纯艺术与实用艺术的关系

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纯艺术与实用艺术的关系范文第1篇

1、高科技时代广告设计中的技术美

传统的广告以绘画艺术为主要手法。而当高科技时代来临之时，技术给予了设计全新的工具。多元化的设计、表现途径，使广告设计在技术的领域里有了更多的审美内容。例如，电脑设计软件的开发，使广告设计可以随心所欲地得到更多更丰富的难以靠手绘来表现的内容；坐在电脑前移动鼠标，多种设计方案便可同时呈现在眼前，设计者在劳动强度方面得到了极大的解放，委托人有了更多的选择，双方的沟通有了更方便的途径。影视技术的成熟，使普通大众闲坐家中，便可以欣赏到各种鲜活的创意画面，在不经意间接受着各种产品的信息。输出技术的进步，大小随意，品质任选、价格适度的印刷、喷绘、写真，使设计人员可以任意地将电脑中的作品转化为实际的产品（广告设计作品也是一种产品）。人们在享受高科技带来的便捷的同时，还在不断地期待着更高、更令人心怡的技术发展。人机工程学在近年来的各种设计领域得到广泛运用，就是人们对技术审美要求提高的结果。技术给人们带来了方便，带来了心理上的愉悦，带来了更高层次的技术审美需求。人们在享受着设计艺术带来的心理上的满足的同时，都会按各自的审美情趣审视着不同的技术所产生的不同艺术效果。例如，为写真喷绘的作品覆膜，同样的作品分别采用亚光和亮光覆膜，效果会有很大差别。设计师在输出作品时，往往会就此类技术与输出公司交待清楚，以免造成技术上的缺憾。

2、摆脱与设计的对立看广告设计中的艺术美

有不少文章讨论过设计中艺术的运用和成份的问题。有人认为，要进行设计，就要先抛弃艺术，设计是商业化的实用技术。但事实上，设计与艺术是交叉存在的，二者之间并不是互相排斥的。在广告设计中，一样有对艺术美的欣赏，各种独特的创意中依然结合使用着各种艺术的法则和形式。如在广告设计中经常出现以中国画的水墨韵味、书法创作的空间布局、中国画章法中诸如“疏可跑马，密不透风”的法则，书法中的流派、字体，民间艺术中的剪纸、染织，古建筑中的瓦当图案等作为表现的内容和借鉴的形式美准则。我国当代广告设计中的艺术审美也同样体现着强烈的时代特征。一是在设计中运用到的艺术种类越来越广，设计者大胆地在纯艺术的各领域搜索着需要的元素，这些元素或完整，或零散，但都与设计妥贴地结合在一起，形成强有力的视觉冲击。不同的艺术表现形式也往往成为人们理解广告内涵的一种手段和桥梁。二是在摆脱艺术至上思想的束缚后，人们以不同的心理欣赏着广告设计中的艺术美。在设计中，纯艺术只是处于服从和服务的从属地位，要在设计中欣赏纯艺术的美，首先必须站在设计的角度去欣赏其在设计中的作用。

3、关注现代广告注入时代需要的设计美

哲学家康德认为美有两种，即自由美和依存美。依存美含有对象的目的性。康德认为，只有当对象吻合它的目的，它才可能完美。如果将艺术与设计归入这两类美中，艺术美可以视为一种自由美，而设计美则必然是属于依存美的。广告设计是以给人提供信息为目的的，设计中，除了要坚守广告与人沟通、交流、传达的目的外，还应考虑人们对设计美的其它要求。设计形式上，要力求丰富多样；设计理念上，要将广告的目的和设计艺术有机地结合；设计对象方面，既要兼顾大众的审美情趣，又要体现独特的设计风格。

