对于艺术创作的理解

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇对于艺术创作的理解范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

对于艺术创作的理解范文第1篇

无论是贝尔提出的“有意味的形式”还是卡西尔的美学理论都充分强调了意味对于形式的重要性以及形式对于艺术的重要性，一方面提供坚实的理论基础为后代艺术家把握艺术创作的有效性指明了方向，另一方面帮助观众更容易理解现代艺术作品。本文以文艺复兴时期艺术家老彼得•勃鲁盖尔的作品《死亡的证明》为例来详细阐述艺术创作语言中的形式意味。《死亡的胜利》是老彼得•勃鲁盖尔于1562年创作的一幅油画，这幅油画给人的表现了一种超乎寻常的“乱”，画面中既有死神率领骨瘦如柴死亡之马，皇帝及主教已经倒下的画面，又存在不知危险迫在眉睫、依然卿卿我我的恋人。画家在画作中创作出一个非现实的俯瞰角度，利用简化的山体和和抽象的树表现对形式的强调，突出死亡对于人的打击是一律平等的核心思想，正因为油画中的巧妙结构成为启示录第四封印后的力作。由此可看出，艺术创作中选取有“意味的形式”语言和特征化的符号语言，能够通过丰富的理论知识作为基础，为艺术家艺术创作指出了发展方向，也能使得观众更为深入的了解现代艺术趮。

二、艺术创作中选取形式与符号语言的有效性

1、从艺术家创作的主体意识与逻辑无意识分析

艺术创作的主体意识与逻辑无意识是艺术家选取形式与符号语言的有效性的潜意识体现。自二十世纪以来，西方现代哲学论著在艺术美学理论中多有涉及，以象柏格森的生命哲学为例，将生命冲动和艺术创造视为一种内心体验。赫伯特•里德在研究毕加索时指出，艺术家在创作中是主体意识与逻辑无意识的结合，在创作的某一阶段存在凭借潜意识来构思形象。从的观点出发，人的本质属于社会是其核心思想，强调艺术和审美对于人类的必要性和重要性。因此，无论是艺术家的主体意识还是逻辑的无意识都渗透着时代精神和社会立场，也就是说社会、时代、历史的因素赋予了形式与符号语言的意义。从心理角度分析，艺术家对艺术语言的选取在很大程度上处于一种无意识的状态，这种逻辑的无意识来源于艺术家的个人经历和思维模式，是一种意识的深层积淀和实践经验的累积。心理学家荣格提出艺术创作的过程往往会受到一种积淀在艺术家潜意识深处的集体心理经验的影响，以此发挥着重要的干预作用。而艺术创作中符号语言的有效性能够充分的体现出，艺术家在进行艺术创作时的主体意识和逻辑无意识，将创作某一阶段的形象构思，将符号语言富裕意义，从而将社会积淀和精神世界进行展现。

2、从观众的接受心理分析

由于观众在艺术参与中扮演了一个十分重要的角色，因此必须从观众的接受心理来考虑艺术创作中选取形式与符号语言的有效性。观众在艺术欣赏的过程中，通过感受和理解等心理活动参与到艺术的创造活动中，因此观众与形式的关系是一种主动关系。卡西尔美学思想认为只有能被观众用心接受的艺术才能真正体现美感，从而引出对艺术接受和欣赏角度的探讨。以戏剧为例，戏剧的综合性质决定了文本被阅读和观看演出的两种形式，观众在阅读文本的过程中，在填补文本中不确定性和空白时，往往调用意识和无意识进行选择，带有个性的特征和主观的性质。在观看演出时观众看到的是演员对剧本的角色的想象、理解和演绎再度创造的直观形象，由于演员的演绎的形式和符号语言使观众在阅读文本时的不确定性变得确定，常常激起观众挑战演员演绎权的欲望。从观众的接受心理，对符号语言的有效性进行分析，可以看出观众心理是符号语言发挥作用的重要因素，观众在进行艺术欣赏的过程中，观众与符号语言构建出来的主动关系，只有通过艺术作品进行传递，而观众进行艺术接受和欣赏后，也会带有强烈的个性特征和主观性质，从而赋予符号语言更为丰富的含义，提升了符号语言的作用。

