工艺美术的优缺点

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇工艺美术的优缺点范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

工艺美术的优缺点范文第1篇

一、悠久的巴林石雕刻历史及文化

巴林石雕历史悠久，有考证记载八千年前的红山文化就有许多巴林石制品。“红山文化”时期，巴林石制成品大都是装饰品，如璜、珠、管等雕刻工艺主要是磨制。辽及明清时期，出现的加工方法不断进步，制成品也逐渐精细起来。有文字记载：成吉思汗统一蒙古各部落的庆功宴上，属下奉献一只巴林石碗，大汗用它盛满美酒，频频举杯，不住口地称赞：“腾格里朝鲁！”意思是“天赐之石”。清朝时，石碗成为上奉朝廷的贡品。最近，在一座古墓中，还发现了作为殉葬品的黄色巴林石碗。

据传，清代在旗北沙巴尔台的地方，有个名叫德力格尔的老艺人曾挖掘过巴林石，并将其精心雕制的巴林石碗献给旗札萨克乌尔衮。乌尔衮又将此碗贡奉给康熙皇帝，康熙帝赞不绝口。自此以后，历代巴林王公每逢进京，都要携带巴林石雕作为贡礼。

20世纪70年代初期，随着巴林石矿的开采，赤峰市区及巴林右旗相继开办石雕工艺美术厂，经过几十年的努力，涌现出了大批雕刻人才。巴林石雕刻艺术有的以动物、人物见长，有的以花卉翎毛见长，有的以微雕、图章制作见长，逐渐形成了各自的特色风格。并涌现出中国工艺美术大师刘林阁、包英志，内蒙古工艺美术大师屈伟广、李矛矛、李健等为代表的一代巴林石雕刻艺术家。一批有影响的作品先后面世，并进入优秀作品行列。《驯马》等被人民大会堂收藏，《骏马奔腾向未来》作为庆祝祖国的礼物赠送香港特区政府，《月夜群豹》等作品获国家级工艺美术奖，《松梅映血》《熊猫》等被日本、中国香港等收藏家收藏。

二、巴林石雕的分类

巴林石按质地、结构、颜色等可分为五大类。

1.鸡血石：其矿化元素是硫化汞渗入巴林石岩浆里而形成的红色奇石，因颜色酷似鸡血而得名，是巴林石中的极品。其石质地温润坚实，石上斑斑血迹聚散有致，红光照人，犹如红霞映月。

2.福黄石：矿物成分以水铝石质为主，含有地开石，并渗入少量褐铁元素。因最初由矿坑领班刘福首次采得而得名。其石质地透明而柔和，坚而不脆，色泽纯黄无暇，集细、洁、润、腻、温、凝六大要素于一身，凤毛麟角，珍贵至极。

3.冻石：因其石料给人的观感酷似熬成的“皮冻”而得名。其矿化特征是“一多一少一高”，即：含地开石成分较多，着色元素及杂质较少，石体光泽呈透明或微透明状态。石质细润，通灵清亮，质地细洁，颜色妩媚温柔，似婴儿之肌肤，娇嫩无比。彩霞冻石更为珍贵，洁白透明，肌体中所渗之云霞状红色纹理变化无穷，犹如一幅旭日喷薄，红霞漫天的水彩画。

4.彩石：含高岭石成分较多，着色元素和杂质较多，石料质地无血无冻，石体光泽不透明。由单纯洁净色彩到复杂混合色彩构成丰富多彩。

5.象形图案石：系指巴林石剖面磨光后，色彩艳丽多姿，呈现出绮丽美妙的自然图案；图案的造型惟妙惟肖，鬼斧神工地表现了大自然的奥妙,令人感叹。

三、巧夺天工的巴林石雕刻艺术

巴林石色彩丰富而高雅，色泽沉着而光泽足；且石质细润，通灵清亮，质地细洁，光彩灿烂，颜色妩媚温柔。巴林石温润的质地、迷人的色彩、抽象的纹理,也是激发创作者巧夺天工的魅力源泉。需要创作人员凭创作灵感，据色雕刀、随形取意雕琢而成，从而达到“石人合一”，编织石人佳话。巴林石的每一件雕刻作品都要经过严谨的艺术构思,设计者在创作前需要对一块料石进行揣摩。揣摩就是根据料石的大小、肌理纹路、色彩布局等综合考虑而进行创作设计前的构思；而且能够充分利用这块料石，这个过程称为“相石”。相石在整个创作过程中是至关重要的。确定料石的优缺点，砂、钉、绺、裂的有无及准确位置，只有通过仔细的观察研究，在得到创作的灵感和启迪后，做到胸中有数，也就是意在笔先，才能创作出一件好的作品。

如果没有经过认真仔细地研究盲目下刀开工，创作设计出的作品一定会让人失望，甚至在作品没有完成时，料石就已经报废了。不论何种料石大都会存在不利于雕刻的缺陷，要因石而异地进行设计，扬长避短，选择恰当的造型形式，再使用特殊的刀法来掩盖料石中的各种缺陷，巧妙地加以刻画，才能收到较好的艺术效果。构思与创作中，要在不损坏料石主体美的前提下进行取舍。一块晶莹剔透的冻石，也不宜过多删料制作，因为这样的料石本身就是一种艺术，本身就是很美的，雕刻有时会造成对上品冻石的破坏。如果必须雕刻，至多在表面上加工一些薄意，装饰一下就可以了，其主要欣赏的是石质也不一定是雕刻。

在创作设计中，应当把质地好、颜色好、透明度高的部分置于正面；而把质地颜色透明度相对较差的部分，当做基座或后衬。一些大部分石料很好而局部石质较差的石材，也可以根据具体情况进行特殊设计处理，利用较差的石质部分，进行雕刻，用以反衬主体石质的美妙。最重要的是要把质、形、色三个条件，有机地结合起来，大胆设计，大胆创新，出奇制胜。如果这几个方面发挥运用得当，那么制作的作品，就会令人拍案叫绝。

