电影艺术指导
前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇电影艺术指导范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。
电影艺术指导范文第1篇
在近几年的电影题材中，经常会出现把舞蹈融入电影的创作中，并凭借舞蹈独特的艺术魅力，以舞蹈为题材的电影吸引广大观众的喜爱。特别值得关注的是电影《天鹅湖》在奥斯卡颁奖中获得了很高的荣誉，这也说明舞蹈题材的电影已经逐渐成为社会上的热门，并由于它富有个性化的视角和充满艺术气息的叙述方式获得了观众的认同。而电影《天鹅湖》就是一个典型的以舞蹈为题材的例子，并且获得了众多观众的青睐，本文对《天鹅湖》艺术价值进行深入的探析，以此来让更多的人感受到舞蹈在电影中发挥的积极作用。
一、电影《黑天鹅》
电影《黑天鹅》在2010年由美国的一位著名导演拍摄，电影中紧紧地围绕舞蹈而展开了一个惊悚的故事内容。电影的女主人公是一个专门从事芭蕾舞的演员，当时她发现了自己处在与另一个对手相互竞争的情境中，但由于演出时间的逼近，自己遭遇的麻烦也愈来愈多，同时她也不能完全确定自己的竞争对象是不是自己的一个幻象。电影《黑天鹅》是根据著名的舞剧《天鹅舞》改编而来的，电影的故事情节也从芭蕾舞剧的排练到演出这一过程为基本的线索，而选取于电影中的舞段不仅能满足观众的审美视角，也在一定程度上推动了剧情的进一步发展，同时也具有暗示、象征的作用。在电影《黑天鹅》的开场中，呈现在观众眼前的就是芭蕾舞剧中的一段舞蹈，当时王子正前往打猎的途中，遇到了一个有魅力的公主，但奥杰塔公主身上却被施了魔咒，所以她在白天的时候是一只天鹅，只有在夜晚才能变回少女的原身。但她身上的这个魔咒只有在一个男子真正爱上她以后才能被消解。在影片中，创作者对这只天鹅未来的命运埋下了一个伏笔，于是影片就开始进入到舞蹈演员的常训练过程中。
在电影的情节中，多次出现了白天鹅变奏以及黑天鹅变奏的片段，电影还特别对黑天鹅挥鞭的镜头进行了特写，所以当女主人公独自在家中训练时，电影的画面中也将其投放到舞台上的表演。由于在黑天鹅的变奏中，这是最能考验一个舞者的基本功，而且也是女主人公自身最难以实现突破的部分，所以在电影中出现了在不同的阶段对同一个舞段的展现，这也集中反映了女主人公蜕变到成熟的人生历程。在影片的最后部分，女主人公终于实现了自我的超越，也终于做到了黑、白天鹅的统一。电影中选取观众较为熟悉的片段更容易激起观众与影片产生视觉和情感上的共鸣，同时也让观众在电影中体验到芭蕾舞剧中的舞段与现实生活中的表演，相同的舞段实现了相互的对比，从而使其更增添一种别样的韵味。
二、电影与舞蹈
电影是一种广泛的艺术表达形式，它能很好地反映各个时代的特性，而且还能实现电影和其他艺术形式的融合，从而创作出富有多样性的艺术作品，并借助屏幕呈现在观众的眼前，把电影中的主题内涵和思想情感直接地传达给观众。电影通常会和绘画、建筑等艺术形式相结合，这些艺术形式都是在不同程度上实现了对电影人物形象的塑造和情节的描写，并促使电影中的情节画面能以完美的姿态展现出来。因此，电影可以认为是一种综合的艺术形式，它在不断的发展过程中积极的与其他的艺术元素相融合，并且具有强烈的时代特征和艺术特性。而电影和舞蹈的结合则给予观众一种全新的视觉感受，赋予电影一种全新的生命力。电影中充满浪漫的舞蹈氛围不由得让人感到一种生命蓬勃的力量；而忧愁悲伤的舞蹈则让人在心底为之动容。一般来说，舞蹈本身蕴涵的情感内容要与电影的主题相一致，两者是相互作用的关系。人们的生活也是充满多样性的，所以电影的创作题材也要积极地从人们的生活中挖掘，而舞蹈就如同是一个个充满旺盛生命力的音符，表达了人们心中不一样的心情。
正因为舞蹈这一艺术元素的融入，也促使电影富有更加饱满和活跃的生命价值，从而使电影中充满更多的情趣。在早期的电影发展中，一般都是对人们的常生活中的情境进行部分的精炼，那时还没有出现把舞蹈与电影相结合。随着电影不断的发展，随着科学技术的发展和多种艺术形式的产生，这些有效的元素都充分地被电影所用，电影的内涵也更加的丰富了，并带动了电影的飞跃。及至后来，电影中添加了美国百老汇中的一些情节，同时也出现了把音乐歌剧搬入电影的创作中，这时的电影也受到音乐剧的深远影响，并对一些歌舞进行改编，把歌舞和表演结合在一起。但最终音乐剧也受到舞蹈的限制，所以不能完全地植入到电影中。电影是一种立体的艺术表现，电影中的舞蹈则更加的生动，舞蹈在电影中所产生的作用也是十分重要的，它能有效的与剧情相衔接，并且能很好地辅助电影画面的构图，在电影中也起到烘托情节，推动故事情节发展的作用。
三、舞蹈对《黑天鹅》产生的艺术价值
突出舞蹈题材的特点
在电影的创作中，选取的舞蹈题材基本上都是与舞蹈自身的艺术特征相符合而展开的情节发展，在以舞蹈为题材的电影《黑天鹅》的电影作品中，都是根据舞剧的编排为电影情节的发展线索，并且展现了在挑选合适的舞蹈演员中所面临的主要问题，最后舞蹈演员也会凭借自身超强的意志力来实现对自我的超越，并最终诠释了艺术的真谛。电影中主要展现舞者的训练历程，并对他整个舞蹈生涯的关注，从而展现作为舞蹈演员背后艰辛的生活故事。在电影《黑天鹅》中，创作者主要根据舞剧《天鹅湖》为故事的发展线索，并通过展现女主人公在生活中的两面性来表达出人性中也存在的两面性。为了很好的把握这种两面性，创作者也选取了白天鹅和黑天鹅作为两种相对应的角色，并根据剧情的设置与演员相结合。通过黑、白天鹅的艺术表达，在变化舞蹈风格的基础上来完成对两面性的刻画。
刻画人物形象
在电影《黑天鹅》中，由于女主人公一人要担负起黑、白天鹅的演绎，所以对在这一压力下所面临的心理活动则着重的刻画，并最终在舞蹈艺术得到完美演绎的过程中得到展开。在影片中，女主人公在排练中需要纵身跃下，在这一动作中，她在心里仍然还有很多犹豫的地方，而且此时的她还无法恰当地把握白天鹅内心中的决绝姿态。选取的这一“跃湖”的舞段中，实际上是有象征性的作用，当时女主人公没有做到决绝主要是因为她还没有对黑天鹅这一角色的正确把握，所以进而她也不能理解白天鹅在当时情境中心里的想法。当影片在结尾部分描述的是演出的正式开始，此时对于女主人公来说，每一次在台上和台下的表演其实都是她心路历程的蜕变，在这一变化的过程中可以发现，她就像是黑天鹅的化身，但在实际上，她在内心中却十分的崇尚白天鹅的完美。电影中对“跃湖”这一舞段的展现，也实现了前后的鲜明对比，同时也表现出女主人公实现了自我的回归，纵身一跃不仅宣示了白天鹅生命的高度，也预示着舞者生命的结束，在这一处中很好地把女主人公的形象进行了塑造，也描写了她心理的变化过程。
调整电影的叙事节奏
在电影中，如果较为单一化的叙事节奏只会让观众的情绪中感觉到枯燥，而舞蹈在电影中的融入，则有效地避免了电影叙事节奏的单一化，并且也满足了观众内心中期待。电影中出现的舞段与舞剧不同，这是因为电影画面中出现的舞段是为鼓观众选取了观众视觉上的重点，此时观众并没有对舞段情节的自由选择力。所以创作者采用了镜头语言来展现对舞段的叙事，这样就突破了常规的叙事结构。舞蹈在电影中的作用是为了进一步地带动剧情的发展，例如影片中女主人公在进行最后一次的选拔赛中的排练时，电影的创作者则摘选了舞剧中王子遇到白天鹅的这一舞段来相互的映衬。在这一处中，如果只采用双人舞来展开电影情节的发展，那么就可能无法让观众充分地感受到，所以在这一处中，创作者把叙事节奏放缓了脚步，并留给了观众足够的时空来感受这一过程，并且也使电影中的叙事内容更加的自然化。
