工艺美术运动风格特点

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工艺美术运动风格特点范文第1篇

家具广义上是指人类维持正常生活、从事生产实践和开展社会活动必不可少的一类器具，从字面意义上解释，就是“家用的器具”。狭义家具主要是指具有坐卧凭依或贮存支撑等使用功能的器具。自人类社会出现家具以来，其发展便再也没有停止过，家具是人类劳动与智慧的结晶，是人们生活中必不可少的工具。

作为反映不同地域文化、的载体，中西方家具发展都经历了多个历史时期，各种各样装饰风格的形成，造型、结构、用材都存在着较大的差异性。十九世纪是处于古与今的交替时期，中国仍是自给自足的封建社会，家具发展出现了顶峰后的衰落期；而西方世界正进入资本主义世界，家具发展缔造了具有里程碑意义的一页。中西方世界形成鲜明的对比，在这一时期下所发展的家具装饰风格呈现出前所未有的多样性与一致性。古为今用、洋为中用，它们对今天的家具设计发展有很大的借鉴作用，对提升人类的生活质量有着深远的影响。

十九世纪中国家具装饰风格的演变

我国古代家具主要有席、床、屏风、镜台、桌、椅、柜等。古人习惯席地而坐，席可能就是最早的家具，而床为主要的家具。后来出现了屏、几、案等家具，床既被用于坐具也用作卧具，榻则在床的基础上衍生而来。到了南北朝，人们从屈膝而坐逐渐变为垂足而坐，高型坐具开始流行于当时的社会。

在家具设计风格上，中国家具自古秉承儒、道、佛三家思想的影响，装饰风格上把三家思想交融互补、兼收并蓄。如秦代家具制造汇聚六国工匠的技艺精髓，汉代家具融南北方风韵于一体，唐时期家具风格借鉴了西域文化和佛教文化，别具外来风韵。明清时期，中国传统家具设计令人称道，其精湛的工艺和设计的别致性成为中国民族文化艺术宝贵的一笔财富。尤其明清家具设计艺术以其简约的线条、古朴的质感、简洁而精美的木雕装饰让人流连忘返。在中国家具发展历史中，明式家具与清式家具一定会被相提并论，在这里先探讨一下明式家具。

1.以典雅脱俗为装饰风格的明式家具

明式家具，一般是指在宋元家具风格的基础上，继承优点并逐步演变而成的，被称为“细木家具”，是以上乘硬木为主要材料的日常家具。明代家具对后世影响深远，在我国历史上占有重要的地位，以其形式多样、构造巧妙，实用性和审美趣味相统一而闻名于世。

全国很多地方都有生产明式硬木家具，而只有苏州地区出产的明式家具，其风格特点和工艺技术最具底蕴。这种家具风格鲜明，经过年代的推移依然深得人们的喜爱，最地道的明式家具也称为“苏式家具”，或“苏做”。名贵的黄花梨、红木、楠木、紫檀等硬性木材常被用于制作明式家具，而大理石、玉石、贝壳等多种装饰材质也会被嵌入其中。明式家具精湛的艺术手段和装饰美学的极致追求高度融合，在世界设计史上是罕见的，是功能与美学高度统一的完美例子。

中国古代家具经历数千年的发展，到明中期达到顶峰，一般来说，“明式家具”和中国传统家具几乎可以划上等号。当然，乾隆之后的清式家具，也是中国传统家具，但是，由于太堆砌，最终僵化，因此还是以明式家具来代表中国传统家具。

2.以繁复华丽为装饰风格的清式家具

如果明式家具是以简洁而优雅为见长，那么清式家具则更注重细节局部处的装饰、雕刻，尤其是皇室宫廷的家具。清式家具从历史角度可分三个阶段：清初家具在造型结构上保留了明式家具的特点，仍可称为明式家具；从康熙末至雍正、乾隆，乃至嘉庆这一百年，是清式家具发展的鼎盛期，家具华丽的装饰和雕刻也大量增加；道光时期，也就是十九世纪，家具过多的奢华达到极致后，是中国家具的衰落期。

清代初期，家具制作从造型、工艺、装饰、材料等各方面都趋于成熟，特别在家具的种类上，也比以往朝代丰富，形成了“清式家具”。

清代中期，是家具制作的黄金时代。家具设计风格多样，主要特征是造型庄重、雕刻样式繁杂、体积大、气度恢宏。这期间最出色的是宫廷家具，色彩绚丽、纹饰华丽，形成独具韵味的装饰风格。

清代晚清，正是十九世纪初期。自乾隆年间家具发展的顶峰后，清式家具出现了追求华丽和精细的装饰雕琢的风格，比以往任何时期更注重装饰带来的整体效果。但除了细密的装饰外，晚清标新立异的家具作品已经少之又少。道光年间，随着的结束，家具业出现了长时间的停滞，工作量日益减少，家具生产日益衰落，清式家具也失去了原本的辉煌。

十九世纪西方家具装饰风格的演变

十九世纪的西方世界正在频繁地进行着工业革命、政治革命和科学革命，在这些带有创新思维的革命推动下，进入了全新的资本主义社会。西方各国由于风俗习惯、文化背景、、社会条件及其后的不同，所用材料各异，呈现出不同的装饰风格，创造出丰富多彩的家具文化。

十八世纪中期到十九世纪末就爆发了几个影响深远的艺术运动，分别是新古典主义运动、工艺美术运动以及新艺术运动。在这三个艺术运动中，家具设计风格有着重要的地位，并得到一定程度发展。

1.以高雅精致为装饰风格的新古典主义家具

新古典主义运动是十八世纪五十年代至十九世纪初风靡欧洲各国的艺术运动，它的出现代表着借古复今的潮流，并标志着一种新的美学观念。这一时期的家具装饰艺术是家具史上最成功也是最有代表性的一次复古运动。在艺术风格来看，新古典主义家具以其庄重、典雅的古典主义格调代替了华丽且脂粉味浓的洛可可风格。