对印章的制作和印钮的雕刻应力图在布局上有所突破，有所创新。凡属观赏用的方印章，高度一般不要低于9厘米，过小过矮，都不易于体现印材的那种美感。印钮的雕刻，一般不要超过印章高度的三分之一。要特别注意的是，在制作印章和印钮雕刻时，尽量打破方章呆板的传统布局，使其章形和印钮都活泼起来。如在古兽钮的雕刻设计上，把古兽设计成上山回头状，与印章形成一个小斜角，破除印纽下石章的呆板平台，整个印钮就活泼起来了。

工艺美术的优缺点范文第2篇

关键词：摄影设计；客户价值；系统化设计

设计不仅仅是简单的“设计”，它更多的是一种创新性活动，是一种智力型行为。诺贝尔经济学奖获得者赫伯特・西蒙认为：“设计就是试图找到一个改变现状的途径。”我们无论属于哪个专业领域，都应该站在一个更为宽泛的角度上理解、认识“设计”。

作为一名摄影专业的学子，我将努力在“摄影设计”这个大的学科背景下，围绕“系统化摄影设计”与“客户价值”展开本篇论文的论述。摄影术自1839年发明以来，经过历代摄影家的不懈努力，摄影逐渐脱离绘画门类，成为一门独立的艺术，作为一种视觉记录方式，摄影经过多年的累积形成了特有的艺术的表达方式、审美的接受方式、影像的传播方式，摄影也逐渐成为人们传达个人情感与相关信息的一种表达手段。具体的讲，摄影设计，是对设计活动、设计过程、设计性质、摄影师的知识以及摄影器材以及光学知识的研究和概括。系统化的摄影设计是以设计的一般过程为线索，完成从要素分析到过程整合、从知识搜索到理论构建、从设计方法论的研究到形成一般设计方法的过程。

设计是一个社会活动，是一种创新性活动，设计的过程是纷繁复杂的，闭门造车式的做设计是不现实的，它需要团队成员间的相互协作，即使再好的设计师，也要懂得“单丝不成线，独木不成林”的道理，只有一个配合默契的团体才能更好的胜任设计工作。大家都知道，拍摄婚纱照，对每一位新人来说都很重要，每一位新人都想留借此留下一生的回忆，此处，我将以以婚纱摄影为例，简单介绍在婚纱摄影设计活动中，设计工作的主要流程：市场调研的开展，资料的收集、整理，拍摄风格的确立，前期服务与后期服务的开展，拍摄后再评价的活动等等。

一、摄影设计规划阶段

对于一家好的婚纱影楼的设计，根本首先是要有足够的市场调研，大量的资料的搜索、归纳、整理，并要从中寻找欠缺，发现问题，提出问题，进而解决问题，经过这样反复的思考，原本模糊不清的设计原点会慢慢形成一条脉络清晰的线，最后逐渐形成一个整体设计的面。举一个婚纱影楼的设计，首先应了解其经营的层次，确定设计的方向，不同性格的顾客喜爱什么风格的婚纱摄影，是可爱型还是端庄型，是梦幻系还是复古系，民族风情、平实清新。例如港澳台地区的婚纱风格就与大陆截然不同，香港澳门地区的婚纱摄影具有异国风情的味道，台湾地区的婚纱摄影则既时尚又独特，颇受年轻一代的欢迎，“台湾旅人行馆”的婚纱清新自然而又脱俗，一边拍摄一边享受旅游的快乐。

二、摄影设计分析阶段

这一步完成后应提出一个完善的和理想化的婚纱影楼分析方案，也可以说是抛弃了纸上谈兵，进而进行实地实物的考察，即理论联系实际。当婚纱影楼的调研等基础完成时，便进入了实质的设计分析阶段，我们要对影楼的位置进行实地的考察，毕竟“纸上得来终觉浅”，想象和实际永远会存在着差距，通过横向的比较并调研其他婚纱影楼的优缺点，并且明确了影楼所在位置的优劣状况，交通情况，公共设施情况等，有助与于我们缩小设计与实际效果的差距。这时如何将我们对于婚纱摄影的理想设计结合入实际的生存发展之中是这个阶段所要做的重中之重。婚纱摄影设计应从人以及人的活动着手，围绕着系统设计的方法寻找与之联系的种种内部因素和外部因素，并围绕婚纱摄影设计任务创造"适合"的解决方案。婚纱摄影设计的一个重要特征便是只有最合适的设计而没有最完美的设计，因为每一对新人都有着自己的情感经历、个好以及不同的世界观和方法论，我们进行婚纱摄影设计的目的就是在有限的条件下尽最大努力通过设计缩小不利条件对我们的影响。

三、摄影设计发展阶段

设计不是一成不变的，随着人类社会经济、文化、生活水平的发展，人们的审美眼光也在发生急速变化，复古风就是一个很好的例证，有报道称，人类的服装经过50年便会循环流行。对于婚纱摄影设计也是相同的道理，我们应该用发展的眼光看待它，将我们的研究对象置于系统的形式中以进行考察分析与研究。

设计不是游离于商业价值之外的“创新”，是一个需要被系统管理的创新流程，实际上，设计活动就是发现问题、提出问题、解答问题的过程。

大街小巷，充斥着各种摄影工作室，可是如何经营摄影工作室、如何提高摄影工作室的知名度？陈曼，二十一世纪中国最炙手可热的时尚人像摄影师，她的作品登上了国际时尚周刊杂志的封面，她用自己独特的视角拍摄出许多被当代年轻人所喜爱的艺术作品。她得成功源自她对艺术的高度敏锐以及对自己艺术素养的极高要求，或者说她坚持用艺术的手段做设计。陈曼非常注重“创作意识” “拍摄观念”，陈曼在完成一幅摄影作品之前，会根据人物自身的特点构想出完成后的画面，她对于系统化摄影设计的构想值得我们学习，她注重创作者的“观念”不仅仅运用于摄影中，在其他领域也同样受用。

