明代工艺美术的特点

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明代工艺美术的特点范文第1篇

我国民间工艺是历代劳动人民、匠师、艺人的伟大创造和智慧结晶，代表着中国历史文化积淀以及悠久的传统文明形态，有着辉煌的历史印记与浓厚的传承底蕴。正因为如此，我国民间工艺美术从各个角度折射出社会文明的发展历程。

从装饰纹样看，商代的饕餮纹、周代的窃曲纹、战国的蟠龙纹、汉代的四神纹和云气纹、六朝的莲花、唐代的牡丹、元代的松竹梅、明代的串枝莲等，都是各个历史时期的艺术代表之一。远古时期，人们还处在狩猎时期，每天所接触熟悉的自然对象主要是动物，因此动物不只在人们生活中占有重要地位，也在装饰纹样中占有重要地位。原始社会彩陶上的各种几何纹，有的和生产、编织物有关，有的是动物纹之抽象化，是原始氏族部落的标志。商周至汉魏六朝也是以动物纹样为主体的装饰阶段，人们对于天和神的宗教观念，通过这些现实的和想象的动物纹样表现出来。如司母戊鼎中的饕餮纹、夔龙纹以及形象狞厉的猛虎，使作为权势象征物的大鼎增加了神秘的情感表现。

只有当社会的生产力大大提高，物质生活得到满足，人们才能把整个自然界特别是花草植物当作审美对象。比如，唐代是我国封建社会的高度发展时期，生产发展，经济繁荣。唐代的装饰开始面向自然和生活，富于浓厚的生活情趣，尤其是唐代工艺美术中装饰纹样以卷草和牡丹为主体，体现了唐代赏牡丹的一种社会风尚。而宋代，由于文人引领时代意趣风尚，则出现了凸显文人精神的装饰图案――四君子与岁寒三友等。

从艺术风格上看，不同的历史时期具有不同的历史特点，如商代的威严庄重、周代的秩序、战国的清新、汉代的凝重、六朝的清瘦、唐代的丰满华丽、宋代的理性美、元代的粗犷豪放、明代的敦厚、清代的纤巧。而这些独特的艺术风格，正是人民审美的体现和时代思想的反映。商代统治阶级崇尚武力，奴隶主用残酷的刑罚镇压人民，可以随意将奴隶作为奴隶主的殉葬品或祭祀用的“人牲”。因此，商代工艺美术特点充满了威严、神秘、慑服的力量，服从于祭祀的要求。再如，宋代的工艺美术具有典雅、平易的艺术风格，而形成这种特色正是其特定的社会文明。一方面，重文的治国政策和科举制度的完善，促使庞大士人阶层的形成，这大大提高了文人士大夫的社会地位。在哲学领域里，理学占据了统治地位，理学家提出的是“言理而不言情”；在文学思想上，梅尧臣提出了“作诗无古今，唯有平淡难”的文学观，反对错彩镂金、雕章琢句的浮华作风。另一方面，百业俱兴的城市商业经济，催生了多元多彩的市井文化，产生了技高艺精的宋代工艺美术。这些使得宋代民间工艺美术的风格趋向于一种清淡的美，呈现出了清润典雅的风格，质感求温润似玉，体型尚清秀儒雅，品格欲超逸出俗。比如，宛自天开的奇石摆件、意象万千的观赏瓷，以及体现文人品位的香薰、置花器皿、棋子等。

从工艺制作上看，商周时期的青铜材料、战国汉代的漆、六朝以后的瓷以至近代的塑料、钢管等，这些艺术表现手段的生成都体现了当时社会的新兴材料。比如，战国、汉代的漆器产量之多、规模之大、传播之广，足见当时漆树种植的兴盛。《史记》记载：“陈夏千亩漆，……此其人皆与千户侯等”，说的是种漆树千亩，可以与作千户侯的官职相等。而战国铜器装饰用的模印法、汉代印染用的套版、宋代瓷器的叠烧等，这些技术的发展都反映了当时社会生产所需量之多。宋代社会相对稳定、商品经济繁荣、市民阶级的兴起，对生活和城市商品交流的需求不断增长，为工艺美术生产和发展提供了丰富的物质条件和消费市场。陶瓷工艺无论在生产规模、制作技术、艺术水平上都处于高度繁荣和发展阶段。陶瓷的生产遍及全国，南北各地均有名窑。北方之汝窑、定窑、钧窑、官窑、耀州窑，南方之龙泉窑、景德镇窑、建窑、吉州窑，均负盛名，且产品独具特色，品类繁多，器型多样，最受欢迎的有“梅瓶”“玉壶春”等。

