达感情、区别对待各种属类而不可能溢出范围的呀。”)人的种种感情在产生时都会在面部有所表现,这就是表情。情生于内而表于外。感情与表情直接相关,真实的感情和表情的表现是统一的;虚假的感情则表里不一,“皮笑肉不笑”。人的感情不同,体现在面部的表情也应该是各不相同。声乐演员在舞台上表达歌曲中的感情,一定要从面部表情上有所体现,要敢“做戏”、敢表演,是什么感情就要有什么感情,感情不同表情不同,使面部表情有“春、夏、秋、冬”之分。一首好歌得以流传,大都首先激起歌唱者的心弦共鸣,这种共鸣的获得,并不是靠流畅的旋律和华丽的词藻,而是靠真实的情感和对生活的共同体会,演唱者在舞台上的表演就是演唱者的再创作。例如《大森林的早晨》,当演唱这首歌曲时,眼前就要立刻出现晨雾、青山、流水、树木、鲜花、飞鸟等一幅有动有静色彩明丽、像诗一样清新优美的画面。各种表象同样都会清楚地呈现在眼前。声乐演员在舞台上面部表情的表演,要掌握贴切、真实、自然的要领,切不可矫揉造作。要贴切,就要表里如一。因此,根据歌曲内容表达的需要来训练自己的表情是歌唱演员的基本功之一。

四、形体表演落落大方,准确塑造人物形象

声乐演员站在舞台上,一定要使人感觉这个演员落落大方、精气十足,毫无拘谨之感。当然,形体表演再带上“戏”,就更有艺术魅力了。声乐演员绝不能把生活中那种懒懒散散、随随便便的作风带到舞台上,要时刻注意自己的形体动作表演和感情表达、塑造人物形象的密切关系,努力使自己的舞台艺术表演达到“神形兼备”的境界。声乐演员一出场首先要“抖擞精神”。人有了“精、气、神”,一上场的“台步”和“身段”就透着一种振奋的感觉。有了“精、气、神”,神经系统就能协调全身松与紧的控制力和“台步”的节奏,使观众马上产生这样的想法:“这个男演员真潇洒、英俊!”“这个女演员真漂亮!”声乐演员就是艺术的表现者,一举手、一投足都要体现艺术的风度,就应该让观众感觉到艺术的美!

由于歌剧演员舞台形体表演分量较重,为了能塑造有个性、有血肉、活生生的人物形象,就应该懂得并掌握按角色人物的不同特征,形象、生动、准确、自然地进行形体表演塑造形象的技巧。所有表演艺术包括声乐在内,都是以生活为依据的,声乐表演形式无论是独唱、合唱、歌剧、音乐剧,它们的感情呈现方式都是以激放、内省、缓急来表达。对独唱演员来说,在演唱歌剧咏叹调时也同样要注意如何塑造人物形象,要根据人物的身世、遭遇去塑造人物形象,而不能按固定的模式去表演,演员必须具有表演的才能和扎扎实实的表演功底才能演活演像角色。

人类社会就是由各行各业不同职务、不同地位的人组成。不同的职业、职务,不同的学识、修养,不同的经历、遭遇,形成了各自不同的身份特征。声乐演员需要经常注意仔细观察,去积累创造人物形象的模特素材。只有这样,才能将角色人物表演得惟妙惟肖,使自己达到忘我的程度,这才是表演艺术的最高境界。声乐演员只要在生活中留心对人进行细致的观察,随时都能得到观察的结果。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感。例如当演唱《英雄赞歌》时,要被战斗英雄所感动;当演唱《牧歌》时,要被美丽的草原的景色所陶醉;当演唱《十里风雪》时,首先要激起对黄世仁残暴行为的愤怒等。演唱者要使人受感动,首先自己先受感动;要使别人陶醉,首先自己先陶醉。要想获得预想的艺术效果,演唱者必须动用想象来塑造艺术形象。

总之,声乐演员在舞台上表演,必须具备神形兼备的舞台艺术表演,使表演更加形象化。作为歌剧演员,用恰如其分的演技和真实的感情,能将剧里的角色人物性格特征表演出来,才能算把角色演活了。声乐演员的高超技艺,必须以生活为依据,从芸芸众生中寻找创作的灵感。扮演角色不同,就要有不同的性格,成为个性很强的性格演员。这是声乐演员在表演上应该努力下功夫的课题。声乐演员上场演出,首先对观众要有一种热情服务的正确态度。同时,注意上场的动作要潇洒、自然,有适度感。因为,人的“第一印象”很重要。要想给观众留下美好的“第一印象”,声乐演员从一上场就要注意努力表现出良好的台风。让自己的演出有一个美好的开端。在演出的全过程中,从头到尾都应严格要求自己,树立良好的台风,全身心地投入到歌唱艺术的创造之中,去歌颂美、表现美,把美妙的歌唱艺术献给祖国和人民。

参考文献:

[1]邹长海著《声乐艺术心理学》,人民音乐出版社,2000年8月,第1版