纯艺术与实用艺术的关系范文第2篇

关 键 词：素描　艺术设计

素描是一门基础学科，对于一切真正的画家和设计师而言，素描都是基本功，其重要性就如同空气和人的关系是一样的，不可或缺。应该说素描是一切造型艺术的基础，艺术设计学科当然也不例外。素描作为一门基础学科，在艺术设计教学体系中占据非常重要的地位，同时发挥着不可替代的作用，这一点不可动摇。然而随着艺术设计学科的独立发展，以及国外现代主义、后现代主义等思潮的影响，很多设计工作者提出了素描无用论，或者削弱设计学科素描教学的观点。

笔者认为这种提法不科学，也很危险，一旦泛滥开来，会对我国艺术学科的基础教育产生很大的影响。接下来，我们从几个方面加以阐释。

艺术设计学科的出现及艺术设计与素描的关系

艺术设计与素描有着密不可分的联系，它们同源异流，你中有我，我中有你。众所周知，无论是画家还是设计师，都要具有很高的素描功底和艺术修养，具有高水平的审美能力。历史上各个时期不乏这样的代表，就文艺复兴时期来说，很多著名的画家，同时也是著名的设计师，例如，米开朗基罗，他既是著名的雕塑家、画家，同时也是非常杰出的大设计师，由他作为主要设计师领导修建的罗马·圣彼得大教堂，气势恢弘，成为建筑史上的杰作，另外，由他修复和改建的卡比多利广场以及朱利二世的陵墓无不突显出对旧有设计理念的突破，同时也是美与实用相结合的典范，折射出其对完美永恒的一贯追求。再有如：达·芬奇，既把世界上最迷人的微笑留给了世人，同时其一生当中还有很多设计性的发明创造。另外，拉斐尔、泰勒等人在名作传世的同时，也为人们留下了很多著名的设计作品。这些成就斐然的大师们，用实实在在的作品，无意间向我们阐明了这样一个道理，艺术设计源于绘画，而素描作为绘画的一种表现形式又积极地推动艺术设计不断发展。由古至今，从1919年艺术设计单独成为一门学科的标志性事件——包豪斯设计学院建立伊始，素描与艺术设计就有着密不可分的关系。素描作为艺术设计的基础不但没有被削弱，反而得到了增强。现代主义画家康定斯基、依顿、保罗·克利等人以基础课程教师的身份主持包豪斯设计学院的基础素描教学，培养了一大批著名的设计师，也为其后的设计教育体系奠定了基础。直到今天，世界各国的设计学院的教育体系大多和包豪斯相类似。

我国的艺术设计教育在很长一段时间内一直在各大美院内完成，其作为一个单独的体系出现于20世纪50年代，其标志为1956年以中央美术学院的实用美术系为基础，组建的中央工艺美术学院。同包豪斯的建立一样，这是我国艺术设计教育的一个里程碑。从其名称便可以看出，素描仍是其不争的基础学科。

素描作为艺术设计教学体系中的基础学科的作用及其影响

素描基础训练不仅是初学绘画或设计者入门的重要途径，而且也是成熟画家或设计师不断锤炼艺术语言，提高艺术表现力的重要手段。良好的素描基础是日后艺术创作和艺术设计的前提，没有基本的造型能力，那么所谓的艺术设计或创作，

也只能是一种幻想。

1.通过素描基础训练，促使学生掌握绘画和设计中的美感规律

素描训练不仅要培养学生准确的造型能力，而且还可以从中掌握“形”“体”的美感规律。客观形态中线面的构成，黑白灰层次的变化，对线条、肌理、笔触、疏密关系的理解及巧妙运用等，这些都为设计语言和造型语言提供了形式美感的重要内容。大量实践证明，只有通过大量的素描训练，才能不断提高学生捕捉事物形象特征的能力，才能为以后艺术设计及创作奠定坚实的基础，为日后设计及创作风格的形成提供思路上可持续发展的空间。

2.通过素描训练培养学生严谨、有序、严肃、理性的思维气质

素描教学过程中贯穿着明确的目的性、阶段性、递进性及严谨性，它是客观物象、形体、结构、体积、质感、光影、空间的综合反映。通过这一系列的训练，会使学生避免浮躁，逐渐养成严谨、理性的思维气质，这为日后的创作及设计，无疑打下了良好的性格基础。