从器物造型上看，或因提高实用功能，或因生产条件发展，或因时代风尚，历代以来产生了不同的变化，如三足的鼎就是便于站立，其耳环为了提携，尖形口为了倾液。有的从粗到长，有的由矮到高。提携的器物，大都细而长，如辽金的鸡腿瓶；头顶的器物，大都器底小，如彩陶壶；放置的器物，为了平稳，大都底部宽大，如宋代的梅瓶到元代底部变成鱼尾形。当时所创造出的造型多与生活需求相联系，如宋代改变自商周以来的跪地而坐的习惯，进入垂足而坐的时期，因此宋代家具进入高型家具时代，比例优美，装饰简洁。

从经营位置来看，在席地而坐的历史时期，器物放在地上，无论是盆、钵还是瓶与罐，都注意到由上观下的效果，装饰部位多在器体的肩部和内部，如原始社会的人面鱼纹盆、舞蹈纹盆、漩涡纹双耳罐等。尤其是瓶与罐，在绘制四面图案之前就细心照顾到靠近瓶罐颈口处的图案，由上方下视时也形成一幅和谐的图案。垂足而坐后，人们使用桌椅，器物放在桌上，装饰部位下移，都是为了适应欣赏视线。如彩陶后的瓷器，多以器体外部装饰纹样，或上釉色，或堆砌贴塑，精美绝伦。由此可见，民间工艺品的创造和观赏是按照当时人们习惯的观照方式进行的。

明代工艺美术的特点范文第2篇

在紫砂之乡宜兴，有位民间称之为“一壶香”的国家级工艺美术大师，颇受紫砂藏家追宠，因他制作的紫砂壶不但精致，把玩惬意，而且泡出的茶馨香迂韵，清澈味纯，隔日如新。他就是著名制壶大师范国祥。

我们知道，江苏宜兴紫砂器物，在明代时造型就呈现多元化，制作技法日臻成熟，各种款式层出不穷，涌现出了许多名家，如正德年的龚供春、万历间的赵梁和时大彬、隆庆时的董翰等。清代中后期直到当代，紫砂名家不但与文人合作，把中国传统的雕塑、诗词、绘画、篆刻等艺术融会其中，而且刻苦研磨，创作出精妙绝伦的紫砂器，如邵友庭、华凤翔、顾景舟、徐汉棠、吕尧臣等。当代工艺美术大师范国祥制作的紫砂器物也极具收藏价值，尤其是富有传奇色彩的“一壶香”系列，更让人难以割舍。

世代居住古陶都宜兴蜀山老街的范国祥，是宜兴范氏家族紫砂陶艺传人、在宜兴被广为称赞的民间多面手工艺大师。他于90年代即成为江苏民间知名鉴藏家。祖父乃当代紫砂制壶及陶刻名家范泽林，奶奶束盘招是宜兴紫砂厂第一代陶泥工，由她及工友们陶制的紫砂泥细腻、码数标准，颇受当时的工艺师们的喜爱。

范国祥自小跟随祖父制作紫砂壶及不同形体风格的紫砂杂件；同时，受到蜀山老街多位老艺人紫砂制作秘传真艺，掌握多项紫砂技法秘笈绝活。他还擅长制作光素器、花器与紫砂杂件。从艺30多年来，他潜心研究，形成了自己风格的制壶技艺。他创作的紫砂杂件、微型花盆等，造型灵感均来源于大自然，融合了花器仿生学的特点，制艺工整，精细入微，生动别致，且造型独树一帜，深受陶艺爱好者和收藏家们的喜爱。综合起来，其紫砂器物的名品之作主要有三类。

