音乐表演艺术研究
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音乐表演艺术研究范文第1篇
中图分类号：J624 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）26-0099-02
钢琴音乐演奏是美好而神圣的，能够在弹奏与教学中集观察、听觉、记忆、节奏感、表现力等演奏方法为一体的教学也是可行的。如同说话的同时伴有喜怒哀乐一样。因此在打基础阶段因材施教地根据学生的具体情况把表演艺术的弹奏方法分别指定在教学方案中，我认为对初学者是可行的，能发挥出学生想象力、理解力、创造力，并善于开发学习者用脑的潜能。
一、钢琴弹奏的基础知识和基本功训练
通常教师在讲授钢琴弹奏的基础知识的同时，会深入浅出地，形象化地讲解并示范给学生，然后会让学生用自己的理解力弹奏出来，看学生是否对老师的讲授的基本原理、要领、动作、含义能够充分理解并做到，要有所磨合，更重要的是双方的配合要默契，把弹奏正确的过程，通过反复的教学实践不断加深认识，从而达到教学要求。在这个过程中，让学生理解并做到是非常重要的。这样学生能按老师的要求，自己能正确地练习七天（一周）。
在练习的过程中基本功是非常重要的。要使学生在基本功上投入精力，使他们懂得，反复弹奏基本功的重要性，要重视基础知识和基本功训练。因为很多钢琴的音乐表现正是从音阶、琶音、和弦、哈农等练习中获得的。因此要获得在钢琴上潇洒地演奏的能力，就必须坚持严格的基本功训练。
（一）读谱
1、音乐基础理论知识。
音乐基础理论知识也就是乐理知识、和声、曲式等音乐学知识。在练习一首新的曲子时，首先要把乐谱中的这些音乐知识学会，如果是初学者（儿童或没学过的），教师会边教弹琴边教有关乐理知识，它们之间的内容是相关联的，对应的，然后留为作业，需要反复练习明白，理解。学习弹琴也是在复习乐理知识的过程。教师在讲授的过程中需要双方的头脑清晰、互动、配合，学生随着教师的思维前进，不断地在大脑中反应、理解，教师是根据学生接受和反应的能力伸缩自如，因材施教。让学生能够清楚记在头脑中，并触类旁通，举一反三。
2、读谱。
在和学生讲授乐曲时，首先要教授他们认真读谱。读谱能力的培养相当重要。乐谱上的每一个标记，都是作曲家们用来表现其音乐意图的，都是有意义的。谱面上有调号、节拍、节奏、音准、指法等，要逐一进行讲解与弹奏，然后再熟悉乐谱中标明的标题、速度、力度、表情记号等，可以把中文翻译写在谱面上，这可以让学生做为作业。在学习一首新曲时，解决读谱的问题要从头到尾一直贯穿其中的。在讲授示范的过程中，学生要单手弹奏练习，学生用听觉检查自己在弹奏中是否做到了这些要求，老师所教授的这些内容是逐步进行，循序渐进的，不要急于求成，养成耐心的习惯，不断提高读谱能力。只有正确的表现乐谱上的所有标记，才能深刻地领会作曲家所传达的乐思。
（二）听觉训练
在学生练习的过程中，要能正确地听自己的演奏。一般情况下能够依靠听觉辨认错音、节奏、音质及分句等，要有讲究、细致地处理音的时值、力度。对自己所弹奏的每一个音符都要认真听，感受。用这样的方式不断检验和控制自己的触键，以培养高度注意力的能力。只有这样才能很快认识到自己的不足而不断修正自己的演奏，进而得到提高，还有利于对所学的内容始终保持弹奏兴趣，而不会感到乏味。例如，在弹奏一首练习曲时，可以用以上的方法进行，坚持不懈。可以经常听CD，熟悉这些练习曲，了解每一首练习曲所要达到的目的。借助CD进行学习也是一种非常重要的学习方法，可以让学生了解和学习最为优秀的演奏水平，从而深入细致的练习。