三、结束语

对于艺术创作的理解范文第2篇

我国的舞蹈创作在体现时代性、民族性、文化性的同时还更应该注重对于民间文化的一种传承，但是当前的舞蹈创作就偏离了这个方向，时代性是一个相对比较重要的内容，在舞蹈创作过程中很容易就表现出来，但是艺术往往只有民族的才是世界的，我国的舞蹈艺术创作的过程中恰恰将这一点内容忽略掉。这就给当前的舞蹈艺术的创作带来了很大的影响，相对于西方舞蹈来看，我国的舞蹈创作往往大多是复制、借鉴国外的舞蹈表现形式，再加上我们自己的一些内容，这样创作出来的舞蹈作品尽管能够在一段时间内受到大众的追捧，但是从长远的角度来看，是不适应这个社会的需求的。舞蹈创作这门文化艺术应该充分尊重文化传统的前提下进行创作，同时还应该看到我国的舞蹈创作在不断的发展和完善的过程中，应该尽可能多的创作那些属于民族的自己的舞蹈作品，才能够在舞蹈艺术的舞台上长久不衰，才能够让中国的舞蹈艺术走出中国，走向世界。另外在舞蹈艺术的创作过程中，缺少的是对于文化内容主体的提升，这样的一种表现形式往往会导致的就是对于舞蹈艺术缺乏主题，只停留在简单的音乐和动作的表达上面，不能够真正的起到传达美的艺术效果。

文化自觉理论在艺术创作中的概述

文化自觉理论最开始是由先生在社会学上面提出的一种文化的最终形式，其中最经典的表述就是：“各美其美，美人之美，美美与共，天下大同”，从这里我们可以看到社会学上关于美的界定是一种大家同在一起都能够享受美的一种生活的态度。笔者认为：先生的这个关于社会学中处理社会关系的理论，同样适合在舞蹈创作过程中，作为舞蹈的编导应该认真考虑的一项内容。从先生的概述中我们可以想到，舞蹈艺术作为一种对于美的追求，舞蹈的编剧往往想把自己内心中所想象出来的最美的艺术展现给观众，让观众能够通过视觉来感受美的存在，在这里作为舞蹈的创作者是在不断的提供美的艺术成分，作为舞蹈表演者来说，就是美人之美将自己最美的一面展现给观众，让观众在欣赏舞蹈艺术的过程中，能够感受到表演者美的存在。先生对于社会中的文化自觉理论中提到的最高的一种形式就是：美美与共，这种美就是形成一种合力，主要是舞蹈的创作者、舞蹈的表演者、舞蹈的欣赏者都能够感受到这种美，这就达到了舞蹈艺术的最高境界，当然这里对于天下大同来说，可以延伸出对于三者之间相互欣赏、相互认同的一种外在表现。当然舞蹈艺术的创作并不是单纯的美的艺术的展示，更多的是为了能够传播一种文化、传播一种价值、传播一种社会的认同，让人们在欣赏舞蹈艺术的过程中，能够从舞蹈艺术中感受出对于美好生活的向往以及对于美好生活的追求。舞蹈作为一种文化和价值的载体，在人们的日常生活中发挥的作用是巨大的，所以说我们只有将舞蹈艺术创作充分的融会贯通对于文化理念的表达，才能够实现舞蹈艺术的创作提升，才能够有效的将舞蹈艺术创作充分的展现到观众的面前，为观艺术与设计众奉献出关于美、文化、价值认同的一项多样的、灵性的艺术作品来。