圆形壶流畅灵韵

纵观范国祥的紫砂器物作品，其圆形造型力求由各种不同方向和曲度的曲线组成。每一把紫砂圆壶讲究珠圆玉润、骨肉亭匀、比例协调、敦庞周正、转折圆润、隽永耐看。如大竹鼓、虚扁壶等，是他紫砂圆器造型的典型作品，特点是“圆、稳、匀、正”：口、盖、的、嘴、把、肩、腰的配置比例不但协调和谐，匀称流畅，而且做到了“柔中寓刚、圆中有变、厚儿不重、稳而不笨、有骨有肉、骨肉亭匀”的艺术效果，可谓大师出手，个个精品。

独创方器个性

在范国祥的陶器品中，方器既有紫砂壶，也有各式样花盆、艺品摆件等，造型主要由长短不同的直线组成。如抽角石瓢、四方清玉、四方葵菱及各种比例的方形壶等，方中藏圆，线面挺括平正，轮廓线条分明，给人以干净利落、明快挺秀之感。他博采众长，借鉴历来很多出色的方器造型风格特点，如四方壶、八方壶、传炉壶、觚棱壶、僧帽壶等造型，创造出具有范氏风格的方器造型特点：“线条流畅，轮廓分明，平稳庄重”，以直线、横线为主，曲线、细线为辅，器型的中轴线、平衡线正确、匀挺，富有变化。他制作的方壶除口、盖、的、把、嘴应与壶体相对称外，还做到“方中寓圆、方中求变、口盖划一、刚柔相称”的技艺境界。还有，他的壶型不论是四方、六方、长方、扁方，其壶盖方向均可任意变换，并与壶口严密吻合。这实属技法精湛的制壶佳品。

“花货”形体自然

在宜兴制壶界，有一种壶型叫“花货”，是对雕塑性紫砂器皿及带有浮雕、半圆雕装饰器皿造型的统称。范国祥善于将生活中所见的各种自然形象和物象的形态通过艺术手法，设计成器皿造型，如将松竹梅等形象制成各种树桩造型；或者是在圆器及方器选型上运用雕、镂、捏塑等手法，将自然形体变化为造型的部分，如壶的嘴、把、盖、钮；或者是在造型的显见部位施以简洁的堆雕装饰。他在壶体上堆雕纹饰，总是力求宁简勿繁，做到主次分明，以达到视觉上的和谐与平衡。他把这种壶艺造型归纳为“源于自然而高于自然，造型不仅应具有适度性的艺术夸张，又应着意于风格潇洒”的理念。例如，他在壶器或花盆上装饰松竹梅等植物时，强调刻画出松干劲拔、针秀、气势铿锵，秀竹则娴静有致，俊逸潇洒，冬梅突出主干苍劲、寒中独俏、素枝闲花、以简为主，达到疏中见密、少里寓多、富有活力气息的艺术效果。因此，范国祥的紫砂器品不仅形象生动，构图简洁，而且善于巧妙地利用紫砂泥料的天然色泽来增强其艺术效果。

范国祥的紫砂器系列作品，几乎包罗了自然界与世间各类可创性的形体，不但精致、柔美、实用，极富观赏价值，艺术感染力也是强劲、深远的。这也是他的紫砂壶为何广受欢迎、被人们冠以“一壶香”的重要原因。

明代工艺美术的特点范文第3篇

【关键词】贵州艺术设计;工艺美术品;应用

随着社会文化、经济的高速发展艺术设计所呈现出的视觉表现内容时刻总在不经意间渗透、影响、或改变着我们日常的生活，当大家都在为一种现象、一种流行所引导和吸引的时候却往往忽视了视觉语言中最朴素、最本源的传统工艺美术品中的造型元素、色彩构成及肌理表现。使原本有着广泛群众生活基础的它，在固守曾经的经典辉煌同时，却因大都没有融入新美学理念的激活导致缺乏新鲜的血液补充，在时代的气息中渐行渐远、逐步退出大众的视野，在边缘化的生存状态中直至灭绝。

一、贵州当代艺术设计现状分析

过去一提到贵州，人们的印象里总是下意识地的围绕“黔驴技穷”、“夜郎自大”、“苗家蜡染”等几个词进行联想，然而时过境迁，随着西部大开发、国发2号文件及央视“多彩贵州”全新形象的投放，以逐渐改变国人心目中长久以来的负面形象。如今的贵州在社会经济快速发展的变迁中发生着日新月异的变化各项事业已融入现代化建设的进程中。同时艺术设计作为一门独立的专业学科也早已走出校园直接面向市场转换成为社会经济发展提供支持动力的一个必要部分，它在服务社会经济文化的同时，又起着提升大众的审美品位、丰富全民美学素养的作用。同时好的艺术设计能有效折射出一个地区、一个城市的内在的审美倾向、人文气息。