对于不同的设计问题，我们需要摄影家运用常识以及知识的经验或是对生活的感悟去解决。

系统化的设计大约有三个发展阶段：第一阶段：由感性经验上升为科学理性的阶段，第二阶段：在科学理性的基础上融入设计师的感性经验，形成交叉式的设计论与方法，第三阶段：在交叉设计的基础上，进一步融入人文与环境等因素，形成多元综合的设计理论与方法体系。以我的传统摄影作品《我的每一次无助都有你的陪伴-08，班委》（光刻胶工艺）为例，它是在我理解摄影的本质，了解摄影与其他艺术形式的关系，结合数字摄影、传统摄影的基础上进行思考，以三种艺术形式为载体进行创作。将数字摄影与传统摄影相结合，摄影作品与其他艺术形式相结合，形成了新的视觉语言，开辟了新的创作空间，体现了一种双赢的创作理念。

设计是一种有目的的社会性活动，我们不应该一味考虑设计的结果而忽视了设计过程的重要性。例如，我的传统摄影作品《我的每一次无助都有你的陪伴-08，班委》（光刻胶工艺），共有三种表现形式，这三种表现形式只有根据一定的过程创作出来才能进行下一步的创作。借鉴马克・吐温的一句话结尾：“… … 如果缺乏想象，纵使技巧超群也是徒劳。”

工艺美术的优缺点范文第3篇

关键词:服装设计;培养模式

我国自1982年在中央工艺美术学院(现清华大学美术学院)开设了第一个服装短期培训班,标志着我国现代服装设计的高等教育的开端,至今已经走过了将近三十年。在近30年的办学过程中,对服装设计专业教育进行不断的反思、调整以及修改,使服装设计教育取得了很大的成就。

但现阶段国内服装产业蓬勃发展的前景下,我国的服装设计高等教育在招生模式、课程设置、校企合作、设备引进、师资队伍培养、教学考核方式等方面却出现了诸多问题。针对这些问题,经过对国内的几所服装院校调查研究得出以下结论。

一、建立双重标准的招生模式

我国服装设计专业的招生相比服装业发达国家而言,虽也是采用了面向具有高中文凭及同等学历的所有学生。但由于我国服装职业教育过于注重技能的培养,忽视文化课的原因,所以能够考入大学的职业学校的毕业生少的可怜。这就造成了很多具有较强的专业技能,但文化课成绩稍差的学生被大学拒之门外。基于这种现状,我国应该考虑采用双重标准的招生模式,即对于普通高中的毕业生应当在招生录取时采用在专业课过分数线后,然后对文化课分数进行排序录取。由于这类学生的文化课基础相对较好,所以较适合向服装设计理论、服装设计高新技术开发,及高新技术的应用等方面发展。而对于职业学校的毕业生在招生录取时应采用文化课过分数线后,再对其专业课分数进行排序录取。职业学校的毕业生专业基础扎实,动手能力强,所以较适合向服装设计技术人才方向发展。

采用这种双重标准的录取方法更加适应我国目前成衣设计师的培养模式的现状,更加能够实现因材施教的教育方针。

二、充分发挥校企结合的优势

我国绝大多数院校似乎与企业的关系很难深入合作。一方面由于企业总是向学校要人,但又老是抱怨我们的学校不会培养出适合企业需求的人才;另一方面学校也希望企业能够给予协助,以解决学生的实习问题,或希望企业出钱,来资助办学。如果我国的院校与企业之间的关系总是处于这种看似简单的供求或互帮的阶段,那么我们的教学永远不可能与企业实践真正紧密地联系起来。

近些年来,由于各个企业为了追求短期的经济效益,致使院校与企业之间的联系越来越少。基于这种情况,各个院校纷纷采用了一些与企业短期合作的方式,即学生在毕业前到企业进行实习。这种短期的实习起到了一定的积极作用。但如果能够将大学四年中,学生每一门专业课的学习都与企业的实际运作联系起来,将会对我国当前的成衣设计师的培养起到相当大的促进作用,学生也会因为学以致用而对学习产生极大的兴趣,由被动的学习转化为主动学习。

在法国、英国、德国的服装高等教育中,经常性的会将企业中的设计师请到学校讲授与之工作相关的课程。并由服装企业提供一定的面料及资金支撑,使学生能够将自己的设计图纸转化成成衣作品,并将其优秀作品进行批量生产,投放市场。这样的教学模式无论对企业培养后备人才,还是对学生将来毕业后能够尽快适应企业的工作模式,都起到了积极作用。

由于我国的国情,服装类高等院校学生众多,如照搬这些国家的培养模式,那么将影响到企业的正常运作。所以,我们应当邀请多个企业的设计师进入到学校进行讲座的方式进行合作。使对某一企业感兴趣的学生集中起来进行辅导,把众多的学生分配到众多的企业当中,这样较符合现阶段我国的服装设计高等教育的现状。

三、加强师资队伍的培养

在我国目前从事服装设计的教学的教师,基本都是刚刚走出校门就直接走上高校讲台,很少有在企业工作的经验。这些教师对于服装的理论知识掌握的非常扎实,但缺乏实际操作能力。而我国高校对于教师的培养,一般都是将教师送入学校进行学历的再深造,几乎没有学校将教师送入企业中进行学习的。我们应该加强服装设计专业教师结构的调整,把有丰富企业工作经验的设计师充实到教师队伍中来。并且,在对教师进行学历提高的同时,应当利用寒暑假的时间,将教师送入企业中进行工作,丰富教师的实践经验,更加有利于培养出优秀的服装设计人才。

四、加大教学急需的高新技术及设备的引进,使之运用到教学中去

服装是一门实践性很强的学科,它与社会、文化、科技都有着密不可分的联系。作为成衣类服装的品质则更是以高科技为依托。

在今天,以服装CAD为代表的新技术,是服装结构版型质量的保证。而服装CAM以及缝制整烫设备、染整化学工业的日渐发展,有效地提高了服装缝制工艺以及后整理加工技术的水平,为服装品牌及信誉提供了有效保证。而由新技术所研发的面料与辅料,使得材料的性能及特征产生重构,带给我们的是一种全新感受。而当前阻碍着中国服装产业发展的原因之一,就是板型及技术工艺的滞后、国产面、辅料的落伍,为了解决这些问题,只有实现技术创新,提高我们的科技含量,提升专业水平。可以说 ,设计中所表现出的优秀的艺术展现形式,在某种意义上讲,正是高科技本身的体现,而这一切都要从服装教育入手。