突出剧情的矛盾冲突
电影情节的发展一般都是通过矛盾的爆发到解决来进一步的推动故事的发展，而在以舞蹈为题材的电影中，影片中的主要矛盾集中在舞段之中，也是在随着舞段的演绎过程中把冲突化解。例如在电影《黑天鹅》中描述女主人公正面临困扰，使她感受到了极度的压抑感，这一纠结的内心情感无法让她进入到表演的角色之中，所以当女主人公在朋友带领下来到酒吧后，正是酒吧中的音乐节奏和充满激情的舞蹈促使她逃离了芭蕾的规则，并让自己的身心得到了完全的放松。经过了这一放松的过程后，也许在女主人公心中对舞蹈又增加了一层全新的理解。
四、结语
舞蹈是一种极具表现力的艺术形式，舞蹈亦是一种无声的语言，但能让人在其中体会到愉悦的心情，最为关键的就是舞蹈者在通过肢体动作来营造一种美的感受，所以观众在欣赏舞蹈的过程中也能随之一起感受到舞蹈的乐趣，并与舞蹈者产生心灵的共鸣。电影《黑天鹅》意在突出舞蹈演员为舞蹈艺术所付出的艰辛，舞台上翩翩起舞的姿态和栩栩如生的表演只是她们工作中的状态而已，而在私底下却经历了许多的困难和挫折。电影透过几场不同舞蹈的表演视角来抒发主人公的情感，无论是动作还是神情，都紧紧抓住了舞蹈的精髓，继而提升电影的质感和画面感。导演对电影题材的选择十分恰当，将人物性格和影片制作紧密联系起来，增强了电影的流畅性。中国电影应该借鉴《黑天鹅》这类电影的艺术价值，充分挖掘民族文化的精髓，为中国电影开启新的时代。
[参考文献]
[1]闻慧莲.探究舞蹈电影的主题表现与叙事性[J].电影文学，2009（21）.
[2]赛亚平.电影中肢体语言的对话——看舞蹈在影视作品中的运用[J].电影文学，2011（15）.
[3]王雪飞.从歌舞电影看择舞与编排舞蹈的重要性[J].剧作家，2010（02）.
[4]劳伦特·吉多，陈晨.律动的身体，律动的电影：舞蹈作为早期电影文化中的吸引力元素[J].电影艺术，2011（05）.
电影艺术指导范文第2篇
【关键词】 依托咪酯 咪达唑仑 麻醉诱导 血流动力学 脑电双频指数 冠状动脉旁路移植术
Abstract: OBJECTIVE To compare the effect of etomidate and midazolam on hemodynamics and bispectral index（BIS） in cononary artery bypass grafting （CABG） patients during general anesthesia induction. METHODS Forty-six patients undergoing CABG surgery were randomized into two groups. Patients in groupⅠwere induced with etomidate (0.3 mg/kg)， patients in group Ⅱ were induced with midazolam (0.1 mg/kg). Patients in both groups were injectived with lidocaine (1 mg/kg)、sulfentanyl(1 μg/kg) and vecuronium(0.15 mg/kg) before the intubation. The hemodynamics and BIS were recorded. RESULTS HB，SBP，MBP and BIS in both groups decreased significantly after the induction（P
Key words： Etomidate；Midazolam；Anesthesia induction；Hemodynamics；Bispectral index；Cononary artery bypass grafting
冠心病患者在麻醉诱导期最容易发生心肌缺血，导致血流动力学的急剧变化。依托咪酯具有起效快、作用时间短、对呼吸循环影响轻微，且对冠状动脉具有轻度的扩张作用，能增加心肌的氧供等优点，因此广泛应用于冠心病患者的麻醉诱导［1］。本文旨在对比依托咪酯和咪达唑仑在冠状动脉搭桥手术麻醉诱导期对脑电双频指数及血流动力学的影响。
1 资料与方法
1.1 一般资料 择期行冠状动脉旁路移植术患者46例，其中男性33例，女性13例，年龄（65.4±8.3）岁，体重（69.5±11.5）kg。术前有高血压23例，不稳定心绞痛8例，心肌梗死2例，慢性阻塞性肺病1例。术前心功能检查：左室射血分数（LVEF）41％～62％（49.4±8.3％）。冠状动脉造影结果显示左主干病变3例，单支病变3例，两支病变11例，3支病变29例。NYHA心功能分级：Ⅱ级32例，Ⅲ级14例。排除标准： LVEF
1.2 麻醉方法 术前30 min肌注吗啡0.1 mg/kg和东莨菪碱0.3 mg。入室后监测心电图（ECG）、脉搏氧饱和度（SpO2）、脑电双频指数（BIS），局麻下行桡动脉穿刺置管测量动脉压（ABP）。Ⅰ组静注依托咪酯0.3 mg/kg、维库溴铵0.15 mg/kg、利多卡因1 mg/kg及舒芬太尼1μg/kg；Ⅱ组静注咪达唑仑 0.1 mg/kg、维库溴铵0.15 mg/kg、利多卡因1 mg/kg及舒芬太尼1 μg/kg，诱导后3 min经口腔行气管插管。分别记录诱导前、诱导后1 min、3 min及5 min（即气管插管完成后）的血流动力学及BIS值变化。
1.3 统计分析 采用SPSS 11.5统计软件包进行数据分析，计量资料用均数±标准差(±s)表示，组内均数比较用配对t检验，组间均数比较用单因素方差分析，P
2 结 果
两组患者心率与诱导前相比，诱导后1 min、3 min均明显降低（P
在麻醉诱导期间，Ⅱ组有4例、Ⅰ组有1例患者发生低血压，在给予静注盐酸去氧肾上腺素后血压回升；Ⅱ组还有3例患者发生心动过缓，静注阿托品后缓解。Ⅰ组有2例患者在静注依托咪酯后发生肌阵挛，同时心率和血压轻度升高，持续约15 s后缓解。研究中所有患者均顺利完成气管插管。
3 讨 论
依托咪酯为咪唑类衍生物，系催眠性静脉麻醉药，具有起效迅速，作用时间短，对呼吸和循环影响轻微，并可以轻微扩张冠状动脉，降低颅内压，维持脑灌注，尤其适用于老年、冠心病、高血压、休克等患者［2］。依托咪酯静脉注射后，1 min脑内浓度达峰值，然后很快从脑向其他组织转移，催眠作用与脑内药物浓度成线性相关，故苏醒迅速。脑电双频指数能较好的监测大脑皮层功能状态及其变化，随着麻醉加深大脑皮层中枢神经细胞的电生理活动逐渐减弱，BIS数值也相应减小，是目前临床监测麻醉深度的主要手段［3］。研究表明BIS与许多麻醉药物（丙泊酚、咪达唑仑、依托咪酯、异氟烷、七氟烷、地氟烷等）的浓度具有良好的相关性，而且这种相关性不受年龄的影响。研究认为，依托咪酯在老年患者的麻醉诱导期间，脑电双频指数最低为（43.1±6.4），与本研究结果相似［4］。表1 两组诱导期间血流动力学及BIS值的变化（注：与诱导前比，*P＜0.05；与Ⅰ组比较#P＜0.05