自上世纪80年代初期的改革开放以来，贵州虽地处边缘，但也和全国同步，在物质文明市场经济的融入下，人们的思想观念、价值取向、生活方式也相应发生最大变化，特别是近几年随着西部大开发、国发2号文件及央视“多彩贵州”形象宣传的投放，如今的贵州在社会经济全面、快速发展的同时，早已步入现代化建设的进程。在过去贵州艺术设计在突出强调地域性、民族性与现代性的同时，也历经过西方各种现代艺术思潮的洗礼。贵州当代艺术设计是现代艺术设计的一个组成部分，历经了从欧美发源地引入日本、台湾再通过深圳、北京、上海几番辗转流程才慢慢影响扩散到西南贵州等地，历经几代人的传播因而带有明显的地域环境特征。它的成长与发展受外环境的影响而产生作用，其主题表现内容形式在经历了借鉴、模仿之后逐步转向对本源文化的探索和及重拾，而近年来因贵州本土艺术设计师在专业道路上执着的坚持和努力，以一种积极的态度形成一股新势力呈现在当今中国的艺术设计舞台上，其关注度和作品质量也发生着悄然的变化。在吸取接纳设计领域中新技术、新理念、的表现方式时始终坚持多元化与传统化的结合，其主要运用途径体现为“立足贵州、放眼国际”对本区域民族性的符号、图形、色彩在保持历史延续性基础上进行加工、改进和创新，使贵州的地域、风俗、人文景观以独特的审美样式展现出只属于贵州“原生态”的视觉效应来丰富构图形式内涵和神秘的外延信息。使大多艺术设计工作者以积极的状态加入到对贵州文化的挖掘、整理、保护、改造和发展这一环节的开发运用上。

二、贵州传统工艺美术品的主要种类、特点及市场效应

艺术的诞生和发展源于远古先民的社会大生产和劳动生活，工艺美术它最初的表现形态就是手工艺品，后来由于功能作用的需求才慢慢有了欣赏和实用这两种发展方向，它的产生是物质生产和艺术表现的高度统一，即满足产生需要、有满足精神上的审美需求，实用与美观的有机统一。贵州传统工艺美术相对于现代商业手工艺品，工艺流程较为繁琐、复杂且不能用机器取代的集艺术性、欣赏性和实用性为一体的物品。但由于环境及原料来源、技术加工等原因，常出现呈局部地域的密集分布为特点。大致划分为：

（一）黔西南安顺苗族、布依族的蜡染刺绣

造型特征借助线条、色彩、图腾以纹样形态的分解、组合构成新的图案来反映民族的社会历史、神话传说。表现题材为大自然中的花、草、鱼、虫等，它们的造型不是对物象的简单模仿，而是通过对其的仔细观察、提炼、夸张，结合丰富的想象创作出来。

（二）雷山的银器

由于地域风俗原因在银饰品的装饰上充满了神性的张扬和想象力。在图案造型中寓含着巫术、信仰、和图腾崇拜的图像占据装饰物的主要位置，描绘形态大体趋于稳定，不随意创造或变形，带有较强的庄重性。

（三）紫云、镇宁的地戏面面具

举民俗专家考证，起源于明代、形成于清代普遍作用于：元宵鼓乐灯火爆竹，扮演角色故事而生，在造型上大部分有着相对固定的模式，正神多为慈眉大眼、面善脸宽，色彩柔和协调。

以上所述贵州民族工艺品普遍存在外观老套、造型陈旧、粗糙、实用性不强和档次较低等问题。其中只有少数项目如：分布于我省西部旅游黄金线的安顺黄果树、天星桥、西江苗寨等风景区凭借旅游资源优势能产生一定的经济效益而受到有关部门重视，得到一定程度上的开发外而其他的传统工艺美术品项目大都处于分散布局依靠纯手工作业完成，停留在家庭作坊水平且产生力低下，区域性的乡、村、街的规模和工业、产业园区寥寥无几，多数却因地理位置客观原因限制散存于民间处于一种边缘状，导致无人问津、任其自生自灭。如何把植根于贵州原生态土壤里的民族、民间文化资源有效链接到现代工艺产品的视觉审美中是一个亟需解决的持久性战略问题。