舞蹈创作中如何将文化融入到作品中

作为舞蹈创作中的最难的一个地方就是如何将文化融入到作品中，由于舞蹈所面临的观众层次是千差万别的、其文化知识水平以及素质也是参差不齐的，这就是在舞蹈创作中非常难的一个地方所在。克服这样的舞蹈创作难点应该充分考虑到舞蹈创作中应该将群众基础作为进行舞蹈创作的源泉，所有的艺术都是来源于群众中，只有充分的认识到群众的需求所在，才能够将舞蹈创作完善好，在强调舞蹈创作的群众性的时候，并非是为了迎合一些低级趣味、最主要的是为了能够将那些反映群众内心所想的舞蹈作品才是创作的重点。舞蹈艺术能够发展到现在很大的程度上是得益于有着坚实的群众的基础，这里的群众基础也就是舞蹈的欣赏者，历史的经验反复证明的是，那些艺术氛围高雅、内容积极健康向上的舞蹈作品才能够经得起历史的推敲，才能够经得起群众的筛选，才能够在艺术的历史长廊中留下脚印。另外在舞蹈创作的过程中还应该充分的将社会性和民族性融合到舞蹈艺术创作的过程中，我们将舞蹈艺术的创作往往是需要将文化自觉的理论融合到舞蹈艺术的创作过程中，这里的文化自觉的理论中包含最多的内容就是其舞蹈艺术的社会性和舞蹈艺术的民族性，舞蹈艺术只有反映当前社会生活的方方面面，才能够在群众中有生存的基础，另外舞蹈艺术的创作只有真实的反映人们生活的状况、反映时代的精神品质所在、反映社会文化自觉的内容，着眼于社会的本质，才能够提炼出平凡生活下的人们对于艺术美的追求所在。另外的一个方面就是对于民族性的考虑，尽管在舞蹈创作过程中，对于民族性的内容强调的较少，但是只有民族性的东西才能够有一定的群众基础，才能够走上舞台，才能够在舞蹈艺术的舞台上更加完美的展现出来。在体现舞蹈民族性的过程中其实就是在提炼民族文化中，那部分文化自觉的地方，先生曾经说过，那些很难用言语表达的内容往往就是文化的一部分，也就是文化的魅力所在，所以我们在进行舞蹈艺术创作的过程中，如果能够将文化自觉理论中的内容展现出来，这就是对于舞蹈艺术和文化自觉理论的最完美的结合。文化自觉理论往往是带有很强的知识性在其中的，只有将知识性充分的融汇到舞蹈艺术的创作中，才能够将舞蹈艺术的核心展现出来，才能够将舞蹈艺术带着思想的传播给观众，让观众能够在这根主线的牵引下面，进行舞蹈艺术的欣赏。在舞蹈艺术的欣赏中人们往往对于视觉的欣赏低于了对于舞蹈内在思想的欣赏，由于舞蹈创作所要融会贯通的学科相对较多，这就给舞蹈创作者提出了更高的标准和要求，需要舞蹈创作者不仅懂艺术，还要懂社会学、美学、文学、音乐学等社会学科。只有这样才能够将舞蹈艺术提升起来，才能够将文化自觉的理论充分的应用到舞蹈创作过程中。

对于艺术创作的理解范文第3篇

丹纳（1828-1893），法国著名的史学家和批评家。他的《艺术哲学》这部著作较为全面地论述艺术创作的根源。“在他看来，物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。”[1]

丹纳一开始就说：“作品的产生取决于时代精神和周围的风俗。”[2] 换句话说，时代精神与风俗习惯决定了艺术品的种类。时代精神与风俗习惯就是作者所言的环境。丹纳认为，环境只接受同它一致的品种而淘汰其余的品种，所以艺术家必须适应社会文化环境，才不会被社会淘汰。

社会文化环境不是一成不变的，不同的时代有着不同的社会文化环境，不同的时代产生不同的艺术品种。例如，希腊雕像产生于热爱运动、崇尚艺术的古希腊时代；哥特式建筑产生于封建与基督教的中古时代；意大利美术产生于17世纪的文艺复兴时期。

不同的时代精神可以映射出不同的社会文化环境，不同的风俗习惯可以映射出不同的种族特征。种族是一个种族区别于其他种族而具有的独特的特征。作者将种族比喻为艺术创作根源中的原始花岗石，它不会随着时代环境的发展变化而改变，它是一个民族的永久的本能，它与民族的寿命一样长久，一样牢固。