依托咪酯诱导时BIS值下降速度快，且对血流动力学影响小，适于危重患者的快诱导。依托咪酯可以引起血压轻度下降，与每搏量减少、外周阻力降低及轻度的组胺释放作用有关［5］。依托咪酯对交感神经活性及血压无明显抑制。即使心功能较差的患者在使用依托咪酯诱导时，也很少发生心功能抑制。静注依托咪酯后冠状动脉阻力降低，可以使心肌灌注增加20％，保证诱导期间心肌的供血。依托咪酯不具有镇痛作用，因此需要与阿片类药物联合使用，以抑制气管插管的刺激［6］。本研究中，Ⅰ组患者使用依托咪酯和舒芬太尼诱导，血压和心率较诱导前有轻度下降，在气管插管后回升至诱导前水平。咪达唑仑单独使用对心血管系统的影响也较小，可以使左室前负荷降低，仅表现为血压轻度下降。如果同时使用阿片类药物，则可以进一步抑制心血管系统，使心率和血压明显下降，对于心脏病患者特别是冠心病患者的影响更明显。咪达唑仑引起血压一过性降低的机制目前尚不明确，可能是通过直接舒张阻力血管平滑肌及中枢神经抑制作用降低了交感神经张力，造成血压下降。对于低血容量患者，使用咪达唑仑诱导可能因其对血管交感神经张力的抑制而使其降压作用更为敏感。本研究中，Ⅱ组患者在使用咪达唑仑和舒芬太尼联合诱导时血流动力学波动明显，HR、SBP和MAP明显降低，在气管插管后虽有回升，但仍低于诱导前水平。
依托咪酯在临床应用中有注射部位疼痛和肌阵挛等不良反应［7］，本研究中有2例患者在静注依托咪酯后发生肌阵挛，心率和血压轻度升高，持续约15秒后自行缓解，这可能与中枢性诱发有关，在诱导前先静注少量的咪达唑仑或阿片类药物可以减少肌阵挛的发生。因此，在冠脉搭桥手术的麻醉诱导期使用依托咪酯对血流动力学影响小，较咪达唑仑更加安全、可靠。
参考文献
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电影艺术指导范文第3篇
[关键词] 人声 声画关系 经典电影理论
电影艺术家们通过不断的实践丰富了声音在电影中的艺术表现力，同时也证明了声音作为电影艺术的表现手段发挥着越来越重要的作用。然而在电影理论系统中，相对于画面理论，声音理论的研究似乎滞后了很多。事实上，从来没有真正意义上的、独立的有关电影声音理论的研究成果问世，更没有专门研究电影声音的电影理论家。有关电影声音的理论问题只能从电影理论著作中的某一个或几个章节中找到。这在声音不受到重视的经典电影理论研究中尤为明显。
一、声音是画面的补充?
经典电影理论认为电影是活动的影像，声音作为复现现实的手段是画面的补充。人们关于声音在电影中的这种认识直接决定了人声在电影中的地位。通过几位经典电影理论时期富有代表性的理论家的观点可以看出当时人们对于声音特别是人声在电影中的认识。
阿尔贝托?卡瓦尔康蒂对电影中声音的态度是积极的。在他的论文《电影中的声音》中，他分析了电影声音的发展历程，从而对于有声电影的发展前途给予了积极的肯定。他对当时的对白片进行了理性批判，认为电影中各个元素的比例关系应该取得一个平衡，总结了对白的用法和注意事项，认为电影中的对白应用自身的特性。
巴赞是电影现实主义理论体系的代表人物，他并没有对电影中的声音进行单独的理论研究。他认为“电影这个概念与完整无缺地再现现实是等同的，他们所想象的就是再现一个声音、色彩、立体感等一应俱全的外部世界的幻景。”由此可知，声音只是作为再现现实的一种手段存在于电影中，没有其自身的独立性。巴赞的这种观点对为了纪录片的发展及纪录片的声音特点产生了重要影响。
倡导理性蒙太奇的爱森斯坦则认为：“只有将声音同视觉片段加以对位使用，才能为蒙太奇的发展和改进提供新的可能性，声音与画面的结合必须在声音同视觉形象截然不相吻合的方向上进行。”因此，他虽然是欢迎声音的，也只是将声音作为视觉服务的手段。他还规定了视听结合的方式仅仅是声画对位，这样的想法显然具有很大的局限性。
理论学家巴拉兹贝拉对电影中的声音提出了自己的见解。他将辩证法运用到了电影理论的分析中，这种创造性的理论研究使得他的一些观点在今天仍然受到关注。他认为，听觉是需要培养的，因而音响教育具有重要意义。他十分强调声音的空间特性，认为声音可以解释画面内容等。但从他的观点中还是可以看出声音在电影创作中处于画面的下级，声音是从属于画面的。
经典电影理论时期的理论家们对声音的态度呈现出多样性，但有一点是他们共同认定的：声音在电影中不具有独立性。声音究竟是画面的补充，还是独立于画面这个问题，不能进行简单的肯定或否定的回答。电影的艺术性随着电影技术的飞速发展而得到越来越充分的表现和拓展。声音作为电影艺术的重要表现手段也呈现多样化的状态。虽然享受一场视听盛宴是现代很多观众的观影需求，但艺术毕竟不能成为迎合受众的附属品，而应有其独立的品格。理论家对于艺术的理性思考应对艺术的发展有指导作用。电影声音艺术是体现电影艺术家艺术追求的重要方面。随着大众对电影艺术认识的深入，电影艺术的审美标准也必将提高，对电影艺术提出更高的要求。电影艺术也应同其它艺术一样，获得心灵上的净化才是艺术的终极目标。
二、人声破坏了电影的艺术性？
人声作为电影声音最重要的表意方式，是体现人物性格，揭示电影主题的重要手段，在当今电影中更是已经必不可少。
人声=语声+语义，在电影中，人物讲话会首先带来如下的信息：
1.提示性别、年龄。
2.语言信息的传递。
3.体现人物性格。
4.讲话人的情感性，音色对形象的塑造。
《电影艺术词典》对人声的解释是：“人在表达思想和喜怒哀乐等感情时所发出的各种声音，包括言语、歌声、啼笑、感叹等。是电影反应现实生活的重要手段之一。人声除了具有表达逻辑思想的功能外，还因其音调、音色、力度、节奏等因素而具有情绪、性格、气质等形象方面的丰富表现力。在电影录音过程中，对人声进行必要的处理占有十分重要的位置。”现代电影中人声主要有如下功能：
1.直接表现电影内容、主题，是推动情节发展的重要手段。
2.对电影节奏有重要影响。
3.同画面结合形成不同类型的声画关系：主要有声画同步，声画对位，声画对比。
4.人声的个性特点是建构人物形象的重要手段。
5.精彩的台词能给人以美的享受，人声在电影中表现为感性与理性的结合。
电影艺术指导范文第4篇
[关键词]后技术时代；视觉文化；审美体验；3D技术；《泰坦尼克号》
1997年，《泰坦尼克号》在中国创下了3.6亿票房的奇迹，2012年在泰坦尼克号沉船100年后，詹姆斯·卡梅隆导演将《泰坦尼克号》转制3D①版，与300位工程师奋战逾60周，共花费1 800万美元。《泰坦尼克号》3D版上映后在中国创造了近10亿票房的成绩，本文从艺术学的视角来观照《泰坦尼克号》3D版的成功经验，对当下中国电影艺术的发展有着重要的推动作用。
一、电影艺术发展背景
（一）从技术时代到后技术时代