三、艺术设计融入贵州传统工艺美术品的必要性和可行性

艺术设计是一种文化存在现象是基于人类物质生产实践而形成发展起来的，是一个国家、民族、一个时代物质文化和精神文化彼此结合的产物，并具有传承性和时代性。如今已它已渗透到社会生活的方方面面，所以它具备一定的文化传播输送功能，正已积极的姿态改变我们的生活、引导我们的审美观念，现阶段它和工艺美术依附于不同的表现空间和不同的应用环境。而不同的文化属性又决定了两者的不同构成要素和生产资料，但就内容形式的表现上依然局限于狭隘的地域空间与现在社会大众的视觉审美，无论是在造型、色彩上还存在较大的差异与主流美学意识有较大的脱离。将当代艺术的时代特征、视扩展延伸、使用价值不断提升、审美特征不断更新，传递出具有民族传统的自然特性，映射出贵州本土特有的艺术表现语言和地域审美取向，让民俗风情和民族文化的内容与形式得到升华。从而达到实现跨界、转型的演变是值得深度挖掘的。

如何表达和呈现本土文化的现代形态，其关键核心是必须抓住贵州民族文化的魂，不能只是简单的复制“形式”的表面或低水平的延展视觉形象符号。应该就贵州当代艺术设计与传统工艺美术产业两种不同新旧事物的起源、发展及不同的社会属性作较为系统的研究、分析以彼此间的功能、属性并相互作用、彼此影响、巧妙的借鉴、融合。最终打造出具有贵州原生态的民族产品品牌形象。

如：笔者近期参与贵州上行品牌策划公司关于《贵州寨生/再生》的民族工艺品项目的形象推广设计，在通过一定范围的市场调查，发现苗族的蜡染、刺绣侗寨是普遍受人欢迎及认可的一种贵州元素，但过于民族化的图案、深沉的色彩搭配及粗糙的纹样图形已不太适应于追寻现代、简约、时尚、环保的大众审美需求，如何让民族原生态的精神在当今的时代条件下焕发出新的光彩就是必须对现有形态进行加工、提炼、结合现代家居配套的深度介入性将俗语“前途无量”的“前”借喻为代表贵州的“黔”一语双关，进行思维扩展最后定位的表现载体确定在“靠枕”这一生活饰品上按近代美术印象派的构图理念在保留固有痕迹的基础上去繁就简的进行大胆的取舍，色彩则是采用鲜艳的补色纯度对比作搭配填充。诉求的创新在于把握民间工艺美术历史发展的文脉和潜在的民族精神结构，以新的角度和眼光审视我省丰富独特的民间美术，解构其造型图式并发掘其蕴含的文化历史内容和观念性涵义以塑建具有国际性的新民族图式让艺术设计、传统工艺的全方位交叉，在设计中强调传统的精神理念，传达出浓浓的文化气息、让传统工业美术产业搭载现代艺术设计的包装推广平台，将表现形式构成方法、科学和技术的交融结合，在充分挖掘民族文化元素、突出地域特色、强化品牌意识有效保护传统工艺项目，不断开发新技术、新工艺、新产品、促进保护传承与创新发展;着重点在于对贵州旅游产品的开发和研究上使其不仅仅具备使用和促销功能，更重要的是肩负着传达旅游纪念品――表达文化内涵、记载美好回忆宣传城市品牌的有效载体，利用我们十分熟悉的贵州少数民族民间丰富的原生态艺术资源，在表现上大胆突破与创新，并对之进行现代性的视觉转换，充满创意地创作了一批融汇浓郁的贵州民族民间及现代气息的艺术作品，实现本土艺术设计提升传统工艺美术产品价值的目标。笔者认为就如何合理运用彼此的资源共享，有效的解决以上矛盾，可通过一下几点进行调整、规划。

（一）企业与当地居民结合

有文化传播作用的机构或企业根据市场营销策略在市场调研的基础上规划出目标市场、产品定位把相关信息传达给当地居民让他们有个明确的统一指导方向，借此了解市场、了解需要、在尽力保证资金、控制成本的情况下，以流水线的运营方式，围绕主题整合资源进行形式与内容的延伸。做到有的放矢而不至于生产加工出的工艺美术品低效益的重复浪费。