通过这样“精雕细琢”的练习后，我们会慢慢认识这部音乐作品真正的内涵。慢慢会对乐谱了如指掌。之后可以背熟所弹奏的乐谱，最终充分理解作品完美地诠释作品。
（三）节奏
培养节奏感很重要。节奏是一门学问，节奏是一种有规律的运动，是音乐在时间上的组织。节奏的训练应该从初学开始培养，不能忽略。有很多孩子弹琴几乎都是节奏方面的问题，要不遗余力地教孩子们按节奏数拍子，直至他们能够很好的控制自己的节奏，然后再灵活处理速度以增强乐曲的效果。在进行这方面练习时，教师开始可以选择节奏简易的作品用作练习，之后再逐渐选择一些较难节奏的作品。学生应当在这方面刻苦练习，直至练到独立地掌握为止。还有时常提醒并教授孩子根据不同的时值进行节拍方面的换算。在练习时，教师要让孩子练习自己短促而大声地数节拍，通过严格的数拍方式来把握节奏，有必要时还要练习拍打节奏，拍出强拍或重音。做完这些练习后，要有节奏地弹奏很重要，把我们在练习中拍出的强拍与重音要在弹奏中一一做到。这样在演奏时，需要演奏者慢慢养成一种良好的节奏感，而这种节奏感是可以通过练习得到的。这一点不是我们想象中的容易，需要花费精力与时间练习。但如果一个孩子习惯于不按节奏演奏，那么往后这一错误会很难改正。如果不严格遵照节奏来表现一部音乐作品，这对每一位懂音乐的人或者是听众来说是无法忍受的。与演奏过程中的个别错音相比，错误的节奏更加使人无法容忍。因为音乐的灵魂是节奏，音乐的骨架是节奏，音乐美感的重要源泉也是节奏，节奏源于生活，如同一个人的生物钟，所以练好节奏至关重要。
（四）触键
一是用鲁宾斯坦（Artut Rubinstein）的话来说，要有“落地生根”的感觉。二是要求学生以柔和触觉，完美的奏出连音及连贯的音。避免生硬的击键，引导学生在钢琴上真正获得歌唱性的感受。
在进行连音触键练习。要全神贯注采用很慢的速度，每个音触键时都做好充分准备。同时仔细地检查各种动作是否到位。每个音的力度弹得均匀以及是否放松肌肉。教师自己对每一种触键方式都进行过尝试，可以示范一些对的和不对的触键给孩子们听，有对比才能弹出优美的声音，因材施教地教授给学生。
（五）放松
放松的问题，就是在练琴和弹奏中应随时放松肌肉，随时可以有意识地绷紧肌体，但更重要的是随时可使其放松。这是一种有意识的感觉，像一个人在行走时，手臂在身体两旁无意识的摆动一样，这时手臂的肌肉是完全处于放松的状态。弹琴时肩、臂、肘、腕是放松的，腕是平衡控制的作用。与键盘是基本保持平行，不能下压、不能僵硬、紧张，更不能颠，学会不借助任何外在条件去体会放松的感觉。
（六）动脑
第一，全神贯注地集中注意力地演奏会提高演奏技巧。第二，全神贯注地看谱，要准确，每个音的力度、指法、触键、时值等等以上论述的内容，不断地尽可能完美的演奏。这都需要并积极开动脑筋来实现，如在练习时不运用脑力劳动，这样做就是浪费时间。
还有就是控制手指的能力。可以练习哈农，练习时用非常慢的速度来演奏，可以用节拍器。练习时开始讲要注意每个音的力度，要达到练习所要达到的熟练程度，就要用我们的手指能够将每个音的力度和时值弹得尽可能完全相同。在动脑练习时，注意在慢练的基础上逐渐加快速度，直至正确地达到节拍标记的要求。在这些练习的过程中，要克服每一个细节所存在的不足，直到全部解决。在练习曲目时，应分段练习，每个细节都能够娴熟掌握再将其连成一体，就能清楚地了解作品的曲式结构并使音乐表现符合作品的内容。