技术是一个历史性范畴。所谓后技术时代，是相对于过往的技术时代来说的。在远古时代，技术是技巧、技长、技能和技艺的总称，它是人类在漫长的劳动中，积累的生活经验基础上形成的。19世纪工业革命以后，机器在生产活动中的地位日益突出，因此人们把技术的物质手段看做是技术的主要标志。到20世纪中叶，随着科学的技术化发展与技术的科学化普及，逐渐形成了科学技术一体化的模式，技术成为科学良好发展的运用和物化。随着信息技术的日益发展，技术也逐渐从低技术向高技术发展，最后衍生出后技术（Post-technology），“后技术”是后现代性的产物。它有三个主要特征：首先是高新科技的简易化应用、其次为高科技成果的低智能掌握、最后是高端技术工艺的低技能操作。后技术时代中高新技术的发展为电影艺术创作提供了新的载体与新的手段，同时拓展了电影艺术生产和消费的空间，使得电影在创作方式、生成方式、表达方式、审美理念等产生了深刻的变化。1979 年，美国电影大导演科波拉完成《现代启示录》，在当时的条件下最大限度地发挥了电影摄制设备的功能，调动了那个年代几乎所有的通讯、交通（陆上、水上与空中） 设备，调动大量专业科技人员的参与，技术含量非常高。科波拉对电影制作返朴归真的愿望也暗示了对电影技术前景的担忧——值此之时，电影正要跨过一道新的门槛上——80年代在计算机技术支持下进入影像合成技术高峰。②20世纪80年代“数字电影”诞生了，以胶片为载体的镜头被二进制数字编码的数字所替换，声音、字幕、色彩等画面元素变成了可以随意改动的数字编码，它是后技术时代的产物。在数字化的语境下，这些声画素材被转换成数字信号输入电脑，制片者根据自己的审美需要对这些数字编码进行相应处理，制片者还可以采用电脑三维合成技术生成镜头。这种数字电影以数字技术和设备摄制、制作、存储，并通过卫星、光纤、磁盘、光盘等物理媒体传送，将数字信号还原成符合电影技术标准的影像与声音，放映在银幕上的影视作品。从电影制作工艺、制作方式、到发行及传播方式上均全面数字化，使得电影艺术发生了翻天覆地的变化，成为电影史上的另一次革新。
（二） 后技术时代视觉文化的转向
“电影是一门视觉的艺术”这个概念由法国著名电影理论家杜拉克提出。他曾经说过：“影片所要产生的印象，作者的不可捉摸的创作思想和作品的主导情绪，都是从视觉的和谐中产生的。”作为视觉艺术的电影，视觉语言是实现电影艺术创作的工具。当今人们的生活比以往任何时候都视觉化和具象化了，人们更加关注视觉文化。正如美国的丹尼尔·贝尔所说：“当下文化正变成一种影像文化，而不是一种印刷（或书写）文化。”③后技术时代带来了人们对感官刺激的无限追求以及大众化、虚拟化和便捷化的特点，引发了视觉文化的转向。视觉图像铺天盖地地呈现在人们面前，不管是触目皆是的街头广告，还是电影《阿凡达》，不管是流行歌曲MTV，还是电视报道美国NBA联赛，不管是城市白领们翻阅的时尚杂志，还是孩子们喜欢的卡通读物，我们都离不开图像，我们生活在一个视觉图像的时代。因此视觉性已成为当今文化的主导因素，广泛的视觉化根深蒂固地改变了许多文化活动的形态；图像超越文字的发展，令视觉文化与感性的、直观的和的文化相辅相成；随着视觉技术的进步，人们的视觉在不断的延伸，可视性要求不断的攀升，新的视觉样式层出不穷。科学技术的发展和多种技术手段的运用，给人们带来了不同效果的视觉体验。视觉图像成了从事电影工作者关注的中心，电影作为一种媒介也给我们另一种艺术的欣赏和接受方式。这样一个巨大的转型，给电影艺术带来前所未有的挑战，也带来千载难逢的机遇和无法估量的需求。这种需求同样给电影的艺术创新方面提供更多的方法和理论指导。视觉文化的转向使得人们更关注于视觉体验，周宪教授认为，当代人正在经历“读图时代”的新文化法则，图像对视觉注意力形成了一种独特的眼球经济。也就是说，在这种眼球经济为主导的时代，电影艺术的核心是首先要打破以传统观念下的审美理念，电影本身为诉求的视觉表达。我们认为“看就是消费”，视觉的消费在人们消费观念中逐渐有了一席之地。如今的消费观念中，不再把视觉上的享受排除在外，人们对于视觉上的追求同样也是满足人的一种需要。因此，电影艺术是一种建立在现代高新技术和媒介革命基础上，以产业化的方式提供给大众消费。它是一种传达文化、审美、精神消费的“内容产业”。 在新一轮后技术时代的经济环境中，电影艺术的发展如果不与高新技术与时代的审美化相结合，就会被飞速发展的现实世界所淘汰。 .
二、电影《泰坦尼克号》3D版艺术分析
（一）技术创新
3D技术就是在数字电影的基础上对于电影形态的发展终将产生重大影响，2009年热衷技术革命并被誉为“3D电影教父”的美国导演詹姆斯·卡梅隆的《阿凡达》掀起了全球3D风潮，2012年他把《泰坦尼克号》用3D技术转制，同样带来震撼的视觉效果。卡梅隆认为，人的大脑中存在一种感知自然世界的方式，当观看自然物体时人们会不自觉地使用这种方式，它属于一种潜意识状态。当人们观看平面图像时，则是通过知识性的方式进行画面判断，用“深度智商”对物体进行判断；当人们坐在电影院里观看3D电影时，这种潜意识的判断被激活，则更具视觉冲击力和感染力，能够激发人们对世界的感知和认识。《泰坦尼克号》用3D技术转制，3D 技术带来的场景纵深感，更好地诠释了片中人性的情怀，特别是那些非常有冲击力的场面，会让观者有身临其境的感觉。“泰坦尼克号”的名字来源于希腊神话中巨人的名字，以此来形容这艘游轮的巨大，这艘长达269.06米的巨轮被誉为当时造船业的一大奇迹，15年前，“泰坦尼克号”在大西洋上航行的场面使得影片一开场就让人感到震撼不已。15年后，3D技术将银幕空间进一步拓展，电影镜头两次从船体正前方空中环绕拍摄，提高了观众对“泰坦尼克号”外形和体积的认知。当“泰坦尼克号”撞上冰山的一刻，巨大的冰山看起来将更加恐惧，3D在这一经典场景体现出了它的威力。
（二）审美体验
后技术时代与视觉文化的转向促进了电影艺术创意的形式创新，导致电影艺术中传统审美的全面变化，数字电影使电影创作进入一个虚拟化的空间，3D技术为电影创作提供交互的如真实世界一样的审美体验。《泰坦尼克号》3D效果有效地加强了故事的张力和情绪。对于重新上映的《泰坦尼克号》，本身的故事并未改变，改变的是视觉体验。在《泰坦尼克号》3D版的视觉盛宴里，它再映的纯粹视觉化是“电影是视觉艺术”最好的诠释。卡梅隆是非常看重3D技术的导演，不过在他心中技术并不是最根本的，卡梅隆说：“3D只是服务于电影创作的一种工具，属于技术手段，真正决定一部影片成败的，仍是好的故事与创意，这取决于创作者的思想和观念。技术手段是为更好地演绎故事、提升艺术效果服务的。”影片中，杰克在船头慢慢松开遮住罗丝眼睛的双手，随后罗丝喊出了全片最脍炙人口的台词：“杰克，我在飞翔。” 这船头飞翔的场面已经成为世纪经典，那么加入3D技术之后，这个场面更加具有感染力，尤其是镜头围绕着两位主演旋转两圈拍摄的画面，在3D技术的渲染下真正呈现出“飞”的感觉。作为视觉艺术的电影，导演巧妙地运用色彩在影片中取得了的巨大魅力，因为色彩对人的视觉产生冲击的同时，又承载着一定的审美内涵。“任何伟大的画家也无法描绘出日落的辉煌归于暗淡那个瞬间的色彩变幻，也无法描绘出汹涌的波涛撞击在巨石上顷刻粉碎为细珠时的彩虹纷飞。运动中的色彩具有一种迷幻性的美丽，这种美丽只有电影可以把它作为过程呈现在观众的面前。”④在影片中露丝与杰克在船头张开双臂，呈现出“飞”的感觉时，远处的天空出现了红色的晚霞，在3D技术处理上，更逼真更形象，似乎在颂扬这纯洁浪漫的爱情。3D技术让影片达到了极好的放映效果。
三、结语
总体而言，后技术时代的背景下《泰坦尼克号》3D版的成功就在于它运用先进的技术与当下视觉文化与审美体验相契合，有效地把握了文化与市场的关系，从而引导电影艺术的发展，为中国电影艺术创作提供借鉴与启示。
