古典主义时期音乐特征

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古典主义时期音乐特征范文第1篇

《第四交响曲》既体现了古典主义的风格,又体现了浪漫主义的情怀,有着极大的艺术感染力。伤感的情绪几乎渗透到这部作品的每一根神经之中,充满了哲学性,是一部带有英雄史诗性的、充满人生体验的悲剧作品,整部交响曲置于一个完整、统一和深刻的悲剧结构框架中。在结构和乐思的处理方面是对古典主义音乐形式的回归,但又不乏浪漫主义音乐的内容。具有古典主义与浪漫主义音乐的双重性。

一、《第四交响曲》中的古典主义风格

勃拉姆斯的交响曲中包含古典主义风格,同他的先辈有很密切的联系。音乐的戏剧性可说来自贝多芬,对民间歌曲、舞曲等体裁的兴趣显然效仿于舒伯特,他个人热情的叙述音调,则使他更接近于舒曼。他又继承了贝多芬交响乐的传统,从深刻的人道主义和热烈的爱国主义中不断汲取力量,着力表现时代的精神风貌和斗争生活,作品成为贝多芬之后西欧交响音乐的杰出典范。

勃拉姆斯把一切华丽的装饰和空洞的辞藻从他的器乐作品中无情地剔除出去,特别反对近现代管弦乐的感官色彩性的优美音响。复调和变奏技巧的充分发挥,主要主题常源于固定乐思,在发展固定乐思时,用了古典主义音乐的重要手法之一――变奏,给交响乐的结构增加了一个新的、起凝聚作用的因素。其交响乐保留了贝多芬的转调、调性关系诸原则,这些原则在真正的浪漫派的交响乐中显然是缺少的。

勃拉姆斯交响乐创作中回复古典传统的风格特征主要体现在以下几个方面。

1.无标题性的纯器乐交响曲。

2.在曲式结构方面具有古典主义式的均衡:《第四交响曲》由四个乐章组成,采用了古典时期的传统结构形式:传统的快板――慢板――谐谑曲――终曲的典型形态。(第二乐章也采用无展开部的奏鸣曲式)

3.主题经常是长大的乐段,具有贝多芬的特点。

4.经常借助巴洛克及古典主义时期音乐大师作品的主题进行提炼、升华:《第四交响曲》的末乐章就用了巴赫第150号康塔塔的旋律作为帕萨卡里亚主题。

5.动机的延伸:他的交响曲在某些方面确实是遵循贝多芬的模式――尝试以少数基本动机发展出整首乐曲。

6.调性与调式的选择运用:《第四交响曲》的奏鸣曲式乐章,主部到副部的调性采用了古典时期的属调性安排。勃拉姆斯在乐曲的第二乐章的引子和主部都运用了古老的弗里几亚调式,使听众能感受到匈牙利曲调的影子。

7.配器朴实:使用了较为传统的双管编制,不追求色彩和光辉的表现,但他的乐队表现却格外精致而富有表情。

8.运用了巴洛克复调对位技巧:第一乐章和第三乐章中卡农和复对位手法的运用。

从上述中可以看出他接近的是音乐中的古典理想,他抗击泛滥的激情对古典精神的冲击,用古典的理想去平衡着浪漫的骚动。勃拉姆斯献身于古典主义音乐,比同时代任何人都更接近贝多芬精神,是最后一位德国古典主义音乐作曲家。

二、《第四交响曲》中的浪漫主义内容

尽管勃拉姆斯与古典主义形式和贝多芬精神很接近,但是浪漫主义时期作曲家的心态已与贝多芬有了很大的不同,作为一个浪漫主义时期的作曲家,勃拉姆斯也无法脱离于他的时代。因此,在保留古典风格的同时他又运用了浪漫主义的音乐语汇,表露蕴藏他内心深处浪漫主义的真情。

《第四交响曲》的浪漫风格和个性创新主要表现在处理抒情性主题时,常把器乐套曲思想内容的中心从第一乐章移到最后乐章,同时从德奥古典音乐传统与民间音乐中吸取营养,然后融化成自己独特而完整的个性风格。

虽然在曲式上勃拉姆斯采用的是古典时期的传统结构,但是在每一乐章的内部又有同古典时期交响曲不同的地方,如第一乐章虽然是快板乐章,但是作曲家写有“不太快”的提示,而且在节拍上采用了气息宽广的2/2拍。所以这个乐章听上去并不快,因此就不像古典交响曲第一乐章常见的那种热情向上的情感,而具有浪漫主义的抒情性。

