美术的绘画形式

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇美术的绘画形式范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

美术的绘画形式范文第1篇

关键词：水彩画；媒材；个性

一、 承载面对水彩创作的约束

水彩画创作的承载面经历了不同的时代，有了不同的发展，而且因其调和材料水的原因，水彩画对承载面有了更多的要求，不同的承载面会对水彩画产生不同的约束，出现不同的表现效果，也因此而产生了水彩画丰富的表现形式。如果从现代意义的水彩画来说的话，纸的发明使水彩画独特表现魅力开始展现出来，并逐渐形成了其独特的美学形式而形成了一个有其特色的并具独特美学意义的画种，也因此而逐步形成了水彩画的审美规范。在水彩纸上所形成的水与彩的斑迹与色痕带有很强的随机性与抒情性, 形成着奇妙的变奏关系, 产生了酣畅、淋漓、清新的视觉效果, 与自然保持了和谐的灵动之美, 构成了水彩画的个性特征, 产生独特的不可替代的艺术语言①。这时承载面的约束力也就在水彩画的创作中显现出来。艺术家们为了形成自己的水彩画艺术特色，一方面要遵循于已成的水彩画审美规范，另一方面要寻找自己的出路，突破已有的约束，于是也就开始了更多适应于水彩画创作的纸张的试验。特别是在近现代时期，在画家和造纸商们的共同努力下，研究出了不同的适应于水彩绘画的纸张，这些纸张因对水有着不同的反映而使水彩画语言变得更加丰富。在学科划分更细的当代，材料学也成为了绘画艺术研究的一个重课题，在对水彩画的承载面也就有了更多更广的探索。水彩画家和材料学家们（或者本来就二者都是）为了达到某种表现需要而突破传统的审美约束，制作出特别的水彩画创作承载面。由此看来，承载面这一创作语境的构成元素对水彩画的创作有着很大的约束性。

二、 粘合剂对水彩创作的约束

水彩画在形成其独特语言特色的过程中，在探索水彩画承载面的过程中，艺术家对水彩画的粘接剂也做了不断的创新。从兽血到树胶，从树胶到蛋或动物胶，再从蛋胶到化学胶，不同的粘接剂与不同的承载面有着不同的粘接效果，而且它会与调和剂水也会有不同的反应。最终这种粘接与反应都会让颜料在画面上呈现出不同的视觉效果，也因这种粘接与反应而让水彩画家们在创作时会选择不同的方式去处理，这也是粘接剂对创作的一种约束，这种约束也会在形成水彩画独有审美特色过程中起到很重要的作用。如蛋胶水彩因为其易干与透明性高的特点而使水彩画家多采用坦培拉技术，层层叠加，使画风显得细腻深入、层次丰富；树胶则因其透明性较差，而用来做矿物质类颜料或粉类颜料的粘合剂，这种粘合剂的所混合的颜料覆盖力强，可经塑造出浑厚的效果；现在用的大多都是化学胶，在很大程度上化学胶相比天然胶更好控制，但也有它具有活性的特点，也就是说画面可能会存在可变性。特别有可能会与一部分纸发生反映，而使作品在时间久了的情况下产生色变。

三、 颜料对水彩画创作的约束

颜料是绘画艺术语言表达中的基本材料，由于不同颜料的基本构成成份对光波反射与吸收的不同而形成不而会呈现出不同的光色而形成了绘画色彩语言表达的最底层的媒材。不同的物体对光波的吸收与反射是不一样的，不同的温湿环境同一物质的光波反射也是不一样的，在不同的光环境下，同一颜料材质也会在人眼中有不同的反映。而这些因素都会因时间与空间的变化而变化，因些颜料做为绘画语言表达的根本材料来说其稳定性的差异成为了颜料质量检验的标准，同时对艺术家创作也提出了更高的要求。这就要求画家在绘画创作中要能充分考虑到颜料在创作前、创作中、创作后等不同阶段的环境变化对色光反映所呈现出来的色彩效果。由于颜料材料构成成份的不一样除了反映色彩的视效外，还会反映出可触性的视效，如绘画表面的颗料肌理等。水彩颜料因颜料的透明性不会有很强烈的肌理感，但是仍然有一些颜料，特别象矿物质成份的群青等颜料，在干澡的过程中会从水中析出并产生沉淀性颗粒般效果，使颜料与颜料之间有部分透出纸的纹理而产生一种可触的视觉美感。这些视效可以成为绘画艺术创作表达的重要语言构成因素，同时也成为了艺术家在艺术创作语言表达中的最为基本的语境约束因素，对这种因颜料构成因素的约束把握的程度也决定了艺术家艺术创作语言表达的自由度，对其了解更深，掌握更透，知道其约束更多，艺术家就会遵循或打破其所构的约束进行创，那对艺术创作语言表达也就更加自由。