新古典主义时期的家具可以说是欧洲家具中最杰出的家具艺术。首先，新古典主义家具中对直线的运用，为家具的工业化大批量生产奠定基础；其次，它具有结构和功能上的合理性、舒适性，还有优雅而不做作的特点，是古为今用的典范。新古典主义时期的家具装饰风格，体现了新兴资产阶级的审美观，给奢华的洛可可风格所笼罩的西方国家注入了一股清新的装饰风，对古典艺术进行了新的挖掘和揭示。

2.以质朴纯真为装饰风格的工艺美术运动时期家具

工艺美术运动是从十九世纪五十年代到二十世纪二十年代形成的英国设计革命，也是一场著名的设计改良运动。这时期的装饰风格特征具体表现在强调手工艺，明确反对机械化代替人手生产；提倡设计应以诚信为本，反对哗众取宠和浮夸，注重简单、朴实无华和良好的功能。

这时期的思想也体现在家具设计上，提出艺术与技术相结合的原则，主张艺术家在家具设计中，追求多采用自然纹样作装饰，这场运动打破了矫饰主义盛行的沉闷之风，使艺术家的社会责任感重新唤醒，让家具设计在工业化生产的背景下受到关注。家具设计具有明显的自身特点，多用几何体作为造型手法，排斥多余的装饰，用作装饰的部位都要带有功能性，形成了家具使用功能与装饰风格的统一。

3.以美轮美奂为装饰风格的新艺术运动时期家具

受英国工艺美术运动的启示，十九世纪末二十世纪初，欧洲及美国出现了名为“新艺术派”的实用美术方面的新潮流，是一次影响极大的“装饰艺术”运动。新艺术运动本质上是英国工艺美术运动在欧洲的延续，同样是对工业化的一知半解，同样是崇拜自然、推崇曲线及自然草木中的纹样，但表现上有其自身的特点，其中之一是深受东方艺术的日本所影响。日本家具对新艺术运动的不对称形式的影响深远，很多新艺术家具中的花卉图样就是采用了日本“浮世绘”的特色，东方艺术的淡彩、细长的线条和空间的运用都在新艺术家具中有所体现。

新艺术运动时期的家具装饰也是独一无二的。早期的家具风格仅停留在表面的装饰，但随着艺术家的创新，在家具设计中融入雕刻、镶嵌等艺术手段，不仅使艺术形式更加生动，拓展了家具设计的表现手段，也使新的艺术语言在家具设计中得到恰到好处的应用。

中西方家具装饰风格的对比

1.十九世纪中西方社会背景的差异

十九世纪的中西方世界有着巨大的差异，这个时期中国正处于晚清年间，清朝君主和他的臣民仍然陶醉于闭门造车的封建农业社会里面，对西方世界日新月异的迅猛发展毫无兴趣，固步自封。直至两次以及1894年的，软弱无能的清政府签署了一连串的丧权辱国的条约，中国才被迫打开了国门，而这时候西方世界快速社会和技术变革都发生在此期间。欧洲各国的工业革命都先后完成，资产阶级社会快速发展，成为社会大部分财富的主人，他们追求生活中美好的东西，于是渴望变革。工业革命带来的结果是家具产品得到批量生产，但其外观与设计都是比较粗糙的，急需改善，因此而产生了工艺美术运动、新艺术运动等把技术与艺术相结合的运动。这个时期中国的少数有识之士意识到只有自强不息才能救中国，从而开始把西方的机械技术带到了中国。

2.十九世纪中西方家具装饰风格的差异

十九世纪初，中式家具的装饰风格沿袭了乾隆时期的风格，而西方世界则刚兴起新古典主义风格。造型上中式家具强调体积较大，沉稳、厚重，注重富丽堂皇的装饰与雕镂；新古典主义风格的家具倾向对古希腊、古罗马的模仿，造型多参照古典建筑的形体。

十九世纪中叶，以后，中式家具业日渐衰落，过度的装饰造成了必然的衰败，家具的造型粗糙简陋，行业早已出现长时间的停滞不前。此时以英国为首的工艺美术运动正遍及欧洲，家具设计的造型简单而自然，带有明显的哥特式与中世纪风格。

同治、光绪时期，中国的家具业已经日趋没落，家具设计变得越来越程式化，连苏式家具都陷入了形体笨重、装饰繁缛累赘的境地。这时期整个欧洲与美国的工艺美术运动正不断迈向成熟，把家具设计引向了一种全新的艺术形式。

3.十九世纪中西方家具装饰风格的相同之处

十九世纪中西方家具都体现一种浓厚的装饰味风格。对比明式家具，清式家具偏向华丽与高贵，无论在纹饰或手工艺上，清代晚期的家具都显然受到了西方以及中亚风格的影响，出现了所谓的“西式纹饰”，如卷草纹等。西方的三次艺术运动都强调装饰，纹饰的设计与运用都达到了较高的成就，精湛的制造工艺使家具设计更趋精美优雅。这一时期的西方家具设计受到中国的影响，西方家具的美感与工艺的创新同样给予中国启迪。

结 论

通过对十九世纪中西方家具装饰风格发展的研究，我们看到了中国的家具发展在经过长时期繁荣与昌盛的顶峰时期后渐渐停滞了，家具业的褪色就正如清朝统治的没落。而同时期的西方家具发展到一个崭新的历史阶段，各种艺术运动的发起，艺术家们的不断创新，朝着把家具艺术与人类生活紧密结合这一目标前进，这一时期的艺术成就最终成为了现代设计的开端。