古典主义时期音乐特征范文第2篇

十九世纪的西方音乐世界已经被浪漫主义的浪潮所席卷，在浪漫主义之风盛行的当时，勃拉姆斯却依旧秉持着古典音乐的创作手法和理念。勃拉姆斯一生作品繁多，但是可以根据时间大致分为以下几个阶段。

（一）创作的早期在1853年到1864年这段时间，勃拉姆斯在音乐创作的初期阶段深受古典主义大师的熏陶和影响，其中受贝多芬和巴赫的影响尤为显著。在着两位古典主义大师的熏陶下，勃拉姆斯的作品创作大多都严格遵循古典主义的创作理念。作品内容大多是取材于德国民歌，表现着德国民间的日常生活状态和生活的气息。当时的勃拉姆斯年轻气盛才华横溢，充满了创作的激情和冲动。我们从勃拉姆斯早期的作品当中就能感受到其极佳的创作才华和源源不断的创作动力。早期的代表作品包括《打铁匠》、《真爱》、《爱的忠诚》等。

（二）创作的鼎盛时期1865年到1884年这二十年左右的时间是勃拉姆斯创作日渐成熟直至顶峰的时期。在这一段时间之内，德意志由分裂逐步走向统一，所以在这一段时间的作品当中，勃拉姆斯常常将祖国统一带来的喜悦和兴奋表现在作品当中，使得这一时期的作品表现出勃拉姆斯其他作品当中少见的活泼和轻松。这一时期的代表作品包括《德意志安魂曲》、《徒劳小夜曲》、《五月之夜》等等。在这之中，《德意志安魂曲》更是其一生的标志。这部作品与前人的安魂曲相比，无论在内容或是音乐形式上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都开拓出了一个全新的境界。这是勃拉姆斯最伟大的作品，也标志着勃拉姆斯的音乐创作走向巅峰。

（三）创作的晚期1884年之后，勃拉姆斯进入了创作生涯的晚期，因为年龄和人生阅历的缘故，勃拉姆斯在这个时期的作品当中，更多的是对死亡和人生意义的探讨和追问。将音乐作品的音乐内涵从德国民间生活、时代精神转移到精神层面的深度思索。勃拉姆斯深受古典主义音乐的影响，创作风格一贯公正严谨。到了晚年，勃拉姆斯对自己的创作要求更是苛刻。这一时期的主要代表作品包括《死是冰冷的饿夜》、《在教堂的墓地》、《四首严肃歌曲》等等。

二、勃拉姆斯音乐作品的创作特点

（一）深深的民族烙印在浪漫主义时期，将音乐与民族风格相结合是这个时期的一个突出的特征。这也是勃拉姆斯音乐创作的代表特征。勃拉姆斯深受德国、奥地利民间音乐创作风格的影响，吸收了它们的创作特点。在音乐创作上，采用分解三和弦的结构，通过民歌般亲切自然的旋律，不管在形式上还是在内容上都表现得十分饱满丰富。勃拉姆斯在音乐创作的过程当中，将德奥匈等国家的民间音乐素材相互融合，创造出新的统一体，形成了自己鲜明的音乐风格。保持着民歌朴素、真挚、清新的特点，同时又包含丰富的情感表达。例如勃拉姆斯的《摇篮曲》就是勃拉姆斯因为好友喜得贵子而创作的。这首音乐的音乐素材来源于仑德勒舞曲，速度偏慢节奏和缓。作品旋律和缓幽静，包含着绵绵深情，仿佛是母亲凝望孩子的温柔眼神，充满了母亲对孩子的柔情和怜爱。此外，勃拉姆斯在钢琴伴奏的部分还巧妙运用了切分音，使得整个音乐作品表现力更加丰富，让人仿佛看见了一个慈爱的母亲在孩子的床头轻轻的晃着摇篮哄孩子入睡。

（二）深沉忧郁的抒情我们在欣赏勃拉姆斯的作品时，总能感受到在严谨的古典主义框架下的深沉忧郁的绵绵深情。勃拉姆斯的音乐作品将细致的情感刻画和思索融合在了古典主义的形式之下，将音乐欣赏和精神问题以及哲学问题的思索结合在了一起。在题材上，这些作品常常偏重于对死亡痛苦和刻画和思考。形成了勃拉姆斯特有的抒情风格。例如，勃拉姆斯在1873年创作的《你的蓝色眼睛》当中，勃拉姆斯通过舒缓的节奏和优美温暖的曲调，表现了作品主人公在经历情感波折之后，逐渐伤口愈合，找到了心灵的归处后的内心平静和愉悦。