3.通过素描训练，培养学生勇于攻关、坚韧不拔的精神及善于思考的创新意识

素描训练严谨，甚至可以说枯燥，而且在学习过程中还会遇到各种各样的难题，久而久之会使学生逐渐养成一种知难而上、勇于攻关、坚韧不拔的精神。有了这样的精神，无论相对于设计还是创作，都会起到事半功倍的效果。另外，解决困难的过程，也是学生积极思考、求新求变的过程，这对培养学生的创新意识可谓利莫大焉，一举两得。

4.通过素描训练，培养学生良好的观察方法及“艺术”的“敏锐”观察能力

素描训练过程中，成绩的好坏与观察方法的关系是密不可分的，我们主张培养学生整体的、全面的、由主到次、由大到小的正确的观察方法。在正确观察方法的指引下，逐渐培养学生敏锐的观察能力及艺术的审美眼光，把提高学生的观察能力作为训练的重点，努力达到眼、手、心的协调一致。

5.通过素描训练，不断地提高学生的艺术修养

谈及艺术修养，它是一个很模糊的概念，很难把它具象化，但它却决定了一个艺术设计工作者水平的高低。众所周知，不管是绘画还是设计，不管采用手工绘制还是计算机制作，其最终效果的优劣，很大部分取决于作者的艺术修养。诚然，提高修养的渠道和途径是很多，然而长期的、严谨的、正规的素描训练是培养修养，尤其是“艺术的修养”必不可缺的一环。这一点真正的画家或设计师必定会有着更为深刻的体验。

综上所述，素描相对于艺术设计而言，具有不可替代的作用。在艺术设计教学体系当中占据着十分重要的地位，其所产生的影响，遍布了整个艺术设计学科。

素描作为纯艺术学科的基础课与作为艺术设计学科的基础课的差异

随着艺术设计学科的独立发展，以及艺术设计与纯艺术在功能上的差异，我们必须正视素描相对于不同主体而言的功能上的变化。纯艺术与艺术设计自从各成体系以来，虽然说是同源，但是二者的差异也是非常明显的，主要表现为：创作目的不同；与社会的关联不同；对社会的贡献不同。基于纯艺术与艺术设计的差异，那么作为二者共同的基础学科，素描，相对二者而言，其功能必然发生变化。首先是培养目标的区别。素描对于纯艺术而言，造就的是艺术家；而相对于艺术设计而言，则是为了培养设计师。其次是课程性质的区别。相对于纯艺术来讲，素描训练注重画面的效果，注重感性；而相对于艺术设计而言，素描训练在注重画面效果的同时，还要考虑到设计意图的表达，注重的是理性。因此可以说，作为为艺术设计学科服务的基础——素描训练，应该有别于纯艺术的基础训练。而恰恰是这些年来这方面的变化较小，也就是说，对设计学科中的素描教学进行适当的改革是必要的。

设计学科素描教学进行改革的几个趋势

1.素描训练的培养标准发生变化，这就要求素描本身也随之发生一些变化

(1)从素描本身来讲，随着艺术设计实用性的不断加强，素描训练进一步严谨化、扎实化，夯实基础是必须的，但同时也应该积极引入一些创新性思维。创新性思维对设计艺术是极为重要的，而就设计艺术学科而言，以往创新性思维训练更多地安排在专业设计的课程阶段，而忽视了素描学习期间创新性思维的培养，素描训练中蕴含的丰富的创造性，更多的是由学生个体去体会，而缺乏必要的引导，这在以后的素描教学改革中应作为教师的一个工作重点来抓。

(2)素描本身的形式应多样化，避免单一的全因素素描的枯燥性，可以尝试让学生体验从设计素描到结构素描，再到全因素素描。这样的学习方法，有利于学生更多地体会到阶段性成果所带来的喜悦，激发学生的学习兴趣。另外，依照素描开课时间的长短，在机会成熟的情况下适当地引入表现性素描及创作性素描，进一步激发学生的创新性思维，也是十分必要的。