工艺美术运动风格特点范文第2篇

一、工业设计探索阶段

从18世纪60年代的工业革命兴起直至第一次世界大战爆发，这一阶段是工业设计发展的探索时期。新、旧的设计思想的交锋，使得设计改革运动与传统的手工艺设计开始逐步走向工业设计，并开始为现代的工业设计发展探索出一条崭新的道路。产品造型设计的价值取向经历了以艺术性为主导的精英主义设计，发展到以艺术性与技术性一定程度的结合的工艺美术运动时期，再到体现自然主义风格造型艺术、工艺和材料技术相结合的新艺术运动。

工业革命时期的规模经济通过引进机器生产以降低成本、增强产品的竞争力。这一时期，曾掀起了一股把产品的外观设计（外观装饰）作为迎合消费者审美趣味的重要手段的精英主义设计潮流。为了追求装饰性不惜忽略、破坏掉产品最基本的使用功能。而精英主义设计的华而不实从反面激发了一些思想家、设计师对新的条件下的对设计的内容的相关研究与探讨，也就由此拉开了设计改革的序幕。其中，影响最为深远的就是工艺美术运动和新艺术运动。

在探索阶段的产品造型设计的价值表现经历了以艺术表现为绝对重要评判重点，逐步发展到更容易符合工艺和材料技术要求的自然流畅的艺术美与技术美的结合。但是，从总体上来看，技术价值在产品造型设计中处于主导性的地位。

二、工业设计发展阶段

自1900年以后，传统的产品设计概念和表现形式已经无法适应随着科学技术发展及新产品不断涌现的新形势下对产品造型功能的要求。而新产品的出现是以新的技术与新的材料为载体，实现了产品新功能的可能性。在这个时期，德国出现了德意志工业同盟和包豪斯设计学校。这两个工业设计组织，主张产品功能第一、突出设计的现代感和扬弃传统式样的现代设计;他们努力探索新的设计道路，为了使用现代社会快速发展对设计活动的要求，为工业设计的现代化奠定了基础。包豪斯的现代主义设计观念充分体现了功能第一、形式第二的设计特征。而就在这个时期，同样也出现了以富有运动感和几何构图为特征的未来主义、风格派和构成主义，它们主要是赞颂机器及其范围内的产品，表达了对速度、科技等设计元素的喜好，因而，机器美学作为一种时代的风格特征就出现在了历史的舞台上。

就产品造型设计而言，现代主义设计风格的价值取向具有以下的特点：以技术创造为主导的实用功能价值是产品价值构成的基础，也是产品造型评价的基础和重点;以艺术创造的审美价值依附于产品的功能价值，即审美价值的评价以功能价值为基础。通过发挥机器生产的高效率，从而降低生产成本、提高产品销售量，进而提升产品造型设计的经济价值。

三、工业设计多元化阶段

进入21世纪，由于国际互联网的普及和可持续设计思想的传播，工业设计发生了革命性的变革。一方面，信息多元化、经济快速化发展的时代下的工业设计开始将设计作为一种市场竞争的手段，挖掘设计的深层次的内容;通过设计为产品创造新的附加值，强调产品设计的重要性;从设计的商业价值的角度进行思考，引导市场，带动消费，从而增加企业的经济效益，是设计作为推动经济运转的一种新形式表现。对于产品造型设计而言，开启了经济价值为先导的设计时代。也就是说，经济价值标准是产品造型设计评价的先导标准。另一方面，随着人们生活水平的提高，在各方面都在快速发展的背景下，工业设计更加关注人们最基本的需求，坚持以人为本，以提高人们的精神生活质量为目标，强调人们生活中设计的重要性，以环保和资源节约为媒介，着重解决生活中的各种问题，通过工业设计改变人们的行为习惯。

在多元化时代，工业产品造型设计中的经济、艺术、技术因素贯穿于产品造型设计的全过程，因此工业产品造型设计评价不再仅仅是设计方案的选择问题，而是贯穿设计全过程的动态评价。

总结工业设计不同发展阶段产品造型设计评价的演进过程，各阶段的评价特点如表1所示。

表1 不同阶段产品造型设计评价的特点

参考文献：

工艺美术运动风格特点范文第3篇

关键词：现代主义；景观；起源

检 索：.cn

中图分类号：J 文献标志码： A 文章编号：1008-2832（2015）01-02-0078-03

Analysis of Western Landscape Design of Modernism Origin

NIU Jin（Academy of fine Arts for Soochow University， Suzhou 215000， China）

Abstract ：Landscape design of Modernism originated from industrial production， and the fast development of industrial revolution affected people’s body and spirit a lot. Landscape design of Modernism， as a media balancing the relationship between human beings and nature， with its origin and development passing through a long time and influenced by every aspect， is a modern social culture product rooted on early landscape design foundation. To know the formation of western landscape design of modernism is beneficial for the trace to the source of modern landscape design， which is obviously， regarded to have academic value.

Key words ：modernism； landscape； origin

Internet ：.cn

一、景观的历史

景观是在人类活动中，有意识或无意识的与周围其它环境相互作用的产物。由于人们的行为或态度不同，景观需要人们在不同的自然和文化历史背景下解读。对个人而言，景观可以是真实存在的，也可以是遥不可及的，又或是熟悉的、舒适的，也可能是没有意思价值的。景观往往跟随时间的演变而变化，通过物质方式或精神方式与我们相互影响，景观是构成人类历史进程的重要背景之一。