（七）练习
指导学生每天用正确的方法练琴。在反复进行练习的过程中，需要单手分段，慢速练习。把乐句分段练习。练习时分成了若干片断，哪里不熟单独练习哪里，单独练熟后，再连起来弹一遍，分段练习的方法不仅不会影响学生乐感，还能用很少的时间掌握乐谱和技巧，并更好的表现整个乐句内容。在练习过程中，弹奏者会在头脑中对作品会慢慢联想出一幅画面，画面可因人而异。通过反复练习，画面会逐渐加深、清晰，最后会成为一幅完整的画面。
练习时持续集中注意力一段时间后大脑就会感到疲惫，再接着练没有什么意义，这样要注意休息，要使大脑彻底放松后，再开始练琴，每天这样反复几次，但一定要能保持注意力高度集中，持之以恒。
二、分析作品结构
我国著名钢琴教育家朱工一教授曾经说过：“精心研读乐谱是窥探作者内心奥秘的重要途径。”正确的掌握所弹奏的乐谱是弹好一首作品的基础，精心地研读乐谱能使我们深入地理解作曲家特有的音乐语言，从而对作品做到正确的解释。在弹奏各时期作曲家的作品时。第一，向学生简要介绍、讲解所要弹奏的作品的创作背景、创作心态及风格特点。选择具有代表作用的作品，让学生弹奏，使其体会和感受不同时期作品风格。第二，培养学生独立分析和处理乐曲的能力，课后让学生去读、了解有关音乐作品及作曲家所处时代的更多知识，结合实践，体会作品中的情感。鼓励学生积极思考提出自己的见解，促使他们不断提高。让其自己查找答案，养成通过自己努力获得资料的习惯。
三、在音乐表现方面
音乐表演艺术研究范文第2篇
【关键词】钢琴音乐；表演艺术；美学思考；情感
钢琴音乐表现作为一种重要的艺术形式，在很大程度上促进了我国音乐的发展和传承。从音乐史的角度来分析，钢琴音乐表演艺术经历了不同的发展阶段和演变阶段，并逐渐走向成熟。然而，从本质上来说，钢琴音乐表演艺术并未达到美学上的统一，其中的矛盾性也是显而易见的。只有从美学的角度来进行思考和研究，不断地提升钢琴音乐表演艺术的有效性，才能够从根本上加强钢琴音乐表演艺术效果，强化其美学本质特色。
一、关于钢琴音乐表现艺术创造本质的美学思考
（一）钢琴音乐表现艺术本身存在美学上的不足
目前钢琴音乐表现艺术本身存在美学上的不足，这在根本上降低了钢琴音乐表现艺术本身的审美性。在漫长的音乐发展过程中，诸多学者和专家重点对钢琴音乐表演艺术中的主体性进行研究，从而有效地揭示了创作主体和表演主体两者之间的互动性和渗透性。但是目前的钢琴音乐表演艺术还存在较多理论上的缺陷，传统的钢琴音乐表演艺术思想和美学观念依旧十分落后，不利于促进钢琴音乐表现艺术形式和内容的创新，对于音乐表现艺术的传承和发展不利。
（二）钢琴音乐表演艺术美学研究的着力点
对于钢琴音乐表演这种艺术形式来说，作品精神、表演主体、艺术形式等要素是息息相关、不可分割的要素。这些要素在很大程度上促进了钢琴音乐表演艺术本身审美要素的关联性，促进表演艺术本身的整体性。对于表演者来说，要想生动地诠释整部作品的情感特征和精神本质，就必须要实现自身心理与作品情感之间的互动性，以此来更加深入地把握作品的每一个细节，演绎出作品的本质内容。
（三）钢琴音乐表现艺术的核心及本质
钢琴音乐表现艺术作为一种非常重要的艺术流派，其发展过程中必须要遵守创造性、实践性的要求，从而从根本上提升钢琴音乐表现艺术的有效性。只有实现钢琴艺术表演者本身情感、心理、创造力、想象力等多种要素的统一，才能够有效确保创作主体和表演主体之间的关联性，从而从根本上推进钢琴音乐表演艺术的发展和传承，这对于钢琴音乐表演艺术本身的发展和进步有着无比重要的促进意义。