近些年我国设有服装设计专业的院校都加大了对服装设计高新技术及设备的引进。如:非接触人体测量仪、数码喷印设备、数码刺绣设备、服装CAD系统、数字化仪等设备。还有的学校将企业里使用吊挂式生产线也引进到学校中来。

但这些设备大多数都是单台引进的,基本上成为了一些教师进行科研工作的专属设备,即使在上课时用到这些设备也会出现几个甚至几十人共用一台设备的现象。更有甚者,有些先进的设备引进学校后无人会用,或使用率过低而沦落为实验室里昂贵的摆设。

我们应当在引进设备之前做好充分的考查、论证,将有限的资金优先投入到市场应用前景宽广的、教学急需的设备当中,而且要根据学生的数量足量引进。在保证教学正常开展的同时可再引进科研所需的实验设备。

五、丰富教学方式改变单一的课程考核形式

目前我国服装设计教育依然采用讲授的方式进行教学。在教学的过程中,师生之间缺乏沟通,教师无法及时把握自己的教学成果。为了丰富教学方式,我们可适当采用座谈的教学形式,加强课上与学生的互动,给以学生阐述自己观点的机会。

而课程在考核方式上,应当在笔试的基础上加强面试、学生作品展览、学生作品讲评等考核方式。学生作品展览,使学生有机会将自己的作品向更多的人进行展示,并将展览当中每位学生的作品所受到的专家及教师的关注程度进行成绩评定;学生作品评奖会这种考核方式可以给学生公开讲述自己做品构思、创意的畅想机会,使学生能够充分的表达自我的思想,通过专家和教师对自我作品优缺点的点评,使学生更加能够明白自己对该门课程的掌握程度,增强兴趣。

六、加强学生动手能力和创新能力的培养

由于我国目前的服装教育一直是以纯艺术的美术教育和传统工艺美术教育为基础,长期以来注重艺术而轻视技术,缺乏对学生动手能力培养教育,导致我国服装教育落后于国外现代服装教育的原因之一。

创新能力的培养不仅要表现在其设计作品上,还应表现在制作工艺上。我们一切的课程设置都是要围绕着“创新”设计而展开,其目的就是培养学生一种独特看待问题的视角及思维判断的能力,学会运用这种技能和手法去创新。随着年龄及阅历的增长,学生对待事物的感受也将是不同的。

因此,第一年,教学内容首先要从材料入手,让学生熟悉并了解各种材料,使之充分发挥想象力,在使用时能够得心应手。在这个阶段教师要特别注意保护学生创新思维,哪怕是一些最幼稚的想法都将有可能演变为最佳的设计或是制作上的小亮点。第二年的教学则是要突出与职业及产品的关系还要与实际相结合,使每个学生对自己的未来发展都有一个明确的方向。而教师在实施教学的过程中更要以创新为中心,以学生为主体,来选择合适的主题教学。因此,这就要求院校在每年的课程设置上要层次分明,学生每年所学的知识都能在创作过程中加以使用,以此作为创作的基石,而学科间也没有明确的界限,学科之间的关联就使得设计思想更加缜密,更具依托性。

七、服装成衣设计师培养模式的创新需要多方面的配合

服装成衣设计师培养模式的创新,不是一个学校、几个教授的创新就可以实现的,它是与社会各界的紧密配合分不开的。现在许多服装企业与服装设计师协会,合作开办了许多服装设计大赛,让在校学生与企业中的设计师同台竞技,为服装教育起到了很大的促进作用,也给了学生一个展现自我才华的舞台。反正,现在的服装院校也开办了很多服装设计工作室,在有经验教师的带领下,学生参与到企业新产品的设计中去。但这些还只是一个开始,我们应当搭设一个企业与学校桥梁,即建立一个服装产业开发中心,将学校的科研技术力量与企业的生产能力结合在一起,将学校最新的研究成果尽快的转化为生产力。

服装成衣设计师培养模式的创新,还需要社会其他力量及政府的支持,为服装高等教育建立一个持久稳定的交流合作环境。只有这样,服装成衣设计师培养模式的创新才能够健康发展。

八、根据市场的需求及时调整教学计划

翻开国内一些服装类院校的教学培养计划,几年来几乎没有太大的变化。课程设置大同小异,教学大纲所涉及的内容也多年没有更新。各个学校没有一个专门的机构或个人来进行服装行业的调研,无法及时掌握市场的需求与变化,无法指导教学计划的及时更新。

工艺美术的优缺点范文第4篇

[关键词]建筑学专业 环艺设计专业 课程设置 改革 启示

[作者简介]王薇（1977- ），女，满族，宁夏银川人，北方民族大学设计艺术学院环境艺术系，讲师，硕士，研究方向为环境艺术课程与教学。（宁夏 银川 750021）

[中图分类号]G642 [文献标识码]A [文章编号]1004-3985（2014）27-0134-02

一、建筑学专业和环境艺术专业的相关背景和联系

我国高校建筑学专业始于1923年，由刘敦桢先生在苏州工业专门学校创立了相当于大专程度的建筑学课程。随后1927年刘敦桢先生又在南京国立第四中山大学创立了第一个高等教育程度的建筑学课程，1928年初南京国立第四中山大学更名为江苏大学，两个月后江苏大学再更名为南京国立中央大学。1932年，南京国立中央大学的建筑工程科改为建筑工程系。直到1937年，建筑工程系得以不断发展，师资也不断扩充。另外，兴起于1928年的沈阳东北大学的建筑学专业也是一个历史悠久的高等院校建筑学专业。而今，不仅以上的老院校建筑学专业蓬勃发展，而且各地新兴高校也相继开设了建筑学专业。而与建筑学的相关专业――环境艺术专业是在1957年，由中央工艺美术学院提出建立国内第一个“室内装饰系”为专业设置起点。在当时室内设计专业是室内装饰系的一个专业，直到1988年中央工艺美术学院正式将室内设计专业改为环境艺术专业，并逐渐将环境艺术专业扩展到室内外的设计内容。随之在1998年前国家教委调整普通高校专业目录时，将环境艺术设为高等院校的一个专业，为艺术设计增加了一个重要研究方向。