受文艺复兴时期人文主义的影响，“景观”得以成为专业术语被世人所熟知，此时的欧洲园林也进入了一个快速发展的时期。凭借工商业首先成为富商的一批人，十分支持文化和哲学方面出现的新思潮，不被传统所束缚，艺术被很好的保护起来。因此，一大批园林爱好者出现，他们热爱自然，追求田园风光，使大规模的庄园园林在意大利如雨后春笋般出现。17世纪法国出现了一位名叫勒.诺特尔杰出的造园师，他开创了勒.诺特尔式独特的造园风格，在法国乃至整个欧洲都产生了深刻而广泛的影响。与意大利台地式园林不同，法国古典主义园林是用轴线表达出对称美与秩序美。在英国，17世纪开始，绘画和文学艺术作品有了飞跃性的发展，大量的艺术作品涌现出来，受艺术的影响，英国出现了自然式的风景园林。英国风景园林抛弃了意大利、法国古典园林中的规则化、人工化的秩序，倡导还原自然原本的样貌，辽阔的草地、茂密的树林等，是英国风景园林的目的。

二、艺术运动的推动

（一）工艺美术运动的影响

18世纪下半叶，工业革命带来的新技术、新材料和新的生产方式在英国得以实现。英国为了展示甚至是炫耀工业革命的成果――技术的进步与经济的增长，举办了世界博览会。展会上展出的工业品并没有得到人们的广泛关注，相反，约瑟夫.佩斯顿用玻璃板和铁架设计的“水晶宫”，以其新颖的建筑形式，引起了巨大的反响。这种大规模工业化、机械化的生产并没有给设计带来好的影响，反而导致大量的粗制滥造的工艺品在社会中广为流传。一些在思想上较为超前的艺术家们开始思考，工业革命的大生产化与艺术所追求的高品质之间的矛盾，世界博览会的举办是工艺美术运动产生的直接诱因。以“现代设计之父”威廉.莫里斯为代表的一批艺术家们，开始提倡手工艺的重要性，以简洁的装饰效果，良好的实用功能为设计目的，反对机械化生产，反对华而不实的设计，发起了工艺美术运动。

艺术评论家罗斯金认为，过多的使用机械化的产物会让人变得的冷漠，他提出了关于设计美学方面的思想，这也为工艺美术运动提供了理论支撑。威廉.莫里斯受到了罗斯金设计美学的思想，在庭院设计方面，莫里斯认为要从整体出发，以单纯的庭院形式展示自然中的元素。这一时期出现了威廉.罗宾逊、格特鲁德.杰基尔、路特恩斯等景观设计师，景观设计所争论的中心，还是围绕在规则式与自然式的问题上。

（二）新艺术运动的影响

1895年到1910年，一场新的艺术革命――新艺术运动，在欧洲大陆兴起。强调利用自然元素的纹样取代传统规则化的图案，倡导简洁、流畅的造型，将有机的象征与动感的形式相结合，以体现在造型和装饰在工艺思想上的创新性。

在19世纪时期的景观设计领域中，设计内容已经有了很大的颠覆。设计形式上一方面继承传统园林，另一方面规则的几何形式逐渐被景观设计师们所应用，但遗憾的是并没有创造出新的设计风格，一直徘徊在自然式与规则式之间。新艺术运动的兴起，让景观设计师们认识到了创新的必要性，于是开始尝试探索新的设计模式。

在新艺术运动的影响下，这一时期的景观设计大多是在其萌芽阶段的艺术实践活动，对自然曲线和几何形直线的运用，是新艺术运动时期的景观设计特征。景观设计师们从自然中归纳出流畅的线条，并将这些线条通过变形、延伸、扭曲等形式赋予线条节奏感。借助直线、方格的抽象化与简洁化的形式，创造出一种有韵律的、理性的和谐风格。安东尼.高迪在巴萨罗那北部设计的古尔公园，是新艺术运动影响下的景观设计代表作品。整个公园高迪通过大胆的想象力，用流动的、有韵律的线条，与鲜艳的色彩相结合；用马赛克作为装饰材料；用摩尔式与哥特式文化创造意境，将公园打造成与自然既能相互融合，又能有着丰富变化的空间环境。

新艺术运动中的景观设计，不管是哪种风格，都对后来的景观设计产生了影响。新艺术运动努力脱离古典主义的束缚，但是从严格意义上来讲，新艺术运动起到了承上启下的作用，并不是真正意义上的“现代”，但对西方现代主义景观的发展起到了鼓励与推动的作用。

三、城市公园的兴起

在《城市发展史》一书中，关于19世纪的欧洲城市问题有着这样的描述：“一个街区挨着一个街区，排列得一模一样，单调而沉闷；胡同里阴沉沉的，到处是垃圾；没有供孩子游戏的场地和公园；当地居住区也没有各自特色和内聚力。窗户通常是很窄的，光照明显不足……比这更严重的是城市的卫生状况极为糟糕，缺乏阳光，缺乏清洁的水，缺乏没有污染的空气，缺乏多样的事物。”①19世纪下半叶，大量的移民导致美国人口剧增，城市的快速发展导致了一系列的社会问题及环境问题。美国风景园林大师奥姆斯特德，作为城市公园设计的先行者，设计了著名的纽约中央公园。中央公园作为城市的一个开放性的公共空间，为当地群众提供了一个放松身心的交流场所。在城市公园的设计中，他强调首先要保护自然风景，拒绝呆板的设计；其次，应在公园的重要位置设置开阔的草坪；第三，还应该在面积较大的公园中，设置合理的回游路线。在经济高度发达的纽约，能有如此大面积的一块用地作为城市的“绿肺”，无疑是让人惊喜的。中央公园建造的初衷就是想为公众提供一个可以自由呼吸新鲜空气，让人身心放松的室外娱乐交流场所。也正是因为这个原因，在中央公园建成后的15年中，附近的地价涨了9倍之高，反而成为富人们的居住地，这应该是奥姆斯特德没有想到的。城市公园的兴起为城市的建设，人类的身心健康、人与自然间的交流起到了积极的促进作用。直到现在，城市公园在每个地区对人的生活产生着影响，并得到了充分的利用。