二、如何有强化钢琴音乐创作中心理位置的美学研究
（一）解读情感是凸显钢琴音乐美学特色的前提
有效解读钢琴音乐作品的情感，是凸显钢琴音乐美学特色的前提所在。要想从根本上提升钢琴音乐本身的感染力和艺术效果，就必须要不断地加强对于情感和精神核心的解读，从而有效地把握钢琴音乐艺术本身的美学特色，赋予钢琴艺术新的生命力。从本质上说，钢琴艺术是情感的流动、精神的传递、思想的整合和心灵的互动，只有提升钢琴音乐本身的情感表达，才能够加深其钢琴音乐的美学内涵。
（二）有效加强表演主体与创作主体之间的关联性
有效加强表演主体与创作主体之间的关联性和互动性，对于提升钢琴音乐创作艺术本身的美感具有重要的促进意义，对钢琴音乐艺术的发展也具有重要作用。在音乐的表达过程中，必须强调表演主体的技巧、思想、认知、修养等多方面的要素，从而更加深入地对其中的内容和情感进行解读和把握，不断地加强表演者与创作者之间的互动，更加深入地诠释音乐作品。
（三）强调演奏者在钢琴音乐表演艺术中的心理位置
不断强调演奏者在钢琴音乐表演艺术中的地位，用表演主体的音乐行为诠释创作者的心理活动和情感，对于提升钢琴音乐表演艺术的感染力和表达效果具有重要的促进意义。总而言之，要想从根本上提升钢琴表演艺术的美学特色和精神核心，就必须要不断强化钢琴音乐表演艺术在演奏者心里的位置，使得这两者能够形成良性的互动和关联，从本质上推动了钢琴音乐表演艺术的传承和发展。
三、结语
钢琴音乐表演艺术具有很强的音乐性和审美性，不断地从美学的角度对钢琴音乐表演艺术进行深入的分析和探究，能够把握钢琴音乐表演艺术的美学内涵和本质特色，从而提升钢琴音乐表演艺术的审美效果。注重表演者与创作者之间的互动性和关联性，把握情感要素在钢琴音乐表演艺术中的体现，这对于掌握钢琴艺术本身的规律性和动态平衡性有重要意义，有助于钢琴音乐表演艺术的传承。
参考文献：
[1]张蓓蓓.关于钢琴音乐表演艺术的几点美学思考[D].成都：四川师范大学，2013.
[2]田甜.关于钢琴音乐表演艺术的几点美学思考[J].黄河之声，2015,03:60-61.
[3]厉冰凌.关于钢琴音乐表演艺术的几点美学思考[J].北方音乐，2015,20:46-47.
音乐表演艺术研究范文第3篇
关键词：音乐创造 音乐表演艺术 创造性思维
中图分类号：J6046文献标识码：A文章编号：1009-5349（2017）03-0094-01
创造音乐表演艺术的过程是想象思维和逻辑思维互相渗透的过程，丰富的想象力是源于丰富的实际生活。在音乐表演艺术中，缺少了创新、创造性思维，就无法创造出优秀的音乐艺术作品，要想创造优秀的艺术作品，就需要注重培养学生的音乐表演艺术的创造性思维。[1]生活中需要好的、优秀的艺术品，然而艺术是源于生活，但却高于生活，所以艺术是不能脱离现实的生活世界的，但又不是一模一样的刻画，只有创造才有艺术，只有充分地发挥创造性思维，才有可能把音乐创造成音乐艺术。
一、音乐表演是一门创造性艺术
（一）需要拥有丰富的人生经历
在音乐创作中，需要创作者拥有丰富的人生经历，生活经验缺乏就会导致想象贫乏，只有有丰富生活经验，才会产生创造力和想象力，创造出优秀的艺术作品。根据创作者源于生活的经历，赋予作品现实意义与活力，让欣赏者产生共鸣，展现音乐表演艺术的意义。所以只有拥有丰富的生活实践，才会有不同的音乐实践，为音乐艺术打下坚实、良好的基础。