水彩画的颜料,在水彩画与其他画种区别之前，水彩画颜料也没有严格地与其他颜料区别开来，当水彩画家在创作实践中越来越突出水彩画的独特性的时候，水彩画画家对创作用的水彩画颜料也就有了更多的选择，并找出了合适的水彩画颜料的原材，于是这种颜料也就得到了商家的推广和水彩画家们的认可，自然也就成为了水彩画创作的一种约束因素。

四、 水对水彩画创作的约束

水彩画的水以及与水相关的因素，水是水彩画创作中的一种媒介或者说是调和剂。对于水彩画的效果而言，水有着至关重要的作用。水的多少，会真接影响到水彩画效果的体现，如色彩的浓淡变化、色彩的交融、造型的处理等都会受到水的影响。大家都知道，水是各种反应最好的媒介，也是最好的溶剂，或者说是各种化学反应的摧化剂。而油自己虽然容易燃烧，但必须要在一定的温度条件下才会达到它的着火点，除些之外，它显得十分地稳定，并能很好地阻隔不同物质之间的接触，这一点和水刚好相反，除对某些有机物外，矿物质成份的颜料基本不会溶于油，并能很好地隔断颜料本身与空气的接触而防止了颜料的自然氧化，由此看来，相同成份的颜料，油画相比水彩有着更为稳定的特性。水彩画中的水媒介是一种及易蒸化的媒介，这种媒介会直接影响着湿度的变化，并且这种变化会在做画的过程中也会有不同的变化，而且这种变化也会因环境的不同而有着不同的变化速度。因此，怎么用水，成为了水彩画中一个重要课题。因为水的变化是会受到空气、阳光、温度、湿度的变化而变化的，同时也会与水的纯净度也有关系。因此，在水彩画创作中，水是一个重要的语境构成因素，同时与水相关的空气阳光等也会对水彩画创作有一定和影响。

五、 画笔对水彩画创作的约束

水彩画的笔，画笔对于绘画语言的表达也是一个很重要的因素，不同的画笔会对颜料与媒介有不同的亲融性。对于水彩画而言，笔的溶水量是一个关键，然后就是毫的软硬与弹性。溶水量大的笔便于大面积的做画和湿性绘画的表现，同时也便于表现虚幻朦胧的效果，而溶水量小的笔就适合于干擦和表现斑驳的肌理，适合于对细小实在的形象进行表现；软的画笔可以表现水润感，硬的画笔可以表现形体感；弹性好的画笔可以显得洒脱，弹性差的笔却可画出细润。不同的笔都会有不同的效果，有不同的用处。在了解和掌握了画笔的溶水量和弹性外，画笔与承载面的接触时间也会产生不同的变化，这种变化的差异与笔的溶水量弹性是相关的，溶水量大的画笔这种变化会比较小，而溶水量少弹性大的画笔这种变化就比较大了。这样，画笔的溶水量、弹性与接触时间这几个因素共同构成了画笔与承载面的亲溶性。因此画笔的亲溶性在构成了水彩画艺术创作语境的一个重要因素，掌握了画笔与承载面的亲溶性选择不同亲溶度的画笔也决定了画家的艺术创作风格，因此，每一位画家都会钟爱自己常用的笔，而形成画家特独的水彩画创作语言。

六、 其他材料对水彩画创作的约束

其他材料因素，除了常规性本体因素外，艺术家在进行水彩画创作时也会探索其他材料对水彩画中水色的影响。如做画底，也就是在纸上或布上制作便于自己进行水彩画语言表达的承载面；还有就是在做画过程中，任何一种材料, 只要能给画家带来他所预期的效果, 都可以使用②。在颜料或水中添加一些如盐、砂子、洗涤剂等材料，使水色产生意外的效果。这些材料不是水彩画的专用材料，但所生的水彩语言意味美往往就是仅用常规工具材料是无法表达的，而这些材料的使用往往也与水彩画家的喜好或习惯有关，这种喜好与习惯也会形成水彩画家独有的语言特色。因此，这些因素也是构成水彩画创作语言形成水彩画创作的语境构成因素。

水彩画家在进行水彩画创作时，对创作效果的把握首先往往是来源于画家对水彩画本体语境媒材因素的理解，水、颜料、承载面、画笔以及其他辅媒材是构成水彩画创作语境的基本因素或者说是其本体的语境因素。水彩画创作语言的表达效果就来源于其对本体语境媒材因素的使用，这就是说，水彩画家的创作语言表达首先是在水彩画本体语境的媒材因素约束下完成的。其所能呈现的语言表达特色也就是水彩画媒材因素所能表达出的特色。这也是构成水彩画这一具有鲜明艺术语言特色的原因所在，所以说水彩画是在水彩媒材创作语境因素约束下所形成的一种绘画语言表达形式。