四、战后艺术的复苏

（一）社会文化艺术背景

到20世纪60年代为止，这一时期西方国家一直处于战后恢复的阶段。一些战前未能得到发展的艺术如遇春风，现代主义设计就在这种大的社会背景下油然而生。1917年，以蒙德里安为代表的一群年轻的艺术家和建筑师，在荷兰组成了风格派。风格派运用抽象的概念，以及几何形体与色彩之间的组合，形成了一种理智化的创作特征。同时在俄国，结构主义也初现端倪。结构主义艺术家们将金属、玻璃等现代材料，通过新的技术手段，创作出了大批立体构成式的雕塑。结构主义艺术作品展示了材料的丰富性，这让现代主义景观在材料的运用上提供了更多的选择。1919年，格罗皮乌斯在德国创立了包豪斯学院，它的创立奠定了现代主义设计的结构与观念。包豪斯学院提出的一些设计观念，对整个设计行业都产生了深远的影响。如，设计应以人为本；技术与艺术应和谐统一；工艺应与机器生产结合；反对因循守旧，倡导自由创作等。

（二）现代主义建筑的影响

尽管没过多久，包豪斯学院就被德国纳粹政府强行关闭，但其理论和思想开始在全世界范围内蔓延，包豪斯的设计理念对现代主义建筑产生了不可磨灭的巨大影响。密斯.凡.德罗设计的德国展览馆，将建筑与景观完美的结合在一起。建筑设计师对空间的感受是十分敏感的，建筑上的空间概念，延续到了现代景观设计中，空间的连续性和流动性，为现代景观设计在空间的处理上提供了借鉴。其次，建筑的形式在景观的布局上，也产生了一定影响。建筑与景观是构成环境的主体，任何时候二者都是不可分割的。西方的传统建筑师对称化的、规则化的，因此西方的古典园林也随着建筑的形式，以严谨的秩序和对称的几何形式为特点。《造园史纲》一书中写道：“园林与建筑在艺术创作上是息息相关的，园林风格不能落后于建筑形式，否则环境难以协调。”②可见，景观的形式一定程度上，是跟随着建筑形式的发展而演变。

五、古典的变革

1925年在巴黎举办的国际现代工艺美术展上，古埃瑞克安以一种现代几何构图形式，并结合新技术，设计了“光与水的花园”，颠覆了以往的造园传统，受到了业界人士的高度关注。此后，法国的景观设计逐渐产生变革，一些古典形式和要素被景观设计师赋予了现代形式的符号。从原来的严谨、刻板，转变成了重视现代感构图的新形式，景观不在没有表情，而是慢慢有了表情，有了动态，甚至让人觉得景观是可爱的。

现代主义景观创新变革的困难主要体现在材料上，景观的设计材料是土地、植物、水体等，这些是无法进行变革的，但景观设计师们还是在传统规则中，找到了对称、轴线、装饰物等元素的变革方向。在古典园林中，轴线往往是控制空间的主宰，但现代主义景观追求的是一种非对称性、流动性的状态。所以，在现代主义景观中轴线慢慢被弱化，甚至是瓦解。不同时期，人的意识形态是不一样的，现代主义景观中，空间是自由的、流动的、没有边界的，而在古典主义园林中，空间往往是被界定的。路易斯？沙利文提出了“形式追随功能”主张，现代主义景观脱离了古典主义和自然风景园，将景观的职责转变为解决现代生活中的问题为出发点。现代主义景观强调的是景观在社会中的功能主义，剔除了古典规则式园林中的理想主义与感性主义。

总结

现代主义是一种思潮，是一场文化运动，现代主义的产生和发展，改变着人们的意识形态、思维方式与价值观念。景观在一系列因素广泛的影响下，其变革速度大大加快，景观的变化也成为一个全球性的过程。现代主义景观的产生受到了方方面面的影响，首先，现代艺术的发展推动了各种艺术运动的兴起，这无疑是现代主义景观产生所具备的首要条件。其次，工业革命带来的一系列矛盾，让人开始反思。第三，现代主义建筑的发展促使景观必须摆脱古典主义束缚，从传统中走出来。总的来说，现代主义艺术与现代主义建筑的发展，直接为现代主义景观提供了必要的产生营养，让现代主义景观以一种自由的、发自内心的创造形式被大众认可。对现代主义景观起源的研究，有助于帮助我们更好的理解现代主义景观，也为今后的景观设计，提供理论上的支持与借鉴。

注释：

①董翠.景观设计原理[M].武汉：武汉理工大学出版社，2010.

②沈守云.现代景观设计思潮[M].武汉：华中科技大学出版社，2009.

参考文献：

[1] 董翠.景观设计原理 [M].武汉：武汉理工大学出版社，2010.

[2] 沈守云.现代景观设计思潮[M].武汉：华中科技大学出版社，2009.