（二）需要拥有丰富的文化知识
在音乐表演艺术创造性思维中文化修养是重要的基础，只有创作者拥有丰富的文化知识，才有能力创建新的创作内容，创作优秀的艺术作品。如果其文化修养不够高，那么对于音乐作品的理解能力和想象能力都会存在差异，不能形成学生良好的人文素养。[2]所以学生在学习音乐过程中，要注重巩固自身的文化底蕴，只有根据自身的深厚文化基础，才有可能创作出优秀的音乐艺术作品。
二、培养音乐表演艺术的创新性思维
（一）根据自身的经验知识水平培养音乐表演艺术的创造性思维
在社会飞速发展过程中，国际化趋势越来越明显，教育模式也在不断发生变化。在音乐教学过程中，对于培养学生音乐表演艺术的创新性思维，教师也日趋重视，不仅仅是停留在原本的音乐教学过程中。在培养音乐表演艺术的创新性思维过程中，也需要根据学生本身的经验知识水平来培养和提升，如果学生对于自己所要创作的作品不了解，就缺少了真正的情感。只有真正全面了解作品，才有可能在音乐创作过程中展现自己真实的想法和情感。[3]例如，歌曲《为了谁》是基于1998年发生特大洪水抗洪战士用生命抵挡洪水为纪念和歌颂那些战士而创作的，歌曲的本身是有着重要意义的，但如果学生不了解音乐、事件的背景，在创作这首歌曲时也不会具有真正的情感，无法表达真正的含义。所以在培养学生创造性思维时，需要对学生的经验知识予以提升，
（二）以教师的正确引导培养学生音乐表演艺术的创造性思维
启发学生学会独立思考、培养独立创造的能力。创造性思维就是一个从无到有的过程，要想提升、培养学生音乐表演艺术的创造性思维，就先需要培养学生对于事物的发散性思维，并且有效地组织能提升和培养学生发散性思维的活动，提升学生的想象能力。在音乐表演艺术中，需要创造性思维，这是思维能力和动作技能结合的活动。比如在郭淑珍老师演唱的《黄河怨》中，声音是在弱和中弱之间，包括当中最高音的弱唱，这不仅仅需要技巧，更需要对作品的精神内涵有着深刻而独到的见解。所以@就要求教师要发现每个学生的特点，发挥每个学生的特长，尊重每个学生的个性，明确学生的主体地位，充分发挥学生的主观能动性，从而真正地培养学生音乐表演艺术的创造性思维。
（三）在创造性音乐活动中提升学生音乐表演艺术的创新性思维
在音乐学习过程中，读谱、理解作品，要让作品纳入学生的“心电图室”。先把作品融于学生的思维中，读懂音乐的语言，再让学生进行再造想象。[4]同时提升学生的各方面素质是必然条件，培养学生的创造性思维，最重要的是要让学生在实践中得到学习。教师可以鼓励学生多多参与创造性音乐活动，使学生敢于创新，在音乐表演艺术中产生积极的体验情绪，维持创新的热情。让学生在实践中学习、进步，通过不断体会，积累自己的经验，从而提升音乐表演艺术的创造性思维。
总而言之，教师教学过程中要把创造性思维潜移默化地融入音乐教学中，要让学生明白创造性，不是“教”会的，而是自己发现和开发出来的，让学生意识到这个问题，从而提高学生音乐表演艺术的水平。同时充分认识到自己的作用，扮演好自己的角色，选择好的教育方式，在实践中实施，开发学生音乐表演的创新性思维。
参考文献：
[1]薛瑞芝.现代音乐美学对音乐表演艺术的启示研究[J].音乐时空，2016（1）：102-103.
[2]王瑜.音乐表演艺术中的个性与共性研究[J].戏剧之家，2017（3）：68-69.