（二）加强高校及专业的设计机构结盟

以学校为载体，举办小型作品展，通过教学活动与市场接轨，除了校内邀请企业家、文化运营商外客座外，在条件允许的范围内把展览布置在城市的公共文化活动区域，让社会大众来欣赏及参与，因为艺术设计的根基在于服务大众、满足人们的需求而被大众、被市场所接受，只有扎根于大众的生活，才能获得长久的生命力。以对外展示、宣传、推广的整体营销方式让其直接面对消费者，接受大众的评价和市场的检验，从而使艺术与市场接轨。这样就可以在工艺品的审美和商业价值传播上找到新的结合点。让他们在丰富的民族、民俗素材中吸收营养，得到补给，有利于贵州民族文化对外的交流和传播。

（三）政府推广

政府作为整个社会的管理及组织者，宣传、推广自家的产品、特色是责无旁贷的，相关职能部门在对外交流、招商引资等公务活动时刻加强对贵州工艺美术产品的介绍和宣传多角度、多层面的为其建立产品认知渠道，通过民族特色产品让更多的人了解贵州、感知贵州、欣赏贵州。

通过以上几方面、多渠道的有效组合把我省民间传统的工业美术以现代营销的方式在保留和改良原有形态的基础上以一种符合当下大众主流审美观，它其在新的历史条件下重新焕发出具有鲜明地域人文色彩的魅力。

现代社会的消费方式、价值取向和生活节奏等多个方面的发展都对传统工艺美术产生了强烈的冲击，在这种冲击下，传统工艺美术产业面临着严峻的生存环境与艰难的命运抉择这些现实情况要求我们要冷静、务实和科学地对传统工艺美术产业进行深入系统地思考和研究，进而寻求一条挽救的方向和渠道，提高传统工艺美术产业的综合实力和品牌效应，即可以促进地方经济的建设，还能够唤醒人们对文化思想根基的回归。作为一个贵州土生土长艺术教育传播者，对此拥有着一份特殊的情感认同及对本省人文、自然环境、民族特色等有着天然的优势。如何就贵州当代艺术设计与传统工艺美术产业进行合理的调配，形成产业链的互补、达到资源共享的目的。使我省的传统工艺美术以现代艺术设计作为载体借助新的色彩、图形视觉语言和表现构成方式通过不同的媒体渠道及传播手段让它在新的历史条件下重新焕发出新的光彩。在加快本身工艺美术产品与创意设计、最终集艺术性、欣赏性和实用性为一体的文化消费产品，增加其文化内涵和科技含量，提高产品的附加值。

四、结语

明代工艺美术的特点范文第4篇

用。“没有什么不可收藏的”来形容收藏品类之多并不为过。现代收藏已不限于古董、古钱、陶瓷、书画等，只要是具有收藏价值及个人爱好的，邮票、粮票、奇石、火花、算盘，甚至汽车、飞机等都可以收藏。

文物古董类 有青铜器、玉器、瓷器、陶器、金银器、漆器、钱币、甲骨、玺印和封泥、鼻烟壶、古墨、古砚、古筝、古七弦琴、御诏、壁画和岩画、书法和绘画、碑帖、石刻、唐三彩、扇子、石雕、木雕、骨雕、根雕、牙雕、简牍、画像砖、瓦当、陶俑、明清家具、玻璃器、铁器、兵器、仪器、服饰、织绣、水盂、梳篦、古匣、香炉、景泰蓝、茶具、铜镜、算盘、古枕、年画、家谱、指南针、墓志、佛像、化石、古生产工具和生活用具、度量器；古旧图书、革命文物、民俗文物和民族文物。