三、音乐形式的复杂多样

古典主义时期音乐特征范文第3篇

关键词：勃拉姆斯；钢琴作品；音乐美学特征

中图分类号：J624 文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2012）24-0068-01

约翰奈斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms，1833—1897）是十九世纪浪漫主义时期杰出的音乐家。他崇尚古典主义，成功地延续了自巴赫开始，经过海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、门德尔松，直至舒曼的德奥音乐传统。在十九世纪50年代到90年代末，启蒙思想的理性哲学、黑格尔的情感他律论与汉斯力克的自律论音乐美学都不可避免地影响到了他的音乐创作思维。Op.79No.1这首作品创作于勃拉姆斯风格完全成熟的时期，我们以它为例来分析勃拉姆斯钢琴作品的音乐美学特征。

一、音乐的形式美

Op.79No.1这首狂想曲不同于一般意义上的自由幻想曲，而是采用了严谨的奏鸣曲式，其结构图示为：

呈示部 中部 再现部 尾声

ABA B1 ABA Coda

像这种由三个部分组成的曲式，当第二部分对第一部分进行性格否定后，与第一部分相同或相似的第三部分的出现，尤其令人容易接受。并且这部作品在呈示部和再现部的内部均出现了主部主题，展开部则运用的是副部主题的材料加以发展，这样就形成了类似回旋曲式的特征。曲式结构上的回旋达到了强调重复的效果，更加深了听众们对各个部分的主旋律的印象。乐句乐段的划分也非常清晰，基本上是以四小节或五小节为一个乐句，而节奏上则常用到了交叉节奏和切分节奏，规整而紧凑。这样平衡的曲式结构反映出了勃拉姆斯对古典曲式的眷恋，同时也体现了形式的均衡对称美。

另外，这首作品还体现了音乐形式的变化统一美，如作者突破了键盘语汇的限制，融入了许多交响色彩，他喜欢用八度、六度以及密集和弦，甚至旋律也用八度加厚，使钢琴音乐具有了交响乐般的厚实感，但是无论织体怎么复杂多变，它总是有一条主旋律贯穿其中，在和弦的包裹下向前流动，呈现出和谐统一的艺术美感。

二、音乐的情感美

音乐的情感美以其特有的精神内涵引导着人们的情感体验，并通过音乐丰富的表现功能，使情感的表达变成了可能，同时也是情感表现的一种象征。勃拉姆斯幼年时恶劣的家庭环境以及爱情绝唱造成他内向、孤僻、悲观、情绪不稳定的性格，所以他的作品多带有强烈的怀旧色彩和无可奈何的忧郁。

本首作品是勃拉姆斯创作的两首狂想曲之一，狂想曲这种体裁对于勃拉姆斯来说，可谓是一种特别的情感宣泄。尽管勃拉姆斯的作品被汉斯力克作为“自律论”音乐美学的代表作推上当时与瓦格纳、李斯特等人“他律论”音乐美学论战的最前沿，但不可否认的是他的音乐创作还是受到了浪漫主义的影响，带有着一定的浪漫主义色彩。从调性上看，这部作品是b小调，就连另一首狂想曲也是g小调，这与勃拉姆斯在作品中表达的悲观、忧郁的情绪是相呼应的。欣赏他的音乐，总是能让人们跟随着进入他的内心世界，唤起我们的共鸣，这也是他钢琴音乐情感美的体现。

三、音乐形式与内容的完美结合

在传统的音乐观念当中，“古典”与“浪漫”是相互对立的，表现为形式与情感的冲突，理性与感性的矛盾。在浪漫主义的作曲家当中，勃拉姆斯最为出色的表现了浪漫主义的情感抒发与古典主义结构形式的矛盾。他忠实的运用了古典时期严谨的三部性的奏鸣曲式，同时融入了自己独特的风格，表现出了形式与内容的二元性。