二、种族、环境、时代与民族性格的关系

民族性格是一个民族表现在行为举止、思维方式及精神气质上的心理特点的总和。[3]由于地理环境和社会政治、经济、历史、文化的作用，不同的民族拥有不同的性格。

在古希腊时代，全身是希腊人特有的习惯，衣着只是附属品，不拘束身体；房屋室内配备简单，即使是他们喜欢的露天生活中的广场和练身场也一样简单朴素；在古希腊城邦，公民享有参与公共职务的权利；在练身场和舞蹈学校的培养下，公民可以轻松地成为一名军人。古希腊人生活的所有这些特点存在的原因就是他们拥有非常平衡而简单的心灵，这种心灵产生于古希腊时代，而不是封建时代，也不是文艺复兴时代。所以说，特殊的时代造就了特殊的性格。当时希腊人民的性格是：简单、朴素、活泼、乐观、勇敢。

再来说说种族，以日耳曼族和拉丁族为例。日耳曼族，比如德国人和英国人，身材高大，外貌平平，但是安静、慎重、理智、有恒心，可以坚持不懈地做事业。拉丁族，比如意大利人，生活简单，头脑敏捷，能说会道，感觉敏锐，行动迅速，但是经常过犹不及，遇到刺激会过于兴奋，以至于会忘记责任和理性。通过对日耳曼族和拉丁族的比较可以发现，种族不同，性格也会不同。

三、民族性格对艺术创作的影响

艺术创作是指艺术家以自身的世界观、人生观、价值观为指导，以一定的创作方法为依托，通过对现实生活的提炼和感悟，将特殊的情感融入到艺术作品中的创作性劳动。艺术家生活在特定的地理环境和精神气候中，特定的地理环境和精神气候造就了特殊的民族性格。民族性格直接影响艺术家的性格，进而间接影响艺术家的艺术创作和艺术作品。

精神气候是指时代精神和周围的风俗，而时代精神和周围的风俗是产生作品的决定性因素。精神气候并不产生艺术家，但却明显地影响着艺术家的才干，精神气候改变，艺术家的才干的种类也随之改变，这就是为什么某些国家的艺术宗派，有时以理想的精神为发展的趋势，有时以写实的精神为发展的趋势，有时以素描为主，有时以色彩为主的原因。艺术家若是不走群众路线，就会被社会排斥，甚至于淘汰。

那么，精神气候是怎么对艺术品产生作用的，这里用精神状态以悲观绝望占主导的社会环境来加以说明。首先，艺术家是群众中的一员，是集体中的一个分子，苦难使群众伤心，也使艺术家伤心。其次，艺术家在苦难中长大，看到的、经历到的、感受到的都是悲伤，于是艺术家创作的艺术作品自然而然地以悲伤为主。再者，艺术源于生活，在悲伤的时代，艺术家只能获得悲伤的暗示，教堂中的仪式、屋里的家具、别人的交谈，都是艺术家创作灵感的源泉。最后，也是最有说服力的一个理由是，在悲伤的时代，只有悲伤的作品才能引起悲伤的群众的共鸣，群众是艺术作品生存的土壤，悲伤是艺术作品生存的养料，二者缺一不可。总而言之，风俗习惯与时代精神，也就是环境，先是影响了艺术家的生活和情感，造就了艺术家符合环境和时代的性格，进而影响了艺术家的艺术创作方法，最后决定了艺术作品的种类。

在古希腊与古罗马的时代、封建与基督教的中古时代和意大利文艺复兴时期，三个不同的时代有着不同特色的艺术或艺术品种，并且作品的主要特征都与时代和民族的主要特征一一对应。