2.为更好地适应设计艺术的要求，在素描训练的方式上应打破以往的习惯性思维

(1)在静物的组合及摆放上，要有新突破，如：无关联性事物组合，体量类事物组合，高差异体量组合，随机放置等，避免常规的三角构图，可以采取吊起、垒积等形式。

(2)在素描的手法及材料上要大胆尝试。以往学生习惯于铅笔排线的方法，可以引导他们了解素描的表现手法是多样性的“描、划、擦、印”等等，不同的手法都会产生不同的视觉美感，同时这样有利于拓宽学生的思路。另外随着材料的变化，同样也会发现很多意想不到的效果，应该重视对材料的研究。

(3)在素描学习后期，训练要有创新性。要让学生知道，准和美，并不是一个等量转化关系，准不一定美，美也不一定准，刻意进行一些扭曲化、平面化、夸张化的形象处理，也是有益的尝试。另外，对过去作业量和完成时间要进行调整，适当增加长期作业，给学生以充足的发现问题、解决问题的时间，同时有助于其深入能力的培养，另外还应加强对速写的训练。这是一个艺术工作者手头能力的最好体现。

至此本文对素描的定位，素描的诞生、发展，素描与艺术设计的关系，素描相对于设计艺术的作用及重要地位，以及设计艺术中的素描改革趋势，进行了简单的分析和阐述，旨在从整体上明确艺术设计与素描的关系，进一步加强其基础地位，保证我国的艺术基础教育沿着良性、健康的方向发展。

参考文献

[1]乔迁.《在艺术设计中素描问题新探》北方工业大学学报 2005年第15卷第4期

[2]方艳.《艺术设计 基础课程教学改革初探》浙江工商职业技术学院学报 2005年 第4卷第2期

纯艺术与实用艺术的关系范文第3篇

1 艺术起源与设计起源的共通性

早期人们更注重纯艺术的精神享受，传统记载艺术起始于旧石器时代。而“史前艺术”还称不上是真正的艺术，只是一种具有艺术形式的不成熟作品。不少证据证实艺术起源于旧石器时期，但让人惊喜的是原始时期，人类还尝试从大自然中探寻且提炼些装饰元素，以改变和美化当时的生活情况，这也是设计的萌芽时期。一个时期的艺术作品真实地体现了当时的生产和生活状态。人类很厉害，为了营造自己适合的生活环境，会不断努力改造自然以适应人类。人类在不间断的索求和改变中，创新了许多的新事物，这就是广义的设计，可见设计和艺术是不可分的。艺术的产生是人类思维的一种呈现方式，是人类对理想生活的一种追求，归根结底艺术和设计的源头来自人类的生产和生活。由于人类社会的不断变迁，对艺术的需求也会随之改变，有利于艺术的形式不断完善与成熟。

2 艺术与设计的区分

艺术和设计的源头来自人类，都是以美为准则，创造和感知美。但艺术与设计是有本质区别的，设计是为他人的生活需要而产生，艺术却是为了服务自己。人们通过艺术把自己的情感世界表达出来，从而有了艺术行为和艺术创作，艺术不需要别人的认同，不会被他人的想法影响，没有标准也没有计划，完全是自己精神世界的展现。传统工艺出现的时候就促使了设计的产生，设计是人类在活动之前预设的计划，然后以计划为准则再进行理想物的创造活动。艺术的重要性就是将其艺术美感在生活中体现出来，既能体现审美的功能又能体现实用性。人类的历史的存在就伴随着人类艺术史，人类的各种艺术实践都是为了满足人类的生产、生活需要，而人类的活动又受到自然与社会的制约，相互不断影响，人类在不断的探索与改造中进步成长。