与同一时期的李斯特创作的狂想曲相比较，勃拉姆斯所创作的这首狂想曲可以说是规整而内敛的。李斯特的狂想曲在和声、曲式方面是自由而多样性的，没有受到形式上的束缚，就像一匹脱缰的野马在草原上肆意奔驰。尽管勃拉姆斯的外表粗鲁而幽默，但内心却是极其细致，甚至是孤僻离群的。就像他的这首狂想曲，犹如他的性格，充满了深思、克制、矛盾。虽然他在形式上还是段落分明，规整紧凑，但其实在旋律、和声、织体等方面都已经在向浪漫主义色彩靠拢了，如它的内声部的发展逐渐代替了旋律和低声部的位置，成为和声活动的重点；在织体方面，它的主旋律更加宽广和悠长，更有利于抒感、渲染气氛；大量使用三连音、交叉节奏等，更好的推动了音乐的发展。不可否认，勃拉姆斯将音乐的内在情感张力与完美形式的约束力维持到了最佳的平衡状态，体现出了勃拉姆斯式的独特魅力。

通过对勃拉姆斯Op79.No1这首狂想曲的音乐美学特征分析，我们清晰地看到勃拉姆斯的音乐风格是独树一帜的，他将丰富的情感注入进他所钟情的古典形式，正可谓“古典主义的酒瓶装浪漫主义的新酒”，他带给我们的是独特的美的享受。

古典主义时期音乐特征范文第4篇

关键词：古典音乐；古典建筑；内在联系；风格；人性；

1 关于音乐与建筑

美国建筑大师莱特曾经说过：“所有的艺术都与音乐有关联。”赖特的父亲是一位有着很深音乐修养的的教会牧师，耳濡目染，莱特本人也会弹奏钢琴和大提琴，当年他在创办塔里埃森设计学校时，规定每个学生至少要会一种乐器。

音乐通过音的高低、强弱等表达人的思想感情；建筑通过形体、结构等提供美的造型艺术。音乐与建筑按照各自的要求和规律发展，看似毫无关系的两种事物其实却有着千丝万缕的联系。

从公元前8世纪古希腊罗马时期开始，一直到20世纪初浪漫主义结束，在这漫长的历史演变中诞生了一大批世界上最伟大的艺术作品，尤其是音乐与建筑艺术，被公认为是人类文明中最纯粹的艺术作品。

2 古典各时期音乐与建筑的对比

    古典时期按时间顺序分为古希腊罗马时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期和浪漫主义时期。在不同的时间段内，诞生了不同风格的音乐与建筑形式，接下来通过对这古典音乐与建筑的风格演变进行对比，找到音乐与建筑的内在联系。

2.1 古希腊罗马时期的音乐与建筑

2.1.1 音乐成就

   （1）在古希腊神话中，重神之王宙斯的9个女儿是负责掌管音乐等艺术门类的“缪斯”女神。因此古希腊人就用女神的名字“Mousa”（缪斯）作为“音乐”的代称，这也就是流传至今“music”一词的来历。

   （2）公元前6世纪，古希腊哲学家、数学家毕达哥拉斯首先提出纯律理论，他根据弦的长度计算出了当时所使用的一切音程，这是音乐理论方面的重大突破。

   （3）大约在公元前5到公元前4世纪时，融戏剧、音乐、舞蹈、诗歌为一体的综合形式——古希腊悲剧与古希腊喜剧出现了。

   （4）古罗马的音乐基本沿袭了古希腊音乐的形态。他们主要用于祭神仪式、婚宴典礼及军队凯旋仪式。

2.1.2 建筑成就

   （1）希腊：雅典卫城建筑群、帕提农神庙、伊瑞克提翁神庙、胜利神庙、山门、雅典娜神像。

   （2）罗马：万神庙、大角斗场、古罗马公共浴场、古罗马住宅、古罗马广场。

2.1.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：固定的调式，如多里亚调式、弗里吉亚调式。

   （2）建筑：固定的柱式，如多利克柱式、爱奥尼柱式、科林斯柱式。

   （3）共同点：固定不变。

2.2 中世纪时期的音乐与建筑

2.2.1 音乐成就

   （1）这一时期的音乐多以宗教目的为主，宗教类型的音乐泛指的是葛丽果圣歌，此为单音音乐的作品，一路发展下来就成了後来的弥散曲、安魂曲。

   （2）世俗音乐也有了巨大的发展，大部分的作者都是一些没落的贵族阶级，其实内容大部分都是与宗教有关，但并不是在教堂里演出。

   （3）连年的战争加上宗教的禁欲主义，音乐内容与形式以宗教为前提，在通俗音乐与宗教音乐夹杂抗争中发展。

   （4）中世纪的音乐发展无疑是整个音乐史发展中禁锢最多、最灰暗的一段。

2.2.2 建筑成就

   （1）罗马风：基督教堂、封建城堡、教会修道院。

   （2）哥特：比萨主教堂建筑群、佛罗伦萨主教堂、威尼斯的总督府、阿尔罕布拉宫。

   （3）拜占庭：圣索菲亚大教堂。

2.2.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：多为教会音乐，单音节、无和声、无伴奏、清唱、齐唱。