名人纪念类 有名人书画，名人印章，名人手稿，名人名片，名人签过的文件、信函、票证、照片及物品，名人制作紫砂壶，名人手绘瓷器。

动植物和矿物类 有蝴蝶标本、昆虫标本、植物标本等。矿物资源，有玉石、钻石、蓝宝石、翡翠、玛瑙等珠宝玉器和寿山石、青田石、鸡血

安徽邹新群石、雨花石、奇石及古生物化石等。

现代美术工艺品类 包括现代美术品、现代工艺美术品、民间艺术晶。现代美术品，有版画、国画、油画、壁画、书法、雕塑、摄影、藏书票、火花、烟标、酒标、老月份牌、广告画、电影海报、书画赝晶。现代工艺荚术品，有像章、纪念章、陶瓷、家具、木偶、金属日：用品；陈列工艺品，有玉雕、牙雕、微雕、装饰壁挂；装璜美术品，有书画装裱、书籍装璜。民间艺术品，有剪纸、脸谱、皮影、风筝、灯彩、绘画、木刻、雕塑、金银首饰、纺织工艺晶、餐具。

生活用品类 有邮票、信封、彩票、粮票、布票、国库券、人民币、金银币、外币、印花税票、门券、月票、站台票、参观券、酒具、磁卡、扑克牌、书签、口琴、老唱片、旧年历卡、古董钟表、古董眼镜、老式油灯、老红木家具、老打火机、旧挂历、烟斗、烟缸、雨伞、玩具、首饰、手杖、望远镜、水烟壶、艺术请柬、贺年卡、钮扣、铜锁、贝螺、蟋蟀罐、傩戏面具、刺绣艺术晶、旧门牌、菜单、大铜章、钥匙、船模型、火车模型、轿车模型、影剧说明书、报刊创刊号，印刷精美的画册、图书及成套画刊、连环画等，可谓包罗万象。这还只是品类，若细分，仅邮票一类，又可分为生肖票、纪念邮票、特种邮票、小型张、小本票、小版张、首日封、纪念封、名人封、火车邮戳、邮资明信片、极限明信片等。

那么，初人收藏，如何选择收藏品种呢?

对任何人来讲，都可以拥有一片广阔的收藏天地。但是收藏要有一定的知识，方法要讲究。面对众多可收藏的藏品，首先要选择自己喜欢的东西，只有选择自已喜欢的东西来收藏，才有永久的收藏动力。杨振宁说：“成功的秘诀就是兴趣。”只有喜欢，才怡悦身心，才能为研究应用打下基础。

明代工艺美术的特点范文第5篇

梅俏也不争春，只把春来报。

待到山花烂漫时，她在丛中笑

梅花盛开在早春时节，迎寒而开，与松竹一起被称为“岁寒三友”。因其不与普通花儿一同绽放在气候宜人的晚春，更显出它的独特。白雪皑皑中的一抹红色，彰显了梅花不畏严寒，坚忍不拔的性格。

宋代是中国陶瓷发展的成熟时期，陶瓷装饰手法丰富，梅花装饰手法有刻花、剔花、印花等。龙泉窑青瓷刻花梅花纹饰线条流畅，釉色滋润含蓄，由凹凸刻划充分显现了青瓷装饰较高的艺术水平。元代制瓷业在宋的基础上逐步发展，尤其青花装饰技法的成熟使得梅花纹饰进入了以绘画表现技法为主的时代。写意梅花纹以中国画用笔形式，画风简练，线条潇洒酣畅，挺劲的线条勾出花瓣的轮廓，然后分水，率意点染，其以青花为主导，以描绘为方法的形式，把元代梅花纹饰在青花中演绎到一个高峰。清时期景德镇制瓷业推到了极致，康乾盛世创造的辉煌今日都难以逾越。陶瓷梅花纹也就以其精湛的釉上彩绘的形式为世人惊叹。这一时期综合了前期的多种工艺：不仅有青花、斗彩、釉里红、五彩、堆雕，而且又创造了粉彩、珐琅彩、素三彩等多种形式，应有尽有。

现代陶瓷装饰的集成与借鉴是很重要的，但只是手段不是目的，其最终的目的依然是为了陶瓷艺术的创新与发展。现代陶瓷工艺的改进使得梅花纹在陶瓷艺术品上大放异彩，花色鲜艳明亮，富有韵味，艳而不俗，淡而有神。随着瓷器本身造型的曲线而流转，达到和谐的艺术效果。

兰不因纫取堪为佩，纵使无人亦自芳

兰花，往往都被寄托了一种幽芳高洁的情操。且花中还夹杂有荆棘，寓意君子能容小人。兰，一则花朵色淡香清，二则多生于幽僻之处，故常被看作是谦谦君子的象征。陈子昂的“岁华尽摇落，芳意竟何成”；张九龄的“草木本有心，何求美人折”；李白的“若无清风吹，香气为谁发？”