希腊是一个三角形的半岛，一面是丘陵地，一面是滨海，天气温和宜人，夏季没有酷热使人消沉或懒散，冬季没有寒冷使人迟钝僵硬，在这样温和的气候中生活的民族，精神平衡和谐，性格聪明开朗活泼。希腊人不沉溺于宗教，神明跟人类一样是快乐的。希腊人的社会生活也同宗教生活一样轻松愉快。希腊人喜爱学习，善于思考，所以头脑敏捷；热爱生活，所以年轻乐观；天生是理想主义者，所以容易成为优秀的艺术家。成为优秀艺术家的三个特征也在希腊人的性格中得到了充分的体现：一是希腊人感觉精细，善于捕捉微妙的关系，易于分辨细微的差别，这使得艺术家可以将造型、色彩、情感等所有元素结合得非常融合，换句话说，可以将源于生活的素材，很完美地创作出高于生活的作品；二是希腊人凡事追求清楚明白，喜欢简单而明确的轮廓，讨厌不清楚的、抽象的、怪异的事物，这使得艺术家可以将作品的意境限定在容易被想象力和感官理解的范围内，让作品成为不同民族和不同时代的人都可以欣赏了解的艺术，并且流传千古；三是希腊人对现世生活的喜爱和重视，对于人的力量有着深刻的感悟，追求愉悦，这使得艺术家倾注于表现人的健康的心灵和完美的肉体，而不是病态的精神或残疾的肉体。

神庙是希腊城内重要的建筑物，而雕像是神庙的重要内容，它们给人的整体印象是简单、朴素、宁静、高雅、雄壮，这种印象与希腊的民族精神完全一致。希腊人的心灵和肉体是健全的，造就的建筑和雕像自然是健全的；希腊人不喜欢过度兴奋的幻想，造就的建筑和雕像自然是清明的理智的产物；希腊人喜爱运动，追求健美、强壮的肉体，造就的建筑和雕像自然是舒展的、雄壮的、优美的。民族性格对艺术创作的影响显而易见。

四、结语

民族性格对艺术创作的影响是多方面的，也是深刻的。民族性格是由种族、环境、时代等多种因素共同影响而成的，是一种不容易变化的特征，它就好比地质结构中的原始地层，无论经过多长时间，构成民族性格的特性始终存在。艺术创作也是有等级之分的，最肤浅的艺术创作是那些流行的风气和暂时的事物，略为经久的艺术创作是那些被当时的一代人认为的杰作，而经久不衰的艺术创作是那些可以跨越时代和民族的不朽之作。明白理解了民族性格对艺术创作的影响后，将更易于探寻到艺术创作的根源，更易于领会艺术创作的内涵，更易于指导艺术创作的实践。

参考文献：

[1] 丹纳.艺术哲学[M].南京：江苏文艺出版社，2012.

[2] 丹纳.艺术哲学[M].南京：江苏文艺出版社，2012.

对于艺术创作的理解范文第4篇

关键词：舞蹈创作 灵感 生活 升华 体验 感悟

好的舞蹈创作过程总是历经波折，充分发挥想象力是创作的超越。有深度的作品是一个不断尝试和完善的过程。常说灵光一现，指的是灵感爆发。而爆发的一瞬间需要的是长期积累，然后某一信息或时间触发了你想象的飞跃。此时，舞蹈形象在创作者的脑海里具象起来。所以舞蹈创作和灵感出现的条件有如下几点。

第一，拥有丰富的生活体验和感悟，然后升华为对于艺术的理解和感受。艺术源于生活而高于生活。如果没有真实生活做基础，艺术便沦为泛泛之谈，像是一座地基不牢的高层建筑。一座世人瞩目的高楼大厦，首先要谈的便是无坚可摧的地基。此关系便是艺术和生活的紧密关系。舞蹈艺术家的生活又该如何丰富起来，以便让艺术创作为之借力呢？

首先，积极乐观的生活态度，别让一成不变的生活腐蚀生命的热力。要有创意的把生活过好，磨亮对生活的想象力。如果可以，抛开既已养成的生活习惯，找回与生俱来的纯真特质。自然中蕴含的丰富生活哲学，能帮助你发现自己的热情和创作力。生命周而复始，生生不息，自然的多样性让我们学会表达真实的自我，然后在舞蹈艺术创作中才会有真实情感的流露，观众才会产生情感上的认同感。

其次，体验新的环境和用心观察。可以到任何有兴趣或好奇的地方去旅行，然后悉心观察周围的一切；城市街头的一只动物，地铁站里的人来人往，街上槐树飘落下来的一片叶……不同的物体，不同的思想，不同的表达方式的碰撞才容易产生创作的新想法。