3 艺术与设计的内在联系

艺术与设计是紧密联系在一起的，当人类刚刚学会制造生产工具之时就兼具了实用和审美的双重功能了。随着时代变迁，社会不断发展进步，人类的审美意识水平不断提高，艺术与设计的结合更是显得紧密。新的艺术观念的出现会促使新的设计观念的产生，反之新的设计观念也极可能推动一个新艺术形式产生。艺术的变革会牵动设计领域，艺术与设计是共同发展的，二者都在寻求一种理想的表现方式。人类的艺术审美能力的提高势必提升设计的眼光，两者的结合更能推动各自的有利发展，它们相互影响、互相促进。艺术家参与设计的实践与研究是设计进步的一大推动力，同样设计工作者对艺术的关注与研究也能促进艺术的不断进步。当时的社会环境在一定程度上会反过来限制艺术的发展，所以艺术和设计也反映了社会现象，是对人文环境的表现。

纯艺术与实用艺术的关系范文第4篇

    论文摘要:现代陶瓷艺术是一种独立的艺术形式,我们对现代陶瓷艺术的艺术定位、 发展方向等诸多问题的探索虽然刚刚起步,但有一点是确定的,现代陶艺必须在市场中寻找自我,离开市场的经济支撑,为艺术而艺术的封闭式创作是没有生存的空间,也体现不了它的价值。 

    陶瓷,是人类在生存空间中最早出现的几种艺术形式之一。从初始的以实用为目的,渐渐随着技术的进步而增加了美学的功能,使其成为集实用和欣赏为一体的工艺美术品,最终,陶瓷又摆脱了实用的初衷,成为完全意义上的欣赏品。由此基础上衍生的现代陶瓷艺术,则具有更多的价值内涵,其中尚待我们进一步认识的有商品价值、装饰价值和收藏价值等几项, 但是要怎样通过市场来肯定这些价值呢?这是我们现代陶瓷艺术工作者所要面对的课题。 

    艺术品市场,首先是市场,然后才是艺术。艺术家在禳中羞涩时会使他们在艺术的道路上举步维艰,一个再有抱负的艺术家若没有一定的物质基础支撑,他的事业发展往往会成为一个幻想,即使他才华横溢,贫穷却能使他自生自灭。我们的艺术家大多处于物质生活的初级阶段,他们的当前使命是:除了修炼心中的艺术之外最重要的是如何成为一个生财有道的商人。作为一个陶瓷艺术工作者,应该下力气去了解现代陶瓷艺术品市场,去研究这个市场中带根本性的规律。那么,我们就应该从下面几个方向去认识并熟悉它。 

    一、现代陶瓷艺术品的特点与品质 

    现代陶瓷艺术作品有三大类,第一类是纯雕塑作品, 第二类是画于平面瓷板上的瓷画作品, 第三类是器物造型和釉彩绘画相结合的作品。每件陶艺作品都是独立的欣赏对象, 并不受环境条件所影响。 但目前大多数艺术的消费者购买陶艺作品,是作家居装饰,这样和现代建筑的环境的相容性和互补性便成为购买者的考虑因素。纵观目前创作的一些现代陶艺作品, 或大而无当或过于矫情,难以被大众接受。强化现代陶瓷艺术的装饰性, 应注重时代感、多样性和轻型化。 

    时代感—历史上各个时代的陶瓷作品几乎都与当时的生活居住环境协调一致。现代居室采光充足,色彩明丽,线条简洁, 那些题材陈旧,纹饰琐碎,釉彩沉闷的作品已无法适应。 

    多样化—现代居室功能细化,卧室、客厅、卫厨都有装饰区别,除传统的瓶炉盘尊外,瓷板、壁饰、挂件、摆件都应设计和制作,其中卫生间装饰历来是空白,陶瓷不怕潮湿,具先天的优越性,仅此一项就是很大的市场。 

    轻型化—现在大多数家庭居室改善, 面积扩大,因功能的细化,每一空间又不会很大,过于巨硕的造型会使购买者望而生畏。轻型化是扩大陶艺作品市场的必要条件。 

    在二十一世纪的今天,信息技术的先进与地球村的构筑,使世界再也不是分散的板块。而是被日益紧密联系起来。流动开放的环境,互联网的快速方便,带来了东西文化的交流、碰撞。无论主动还是被动,国人的传统生活方式和思维方式都受到了直接或间接的影响。艺术这一块,后现代主义风格的建筑也屹立在我们的城市里。不少外国艺术形式和风格已被一部分国人接受和认可,也为现代审美需求注人了许多新鲜血液。在这种历史趋势下,开放性的开放部分成为现代陶瓷艺术体现当代人们审美需求具有的可贵品质。 