注：本文的主要研究工作是作者在获得国家留学基金委资助的“国家建设高水平大学公派研究生项目”期间完成。
注释：
① “3d电影”，即三维电影（3-D film），是使用一种立体镜视觉显示系统，再制画面将左右眼平面投影影像立体显现成像，令观众对影像产生立体深度。技术上，通常采用两台摄影机摆设，同步拍摄影像，取得主体左右侧体的立体感。观看时，观众的视觉皮层会自动对图像结合为单一三维影像画面。现代电脑技术已能够不采用传统双机“拍摄”，使用CGI电脑特效制作三维电影。
② 林焱：《后技术时代的文化传播》，《东南学术》，2002年第3期。
③ 丹尼尔·贝尔：《资本主义文化矛盾》，三联书店，1989 年版，第154页。
④ 史玉梅：《当代电影艺术的审美构想与追求——论电影〈泰坦尼克号〉与〈云水谣〉的艺术性》，《赤峰学院学报：哲学社会科学版》，2010年第8期。
[参考文献]
[1] 林焱.后技术时代的文化传播[J].东南学术，2002（03）.
[2] 丹尼尔·贝尔.资本主义文化矛盾[M].北京： 三联书店，1989：154.
电影艺术指导范文第5篇
钟老生前最后几年，当代中国影坛上出现了探索片新潮，钟老对此给予了很大的关注。从我们手头的一些资料表明：钟老对探索片新潮既陷入了理性上的困惑，又保持了态度上的宽容。由于钟老的困惑具有强烈的现实意义和深刻的美学内涵，引起了我们的关注和审视。
为什么说钟老对探索片陷入理性上的困惑呢?
让我们先来看贯穿钟老影评思想的基本观点是什么？
早在1965年，钟老在《电影的锣鼓》中就指出：在有关电影艺术还存在的问题中，“最主要的是电影与观众的联系，丢掉这个，便丢掉了一切!”“绝不可把影片的社会价值、艺术价值和影片的票房价值对立起来。”钟老在此强调了票房价值的问题，之后，他一直以此为影评的出发点和归宿点。如1979年，钟老撰文《电影文学断想》又提出：“人民不爱看、不爱读的东西，创作过程即便是享有无边无际的民主，也是没有意义的。”还说：“至于观众，同样是个很值得研究的美学课题，他是付出一定代价坐在银幕前的，决心来受你的影响，而你始终影响不了他。他以不能受你的影响而感到很失望，并且一再失望，这究竟是因为什么呢?是因为你总是给他喝‘政治稀饭’，从来不讲真话吧?或者你确实讲了真话，而经过筛选，已经所余无几了吧?或者你讲的全是真话，但讲的十分平淡，不足以引起人们的注意吧。”
探索片新潮掀起后，出现了这样一个基本事实：即探索片不卖座失去了大部分观众。照理，按照钟老的一贯美学思想，他会把分析、批评的天平倾向于电影本身，以及寻找导致电影不足的社会原因。然而，钟老却在这一场“电影观念的变革中”表现出明显的困惑，具体反映为：
一、先是在观众与电影的关系上摇摆不定。
1981年，钟老在《中国电影的现实主义与庸人习气》一文中把追求“票房价值”作为庸人习气来批评。但在1983年，钟老在《在把握自身中把握群众》一文中则表示“还有少量的影片搞得模模糊糊，叫人看不明白，不知道它到底要说什么?这种现象，观众有反映，我们也认为不好，……我们的方针是要群众‘喜闻乐见’”。
1984年，钟老在《论社会观念与电影观念的更新》一文中，虽肯定了“票房价值高，……一般是好影片”，但又接着说“也不全是”。
1985年，钟老看了《黄土地》，在《电影策·序》中谈到：“至少在我看过之后，首先想到的不是电影在形式上的一次蜕变，而是电影与观众。即电影是千百万人的艺术和反映的客观性与主观性。电影与观众的问题，对于我这样一个由宣传员出身的人来说，无疑是第一性的问题，不仅和思维，甚至和血肉联系在一起的。”但仅隔一年，钟老在《探索电影集.序一》中则认为，探索片的被人不理解，“很可表明当今中国还没有准备好这样的观众层一一他们还更多留心‘故事片’的故事。”
以上表明了钟老已开始对观众的欣赏水平表示了怀疑。难怪在1983年，钟老在全国电影宣传工作座谈会上发言时，有人递条子请他就“叫好不叫座”问题谈谈看法，钟老坦率地承认“这个正是我在近年想得最多的问题”。
二、后来在自身与电影的关系上犹豫不决。
如果说钟老对探索片的萧条一开始还在观众与电影关系上找原因的话，那么后来，钟老则把寻找的视角盯在自身主体上，怀疑是自己“先验性的审美观”导致了对探索片这一客体的认识不清。如他在《探索电影集.序一》中谈到看《黄土地》、《青春祭》二片后的感想：“在我初读时，都没有读懂。是它们教育了我，读不懂影片可能咎在影片，亦有可能咎在自身。”承认“尽管我的一些审美积习在我和新一代人的交往中有所变化，也往往发现自己的尾巴并不比别人短。”
正因为怀疑了自身，钟老承认在这场“电影观念的变革中，我也有沉默的时候，沉默就表明我还拿不定是我对还是别人对。”与钟老理性上的困惑密切相关的是钟老态度上的宽容。作为当代中国一位颇有成就、颇有影响、颇有权威的电影评论家，钟老的学术思想遵循着二条原则：一是讲科学，一是讲民主。对待探索片，钟老正是这样，他的坦率的困惑，便是实事求是的科学精神；另外，钟老又体现出难能可贵的民主风气一一即宽容的态度，如他表示：“即使不对的是别人，作为探索，也是个必要的过程。只允许对，不允许不对，在追求真理的道路上极易堵塞通幽之门。”(引自《探索电影集·序一》)
对钟老的宽容，我们认为，当理性的探讨还没有达到真理的时候钟老的宽容度是完全必要的，并为进一步走向真理开放了道路，然而也要看到，我们不能停留在这一步。因为电影创作的行为无法宽容，他们的行为在实施中只能选择一种方案，而电影效果的好坏也由此产生，无法回避，无法模糊。探索电影近年来的煞车就说明了这一点。长影厂导演周予谈到：“对电影理论的混乱，电影创作人员的感受是尤为深切的。理论上的前后矛盾、不贯通，使得实践者没有办法去遵从这些理论家的意旨。”(《电影艺术》1987年第10期)可见，解决电影的创作问题，不是靠宽容，而是靠科学的电影美学理论的建立和指导。
钟老在他的晚年，鉴于对探索片的理性上的困惑，已愈来愈深刻地感受到研究电影美学理论的重要性，深感“其中缺乏关于电影美学的研究，是使我们往往裹足不前的重要原因。”(见《电影集·‘离婚’后话》)我们认为，钟老想借助于电影美学理论去解决探索片的困惑，方向找对了。但是，就传统的电影美学理论，是无力解决这一困惑的。还必须靠在更深刻细致和更高瞻远瞩的基础上重建的全新的电影美学原则。
当然，新的电影美学原则，不仅在中国电影界尚待建构，即使在世界电影界，也是尚待探索的。然而，它又决不是不可能的。这既是严峻的课题，又是巨大的机会。本文即尝’试着运用一些新的电影美学原则，具体分析钟老在理性困惑上的几个难点，为使电影能在清醒的理性指导下更加健康地发展，提供一个参照系。
(二)
综观钟老理性上困惑的过程，我们发现这么一个特点，即选择上的困惑和根本点上的不困惑。钟老强调从社会生活评电影，强调电影的社会功能是推动社会前进，而观众是社会生活的实践者，所以，如果电影真实、艺术地反映了社会生活，便不可能不从观众处得到热烈回响。如果电影要推动社会，也不能不凭作用于观众去实现。这正是钟老一直很重视观众对电影反应的原因，也是顺理成章的结论，是钟老始终不动摇、不困惑的基点和初衷。然而，探索电影声称自己是力图、而且能够真实地反映生活的，在这一点上，与钟老的初衷是一致的。不过他们的片子却不受“生活实践者”的欣赏和回报，毛病出在何处呢?钟老出现了选择上的困惑：应纠正谁?应选择谁?