音乐表演艺术研究范文第4篇
关键词：钢琴艺术表演时代化个性化民族化
钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程，是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动：一是表演者把内心的精神转化为音乐，即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神，即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演，积极地影响和感染观众，帮助观众提高对音乐的鉴赏能力，调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展，对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步，以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展，还要考虑出新，结合不同层次群体的心理需要，从现代社会人们希望出现新事物的角度，以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求，真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。
一、个性化表演是钢琴表演艺术发展的基础
钢琴表演艺术据其特性及其作品的需要，表演者采用单独、侧面对观众的表演形式。这种传统的表演形式为表演者创造了一个对音乐更好地理解和阐释的艺术氛围，在突出表演者自我意识的同时，向观众传达对音乐的逻辑性和严谨性的理解；也正是这种传统的优秀的表演形式，我们才能欣赏到各种不同风格的表演。风格既表现于内容，又表现于形式，它是由内容和形式的统一所表现出来的总体的特色。对于一首作品，表演者根据自己想表达的思想内容，选择能够反映、表达自己心理的表演形式。不同的表演形式，也是表演者风格和修养的体现。例如演奏贝多芬的《热情》，表演者除了根据作品给予指定的表现形式进行表演创作外，施纳贝尔突出了严谨、理性的古典学风；李赫特尔感情激荡，气势恢宏，风格浪漫；鲁宾斯坦呈现了温文尔雅的气质；霍罗维茨则表现了炉火纯青的技术和强烈的个性；肯普夫表现出对作品的深刻理解和成熟的技巧。正是有了这些不同风格的创造，《热情》才会像钻石一样始终闪耀着夺目的光芒，产生了不同的审美价值。这对于有音乐素养的听众来说无疑是一种精神上的享受和心灵的慰藉。
在钢琴表演过程中，个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里，共性寓于个性之中。也就是说，表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础，但也有许多潜在的不定点和空白，给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段，创造另外的一种音乐审美效果，拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出：“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的，音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造，并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上，通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动，进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作，尽量完善音乐意境，表现音乐情感与内容，并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。
钢琴表演艺术随着社会的发展和需要更应突出个性化的艺术表演形式。任何艺术如果脱离了创新与发展，就会变得苍白无力，没有生命力和活力。这就对传统的钢琴表演形式有了更高的要求和迫切的需要，同时对表演者来说，除了要有深厚的文化底蕴外，还要有跟上时代的敏锐头脑，来丰富自己个性化的钢琴艺术表演过程。
二、时代化表演是推动钢琴表演艺术发展的因素