再次，寻找故事和释放自我。某个人的故事，某种文化的故事，某段历史的故事，都是灵感迸发的来源。有人从齐白石的画作《白石画虾》中诞生了舞蹈创作的灵感。我自己也因有过相同经历，感同身受，在中国美好的二十四节气中，我看到了舞蹈创作的源泉，为此编排了二十四节气一系列的舞蹈作品，并深受大家好评。

总之，舞蹈创作可以从不同的角度反映生活，给人以生活启迪，给人以艺术熏陶，激励所有人去追求更好的生活。舞蹈创作中只要有真情实感，舞蹈形象就是丰满的，作品的意境和意义也会随着每个动作的舞动传达到观众的内心里。“真情”要求舞蹈创作这对生活有深刻而美好的体验和理解；“实感”便是创作者高于生活的理解和认识。为了舞蹈创作，我们决不能只满足于既有的感受和领悟，要努力寻求新的感受方式，打破已有常规，以新颖独特的方式呈现艺术，使观众有耳目一新的感觉。

第二，机遇的激活。创作灵感是从量到质的飞跃。在灵感爆发的时刻，原先在头脑中模糊的情景，一下子变得清晰并且有条理起来。之前也许经历过思路阻塞，但现今变得豁然开朗。用过无数次的舞蹈动作，也加入新奇的元素。人物形象至此变得灵动无比。此时，舞蹈创作者的创作想法已经成熟起来。由此，形象确立、动作设计、舞段组织、情节编排、舞台效果、道具使用、整体调度等等一系列环节逐渐展开并形成。

作为舞蹈艺术的表现形式，舞蹈动作并不能对所有的元素做到随心所欲的表现，举例说，对于故事性的表达就是舞蹈艺术的难点。舞蹈动作的结构和所要表现的内涵大部分来自于舞蹈创作者的情感和体会。那么，观众在获取动作所要传达的情感和信息，以及对于艺术感染的认同感时，需要依靠和联想自己的记忆，情绪，经历和想象等等。舞蹈艺术形式传递给观众是一种将心比心，将情比情的过程。所以，正如文中已经提到的，舞蹈创作者的真情实感至关重要，源于生活的真情，升华于生活的实感。如此，舞蹈创作才会走进观众的内心而引发共鸣。

第三，具有时代感的舞蹈创作才会引起共鸣。艺术作品要紧跟时代的发展趋势，否则，艺术创作便失去了自身的生存价值。回顾那些流传至今仍赞誉不绝的经典舞蹈作品和创作，无一例外，他们所表现的主题和思想都紧跟时代前进的步伐，抓住了当下人们对于美好的向往和需求，并在舞蹈作品的具体内容和表现形式上上升到了理想化的高度。任何艺术创作，只有与时俱进，不断完善和创新才得以生存和发展。舞蹈艺术和创作也需要成为反应时代形态的一种艺术形式，利用这种艺术形式去反应当下人们对于生活的追求和期待。

好的舞蹈作品除了给观众以美和艺术性的享受之外，更要让观众们领悟精神世界的美好，引发对于艺术和生活，甚至对于人生的思考，使大家对于自身的生活和我们所生活的社会产生一种关切的爱。

第四，舞蹈创作素材的积累和艺术修养的提高。积累丰富，才能在舞蹈创作中自由发挥。舞蹈语汇是靠积累丰盈起来的。舞蹈形态动作的形成是从日常生活中习惯动作美化和提炼出来的。丰满的舞蹈形象是对于生命的体现。

另外，对于其他艺术门类的学习也至关重要。创作舞蹈不仅仅是对于动作的娴熟运用，还要通过其他艺术手段和方式对其起到推波助澜的作用，这样，作品的主题，人物形象，情节发展，的到来才会完整。

舞蹈创作者应具有很强的音乐感。不仅在音乐理论理解上，更重要的是对于音乐如何表现情感的理解。舞蹈创作者要充分培养自己的音乐想象能力，通过音乐使舞蹈动作具有抒彩，作品才会打动观众，和观众引起情感上的共鸣，并引发对于更深层意义的思考。