工艺美术运动风格特点范文第4篇

二、中国古代较少纯粹的雕塑艺术品，这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类为建筑（包括陵墓）装饰雕刻，例如一般欣赏教材中都会列举的南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。实用性除反映在装饰雕刻上以外，还反映在明器艺术与宗教造像上。明器是随葬用品，其中雕塑品占有重要地位，主要是俑和动物雕塑，一般教材都举秦始皇陵陪葬坑兵马俑和唐三彩俑、马为例。俑是人殉的取代物，动物雕塑也用来代替活体陪葬，它们的实用性很强，并非纯粹的雕塑艺术品。宗教造像也是如此，它们是供信徒顶礼膜拜所用的，以佛教造像最有代表性。欣赏教材多以南北朝和唐代的作品为例，因为这些时代的佛教造像艺术水平普遍较高。宋元和明清也有好作品。佛教造像有宗教上特殊的造型要求，它们和古希腊那种以人为范本的真实自然的神象有所区别，在欣赏时需要了解经规仪轨的种种规定，如佛象两耳垂肩，手长过膝等等，否则很容易认为比例不准确，解剖有错误而加以否定。纯粹的雕塑一般以纪念性雕塑为代表。中国古代重视绘画艺术，纪念性人物和事件，通常以绘画来表现而极少使用雕塑，例如汉唐功臣和历代帝王像，都是画在壁画和卷轴画里。纪念性雕刻在帝王上大夫染指绘画之前的西汉时代偶有创作，最著名的例子就是欣赏教材都有介绍的霍去病墓石刻“马踏匈奴”。此外，东汉四川都江堰李冰像和五代前蜀主王建坐像，也是现存的古代纪念性雕刻，实属凤毛麟角。中国有中国的历史和文化特殊性，也有其艺术的特殊性。我们不能因为纯雕塑品少就不承认带实用性的雕塑品，也属于雕塑艺术而拒绝认识它们、理解它们和欣赏它们。

三、中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然“塑形绘质”，在雕塑上加彩（专业术语称作“妆銮”）以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑，有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。今天的雕塑艺术完全西化了，不再加彩，但民间雕塑仍保持妆銮传统。西方古代雕塑也有加彩，到文艺复兴以后，除宗教神像为求逼真效果，大多继续加彩外，一般雕塑不再加彩。中国塑绘不分家，导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。在中国古代，绘画受到比雕塑高得多的重视。雕塑始终由工匠从事，文人士大夫极少参与。早期绘画的作者也只有工匠，但从东汉晚期开始，文人士大夫乃至帝王参与了绘画创作，从此成为中国古代绘画创作队伍的骨干力量。他们是国家、社会及文化的统治者，自然也统治了绘画，使绘画地位高高凌驾在雕塑之上，并以其艺术观念影响雕塑，因而雕塑染上了明显的绘画性。其绘画性表现为不是注意雕塑的体积、空间和块面，而是注意轮廓线与身体衣纹线条的节奏和韵律。这些线条都象绘画线条一样，经过高度推敲概括提练加工而成，和西方古典雕塑以块面和空间的丰富变化来体现轮廓与衣纹的形状完全异趣。后者体积感强，前者只有大的体积关系，局部大多平面性很强。有时在平面上运用阴刻线条来表现肌肤和衣服的皱褶，仍然没有立体感，只有绘画的平面效果。因此，通常雕塑表面光滑，没有西方雕塑那么多明暗起伏的细微变化。这种特点，在教材最常引用的汉唐陶俑、敦煌莫高窟唐塑和麦积山石窟宋塑佛教造像，以及太原晋祠宋塑侍女，大同下华严寺辽塑菩萨、平遥双林寺明塑和昆明筇竹寺清塑罗汉像等等作品上都可见到。中国雕塑从这一特点历代相沿，至今民间匠师仍然大都先勾人物线描草稿，象人物画白描一般，再复制成雕塑。也有人直接在硬质材料上勾线描稿，再雕而刻之。这样创作雕塑，带有绘画性就可以理解了。中国古代雕塑绘画性强，自有一种东方趣味，符合中国古人的欣赏习惯，他们是从绘画艺术的角度去看待雕塑艺术的。今天我们欣赏古代雕塑，也需要借用中国画的审美眼光，才能把握美感要点。如果只用西方古典雕塑的艺术标准来指摘中国古代雕塑缺乏雕塑性，那无异于为适履而削足。

四、中国古代雕塑的另一个特点是意象性。西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。在漫长的几千年间，它们只是工艺美术品的两种装饰手段，这是塑绘不分的主要原因，也是线刻和平面性浮雕——画刻高度结合的中国式造型方法特别发达与持久的主要原因。装饰不求再现，只追求表现物象，因此发育出中国雕塑与绘画的共同品格——不求肖似（高度写实地再现自然），形成了高度的意象性特点。中国画无论工笔还是写意，都不象西洋画那样精确地写生刻画对象，而是主要依据观察体验所得印象，再加上想象，经过主观加工美化而成艺术形象，和客观对象保有相当距离。中国画不画光影（这是表现主体感真实感的重要因素），色彩只表现固有色（所以写实性有限），造形与画面效果的平面性很强。背景一般为纸、绢的空白，不求空间深度，而把注意力放在物象的“神韵”表现上。因此，若按西洋画的解剖、比例、透视和色彩等等准确度很高的科学化标准来衡量中国古代绘画，便会觉得一无是处。但若理解中国艺术自成体系、自有追求，便懂得和喜欢品味中国画的美感。中国雕塑也是如此，它和中国画观念是一致的，而且贯穿了整个古代雕塑史。秦始皇陵兵马俑虽然表现出高于其他时代的写实性，但那也仅仅集中在俑的头部刻划上，而且形象也只是分为几种类型，不是每一件都各不相同，身体部分则无一例外是十分写意的。就是比较写实的头部，也不能和西方雕塑同日而语，它只是象中国画有工笔一样，比较深入细微而已，本质上依然属于意象性造型。其他汉唐陶俑、霍去病墓石刻、历代宗教造像无不显示意象性特点。它们和中国画一样，追求神韵，不求肖似。如果用西方古典雕塑的标准来看待它们，就能挑剔出解剖、比例不够准确，质感塑造不够充分等等不足，造成欣赏上的障碍。我们必须换一种眼光，使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯，来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。这样，当我们从敦煌菩萨，晋祠侍女、筇竹寺罗汉塑像上体会到“栩栩如生”这一句成语的含义时，就不是象欣赏西方古代著名雕刻，如欣赏教材常会介绍的掷铁饼者、拉奥孔群像和奥古斯都像等等那样，是个从形到神都准确得象真人一般的概念，而只是感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。