据说苏轼曾画过兰花，花中夹杂着荆棘，以寓意君子能容小人。而在清朝，以“扬州八怪”之一的郑板桥先生的兰花最为有名。郑板桥画的兰花姿态百千，但尤为喜欢画山中野兰，更为其题词“千古幽贞是此花，不求闻达只烟霞。采樵或恐通来路，更取高山一片遮”。吴昌硕的《石兰图》、文征明的《墨兰卷》、赵孟頫的《兰蕙图》、郑思肖的《墨兰图》等等，众多名家的名作为现代陶瓷装饰中的兰花提供了巨大的财富。

兰的结构是花五瓣，当中的两瓣较短朝内侧抱芯，另三瓣伸向外侧。点花，一种是纯墨色的浓淡点法，另一种是草绿蘸淡胭脂的色瓣点法。蕙一茎多花，五至十朵之问，花从上而下开，尖瓣居多，在一串花之中藏、露、含、放、俯、仰侧颇具姿致。画兰花最重要的还是要求笔法的一气呵成，下笔要干脆利落，以求兰花自然生动。

竹宁可食无肉，不可居无竹

竹子四季常青，有节，空心，寓意充满活力，生命力顽强，有气节，虚心。具有宁折不弯的豪气和中通外直的度量，性质淳朴，品清奇而典雅，形文静而怡然，正所谓“未出土时已有节，待到云霄更虚心”。

自元代起，画竹已成了一种文人们追逐的风气。据《中国画学全史》所载：“元代四君子画，尤以墨竹为最盛，能作此类之画家，其泯灭不可考者不可知。以其可考者而言，其数实占元代画家三分之

纵观历代画卷都有画竹的好作品出现，文同的《墨竹图》、高克恭的《雨竹图轴》、赵孟頫的《墨竹》、柯九思的《晚香高节图》等等。

近代陶瓷艺术作品中的竹子图中就有不少作品吸收文同、吴镇、柯九思、郑板桥等大家的笔墨形式和表现手法。如中国陶瓷艺术大师陆如将中国画的文化和技艺融入到陶瓷艺术的创作之中，显得如鱼得水，挥洒自如，堪称精妙。

画竹追求以国画的笔调，表现竹的气韵与格调，意境深邃兼书卷文墨之气，装饰布局与陶瓷器型浑然一体的统一效果，吸收书法中的各种用笔。在表现手法上，把国画中的墨竹技法，与现代陶瓷工艺相结合的特色，相互渗透。既有写实的一面，又有夸张的手法，使创作的作品以追求形神兼备的艺术效果，形成鲜明生动，雅俗共赏的艺术效果。

菊耐寒唯有东篱菊，金粟初开晓更清

开在秋天，万物肃杀，唯有屹立风中，代表了一种傲霜斗雪，独立寒秋的清风亮节。屈原在《离骚》中就曾写道“朝饮木兰之堕露兮，夕餐秋菊之落英”。也可寄托哀思，表达生者对死者的思念与慰藉。

宋代的纹刻、画均有，刻花以耀州窑为代表，画花以磁州窑系为代表。宋代的比较写实。元代的纹以青花瓷上为典型，特点是花瓣多不填满色，留白边。花蕊多，多画成网络状葵花形，或呈由内而外旋的螺旋纹。大多画成缠枝画花。而明代的纹多同有关人物画在一起，如陶渊明爱菊图之类；特点是：花瓣变得比较小，花蕊变大作旋涡状。康熙爱菊，固然清朝的陶瓷艺术品中，纹饰较为常见。在陶瓷资料里，不难发现纹和牡丹、梅花等图案相结合的艺术品，这种多样的形式是中华民族在持续不断的造物活动中，融合历代工匠的智慧和才华，融合了我国大好河山及民俗风情而形成的有中国特色的装饰艺术。

梅花点点散幽香，兰韵清纯醉雅堂。竹翠节高根蒂固，菊香弥漫慰重阳

梅，剪雪裁冰，一身傲骨；兰，空谷幽香，孤芳自赏；竹，筛风弄月，潇洒一生；菊，凌霜自行，不趋炎势。