虽然目前中国高等院校环境艺术是一门较为新兴并涉及建筑学、规划学等的边缘学科，而且在很多大专院校都设有环境艺术专业，但是由于学校背景、学科构成的不同，在课程设置上都有所偏差。如建筑院校一般会遵循建筑学工程和设计的课程来设置，美术院校会偏重于艺术设计方面的课程设置，林业学校会偏重于植物种植学科的课程设置。由此产生出各个学校教学大纲和基本培养方向的差异。笔者认为可以发挥各家之长处，将建筑学专业课程设置的优点补充到环境艺术专业课程设置中，制定出一个相对合理的环境艺术专业课程体系。

二、高校建筑学专业课程设置现状及特点

目前，高校建筑学专业课程主要包括：绘画基础、建筑学、建筑设计、城市规划原理、建筑工程技术、环境和空间表现。建筑学专业课程设置有以下特点：（1）课程设置一般比较偏重于工科和理科课程内容，如设置了画法几何及阴影透视、建筑结构选型、建筑力学等课程。（2）因为建筑学专业的学制一般为五年，所以专业课程设置比重较大。建筑学专业的一年级课程设置为公共课程和专业入门课程，而建筑学专业的二年级至五年级课程全部设置为专业主干课程（其中涵盖专业实践课程）。（3）重视专业基础理论课程的设置环节及顺序的连续性。（4）设置课程种类多，囊括多方面、多学科和多层次的课程内容。（5）实践课程的设置在专业课程中占有一定比例，几乎所有专业设计课程都与现实项目链接，为学生能较早适应工作岗位提供实践机会和便利条件。

三、环境艺术专业课程设置现状及特点

环境艺术是一门新兴的、边缘的、综合的艺术系统工程，是一个跨学科的综合性专业，它涉及美术、雕塑、装饰文化、建筑基础知识、园林艺术、人体工程学、设计流派、材料学、心理学等多个领域知识，无论在专业理论的广度，还是在专业技能的多样化上，都具有一定的涵盖性。

环境艺术专业课程具备以下特点：（1）系统性。环境艺术专业课程集功能、艺术与技术于一体，涉及艺术和科学两大领域的许多学科内容，具有多学科交叉、渗透、融合的特点。系统性特点是指环境艺术专业课程设置要求课程的内容多样而复杂，并且还要符合环境艺术专业的多学科、多方向发展。如何能培养出知识面宽、综合素质强、具有整体思维能力的环境艺术专业人才，是制订专业建设计划思考的重点。（2）特色性。这里所谈及的“特色”是指环境艺术专业课程设置的特色。就环境艺术专业建设而言，不同性质、基础的学校都有各自的发展方向和目标。以建筑学为依托，侧重于建筑内外环境设计、公共艺术设计研究和教学的环境艺术专业课程，构成高等院校开办环境艺术专业课程的特色。（3）创造性。创造是设计的灵魂。设计教育不能只满足于设计方法和技艺的传授。在艺术和设计之中，创造是它的主要特征，也是生命活力的所在。在环境艺术课程设置上，要充分强调创造性的特点，树立以培养学生创造性的思维方法、解放学生创造力为主线的课程教育体系。（4）适应性。围绕着建筑环境，环境艺术设计小到一个标志设计，大到城市环境景观设计，都是环境艺术设计师所要面对的工作。因此，各个高等院校在制定教学内容和组织课程设置时课程内容要广泛和多样。

四、建筑学专业课程设置对环境艺术专业课程设置改革的启示

综上所述，笔者分析两个专业的课程设置特点，认为高校建筑学专业课程具备以下优点：（1）建筑学专业课程体系完善，覆盖内容广泛，涉及各种建筑的设计，同时延展到建筑外环境和内环境的设计等内容。如在设计建筑时其外部环境是很重要的，建筑学专业不仅能对建筑本体（建筑功能、空间联系、建筑外观等）有较深入的设计，而且对于建筑的外延――环境也能做到全面和合理设计。（2）课程内容安排紧凑，课程顺序连贯。如在建筑学专业的一年级课程设置中，有一门课程为画法几何及阴影透视。这门课程是建筑学专业学生在今后的设计方案制作中，能够熟练地将二维与三维空间进行自由转换的法宝。这门课程内容不是单纯的绘制图纸，而是让学生凭借课程中的投影定律、透视求解原理能够全面和理性地绘制效果图和工程图。即使在3D辅助电脑设计软件的今天，该门课程仍然对培养学生的空间设计思考和想象能力都有较大的帮助。另外，建筑初步课程中学生可以掌握模型、空间、效果图渲染等手法和工艺的制作。可见建筑学专业课程是一门很好的实践课程，不仅能让学生了解建筑学设计过程的实践内容，而且在动手动脑的实践过程中能提高学生的设计兴趣和能力。（3）课程设置时将建筑学专业多门课程融合、渗透和灵活应用。如在建筑学专业课程设置内容中加入工科课程――结构选型、结构力学等，结构选型、结构力学是建筑设计和室外构筑物设计的物理结构基础理论课程，离开它们建筑设计就是空洞和不切实际的。因此，建筑学专业课程设置内容上既有工科课程又有理科课程，这些课程穿插在整个建筑学专业课程设计环节中。（4）理论课程内容多样。建筑学专业不仅开设建筑历史课程，还设置与建筑相关的艺术理论课程，如西方建筑流派、西方建筑艺术史、中国和西方雕塑史、中国园林史、美术史等，并可通过增加学分的方法鼓励学生选修音乐史等其他艺术理论课程。这些理论知识有利于培养学生的审美情趣和鉴赏能力，对建筑学专业设计素养具有一定的提高作用。