   （2）建筑：多为教堂建筑，理性、禁欲、有节制、朴素、多用厚重阴暗的半圆形拱门。

   （3）共同点：朴素禁欲。

2.3 文艺复兴时期的音乐与建筑

2.3.1 音乐成就

   （1）这个时期的结束比开始有更为明确的定义，不像其他的艺术类别。在15世纪初的音乐表现上没有明显变革，因此说文艺复兴时期的音乐特点是逐渐变化的。

   （2）早期文艺复兴音乐作品主要是对第三间隔的依靠作为和音。从12世纪开始的复调音乐在整个14世纪变得更为细致而不依靠声音来表述。15世纪初的音乐趋向简单，声音致力于平滑。

   （3）到15世纪末，复调宗教音乐又开始变得复杂起来，在某种意义上和当时发展极致的绘画有所关连；接下来到16世纪早期，音乐又开始简单化了。

   （4）在16世纪晚期的音乐，尤其是小曲，趋向于更加复杂和半音音阶的趋奉。此时在佛罗伦斯，音乐家也开始转向古典流派，他们试图通过挽诗的形式恢复古希腊的梦幻化的音乐形式。

2.3.2 建筑成就

   （1）早期：弗洛伦萨大教堂、鲁奇兰府邸。

   （2）兴盛：圣彼得堡大教堂、法尔尼斯府邸。

   （3）晚期：维琴察的巴西利卡和圆厅别墅。

2.3.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：提倡人文主义，描绘世俗生活情景、表现诗意的画面。

   （2）建筑：批判神权、肯定人性、把人的比例融入建筑，多用线条轻快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飞扶壁、彩窗。

   （3）共同点：人性解放。

2.4 巴洛克时期的音乐与建筑

2.4.1 音乐成就

   （1）巴洛克是一个时期，而不是一种风格，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期。

   （2）巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。

   （3）那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。

   （4）代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知，亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅，他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。

2.4.2 建筑成就

   （1）早期：罗马耶稣会教堂。

   （2）中期：罗马波罗广场、圣卡罗教堂。

   （3）晚期：维也纳的舒伯鲁恩宫。

2.4.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：多用装饰音符、分声部和声、节奏强力跳跃、华丽、强调起伏和速度、表现壮观场面。

   （2）建筑：炫耀、多用贵重材料、追求新奇、装饰、色彩鲜丽。

   （3）共同点：装饰华丽。

2.5 古典主义时期的音乐与建筑

2.5.1 音乐成就

   （1）广义是指西洋古典音乐，狭义指古典主义音乐，是1750－1820年这一段时间的欧洲主流音乐。

   （2）因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。

   （3）“交响乐之父”海顿的小夜曲，“神童”莫扎特的奏鸣曲，以及“乐圣”贝多芬的 小提琴协奏曲。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。

2.5.2 建筑成就

   （1）早期：维康府邸。

   （2）中期：卢浮宫东立面、凡尔赛宫。

   （3）晚期：巴黎残废军人新教堂。

2.5.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：严谨、典雅、端庄、像黑白电影和版画一样。

   （2）建筑：以古典柱式构图为基础，突出轴线、强调对称、注重比例。

   （3）共同点：理性主从。

2.6 浪漫主义时期的音乐与建筑

2.6.1 音乐成就

   （1）这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。  

   （2）强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术。提倡标题音乐，强调个人主观感觉的表现，作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，重视戏剧，作品具有民族特色。

   （3）在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。

   （4）初期：舒伯特和柏辽兹。中期：门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第。巅峰：柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳。晚期：马勒、理查德·施特劳斯和拉赫玛尼诺夫。