“美”产生于人——主体的愿望，而主体愿望的产生则源于他的“社会性”！[2]任何创作活动都有一定的社会性，同样，钢琴艺术的表演形式也不能脱离社会性而存在，它与时代的不断发展有着必然的联系。
钢琴表演艺术传统延续下来规范化的表演模式可以被真正有音乐修养的少数群体所接受，是“精英”“贵族”式的欣赏方式。时代的发展、社会的需要、网络传媒等现代交流手段方式的迅速发展与改变，使钢琴音乐面对的是更多、更为广泛的群体，钢琴表演艺术应从音乐表演多元化角度，积极探索如何在表演形式以及音乐表现上使广大观众更好地接受。这也是推广钢琴音乐、提高国民整体素质教育和音乐修养，使更多的人能够欣赏和享受音乐的“准精英”式钢琴音乐的推广方式。
钢琴表演艺术发展至今，由于现代社会文化、观众对象的不同，“阳春白雪”式的钢琴表演艺术在后现代文化的特征上应有所突出。由于“观看并不是一面一成不变的镜子，而是充满生气的理解力。”[3]所以根据观众理解的差异，对于作品的艺术表演再现做出的反映，有可能正确、有可能歪曲。当然真正的艺术是不能以大众的喜好和接受能力作为艺术的标准的，这违反了艺术的原则。正如戏剧界所认同的：“观众不一定都是对的，但无视观众的艺术家却永远是错的。”[4]为了让社会能够更为广泛地接受和认同严肃音乐，我们可以在钢琴音乐的表演过程中采取更容易被大众心理所接受的传媒方式和艺术表现手段。“人是精神和肉体的结合物，所以每遇到一种运动，不仅视之而已，同时还有意用我们自己的动作来表出它们。……”[5]所以表演者在钢琴表演过程中，由于从内心生发了音乐的感受并产生了肢体动作，从而更好地表达作品内容及抒发自我情感的手段，即表演形式。它是音乐表演的重要组成部分，是音乐作品和观众思想产生共鸣的必要手段。作为媒介，表演形式有着举足轻重的作用。它帮助表演者创造一种情景，通过观众的想象来产生感情。随着时代、网络、高科技的发展，观众对钢琴音乐特别是适合现代钢琴作品新的表现手段有着强烈的渴求和愿望，希望表演者具有时代感、与生活体验相接近的表演形式，表现与观众共有的对现代生活的体验与感受，从而感染观众，同时也给钢琴表演艺术注入新的血液和生命力，使钢琴表演艺术从不同角度更完美地获得其美学体验。这也是现阶段社会发展对钢琴表演艺术的迫切需要，也是钢琴音乐、钢琴教育和文化发展的一个重要的方向和目标。
三、民族化表演是钢琴表演艺术发展的灵魂
21世纪更是一个在不断发展中求生存的时代，音乐的审美价值趋向多元化、开放性，但总的文化精神是一脉相承的，体现着一种民族精神，闪耀着华夏祖先的文明和智慧。
李凌的美学思想认为，“所谓‘民族风格’，它包括了这个民族的思想、情感以及它要表现这些思想、情感所选取、缔造的音乐形式上的一切特色的总和。”[6]追求表演艺术的民族风格，应该成为钢琴表演艺术遵循的一个美学原则。中国第一位在国际上获得西洋音乐演奏奖的钢琴家傅聪，正是因在他的钢琴演奏中充满了中国灿烂文化的诗情画意般的境界，以及中西贯通的音乐表现力而享有“钢琴诗人”的美誉。他演奏的肖邦被认为“赋有肖邦的灵魂”。傅聪之所以对西洋音乐理解得深刻，“大半得力于他对中国古典文化的认识与体会”。因为“只有真正了解自己的民族的优秀传统精神，具备自己的民族灵魂，才能彻底了解别个民族的优秀传统，渗透他们的灵魂。”[7]这也是傅聪在钢琴表演艺术上能做到真正中西融合贯通，用中国的古典文学表现西方音乐意境的精髓所在。
中国古代对音乐美学的研究源远流长。儒、道、法家对音乐美学都有系统化、理论化的研究。傅聪的父亲傅雷非常重视对傅聪进行中国传统文化教育。自小用近乎私塾的方式，从孔孟先秦诸子、《国策》《左传》《晏字春秋》《史记》《汉书》《世说新语》上选教材，以富有伦理观念与哲理气息、兼有趣味性的故事、寓言、史诗为主，以古典诗歌与纯文艺熏陶结合在一起，亲自对他施教。“我的东方人的根，真是深，好像越是对西方文化钻得深，越发现蕴藏在我内心里的东方气质。”[8]所以在傅聪的演奏中有蕴含中国音乐美学的“无我之境”。这和他自小得益于中国深厚的文化背景和成熟的领悟力是分不开的。
民族性有着博大精深的文化底蕴。是艺术再创造的土壤和源泉，是创造具有特色的表演艺术的动力所在。中国的钢琴表演艺术要坚持发扬民族性，与时代共进，突出个性意识，才能使钢琴表演艺术在社会发展潮流中始终保持活力，在时代变革过程中展现新的魅力。
参考文献：
[1]赵保清《浅谈音乐表演艺术》南京艺术学院院报2001年第2期
[2]《论音乐表演艺术的创造性——从布莱希特“陌生化”表演艺术理论得到的启示》冯效刚人民音乐1997年第11期
[3]艺术风格学：(瑞士)海因里希·沃尔夫林著、潘耀昌译：中国人民大学出版社2004年1月第251页