    二、现代陶瓷艺术品与市场的关系。 

    张贤亮先生说得好:艺术有它的游戏法则,商品经济也有它的游戏法则,二者不可套用。许多文人就是因为不懂得这个道理,下海之后不是呛水就是淹死。艺术的法则中创造性是第一位的,你得我行我素,商品经济却不同,他的法则是价值规律,你的所作所为要迎合市场,要讨悦买主,要顺应商品潮流,要大家有利可图。 

    要让现代陶瓷艺术品进入市场,首先当然应该了解买方喜欢什么样的艺术商品。鲁迅说过一句非常形象的话:“焦大不爱妹妹”,那些纯艺术的作品,曲高和寡,在当前这个形势下是不会有多少经济效益的。追求高品味的艺术品只是那些精通艺术的收藏家和博物馆,遗憾的是这部分人在艺术市场中所占的比例太小,形不成市场气候。我们艺术家能否选择一种两条腿走路的方针:你的奋斗目标仍矢志不渝地去攀登艺术高峰,你也不妨多创作一些市场欢迎的商业性作品,以求获得物质帮助来扶助自己所追求的事业,相辅相成,岂不乐哉。 

    现代陶瓷艺术品进入市场,千万别忘了包装,在艺术商品中,作者就是商标,名人就是着名的商标,有了着名的商标作品就好卖。推出一批名人是市场的需要,因为大多数顾客对于陶瓷艺术品的鉴赏能力还不太高,他们的鉴别方法只能从商标上来甄别。艺术名人是那些艺术圈中鹤立鸡群者,有极高的市场信誉。好产品也离不开好广告,我们的宣传机构要采取各种手段向社会广泛深入地宣传名人,尤其是宣传那些后起之秀的青年名家。实事求是地介绍他们的艺术成就,宣传他们的艺术特色,让社会真正了解他们的价值所在。 

    要将现代陶瓷艺术产品打入市场,要熟悉艺术市场的规律,更重要的是学会推销自己,我认为最有效的手段是寻找合适的经纪人。艺术市场的建立是由经纪人和艺术家共同完成的,经纪人主观为自己,客观为艺术家为社会,高明的经纪人会有办法把你推向市场。我们的艺术家要大气,真正让经纪人获得实惠,他们才会有积极性,当一支高素质的经纪人队伍形成之后,各类画廊,艺术商店才会兴起,艺术市场的许多配套工程也就会建立起来,如权威性的艺术品鉴定机构,艺术品当铺,艺术品的保险机构定会应运而生。到时,国家再制定一部关于艺术市场的法律,保护艺术家和买主的正当权益不受侵犯,买卖方在艺术品交易中出现的一系列具体纠纷也就有法可依,陶瓷艺术正常运转对于提高陶瓷艺术家的社会地位,尽快提高国民的文化艺术素质也就是一句话了。 

    三、现代陶瓷艺术品的价值 

    现代陶瓷艺术品的价值主要体现在三个方面:商品价值;装饰价值;收藏价值。 

    在历史上,中国陶瓷与丝绸、茶叶一样, 是重要的贸易品,通过陆上和海上丝绸之路传播的中国文化,其实是有着十分可观的经济利益的。因此,陶瓷的商品价值是明确的。但是,现代陶瓷艺术的纯艺术化追求,似乎淡化了应是与生俱来的经济属性。具体表现为创作和市场的脱节。 

    脱节之一是艺术形式和社会欣赏口味的差异。当代陶艺家在不断追求新颖的艺术手法,因过于超前或偏离大多数人的欣赏水平,很少有人会买一件自己完全不懂以至不能达到赏心悦目的艺术品,这便打击了市场购买力。 