五、中国古代雕塑语言精练，这是意象性衍生的另一艺术特点。中国古代雕塑始终没有发明西方雕塑的造型术(modelling)来精确地塑造物象，而多从感觉和理解出发，象中国画一般运用经济的语言，简练、明快，以少胜多而又耐人寻味，常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。夸张乃至变形来强调人与动物的神韵，是普遍运用的手法，汉代四川说唱俑和霍去病墓石兽最有代表性。这些作品只是服从作者对物象的感觉和理解，他们所关心的不是准确比例和真实效果，而是说唱者眉飞色舞，手舞足蹈的表演神情以及虎、象、马、牛、野猪等动物的不同习性和旺盛活力。这样必须有所取舍，有所夸张变形甚至抽象，其效果更突出对象的特征，更具有艺术感染力，给人的印象更特殊而深刻。这一点和西方近现代雕塑有相似之处。西方近现代雕塑一反传统的写实为变形，追求雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性，不被客观物象所役，使艺术创造更纯粹。中国古代雕塑实际上也是达到雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性这种艺术境界的。霍去病墓石兽采取“因势象形”的手法，充分利用岩石，自然的令人联想接近某种动物的形状，只进行最低限度的艺术加工，使石兽的造形显出空间的自由而不斤斤计较于形似。加工的语言有圆雕、有浮雕、也有线刻，是根据岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。这种圆、浮、线雕并施的语言，在汉唐陶俑、历代石兽以及佛教造像中均可见到。它们使中国雕塑在精练中块面更整体，因而有时更具雕塑感甚至建筑感，例如云岗北魏露天坐佛和龙门奉先寺唐代大佛，就是杰出代表。

六、中国古代雕塑既然是意象性的，注重“以形写神”，必然也象中国绘画一样，注重头部的刻划。中国古人认为“头者精明之主也”。（《黄帝素问》）“头者，神所居，上圆象天。”（《春秋元命苞》）从原始时代起，人面或人头，在工艺装饰中就受到特别重视，这应是中国古代造型艺术发展为特别重视传神的原因之一。这种重视贯穿了几千年，直到今天，在民间雕塑和农民画中，头部仍是艺术家首要表现的部分。头部以外的人体部分，便被看作是从属的，较为次要的。这样，在中国古代雕塑和绘画中，头大身小逐渐变成一种习惯造型，一旦头身关系处理不好，在视觉上便难免造成不舒服的特点，这是不必为古人护短的。然而优秀的作品常常把人们的注意力，从缺点中吸引转移集中到刻划精彩的头部来。这些头部看似没有西方雕塑深入，可是结构十分严谨。搞过雕塑的人都有体会，临摹西方雕塑易，临摹中国古代雕塑的头部却相当困难。它们不如西方雕塑结构准确分明，却另有一种完美性，神完气足，很不易临摹到那种境界。在头部以外，又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感，使人受感染的不是比例结构的准确本事，而是传神美化的功夫。龙门奉先寺大佛、服侍菩萨与天主力士像都严重头大身小，但依然很美，非常典型地说明了中国古代雕塑的这一特点。

七、中国古代以“温柔敦厚”为诗之旨，这和中华民族的气质、生活条件、地理环境、哲学思想、伦理道德观念及其他文化因素密切相关。另的艺术也如此追求，表现在造型艺术上便是含蓄美、内在美。雕塑亦然，中国古代雕塑给人的感觉不象西方古典雕塑那样一览之下、历历在目，而是神龙露首不露尾、含不尽之意于象外。没有剑拔弩张，向外张扬的火气，而是象中国书画用笔藏锋那样将力量包裹在内部，给人更多品尝的余味。例如严阵以待的秦始皇陵兵马俑、载歌载舞的汉唐女俑、孔武威风的唐代天王力士，乃至雄强猛厉的南北朝辟邪和唐代石狮，都有这种效果。比较一下掷铁饼者力量的紧张迸发和拉奥孔群象情绪的激烈发泄，就能够领会中国古代雕塑含而不发的美感特点。它是与其他中国古代艺术的审美理想相一致的，就象西方雕塑与绘画的审美理想也相一致一样。欣赏中国雕塑时也许会觉得不如西方雕塑痛快顺溜，这就象喝酽茶和喝咖啡不同一样，不能相题并论。喝茶需要品味，如若不谙茶道，便永远进不了茶的境界。

八、中国古代雕塑风格往往体现了中国古代哲学精神。儒家哲学尊天命，受其影响，中国艺术反映为崇高、庄严、壮丽、重穆、典雅等等风格。道家哲学崇自然，在艺术上则表现为飘逸、雄浑、淳厚、古朴、淡泊、天真、稚拙等等风格。中国画和雕塑都具备这两个系统的风格特征，例如佛教造像和陵墓仪卫性雕刻，一般具备前一系统的风格，龙门奉先寺大佛最为典型。它是唐代武则天出资修造的，寓有帝王的精神气度，风格上必然强调崇高、庄严、重穆和典雅。明器艺术中的俑和动物雕塑多属后一系统的风格，它们和生活关系密切，风格上追求自然，朴拙可爱。两者各异其趣，各有千秋。西方古典雕塑风格比较接近前一系统，却少有后一系统的风格特征。希腊古风时期的古拙是艺术技巧幼稚阶段的自然产物，不是刻意追求的风格。中国画和雕塑却有意返朴归真、退熟回生，追求一种内在美，一种原始美，一种大巧若拙的哲学精神境界。这些追求是难于站在西方艺术角度来理解的，所以一般习惯欣赏写实性雕塑的人，欣赏中国古代雕塑总有障碍。这就需要提高中国传统文化修养，从根本上来认识中国艺术，否则欣赏也好，创作也好，都很难进入堂奥。