舞蹈创作想要具有独创性，想象力至关重要。比如，在舞蹈创作中，将传统的民间艺术作为舞蹈元素，加入色彩艳丽符合主题的服装使整个舞蹈演出更为新颖和创意。

在对服装进行设计和挑选时，要明白服装是辅助工具，是帮助指点主题；并且，服装要符合特定人物身份和性格特征。服装设计和其他舞蹈道具的加入和使用要充分考虑人体艺术，舞蹈演员使用肢体语言来传达情感，表达思想。

当然一个完美的舞蹈创作还包括对于灯光的了解。运用舞台灯光渲染浓烈的氛围，深化作品的主题，使观众更容易进入特定的场景。

对于艺术创作的理解范文第5篇

关键词：艺术；情感；形式；关系

艺术是人类情感符号的创造。艺术家通过艺术作品来传达个人的情感，那么艺术家怎样把个人情感通过外在的形式表现出来，艺术形式是艺术家情感的体现，情感需要艺术家通过艺术技术来实现。如何将个人情感和外在形式完美的结合起来是艺术家所追求的，通过传统技法、个人经验来完成。艺术的本质在于艺术家把释放的个性、情感通过一种属于自己的有意味的形式传达出来。作品创作的核心是个人情感的表达，艺术家情感意识的产生、发展、升华是艺术家艺术创作的生命线。那么个体情感转化为有意味的形式是艺术家需要思考的问题，也是艺术家艺术创作的根本问题。如何解决这个问题，就要从两个方面入手来处理好情感和形式的关系。首先，艺术源于生活，艺术家通过对生活的感受而产生有意味的形式，有意味形式产生的源泉来源于艺术家对生活的体验：其次，艺术家通过有意味的形式来传载个人情感。

一、艺术家对现实生活的体验是艺术形式产生的源泉

艺术家进行艺术创作的首要是要对现实生活有主观感受。艺术家应具备敏锐的感受能力，能洞察到普通人所不能观察到的细节，通过对这些细节的独特感受和体会来唤起艺术家的个人情感的反映和升华，才能在艺术家心中形成一种“意象”，才能唤起艺术家对“有意味形式”的创作激情。一切优秀的艺术作品都是源于艺术家划生活的体验，是艺术家从生活的某些动人的细节中激起了情感反映而升华为艺术形象的。如郑板桥画竹称表现的是“胸中之竹”，就是典型的主体情感与外在形式的结合，就是艺术家通过对现实生活的“外师造化”进而达到“中得心源”的境界，通过观物－取物－比较－体道的步骤，对人自然的外在形态的体察，直接升华为对道的感悟，然后或整体或局部取事物之表，拟诸其形象，加以整括、构思，最终在脑海中形成一种“有意味的视觉形象”。因此艺术作品“有意味的形式”的形成来源与对自然和生活的感受与体验，是艺术家情感产生的母体，也是艺术家艺术创作的必需的心理感受过程。

优秀的艺术家在现实生活中得来的“心目中的意象”应该是“有意味的”，这是艺术家与普通人情感区别的一个重要特点。艺术家的情感之所以具有意味性，是因为艺术家的审美情感具有趣味性，形象思维具有独特性。如齐白石大师能从普通生活中的虾体验出他画面中虾的形象，是因为齐白石能从虾的外在构架中直接体悟出艺术语言的形式，能将现实生活的虾升华为个人的情感符号形式。为什么一个普普通通的物象经过不同的艺术家去表现会产生不同的艺术形式?原因就是不同的艺术家个人的情感体会是不同的，发现美的切入点也是不一样的，都在各自寻找自己心目中美的形式和因素。通过对事物的独特审美，从中激起个人情感体会，最终产生打动人心的艺术形式，而普通人是不会从这些平常的事物中发现出美来的。这就是艺术家同普通人审美的差异性，是艺术家有独特的审美情趣造成的。