相对于建筑学专业课程设置，环境艺术专业课程的设置存在以下不足：（1）环境艺术专业学生专业基础理论知识的匮乏。学生生源质量的差异和艺术类学生自身学习能力的薄弱，是专业基础理论课程不能够深入人心的根本原因。比如因为北方民族大学设计艺术学院环境艺术系地处偏远地区和知名度较低，所以生源质量相对较差，学生在专业基础理论课程学习过程中存在理解和掌握的困难。（2）环境艺术专业课程设置时不注重课程的延续性。如环境艺术专业二年级的三大构成（平面、色彩和立体构成）课程结束后，直接转入室内设计课程的学习。这样的课程设置会使得三大构成（平面、色彩和立体构成）和室内设计课程之间缺失一门必要的过渡课程，造成学生知识链的断裂。此外，前面所提到的画法几何及其阴影透视这门课程，是讲解和解析物体由三维体量转换到二维体量的制图方式和原理课程，它是建筑和环境设计制图原理的根本内容，同时也是在建筑制图和手绘效果图技法两门课程之前的先行课程。如果没有学习画法几何及其阴影透视课程，学生在学习工程制图时根本理解不了投影定律、平面及立体之间转换过程的方法，从而会导致绘制的效果图比例失调和透视错误。这些都会对环境艺术专业今后的设计课程造成负面影响。（3）在环境艺术专业主干课程中，重方案设计成果，忽视设计方法和理论。如环境艺术专业主干设计课程中的园林设计课程一般设置为两部分：第一部分为园林史和园林设计原理，第二部分为根据园林设计理论进行园林方案设计和探讨。两部分内容在专业设计课程中缺一不可，但是由于课时时间短和课程内容划分的模糊，造成专业设计理论课程内容的讲授概括。加上学生本身轻理论、重设计，造成学生忽视专业设计理论课程而直接进入相关的设计方案任务制作过程。学生会从潜意识上认为该门专业设计课程仅是绘制图纸和完成作业，专业设计理论知识只是昙花一现，没有实际用处。这样环境艺术专业的每门主干设计课程如此反复循环，学生会自然而然地抛弃设计理论课程学习。如此专业设计课程就变成制图课程，设计理论课程将变成毫无意义和不切实际的内容。

通过建筑学专业课程和环境艺术专业课程设置的差别及优缺点比较，环境艺术专业应该汲取建筑学专业课程设置的优点，明确人才培养方向和课程设置目标，由原来单纯的课程和课堂内容传授转向于建筑学专业的重理论、技能、素质和能力的综合性培养方向，实现环境艺术专业学生技能和理论素质的全面发展。因为建筑学专业办学较早，各大院校建筑学毕业生走向社会的时间较早，在专业成熟度和知名度上都要高于环境艺术专业，所以如果想将新兴的环境艺术专业办学成功的话，应该要从建筑学专业汲取优点来发展自身。比如环境艺术专业课程改革之前，环境景观设计课程原来一直为单纯授课，学生通过手绘和制图的方式完成这门课程的教学任务。环境景观设计课程改革后，教师可以通过接洽实际项目，让学生参与项目的整个设计和实施过程，像实地查勘、分析基地现状、收集直观的设计资料和数据、亲身参与工程项目的施工过程。教师可以有步骤、有条理地针对实际设计项目进行理论和实践的授课，最终完成环境景观设计课程内容和环节。这样的环境艺术专业设计课程是理论联系实际的，不是单纯的理论知识授课，而是学生与老师在实际设计项目及施工进程的交流和互动，更能实现环境艺术专业人才的实践能力培养目标。

五、结论

在国内，环境艺术专业还属于一个较为新兴的专业。虽然建筑学专业的从业人员和毕业生在建筑设计和城市规划方面能够涉及很多复杂的设计内容，但是在具体建筑外环境设计方面会忽视细微的设计内容，这就需要环境艺术专业的人员从环境设计细部方向去考虑或者补充建筑学专业外延设计方面的空白和不足，更好地完善城市建设和规划设计，达到更加精准的城市设计要求。目前，由于高等院校的扩招，加上生源质量的下降，对于学生多方面素质的培养显得更为迫切和重要。环境艺术专业课程可以在建筑学等相关专业课程的设置内容上得到改革启示，创造出更加适合的课程体系，最终培养出适应当今社会发展和城市建设需要的高素质的环境艺术设计工作者。

工艺美术的优缺点范文第5篇

【关键词】美术设计专业 小组合作学习 学生工作室

《国家中长期教育改革和发展规划纲要》指出，国家将大力发展职业教育。职业教育要面向人人、面向社会，着力培养学生的职业道德、职业技能和就业创业能力。到2020年，形成适应经济发展方式转变和产业结构调整要求、体现终身教育理念、中等和高等职业教育协调发展的现代职业教育体系，满足人民群众接受职业教育的需求，满足经济社会对高素质劳动者和技能型人才的需要。这是一项十分艰巨而急迫的任务。要求高，时间紧。职业教育尤其是中等职业教育，要圆满完成该项任务，必须转变教育观念，进行教育革命，大力改革传统教育的方式和方法，切实提高教育的质量和效率。为此，笔者就所从事的中职美术设计专业，采用“小组合作学习”的教学模式，进行了初步的实践和探索。

一、中职美术设计专业实行“小组合作学习”的教学模式十分必要

（一）中职设计类教育面临严峻的挑战

近年来，国家对中等职业教育投入加大，职业教育的基础能力建设得到空前发展。但是由于种种原因，致使中职学校学生生源的综合素质不尽如人意。中职学校学生大多存在文化课学习成绩低、日常行为习惯有偏颇，学习兴趣受到挫伤而泯灭等问题。更令人担忧的是，其中有一部分学生由于种种原因致使理想泯灭、目标丧失、行为乖僻、学习动力严重不足。从专业角度来看，美术设计专业学生的综合素质比其他专业的学生还要不理想。他们中的部分人根本没有意识到学习的重要性，有的甚至把精力转移到与学业无关的方面上去。而且这种倾向仍在加强和蔓延。