[4]《试论音乐表演艺术中表演者主体地位的确立》张放音乐探索1999年第1期
[5](德)罗采《卡里哥纳》H·里曼著缪天瑞译
[6]彭根发《李凌音乐表演美学思想初探》交响——西安音乐学院院报1996第4期
音乐表演艺术研究范文第5篇
【关键词】声乐表演;艺术欣赏;美学角度
中图分类号：J617.13 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）02-0040-01
一、现代音乐美学对声乐表演艺术的影响
（一）音乐美学对声乐创作的指导。20世纪20年代，波兰音乐家罗曼为音乐美学的现象学发展奠定了基础。罗曼认为，从哲学的观点分析现象学美学，可以通过以事物的本质为依据和以人的主观意识主导两种方式进行研究。并提出声乐表演是一种能够与人的思想产生碰撞的艺术表演形式，在创作的过程中需要以人的意志为中心，以满足广大观众的需求为目的，从而得到广大观众的认可。
（二）对声乐表演“同一性”的解释。声乐表演主要包括剧本、乐谱、表演者三个相对独立的主体，每个表演者对同样的乐谱都会有自己的不同理解和演奏风格，而同一个演奏者对于同样的乐谱的演奏也会因为时间的不同而演奏出不同的效果。这就和表演者需要严格按照乐谱来进行演奏的同一性产生矛盾，甚至引发过激烈的争论，而音乐美学理论中的现象学圆满地解决了该问题，认为表演者在声乐表演中不必过分拘泥于乐谱，应该将乐谱看作一种记录音符的形式，应根据自己的特有风格演奏出具有生命活力的音乐。
二、从美学角度分析声乐表演的艺术特点
（一）美学影响下的情感体验与表现。演唱者的情感体验主要是指在对作品的情感基调进行把握的同时，将情感形态的层次、程度以及个性特征用直接或者间接的方法表现出来，是一种“有感而发”的行为表现。歌唱家将作曲家写下的音符用美妙的嗓音以及敏锐的音乐之心演唱出来，通过具有创造性的歌声实现歌唱的美感。从美学角度来讲，这种歌唱的美感不仅包括演唱形式的美，而且是人类内心情感需要的表现和反映，主要通过“理解情感-获得情感-表达情感”三个阶段来实现感性与理性的统一。
（二）美学影响下的创造性演唱。歌唱者在演唱中的想象与联想，是一种创造性的心理活动。歌唱艺术通过声音对表现对象进行比拟与模仿，而想象就是这些比拟与模仿中间的桥梁。首先，演唱者对生活素材的积累程度非常重要。演唱者除了要具备专业的知识能力和演唱技巧之外，还需要不断扩大和丰富自己的生活阅历。其次，演唱者在获得艺术想象的同时获得对音乐的激情，是获得美的音乐表现的前提。演唱者通过调动自己的感情积累，在获得深刻的情感体验的同时对音乐形象进行再创造，从而通过音乐实现美的享受。
（三）美学影响下的个性化艺术风格。在审美心理的影响下，演唱者对不同的音乐作品产生自己的独到见解，并结合自身的特长和条件，形成适合自己的演唱风格。由于不同演唱者拥有不同的生活阅历以及环境际遇，因而形成不同的个性以及气质素养，自然具有不同的审美意识，通过不同的创作思路创作出的作品也具有不同的风格。音乐表演艺术的美学原理主要体现在创造性和真诚性两方面，演唱者通过对某一作品的热情、才智的投入，了解前人研究的局限性，并结合自身的专业特长以及生活阅历进行再创造，从而体现作品的创作个性。
三、美学影响对声乐表演艺术的启发
（一）从主观视角观照声乐表演。美学理论中的接受理论对表演者的思想具有一定的影响。表演者要在不断提高自己表演能力的同时注意欣赏者的反映，并从中感受自己的表演水平。因而，虽然一千个读者就有一千个哈姆雷特，人们由于人生观、价值观的不同而对同一作品拥有不同的理解，但是表演者仍要以主观的心态来看待观众的评价，并从中发现自己的不足，进行自我反省，进而实现自身能力的提高。
（二）声乐表演过程中的留白。从音乐美学理论中的接受美学理论分析，在声乐表演的过程中表演者需要留出一定的空白空间，让欣赏者展开想象并感受艺术的魅力，通过这种开放式的沟通形式，实现观众对艺术作品的欣赏。在艺术表演过程中适当地留白，不仅可以调动欣赏者的积极性，而且可以激发欣赏者的创造性思维，使得欣赏者根据自己的想象补充艺术作品的留白部分，从而实现对艺术作品的欣赏。
（三）声乐表演过程中的对话。根据音乐美学中的接受美学理论，在声乐表演过程中，演唱者不仅仅需要高超的演唱技巧与丰富的表演经验，而且需要与观众进行积极互动，通过调动欣赏者的积极性来实现良好的舞台效果。一个成功的声乐表演者可以巧妙调动自己与欣赏者之间的互动，通过邀请观众一起合唱或者打节奏等方式来达到更好的舞台艺术效果。
参考文献：
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