2.6.2 建筑成就

   （1）前期：英国议会大厦、曼彻斯特市政厅。

   （2）后期：威斯敏斯特宫、圣吉尔斯教堂。

2.6.3 音乐与建筑的共同点

   （1）音乐：强调自由、奔放、像一幅水彩画和油画。

   （2）建筑：强调个性、自然主义、追求超凡脱俗、趣味和异国风情。

   （3）共同点：自然趣味。

3 古典时期音乐与建筑的内在联系

3.1 感性层面

在古典时期，往往是先出现新的建筑风格，然后再出现新的音乐风格，在一段时期内，音乐的风格与建筑的风格在表象特征上是基本一致的。

而在不同的历史阶段，古典音乐与建筑的风格会发生很大的变化，但是风格不管怎样变化，调子总是灰色的，充满信仰，压抑而厚重。

古希腊罗马时期风格是固定不变，中世纪时期风格是朴素禁欲，文艺复兴时期风格是人性解放、巴洛克时期风格是装饰华丽，古典主义时期风格是理性主从，浪漫主义时期风格是自然趣味，整个古典时期的音乐与建筑的风格就是从理性到感性，再从感性到理性，再从理性到感性的变化过程。

3.2 理性层面

先有建筑风格，后又音乐风格的原因不难理解，建筑往往是在创造一种生活，而音乐往往是在描绘一种生活。建筑师把对生活的理想用建筑语言的形式表现出来，当音乐家游走于一种新的视觉形象中时会有新的灵感来源，再通过音乐语言把这种灵感表现出来。

而在这么长的一段时间里的音乐与建筑的风格总是表现出厚重感的原因在于，西方文明一直处在一种宗教的氛围当中，不管是创作的起点还是终点，总有一端是与宗教联系在一起的，所以整体的风格不管怎么变化，仍然有很沉重的感受。文化或是文明是有惯性的，不可能从一个极端走向另一个极端，总体上虽有变化但仍是一种延续。

整个古典时期的音乐与建筑风格的转变呈现出这样一种特征的本质原因在于人性的变化。当人性过分的理性时，就需要一种解放，当人性过分的感性时，就需要一种束缚，人性的发展就是在两种变化之间徘徊前进。而音乐与建筑就是人性变化时的一种外在反应，人通过这些表象事物来抒发自己对新生活的理想。所以在整个古典时期，音乐和建筑会在一个时间段内，风格都极其相似，也可随着人性的变化而呈现出相反的特征。

结语

通过对古典时期音乐与建筑的特点进行对比，找到了它们在每一段时期内的共同特征和不同时期的变化规律，在同一时期内产生共同的特征是因为人们对生活共同的向往，在不同时期产生不同的甚至是相反的特征是因为人性的变化。不管是音乐还是建筑都是人的创造物，它是人在一段时期内内心愿望的外在表现，必然会在特征上表现出高度的相似性，这也就是为什么音乐和建筑在一定程度上可以相互转化，人性在其中扮演着重要的角色。

参考文献：

(德)谢林．艺术哲学．北京：中国社会出版社，2005． 

古典主义时期音乐特征范文第5篇

古典主义时期

在这个时期中,奏鸣曲、变奏曲、回旋曲等等是键盘音乐中的主角,我们虽然看到很多技巧性很强、具有明显练习曲特征的作品,但真正意义上的练习曲并不产生于这个时代。

古典主义至浪漫主义过渡的时期

今天,我们所熟悉的大多数练习曲都诞生于这个时代,而这时的音乐家们大都身兼作曲家、演奏家、教育家等多重身份,这种传统直到浪漫时期才有改变,作曲家与演奏家的职能开始分离。不少音乐家彼此之间往往有着师生关系,钢琴音乐在他们手中一代又一代地被发扬光大。

克列门蒂(M.Clementi,1752―1832),意大利作曲家与钢琴家,他的演奏在当时被评论为“富于艺术性的”。他写作的练习曲集《名手之道》至今仍然是重要的练习曲作品。作为教育家,他出名的学生有克拉默(德)、胡梅尔(匈)、菲尔德(爱尔兰)等。

克拉默(J.Cramer,1771―1858),德国钢琴家、作曲家、教育家。克拉默师从于克莱门蒂,写有《练习曲集》,其程度介乎于车尔尼作品299和作品740之间。

车尔尼(K.Czerny,1791―1857),生于奥地利,他是一位在19世纪做出巨大贡献的钢琴教育家、作曲家。他15岁开始教学,李斯特是他最出名的学生。车尔尼不仅教育了数量众多的学生,还创作了大量的练习曲作品,如作品599,作品849,作品740等等,这些成就将练习曲创作推向了一个高峰。