更为严重的是，当代职校生多为独生子女，彼此往往缺乏合作意识，竞争意识较为扭曲，利己行为较为突出。从人类社会发展的趋势看，个人努力奋斗能否取得成功的关键因素决定于人的合作意识、合作能力、团队精神等。对于美术设计者来说，团队的协作更为重要。

中职美术设计专业教育一定要直面现实，除学校要加强思想政治工作外，教师更应结合实际的教学工作，认真探索教学的新思想、新方法、新模式，教书育人，切实矫正学生中存在的不利于走向社会、不利于为社会服务的种种弊端。毫无疑问，自主合作势必成为未来人类生活和行为健康发展的重要支点。

（二）国内外教改的成功经验为我们提供了有益的启迪和借鉴

众所周知，德国职业教育对经济的推动力举世瞩目，并始终处于世界领先地位，其课堂教学就多采用小组合作学习的教学模式。近年来，我国普通教育在课堂教学改革中也尝试采用小组合作学习的教学模式，并取得了可喜的成效。国内外的研究和实践均验证了，小组合作学习教学模式在提高学习效果方面成效十分显著。

与世界上其他万事万物的发展变化一样，“教学”这种人类传授知识与技能的活动，也是依据其内在的规律而发展变化的。有趣的是，人类在教育思想和教学方法上似乎走了一个圆圈，从教书育人的教育理念出发，以小组合作学习型的教学方法开始，中间走过了几千年漫长的读书脱离实际、教师一言堂教学的弯路，现在又慢慢回到原来的起点上。《论语・先进篇・侍坐章》记载了孔子进行教学的具体过程，从中可知他采用的就是启发式、“小组合作学习”式的教学方式。当然，现在的社会比那时复杂多了，学习的内容也大不一样。但是可以看到，从孔夫子到德国的职业教育，再到我国的普通教育，采用相同或相类似的教学方法，其所要解决的问题和达到的目的，都是有规律可循的。这就是教育的思想观念与社会变化及教育对象的实际相结合。据此，笔者以为，中职美术设计专业是最需要、也是最适合采用小组合作学习这种课堂教学模式的。对于这一点，笔者在下文中还要做具体论述。

二、“小组合作学习”教学模式具有科学的理论依据

我们所说的科学，就是事物发展变化的内在规律性。讲科学的理论，就是揭示事物的内在规律，按照内在规律办事。古人不懈追求的“格物致知”的要求，正是一种按科学规律办事的精神境界。

小组合作学习教学模式从上世纪70年代开始兴起于美国，现已被广泛应用于中小学教学实践。此模式将班级学生按照学业水平、个性特征、能力倾向、性别、家庭背景等多方面的差异，组成多个异质学习小组，创设了只有小组成功成员才能成功完成目标的情境。此模式将学生个体的学习竞争关系改变为“组内合作”“组际竞争”的关系，将传统师生的单向或双向交流改变为同学之间、师生之间的多向交流。提高了学生学习的主动性和自控能力。促进了学生良好的人际关系和职业技能水平的提高。

三、中职美术设计专业采用“小组合作学习”的教学模式具有很强的现实意义和长远的战略意义

20世纪80年代以后，随着市场经济的发展和人们生活水平的提高，以及生活方式的改变，美术设计成为一个横向的多层面的新兴行业。社会需要一批有文化艺术素养、具备创新能力和实践能力的新型人才。由于专业的特殊性，设计行业倡导教育要实行艺术教育与技术教育相结合，注重实践技能的培养，强调创新能力的培养，重视美术教学的民族性与地方性。如此高标准的要求，结合如今低素质的学生专业选择，美术设计专业教师在课程实施过程中，若不改革、探索适应当前中职校美术专业学生的教学模式，中职的美术设计教学势必难以完成国家的重托和时代的使命，难以培养出社会所需要的高素质的劳动大军。因此，倡导自主学习、合作学习的教学模式，引导学生主动探究、团结协作，培养企事业单位欢迎的实用型、创新型的设计人才，在当今和以后相当长一个历史时期都是非常重要且急迫的。具体来说，其至少有以下几方面的重大意义 。

第一，采用“小组合作学习”的教学模式有利于学生认知、情感和技能目标的均衡达成；

第二，采用“小组合作学习”的教学模式有利于学生主动参与学习，有利于开发学生的创造潜能，提高教学效率；

第三，采用“小组合作学习”的教学模式有利于培养学生合作精神与人际交往能力；

第四，采用“小组合作学习”的教学模式有利于学生美术技能的自然习得。

总之，对于中职美术设计专业来说，采用小组合作学习的教学模式，无论从当前还是长远来看，都十分有利。

四、中职美术设计专业采用“小组合作学习”教学模式的实践探索

笔者在中职美术专业的教学实践中，对采用“小组合作学习”的教学模式做了一些必要的学习和探索，把一次完整的教学过程分为分组、操作及评价三个前后连贯的阶段。以下对此进行论述。

（一）分组

分组，在整个活动中是很关键的一步。按什么标准分，具体怎么分，都很有讲究，很有艺术性。但总体原则是：要有利于让每位学生都能学到实实在在的知识，掌握更多的技能。

一般来说，分组要根据班级的实际情况，可采取按角色分组，也可采取按学生学习基础程度分组。考虑到学生层次及作品效果，笔者常采取按其学习基础程度分组。每组一般分A、B、C（或善学、乐学、勤学）三个基础程度。按此种方式分组时，要特别注意事先做好第三基础程度学生的心理健康指导，以免产生不必要的误会，甚至误伤学生的学习积极性。