我们认为，毛病出在探索片上。探索片试图以意念化的哲理去求真，结果违反了电影创作的一般美学原则，违背了观众审美心理规律以致失去了大部分观众。可以这么说，探索片目的虽可佳，途径却不对，造成“有心栽花花不开”的悲剧。而传统影片，虽然不一定从理性上认清电影的艺术功能，却遵循着“为观众而作”的规律。实践着这种功能，反而常常能形成“无意插柳柳成荫”的喜剧。我们的任务就是：要吸取探索片的合理因素，剔除失误之处，同时，挖掘传统片本身固有的规律性，在新的基点上，恢复钟老始终力图坚持的观众(及其审美效应的主要指数——票房价值)在电影中的权威地位，解决钟老理性上的困惑。
那么，钟老在对待探索片上发生的理性困惑表现在哪些方面呢?又应该如何去解决呢?
第一，是对电影作为艺术部类之一的这个总归属把握的模糊，而导致的对电影艺术宗旨认识的失度。探索片的失误之一正在于此，他们往往把电影当作社会科学、哲学论文来创作，过分强调“文以载道”的哲理功能，而忽视，以至抹杀了电影之所以为电影的根本功能，即艺术功能。如陈凯歌就认为：“电影的功能不仅仅是娱乐，人们到影院，不全都是为了轻松和娱乐。追求哲理启迪和进行理论探索的人也是有的。”但他却忘了，在电影艺术中追求哲理启迪须在艺术的审美过程中才得以完成。钟老虽然早就注意到电影作为艺术的特点，并敏感到“电影宣称自己为艺术，实际上这并不是大家的共同认识。”因而，他提醒道“无论是电影文学家和导演，都要对此心中有数”，然而，如何“有数”，钟老并未具体指出，困惑也就发生在这里。综观西方电影史，这一把握的失误是由来已久的。如巴赞和克拉考尔就因为电影反映生活的逼真性，怀疑、否定电影作为艺术部类之一的艺术美的根本特点。这是一种宏观把握上的失误，导致电影艺术创作中的相当深刻的偏失。探索片的失误，一个深刻根源即在于此。真理跨出一步即为谬误。电影确有反映生活真实的优越性，但一旦跨出艺术的大门，即失去了电影的本性。
我们认为：对于电影，艺术(审美)功能决定其本体的存在，而哲理(理性内涵)功能则决定其质量的高低。艺术的根本宗旨是求美，科学的根本宗旨是求真。这是判然分明的。电影艺术作为艺术部类之一，当然根本宗旨也是求美。这个美当然是有多种层次，从生理的，到心理的愉悦、激动、陶醉、共鸣。而且，这个求美，可以并不排斥求真，甚至在最高层次上，恰恰必定包含求真，只是必须以符合审美规律的方式求真。而电影艺术，也恰恰属于这最高层次的部类之一。陈凯歌的《孩子王》不受欢迎，是由于把求真强调到不适当的地步，但他仍坚持他拍的三部片子中最喜欢《孩子王》，可见，不是艺术抛弃了思想，而是思想抛弃了艺术，同时也就抛弃了观众。
这就是为什么在电影发展史上，以技术主义为代表的倾向，总是以压倒优势君临写实主义及其现代形态现代主义的根本原因。
第二，是对电影艺术的内在审美结构把握的朦胧，而导致对于电影艺术各组成元素把握的失误。
钟老对探索片的探索精神是赞成的，并赞成“对电影自身的认识必须发展，必须深入”，同时明确表示“不赞成的是电影这门极富群众性的艺术日趋沙龙化，成为‘沙龙电影’，或者成为意念的七巧板”。在这里，钟老又出现二难心理，既希望电影艺术表现手段的发展，但又怕“成为意念的七巧板”，失去大部份观众(以上引自《电影策》282页)。然而，又如何去适度而不是过度地把握电影艺术的内在审美结构呢?答案没有。
我们认为，探索片在这方面的失误主要表现为二个方面：一是过分追求电影的表现手段。致使手段和目的错位。如画面造型、视听效果，虽然是电影的主要特性，但只有它们充分地去表达了影片的思想内涵，才能体现出其作为电影元素的存在价值。一旦脱离了影片的思想内涵，便游离了电影，最终被绘画和音乐所取代。电影《一个和八个》由于过分强调了画面造型上的“雕塑效果”，使观众的注意力过分转移到反面人物形象的丑陋、卑微、粗野、原始上，给人一种沉闷压抑感，而忽视了整部影片的立意。另外，还把电影中的象征、类比隐喻等修辞功能当作思维主体，大加渲染，精心设计，喧宾夺主。二是一反传统电影的叙事结构，偏移了电影的本性。电影本性的最根本的一点，是思维的审美活动。这一审美活动必须通过叙事结构才能完成。传统电影正是在首先完成叙事结构的基础上去调动视听、造型手段的，所以他们才具有相当的活力。而探索片迷恋于造型力量，竟把叙事结构给淡化了。其结果便是无“事”生“非”，观众对无叙事的画面莫名其妙，发生种种非议。如《黄土地》反复“特写”一只水桶，强迫观众接受编导的“造型”意念，电影变成了猜谜。北影探索片青年导演田壮壮曾在1988年5月8日的《光明日报》上撰文反思道：当初稿探索片的目的就是“以追求电影的形式美为目的!”“由于过分追求形式的精美，使‘探索片’出现了唯美主义倾向，相对忽略、排斥了创作内涵，有的影片在阐述的意念上自相矛盾，反映出导演自身思想上的矛盾和认识的肤浅。”
我们认为，对电影艺术内在审美结构的正确把握应是：造型视听艺术是服务于、服从于叙事结构的，并且，是在叙事结构的运动中才能显示出造型、视听艺术的真正力量。象征、类比、隐喻、暗示等修辞功能确是大有潜能可开掘，但它们毕竟是表达思维主体时的修辞作用，不能舍本逐末。
第三，是对人的思维运动过程的认识模糊，而导致以为能够不分好、坏一概谈化，甚至排斥情节。
1985年，钟老在《“离婚”后话》一文中，就电影中情节的重要性作了如下精彩的概括：“电影家的本事就是要在一百分钟左右的时间里把观众的注意力紧紧地吸引在银幕上。……真正的艺术家是‘残酷’的，他要控制你的脉搏和呼吸。这种经验，我们都是有过的。《红楼梦》写的林黛玉之死，《复活》写玛丝洛娃终于选择和西蒙松一起去西伯利亚服苦役，以及《罗密欧与朱丽叶》写罗密欧服下真正的毒药而朱丽叶从麻醉中醒来如此等等，举不胜举。这种折磨人的效果，往往来自戏剧的，而在此之前，即引向的故事情节同样是重要的，如果只有，前面松散拖沓，也决不能收到的效果。”但是，钟老接着又谈到“作为电影，尤其在强调‘非戏剧化’、‘非情节化’的今天，如何收到这种效果，则是个很值得研究的问题。”在这里，钟老虽然没有肯定探索片的“非情节化”的倾向，但也并没有从理论上批评这种倾向。在电影是否要有情节的问题上，钟老再度出现了困惑。