艺术家通过对客观事物的细致观察感受后，运用自身的独特的形象思维能力将客观事物直接升化为一种有意味的外在符号形式。如一座山，国画家看到的是各种皴法，看到的是泼墨，雕塑家看到的是驼峰马背。而对于普通人来说他们对客观事物的感受所体会到的只能是现实的表象面貌，他们的情感是缺乏意味性的。因此艺术家所创作出的艺术形式所具有的意味性取决于艺术家情感的意味性和所采取的技术形式。所以说，艺术家的艺术创作少不了对自然生活的体悟，否则就成为无源之水。艺术家的一切艺术活动，都建立在对现实生活的感受基础上。

二、艺术家通过有意味的形式来传达主体情感

关于“有意味的形式”，克莱夫・贝尔在《艺术》一书中给予了恰当的阐述，他说：“在每一件作品中，线条和色彩以一种特殊的方式组合起来。一定的形式和形式之间的关系，激起了我们的审美情感，这些关系这些线条和色彩的组合，这些美的运动，我称之为有意味的形式。”有意味的形式因其具有意味所以才打动人或激起人们的审美感情。那么，艺术形式的“意味性”来自于哪里?前面已论述过，艺术家个人情感的“意味性”决定外在形式的“意味性”，它是形式的“意味性”的一个重要决定因素。同时，就艺术语言本身而言，外在形式本身也具有一定的审美意味性。作品中的线、形、色等按照特定的艺术方法、技术构成特定的形式，从而表现了物象的某种特质，同时又传达了与之融合的审美体验、审美胸襟。只有这种形式才能打动人，才能够激发人们的审美情感，这时候的形式才有了“意味性”，即自身特定的含义。

并不是任何形、色彩、线条等形式因素的随意组合都能成为“有意味的”形式，也不是摈弃了一切内容因素的纯形式就有意味。而是真正打动人的恰当的情感和恰当的形式才能共同构成“有意味的形式”。这里的“意味”与平常说的主旋律、思想内容是有区别的。“意味”是内在与外在之间更为深层次的构成因素，是由情感的意味和技术处理上的意味共同构成的。要求艺术家个人情感意象必须找到一种具有个人特色的有意味的技巧形式，通过台理的运用，才能使有意味的形式最终体现。

能够体现艺术中情感与形式的关系的例子较多，如毕加索在创作作品《格尔尼卡》时，对画面的形式构成进行了反复探究。在作品中马的形式安排设计有过多次变化。按照毕加索的理解，马在作品中代表人民。在这幅作品的构思中，马的形象一直都在反复变化着。毕加索对开始的形式都不太满意。到了最后，马的形态才最终确立，在作品的中央马头高高抬起，与作品里的提着灯的手臂和太阳并驾齐驱。马张大着嘴表现出一种强烈反抗的样子，体现了毕加索个人情感中对人民顽强的反抗精神的理解，对于马的形象在构图过程中的反复变化直最终确立，我们所能找到的一种可能的解读是，它是随着毕加索的情感基调的反复变化和逐步确立而形成的。不同的情感意识由不同的外在形式传达出，而形式的最终形成是受艺术家情感决定的。

三、结束语

艺术用符号形式表现普遍经验或对生命的情感，因此艺术的含义就在符号形式自身，而艺术也可以称为有意味的形式，一句话形式创造了艺术。除了外在形式以外，情感也是艺术创作中重要的决定因素。情感是艺术创作的源泉，没有情感就无法创作；情感是判断构思是否“合理”的标志；情感与其他因素结合起来可以丰富艺术的表现力。但都以形象与情感的结合为最重要基质，任何审美创造都离不开这两个方面，即使是再冷静的作品，艺术家的主观判断与相应的情感也是隐减在作品中可以仔细捕捉山来的。总之，个人认为现当代的艺术创作必须在艺术家的情感、形式两者统一协调的推进中得到形成，才能使艺术获得健康和好的发展。在人类的艺术世界的召唤下，艺术家需要不断激活审美情感，努力把这种情感转化成恰当的形式，从而创造出伟大得艺术作品。

参考文献：

[1]张黔，《设计艺术关学》清华大学出版社，2007年版

[2]苏珊・朗格，《情感与形式》中国社会科学出版社，1986年版