（二）操作过程

平面构成是设计专业学生进行设计之前，首先必须学会使用视觉语言的一种基本训练。其引导学生了解造型观念，训练抽象构成能力，培养学生的审美观，接受严格的训练观。而“形象存在的方式”又是平面构成课程教学的基础与重点，是培养学生抽象思维方式的重要环节。其与后期的图形创意、标志设计等专业设计有着密切的联系。但是，大多平面构成教材都忽略了这部分知识，教材内容既简单又抽象，与实际联系甚少。大多教材对“分离”“接触”“减缺”“透叠”等组合方式只用抽象图片作为范例，学生很难理解，更无法将这些构成方式与实际设计联系在一起。笔者以此节内容为例进行“小组合作教学”。

课前，教师布置小组进行自学，鼓励小组成员主动探究，引导小组成员利用网络资源、图书材料等寻找符合“分离”“接触”“减缺”“透叠”等形象组合方式的标志。同时，请学生事先分析并找到图案在“标志中运用的图形元素”及“标志中元素的组合方式”。这样可以帮助学生对这部分构成知识有一个形象化的理解。另外，根据原先分成的小组，请各组分别制作2块50厘米×50厘米大小的三角形、正方形、长方形、梯形、圆形的纸板，用于接下来的课堂演示。

课堂上，伴随着慢节奏的音乐声，请各小组派2名成员，拿着制作好的各式图形的纸板做“分离”“接触”“覆盖”“透叠”“联合”“减缺”“差叠”“重合”8种形象存在的方式。于是，学生的学习兴趣很快就被调动起来。教师通过创设学习情境，迅速激发了学生的情感，顺利地导入新课，激发了学生的求知欲，激活了其思维，明确了学习的知识和能力目标。接下来，可自然地提出本节课的问题或学习任务：

1.利用课前寻找的“分离”“透叠”“减缺”等形象组合方式的标志，分析这些图案在“标志中运用的图形元素”及“标志中元素的组合方式”；

2.分析分离、接触、覆盖、透叠、联合、减缺、差叠、重合的概念和它们之间的关系；

3.形象、形象存在的方式及创造形象――班级标志设计。

具体采用“小组合作学习”模式。根据课前小组长的具体分工，各成员就自学过程中产生的问题和想法进行探讨。同时，就各自的方案提出自己的看法，吸收他人的意见，最终形成共识，设计出小组成员均认同又极具特色的班级标志。在设计过程中，气氛相当热烈，定稿绘制，各小组均推选了表现力最强的成员，其他成员调颜料的调颜料，量尺寸的量尺寸，充分调动了学生的学习兴趣和动手、思考的积极性。同时，教师在各小组设计定稿的时候巡回指导，整个过程高效而不枯燥。最后，教师请各小组展示“班级标志”设计成果，各小组派代表讲述设计理念，互相评比各组设计的优缺点，民主评选名次。教师对表现优秀的小组进行奖励。

（三）评价

小组合作学习应对每节课的学习成效进行及时评价，以此激励学生的学习兴趣，评价中应重视合作学习评价的全面性，特别要避免少数学生主导整个学习进程。一般来说，除对学生每堂课中的表现进行及时评价和激励外，还应对其有一周、一个月、一学期的学习阶段性评价。评价可分为定性评价和定量评价，如定性评价可针对被评者做概括性描述和建议，以帮助被评学生改进与提高。定量评价可按3分、2分、1分三个等级评分。评价过程中要重视学生自主展现的表现，如“抢答”“板演”“生生评价”等各类形式。

以上“小组合作学习”教学模式与以往授课方式相比，凸显了以学生为中心，以学生主动参与为路径，以评价激励为方式，以设疑激趣为先导，优化了课堂的学习“生态”。改变了以往在班集体中，成功只属于少数几个人，大多数学生只能是失败者的现状，达到了“不求人人成功，但求人人进步”的教学境界。而此种教学境界，正适合职业学校艺术设计专业学生良莠不齐的素质，达到了学生整体进步的要求。

五、探索将“合作的小组”升格为“学生工作室”的路子

当“小组合作学习”教学模式得到了全面推广，学生会学、乐学，其参与意识、探究能力、表达能力、交往能力、合作意识等均得到了较大幅度的提高，小组合作的成员配合度也达到了默契。这时，笔者认为可以水到渠成地将“合作的小组”升格为“学生工作室”。学生工作室不仅可以改善学生的实习条件，保证人才培养质量，提高学生的就业率，还可以使学校的培养目标与企业的岗位需求更趋一致。学校可选派既具有扎实理论功底，又拥有精湛的设计技术的教师作为指导老师，辅助学生创立工作室。学生工作室既可以培养学生的创新精神，提高实践动手能力，又有利于培养学生的团队协作能力、交流能力。其作用与“小组合作学习”是一样的，能有效地巩固和扩大“小组合作学习”所取得的学习成果，两者的价值取向是一致、吻合、叠加的。

2013年，浙江省湖州艺术与设计学校在全面推行“小组合作学习”教学模式的情况下，重点关注美术设计专业课程改革，加大实训设备投入力度，支持室内设计专业学生工作室入驻学校中职生校外创业孵化园。而此工作室的前身亦即“小组合作学习”模式下优胜的合作小组。如今，室内设计学生工作室在导师的指导下，已能面向市场承接业务，真正实现了作品商业化、人才社会化的美好前景。

当然，在推行“小组合作学习”教学模式的过程中，也有一些具体的问题还有待进一步研究和探索，例如如何进一步完善操作流程和教学模式；如何融“小组合作学习”与“公共课程+核心课程+教学项目”为一体，科学推进课程改革等。但从总体而言，“小组合作学习”这种有别于传统的教学模式，对全面增强中职美术设计专业全体学生的学习动力，培养新型的美术设计创意人才，接轨美术设计市场，具有十分重要的现实意义和长远的战略意义。

参考文献：

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[3]王永春.平面构成[M].沈阳：辽宁美术出版社，2011.

[4]吕平凡.中职学校工艺美术类专业分层教学的研究[D].湖州艺术与设计学校，2009.