工艺美术运动风格特点范文第5篇

关键词：高蒂；“新艺术”运动；西班牙

0 引言

“新艺术”运动与1860年到1890年左右产生在英国和美国的“工艺美术”运动有一些相似的地方，他们都反对矫饰的维多利亚风格和其他类似的过分的装饰风格，意图复兴传统的手工艺，主张放弃传统装饰风格，采用自然中的一些装饰，并都在各自的国家表现着他们特有的风格，西班牙的巴塞罗那地区表现出的则是一种极具宗教气息并非常极端的风格，它最为重要的设计代表人物即安东尼?高蒂设计出的米拉公寓和圣家族大教堂等都带有浓郁的个人风格，由于他怪诞浪漫的建筑风格被现代主义建筑大师称为“后现代主义的先驱”。

1 背景介绍

新艺术的建筑和室内设计在西班牙则是完全呈现另一种风格，地处西南欧的西班牙有着独特的风土人情，即和法国毗邻，又曾在历史上被阿拉伯人占领过。也许正是哥特式的传统风格和阿拉伯风格的双重作用，西班牙在世界艺术史上就是大师层出不穷的国家，巴塞罗那是西班牙的经济中心，同时也是艺术、设计的中心，19世纪的后半期，巴塞罗那的人口迅速增加，城市的发达的经济和繁荣的贸易使得这个城市成为当时西班牙最重要的经济中心。由于巴塞罗那具有自己独特的环境，和实力雄厚的经济力量，因此他的建筑和设计风格非常的独立，新艺术运动在这里出现了极端形式主义的风格。

2 高蒂简介

高蒂出身卑微，是一名普通手工艺人的儿子，但他渴望成为建筑师，在如何建造建筑方面，他的想法与众不同。他不想挖空心思地去“发明”什么，他只想仿效大自然，像大自然那样去建筑点什么。“只有疯子才会试图去描绘世界上不存在的东西！”他的整个身心都充满了对大自然的爱，而且可以说，还是疾病帮助他培育起了这份情愫。青年时期，他性格孤僻内向、不爱交际，在17岁时去巴塞罗那学建筑，并利用课余时间在建筑公司打工，这些打工经历给他建筑的时间经验，对他日后的设计生涯起到了非常积极的作用，1871年是高蒂职业生涯中最为关键的一年。

3 高蒂的建筑设计

3.1 高蒂早期设计

高蒂对所谓的单纯的风格从来没有兴趣，他的设计充满了各种风格的折衷处理。” 对他来说，所有喜欢的历史风格都是可资借鉴的源泉，他反对简单的复古，因而，他的绝不是简单的古典风格的翻版，而是通过自己吸收后的结晶，所以他的作品往往另辟蹊径，相当大胆特异。

早期高蒂的设计师所谓的“摩尔风格”这个时期的作品大部分有浓厚的阿拉伯摩尔风格的特点，喜欢采用陶瓷釉面、石头和砖块等各种材料的混合运用，很具特色。” 比较典型的作品是1878年建造的文森特公寓，这个建筑的墙面大量的采用釉面瓷砖作镶嵌处理，用陶瓷来表达花的主题，用铸铁的门表达棕榈的主题，这是高蒂第一个摩尔风格的建筑。从这个作品可以看出，即便是在早期高蒂的有机风格特征也已在默写细节上显现出来了。

3.2 新艺术运动影响下高蒂的新设计风格

1900年到1910年，高蒂处于中年时期，这时的他已经放弃了对所有历史风格的参考，并在新艺术运动风格的影响下和激发下，开始逐步走上了自己的风格道路，他的新风格具有有机的特征，同时又具有神秘的、传奇的色彩。不少图案都具有强烈的象征性，在这个时期他设计出了一些非常重要极具代表性的作品比如：吉尔公园、米拉公寓和巴特罗公寓。1904年他设计了“骨头房子”巴特罗公寓，是高迪实践自然理论的代表作，这个建筑标志着他的个人风格的成熟。

他另外一个同时期的著名代表作——米拉公寓是一幢六层高级住宅楼，它酷似断崖的外观，内外连续性的建造方式被喻为‘迷宫’的写照。其连续性的弯曲造型，像海浪起伏具有动感，立面大窗一个洞一个洞犹如蜂窝，让人觉得这房子是被海浪侵蚀后的岩石。设计上完全采用有机主义风格，是新艺术运动的极端作品。今天俨然成了巴塞罗那的标志性建筑。

4 高蒂最伟大的贡献——圣家族大教堂

高蒂对人类文化史上的最大贡献是圣家族大教堂，神圣家族教堂位于巴赛罗那市区中心，建立教堂的目的在于使其成为维护社会秩序的精神支柱，教堂最初被命名贫民教堂，曾一度改称新教堂，最后决定取名神圣家族教堂，可见其重视的程度。教堂初期设计人是教区建筑师维拉，教堂风格是学院派的新哥特式，并于1882年奠基，由于基金会与设计人有矛盾，1883年改由年轻的高蒂设计，高蒂才过而立之年便接下如此重要的工程式实不简单，可这项马拉松式的工程几乎耗费了高蒂毕生的精力。从1891年至上世纪初，由于米拉公寓、古埃尔公园建成的成功，高蒂开始大胆修改教堂设计。他将教堂的三个立面分别以隐喻的手法象征耶稣一生的三个阶段：诞生、受难与复活。高迪通过隐喻和装饰把教堂的纪念性推到顶峰，高蒂也因此被后人称谓后现代建筑的鼻祖。

参考文献

［1］王受之.世界现代设计史［M］.北京：中国青年出版社，2002.

［2］张晶.设计简史［M］.重庆：重庆人民出版社，2004.