    脱节之二是市场价格和实际价值的偏离。现代陶瓷艺术作品动辄上千上万,甚至上百万一件,平心而论,无论从艺术价值和制作成本来说,都是购买者心理上无法承受的。 

    脱节之三是作品数量和市场需求的脱节。市场需求的理论平衡是永远无法追到的, 但可以调节到较为合理的程度。现代陶瓷艺术作品的总体趋势表现为比例失调的供大于求,呈现从艺术品位讲阳春白雪多下里巴人少,从作品价格看高档品多大众化少,从使用价值看纯欣赏性多兼欣赏与使用为一体的少。这些脱节的存在制约了陶艺生产的发展,是值得予以重视的。 

    和传统艺术陶瓷相比,现代陶瓷艺术更强化作品的欣赏功能,具有装饰价值。陶瓷的装饰价值有一个逐渐被人们认识的过程。中国古陶瓷有日用器和陈设器之分。陈设器从一定意义上说是装饰物,但尚存“实用”的外形。可以追溯到明晚期的瓷板画,是纯装饰意义的陶瓷品。瓷板正发展到清末民初,出现了浅绛彩和新粉彩两大品种,使人们认识到陶瓷品的装饰价值。现代陶瓷艺术的建造基础便是欣赏功能,无疑为其装饰价值确立了前程。 

    对于现代陶瓷艺术品的收藏价值,中国人历来持保守态度,产生这种情况有两个原因,一是中国人的崇古心理,总以为老祖宗的东西样样都好,新的哪怕再好也不足道。二是当代艺术尤其是陶瓷之类的工艺品大多粗糙简陋, 确实无法和古代珍玩相比。因此,现代陶艺家和收藏家之间的通道是封闭的,只要打开这一通道,才能给现代陶瓷艺术的发展提供经济前提。为了达到这一目的要做两方面的努力。 

    首先是培养市场。和中国收藏家不同的是, 国外艺术品收藏并不以时间久远为收藏前提。几个世纪以前的无名画家的油画仅值数百美元。当代大师的精心巨作价值几百万美元。艺术品价格的高低的决定因素是艺术价值。现代陶艺作品釉彩的理化性能远超古代,不管是釉上彩、釉下彩都能应用自如,呈色艳丽。先进的技术条件加上现代艺术手法,以更能符合现代人的跟美观。因宣传上的局限性,现代陶艺作品大多数人还知之甚少,不会欣赏,不懂价值,造成陶艺作品乏人问津的局面。 

    其次是精品意识。现代陶艺作品正处于剧变之中,艺术风格,表现手法都未定型、有很大的发展空间。因在探索中自然会不成熟,现代陶艺作品中精品虽有但比例很小,大多数作品仍较粗糙甚至毫无美观可言。对于陶艺家来说,精心做好每件作品,不但是为了不欺骗消费者,也是为了提高自己的技艺。可以肯定地说,只要有精品就必定有市场。 

    现代陶瓷艺术品的市场和价值其实是紧密联系在一起的,有市场才能体现艺术品的价值,有艺术品的价值才能繁荣市场,才能促进艺术品市场的发展。现代陶瓷艺术品要想得到生存和发展,就必须在市场中寻找和挖掘自身的价值,离开市场的经济支撑,为艺术而艺术是不现实的。可以预料的是,现代陶瓷艺术品的市场化进程或早或迟会发生,这也将是现代陶艺成熟的标志。 

    参考文献: 