我们明确地认为，电影作为思维的视听艺术，其思维的主体部分应是以情节发展为中心的思维过程，为什么要把情节提到电影思维的主体部份那么重要的地位呢?这是与人的思维运动过程有关的。
人的思维运动是由悬念、问题启动的。在对悬念、问题进行探索过程中，科学家和电影创作家的思维结构都是一致的，即都要从现象出发，进行择选和比较，然后寻找因果联系。二者的区别是：当他们大致走完了自己具体的认识进程，达到了对认识对象的逻辑关系的一定把握之后，科学家是站在终点用逻辑来表述；电影创作家是回到起点用形象来再现。而情节正是(电影创作家)在思维寻找有因果联系的现象片断中逐步推动，伴随着时空的推进，伴随着正确与错误，伴随着喜怒哀乐构成的。整部电影的剧情或思维过程在情节中才可实现。思维和情节的关系，是情节头尾呼应的统一性，为思维的专题性所规定；情节因果逻辑关系的不可颠倒性，为思维的由表入里、由浅入深的不可逆性所规定(时空关系可逆，也可颠倒)；情节的阶段性，为思维的层次性所规定。
可以这么说，没有了情节性，也就没有了电影的故事性。而故事性一旦消失，导向观众层层思维的“驱动力”就失灵。探索片从严格意义上讲，还没有达到“无情节”地步，只不过是“淡化情节”追求散文风格而已，便遭到了观众的冷漠。假如真的“无情节”了，电影也就“无观众”了，而一旦“无观众”，电影就最终失去自身。
观众对情节的兴趣，正是对于思维的兴趣，一旦入了情节，观众的思维自然会活动起来，表现为注意力的高度集中；当情节出乎意外时，观众思维会兴奋，而情节又合乎情理时，观众思维又会认同。探索片被观众抛弃，关键的一点就是在强调所谓的“电影意识”中将电影结构中的极为重要的情节性给扔掉了，如《猎场扎撤》就因为情节淡化，造成交代过分简约，令观众费解；再如《海滩》，银幕上的三位老渔夫与痴呆儿木根，竟九次穿越海滩画面横向来去，其中一两镜头对准落日(或旭日)静止长达一分多钟，令观众生厌。
一般性工作思维是为间接兴趣所推动的。如工程师设计产品，是为产品所带来的好处所推动；而娱乐性思维只指向更有直接兴趣的事物，如消费品，如爱情、娱乐、成就感等。
人所最感兴趣的其实主要是人本身，是人的各种既特殊又共同的属性(包括人的各种需要及满足)，所以，电影艺术的反映对象主要是人（象《狐狸的故事》、《鸭子的故事》、《米老鼠与唐老鸭》等也着眼于它们和人性沟通处来描述的）。
而人的各种既特殊又共同的属性，只有在不同环境中，不断行动中才会迅速发展和明显表现出来，所以电影情节所表现的人往往在不断地活动（心理与行为的过程）中。
由于人的活动往往在人与人的相互作用、冲突中最为迅速、变幻剧烈，所以，电影艺术往往把人与人之间的冲突过程，作用过程，作为主要表现对象了。有中枢本身娱乐性的思维运动，则按由最佳生理强度与节奏布列起来的情节发展运动促成；深刻、丰富、发现性的思维，则由来自于厚实、多姿、活生生的生活的典型情节促成。
我们的结论是，电影创作中，我们应反对的只是某些悬念，某些情节，某些思维结论，某些病态情感，而不是一切悬念、情节、思维结论、情感。我们不能把“脏水和孩子”一起给倒了。
第四，对艺术推动人类，人类社会发展的特殊功能、特殊方式认识的模糊，而导致对艺术娱乐群众作用评价的轻视。
1979年，钟老在《电影文学断想》一文中，不仅认为“电影之为电影，……是要寓教育于娱乐之中”，而且还认为：“甚至连教育也没有，就是娱乐，不也是为各式各样的劳动者而娱乐?劳动之余娱乐岂不也是极为正当的权利？”钟老的这一宽容度由于未在更深的理论层次上作一种美学上的洞察，常常会游移不定，特别是当钟老认为娱乐与社会功能发生冲突时，便会表现出一种困惑。
我们认为，电影的娱乐功能是多层次的，但并不只是为娱乐而娱乐。大自然对自己的精心杰作——人类的关心，远胜过人类自身，它慷慨地赋予人类享受娱乐、的构造，其实是出于一种深谋远虑的设计：以娱乐、、美感作钓饵和奖赏，诱导和驱使人类去完成种种健全完善自身的活动。电影美学凭借着生理学、心理学、社会学、进化论等的帮助，使我们得以窥视这一微妙的有机联系，并得到如下初步看法：
首先，应为艺术，尤其是强烈直观的电影艺术刺激、激活观众生理功能的娱乐作用正名，从人类学、生命活力的意义上予以确认。我们认为，目前的武功片、动作片、悬念片、惊险片、恐怖片、闹剧片、歌舞片甚至包括含有描写成分较多的影片等等，对于克服人类日常生活中的生理、心理运动的平淡性、单调性、片面性，具有宣泄、补偿、丰富的功能，今天的娱乐大潮正包含着这一巨大功能，这就我们的传统理论没有认识到的，如钟老批评《神秘的大佛》多次出现这种惟恐埋没功夫的场面“不能不算是一失”。至于今天电影中愈来愈盛的所谓“脱风”、“裸风”，怕是也很难逃脱钟老的批评的，而其实，是不必过于紧张的。何况，那也大抵不过是今天已风行于世的“静态”人体艺术的“动态化”罢了。
其次，观众也喜欢看超越常规的爱情片，这也不能视为完全消极意义的。
历史证明，人类总是在不断争取，也确实在不断实现着更高程度的幸福、自由、美满。吃、穿、住、行方面如此，爱情方面也如此。所以，非常规与常规，只不过是一个时间流程中的相对概念，它们是会转化的。社会历史中任何一种爱情关系的模式，都只有相对的常规意义。当一个社会的多数成员都出现那种超常规的爱情向往时，一种新的常规模式便会被创造出来。这本是一个必然的合乎人性的历史过程。电影的表现，只不过强化和加速了这一过程。因此，从主流、从深刻的历史观、从社会进步看，人们的这种爱不仅不消极，而且十分积极。没有《西厢记》里张生“犯规”爬了一爬墙，恐怕今天的许多“张生”还不能从正门进去会有情人哩！
再次，观众不愿在影片中看平时看惯了的平凡生活场景，希望看到一些灯红酒绿、舞榭歌台、宾馆大厦、锦衣华服、俊男美女……，感受悦目赏心之快，这不能简单地视为消极庸俗之趣味。因为在某种因果意义上，更高消费欲望的激发和强化，正是加速社会生产摆脱现状，向更高层次、阶段发展的推动力和催化剂。从历史的发展速度说，人欲高涨并不错，比安贫乐道心如枯井好。下一步的关键，是要将天生的人欲导入有奔头的创造、生产性轨道上去。引导无方，造成“人欲横流”，自然难免多出些乱子。但这总的说来，并不是电影艺术家的“失职”，相反，艺术家激活了人性，为历史的进步，强化了“内驱力”，这已很不错。