莫舍莱斯(I.Moscheles,1794―1870),捷克作曲家,同样也是克莱门蒂的高徒,他所创作的练习曲流传至今。莫舍莱斯是门德尔松的老师,在他所处的时代,音乐风格正在面临变革,因此他认为钢琴演奏技术也应该随之改进。

浪漫主义鼎盛时期

在这个时代,钢琴音乐迎来了它最辉煌灿烂的岁月,就练习曲创作而言,它正经历着一个从以纯技术训练为目的,到以音乐内涵为主导地位的演变过程。在这个过程中,肖邦和李斯特两位大师为我们留下了堪称不朽的练习曲杰作,他们的练习曲被称为“音乐会练习曲”,可以在音乐会上作为独奏曲演奏。

肖邦(F.Chopin,1810―1849), 波兰人,创作了24首练习曲(另有三首遗作),这套作品对钢琴技巧具有开拓性的贡献,作品中音阶、琶音、双音、八度等等技巧复杂多变,难度很高,已成为衡量一个演奏者技巧水平的标志,同时也是当今国际国内比赛中必不可少的规定曲目。

李斯特(F.Liszt,1811―1886),匈牙利人,李斯写作了两套音乐会练习曲、十二首超级练习曲、六首帕格尼尼练习曲等,这些作品不仅具有高难度的技巧,其中的不少作品还被作曲家赋予了充满诗意的标题,如“森林呼啸”、“叹息”、“侏儒轮舞”、“鬼火”、“狩猎”等等,这也正是浪漫时期标题音乐的典型特征。

浪漫主义晚期至近现代时期的俄罗斯学派

俄罗斯钢琴学派具有悠久的历史,自第一位走向世界的钢琴巨人安东•鲁宾斯坦开始,这个国度涌现出大量的钢琴家,其中不少人既是优秀的钢琴家又是伟大的作曲家。

拉赫玛尼诺夫(S.Rachmaninov,1873―1943),钢琴家与作曲家,他写作了大量的钢琴作品,其中两套“音画练习曲”最为人们所熟知,分别是作品33号(6首),作品39号(9首)。

斯克里亚宾(A.Skryabin,1872 ―1915),他是与拉赫玛尼诺夫同时代的作曲家,二人的创作风格截然不同,后者属于典型的晚期浪漫风格,而斯克里亚宾则更具有现代音乐特征。他创作了数十首练习曲,其中成套的作品有第8号(12首),作品42号(8首),作品65号(3首),其他还有一些零星的练习曲。

普罗科菲耶夫(S.Prokpfiev,1891 ―1953),具有“新古典主义风格”的作曲家,创作了大量的钢琴作品,其中有练习曲四首。

斯特拉文斯基(I.Stravinsky,1882―1971),一位20世纪最杰出的现代作曲家,他仅仅创作了四首练习曲,其中第四首是非常受欢迎的。

法国印象派

印象派的音乐拥有丰富的和声色彩,其声音效果或浓、或淡、或深、或浅、或厚、或薄、变幻莫测。要求演奏者同时要具备丰富的内心幻想、敏感的听觉以及细致的触键。

德彪西(C.Debussy,1862―1918),法国印象派作曲家,他创作了十二首练习曲,分为上下两套,每首都有一个小标题提示练习的目的。第一套按特殊的技术问题排列,特别以音程关系作为排列的线索,如“为四度音程而作”、“为六度音程而作”等等;第二套按调性排列并考虑音乐的一致性。

现代作曲家

利盖蒂(G.Ligit,1923―2000),他是继巴托克之后最杰出的匈牙利作曲家。在当代,已经鲜有作曲家专门为钢琴创作练习曲,而利盖蒂却自1985年至1995年,十年间共创作了15首练习曲,这些作品堪称精彩的现代音乐作品。作品的节奏十分复杂,多为无调性或多调性,多层声部交织在一起,从读谱、背谱到演奏,对演奏者都是一个极大的挑战。

在匆匆浏览了练习曲的变化与发展之后,我们将重点为大家介绍李斯特的练习曲作品,让我们一起来领略这些浪漫主义鼎盛时期的经典音乐。(待续)

参考书目:

1. 张式谷、 潘一飞:《西方钢琴音乐概论》。