    [1] 刘玮林,现代陶瓷艺术的价值内涵,中国陶瓷,1994 

纯艺术与实用艺术的关系范文第5篇

公共艺术是作为人类审美活动的产物，要能够体现一定的形式美的原则和功能。例如：1979年9月落成的，由张仃先生主持的北京首都国际机场大型工笔重彩壁画《哪吒闹海》和袁运甫先生创作的《泼水节》大型壁画群，标志着一个思想解放运动和文艺创作人文精神新时代的到来，是公共艺术感应社会脉搏并影响时代进程的一次集中体现。艺术家在面对国家波澜壮阔的社会革命和变迁背景下，用公共艺术的表现形式，展示了一个国家新文化时代的复苏，激活了文化的社会功能，发挥着独特的社会作用。体现了一批艺术工作者将传统文化与现代文化的融合、民族文化与西方文化的融合以及大众文化与精英文化的融合的文化自觉意识。改革开放后，公共艺术创作逐渐展现了真正意义上的公共文化内涵。反映了中国文化寻求开放，努力探索创新，逐渐确立本土文化特色，增强自信，加强文化主体意识的进程。随着国家的迅速发展，社会环境的改变，艺术与生活、与大众的关系也日渐紧密起来，公共艺术得到了空前的发展。例如：2000年上海大学美术学院为“东方绿舟”创作的大型公共艺术作品。在表现形式上，“东方绿舟”公共艺术创作更注重环境、建筑与城市化生活的紧密联系。无论从表现手段到制造工艺，都呈现出多样化、丰富性和产业化的趋势。也体现了上海作为代表中国经济、文化、科技“领航”城市，为了落实科教兴国战略和大力推进素质教育的一次全新的探索，为城市文化建设和青少年教育发展模式进行了积极的开拓和创新。20世纪80年代以来的公共艺术发展，反映了中国文化寻求开放，努力探索创新，遵循“各美其美，美人之美，美美与共，天下大同”的基本文化秩序。逐渐确立本土文化特色，增强自信，加强文化主体意识的进程。

2公共艺术的城市文化建设

当今的公共艺术活动，应该建立一个体系。要以文化艺术的角度来叙述中国人对现代社会的认识，应该提高对中国传统文化的自信，从而在公共艺术创作中自由体现出对文化的自觉。始于2006年的上海“现场张江”大型公共艺术活动，目的在于以张江高科技园区作为公共艺术的现场，将公共艺术的概念融入城市公共空间的建设，致力于开展都市公共艺术为特色的文化艺术活动，提升城市人文环境品位，打造城市区域特色文化。2006年“城市进行式现场张江”活动选取的是城市发展的课题，集结中国两岸四地（内地、港、澳、台）当代文化界跨学科领域多股重要力量，共同撰写艺术与科学间有意味的对话。2007年以“诗意的停流”为主题的公共艺术活动则十分注重艺术作品的“实用性”、材料的“永久性”和参与艺术家的“国际性”。2008年“现场张江”的主题为“悬浮特快”，不仅与上海双年展的主题“快城快客”相衔接，还与上海世博会主题“城市，让生活更美好”相呼应，更体现出当地高科技园区在城市化进程中的一种对于人的生存和“人的城市化”双重的深切关怀。其指导思想是“立足张江、表现上海、宣传中国”和“服务社区、营建家园、塑造城市”。作为城市文化建设内容之一的公共艺术已经成为当代城市文化的重要载体、一种十分重要的当代文化现象，代表了艺术与城市、艺术与公众、艺术与社会等关系的一种新的取向。为了提高整个社会的文化氛围，促进社区与公众之间的交流，作为中间人的城市管理机构有责任有义务加强公共艺术的宣传，在社区、公众、艺术家之间进行组织、斡旋、调和。特别是公共机构更应为公众与艺术家创造有利的条件，否则，公共艺术就不称其为公共艺术，艺术也就发挥不了它对公众应有的作用。艺术与文化从来都是整个社会完整系统的一部分，从不孤立存在于社会系统之外。因此，现代公共艺术的运作机制必须服从经济规律、市场规律。信息时代，纯艺术与纯设计越来越体现出一种融合的趋势，即设计艺术化、艺术设计化，学科交叉所形成的中国公共艺术的发展正是这种趋势的集中体现。首先，改革开放促进了经济的发展，也极大地促进了城市的发展，这就为在提升公共空间艺术、文化品位创造了必要的物质条件。其次，国民文化教育水平与民主意识的不断提升，也使得广大人民群众对城市公共空间的艺术功能和文化需求得到提高。