上述这几点是目前尤其有争议的艺术功能，有必要予以正名。实际上，它包括的项目远不止这些。艺术，尤其是影视艺术，从最根本最长远的意义上来说，无疑具有对人类进化、社会进步的强大而全面的推动力。只是这种推动力未必就能被人类目前所具有的有限的甚至可怜的知识和智慧所充分理解，它带着大自然为抗拒环境对人的异化而安排在人的深层的本性中的全部强大张力；它带着人类为发展和实现自己的生命属性而对已有社会结构、行为规范体系的变革、进步所必须的内在撼动、冲击、甚至颠覆力（如果一定要搞到只有颠覆才能实现进步的话）。
综上所述，为了历史，更为了将来，从电影美学的高度，对当代中国电影作一番正本清源的审视是极为重要的。当前探索片浪潮已基本过去了，但这种过去，从某种意义上来讲，只是一种形式上的过去。实质上，理论上的症结并没有彻底解决，我们看到，取而代之的娱乐片大潮正向娱乐功能转化，方向是对的，从多层意义看（不但经济上，而且也包括社会进步效益）都如此，但是这种转化如果缺乏正确的理性指导便势必会为电影艺术的提高造成隐患、埋下水雷。如探索片《青春祭》导演张暖忻就认为，中国观众水平低下，只能欣赏娱乐片；《猎场扎撒》导演田壮壮索性改换门庭，也搞起娱乐片，结果他认识到，“娱乐片也不好搞”。如娱乐片目前出现的停滞难以提高，片种单一，审美内涵或单薄、或浅表、或纤弱、或缺乏回味和思想力度等等就是其表症。还对追求理性审美效应的片种犹豫不决，缩手缩脚。如改革片、社会片、以及高层次的喜剧片甚至高质量的推理片等至今无所作为，留下电影创作上的一大空白。最近，以在我国首先提出“观众是上帝”而引人注目的北京电影厂厂长宋崇，又在感叹“观众也是魔鬼”了。这是典型的“钟惦??式的困惑”。证明了我们这一研究课题的当代性实际性迫切性。
（三）
分析出钟老理性上的困惑和探索片失误的原因后，我们接下来就可以从理论上理直气壮地响亮地宣布：电影观众学中的审美效应指数——票房价值，应有它神圣不可侵犯的历史地位，我们应该坚持钟老的初衷。钟老在其晚年，以赤诚之心表述过他的复杂的矛盾心理：“57年我以提出电影的‘票房价值’遭谴，如今又以探索片的没有‘票房价值’得罪。同样一个脑壳，却悬在一条绳子的两端!”（引自1986年撰写的《探索电影集·序一》）。从他的肺腑之言，可以看出，一位在电影评论事业上极有建树的老人，由于陷入理性上的困惑而差点动摇其最有成就的基点。足见建立系统的电影美学理论体系的重要性和迫切性。
在这里。我们可以告慰钟老的是，他57年坚持的“票房价值”论是正确的。我们认为，“票房价值”是观众与电影之间沟通程度的检测器，电影艺术的生存、发展和繁荣，必须要：通过“票房”去满足观众，通过“票房”来滋养自身；通过“票房”去普及观众，通过“票房”去提高艺术；通过“票房”去精选好片，通过“票房”去淘汰劣片。为什么要如此坚定的坚持“票房价值”论呢?
一、这是由电影的基本属性之一大众性决定的。电影从它诞生的第一天起，，就明显地区别于小说、诗歌、绘画等艺术样式：小说、诗歌、绘画等创作出来之后，可以不给他人看，或“孤芳自赏”或“束之高阁”或“藏之名山、传之后人”。总之，一般是个人的脑力劳动完全可视作者本人意愿处理，不发表或人家不愿看，无关大局，然而拍电影不行，它一开拍便带有很强的社会性、综合性、客观性，不给观众看是不现实的。因此，这就首先要考虑观众是否愿意看。如果观众不愿看，意味着他们不肯自掏腰包，“票房价值”就实现不了。如果观众花钱蜂拥而至。就可以从中摸索出他们的审美情趣来，逐步总结出电影艺术的一般规律来。电影的大众性正体现在此。
二、是由电影的另一个基本属性——商业性决定的。现代社会不讲经济效益，那只能坐以待毙。特别是电影生产一开拍投资便以数十万元计，如果不计成本，一相情愿，电影靠谁去养活?!电影的商业属性决定它只能在平等的自由的竞争中才能发展，这就必须靠“票房价值”。钟老在1979年写的《电影进入八十年代》一文中对此作了极为精彩的表述：“如果说社会主义经济学的‘最终产品论’了二十多年来指导我国经济建设的全部理论，那么‘票房价值论’也就不必再是羞羞答答的了，羞羞答答盖源于知识分子的清高。‘革命家’、‘艺术家’的桂冠和供给制，使我们羞言电影在经过制作过程之后，是通过卖票和观众见面的；另就是作为指导思想的纨绔习气，其中又以的‘我给你们交学费’最为典型。既以人民的血汗化而为‘我’，又以动辄数十万计的电影生产成本化为‘学费’，经济收益无所计矣。我们在使用‘票房价值’这个词义的时候，总是把它和人民的爱好，即影片受欢迎的程度联系在一起的。人民的电影自然要以人民的好恶为准绳，‘票房价值’只不过是探知其究竟的一种测度计。”
三、是由评价电影质量的严肃性决定的。每一位电影导演总是在其自我感觉良好的状态下开拍电影的。从主观意图来看，大家都想争取更多观众的接受、理解、同化。然而客观效果并不一定如此。这就带来一个如何公允地评价电影质量问题。按导演自我评价，恐怕会出现不少“癞痢头儿子自己好”的滑稽剧。这能有利于电影事业的发展吗？！按少数评论家的不正常的捧场，电影界大概是会一直“阳光明媚”下去的，靠谁?那就是靠全体观众，只有观众是否肯慷慨解囊，才能真正严肃地、公正地评价这部电影的质量高低。一定量的观众必定能反映出一定质的影片。这就是“票房价值论”的严肃性。倘若说探索片一定是有积极功能的话，那这积极功能也只有当它转化为观众所欢迎的形态时，方能证明。在这一点上，我们对“传统片”也是一视同仁的。
让“无意插柳柳成荫”者知其所以然而益增其荫，让“有心栽花花不发”者知其所以“不发”而求其发，让观众审美要求及票房价值的权威地位无可非议、日趋稳固，让电影艺术从更深刻更全面的意义上实现自己对于现实、社会与人所应具有的，有自身独特个性的巨大作用，这就是我们今天再来认真面对钟老的困惑而殷切地期望于电影美学的。
说明：