（作者单位：长沙民政职业技术学院艺术学院）

注释：

美术的绘画形式范文第2篇

【关键词】文人画；意境；留白；古典园林美

文人画是我国传统绘画中的佼佼者。最早提出文人画概念的是唐代著名诗人王维，后又经苏轼倡导，“细味摩诘之诗，诗中有画；细观其画，画中有诗”，把诗和画联系了起来。近代著名画家陈衡恪曾形容： “画中带有文人之性质，含有文人之趣味，不在画中考究艺术上之功夫，必须于画外看出许多文人之感想。”文人画早期主要是对封建士大夫的绘画作品的称呼，待到后期我国文人画发展成为一个派别之后，主要用来特指宋元时期，由于在社会性的隐逸风气和禅宗、老庄哲学的影响下中国传统绘画所发生重大的变革，山水画创作由客体再现向主观表意的绘画形式。这类绘画题材多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊等，讲求绘画的意向特征、意境的构造及笔墨情趣等。

园林美从概念上主要指通过物质实体表现出来的人化生态环境美，包括了自然美部分和社会美部分。园林美和文人画的绘画形式在理念上有着共同的特征：即都是按照美的规律和某种审美观念对现实美进行提炼升华而再创造得出的产物，与创作者的个体文化素养以及当时社会生活的时代特性有着密不可分的关系；中国文人画与古典园林宏观上的共同点又主要体现在都是集东方古代哲学、美学、文学、诗词、书法、宗教等多种文化形态于一身的艺术。本文主要从以下几个不同表现形态方面探讨两者的艺术结合点：

1. 结构形式静动结合的韵律感

中国文人画的构图形式不同于我们今天所熟悉的一点透视和两点透视，而是采用了散点透视的表现形式，观察点不固定，凡不同立足点上所看到的东西都可组织画面。这种横向多点式的观察，将多个画面展示在一个动态过程里，文人画的绘画形式上存在着静中有动的韵律感。园林就其自身来说是一种动的艺术，自由、闲散、宽松的心理状态往往最能感受外界美的信息，可以说园林就是通过统筹静动变化使人领略美的。我们常形容苏州园林“步移景异”、“曲径通幽”，也恰恰体现了园林空间内在静动结合的自然秩序。园林通过布景的虚实、疏密、色彩、光影和形象上的变化，从而营造动的气势，这种组成空间的生动韵律和章法能赐予园林生气与韵律感。

正是文人画和园林美中分别所营造出来的结构形式与静动结合的韵律感产生了灵动、多变的节奏感和生命力，同时也体现出了绘画及古典园林美中的艺术结合点。

2. 自然美和艺术美的结合

文人画的程式是一套由历代画家从大自然中提练出来，经过艺术总结提炼的相对稳定的规范性艺术语言，借由画中意境表达个人思想感情。石涛曾说“搜尽奇峰打草稿”，可以看出，画家会通过多采集素材，多观察事物，将自然美进行主观提炼后，再将所产生的创作灵感和意境展现于作品当中。文人画中的自然美到艺术美的过度是通过观察、产生理念、运势动笔、提炼表现的一个完整过程。

园林通过筑山、叠石、理水、种植树木花草、营造建筑和布置园路等途径，创作形成美的自然环境和游憩境域。设计师将自然作为载体，因地制宜，使得园林充满大自然的生气，这是园林设计中自然美的体现。虽然园林有着山水地形美，但这种自然美是通过设计师的加工，效仿自然而成，同中国文人画一样通过了艺术加工。这种再创造的艺术美和自然美的结合在古典园林中体现的淋漓尽致。

3. 人格要素在文人画和园林设计中的体现

中国文人画强调个人内心情感的抒发，强调画家的个性。他们大多有着闲逸恣情、自洁自爱的人格类型，将自己的情、意、趣都融入到了山水竹石等景物中，体现其自强不息、清华其外、澹泊其中、不作媚世的处世之态。古典园林设计中有着相同的人格要素的体现，往往以自省，含蓄，蕴藉，内秀，恬静，清幽，淡泊，循矩，守拙为美，重在情感上的感受。中国人自古以来就对竹推崇备致，扬州的个园就是一座竹的世界，以竹石取胜，连园名中的“个”字，也是取了竹字的半边，应合了庭园里各色竹子。个园园主“竹”，遂取袁枚“月映竹成千个字”诗句，故名“个园”，主人的情趣和心智都在里面得以体现。

4. “留白”的形式美体现

留白是指在书画艺术创作中为使整个作品画面、章法更为协调精美而有意留下相应的空白。中国文人画中的水墨留白，体现了磅礴之气，提供了虚实对比的视觉效果。这种背景运用的虚白处理手法，表现了无限的时间和空间，使画面更简练，主体形象更鲜明突出。我国古典园林美中也存在着“留白”，即布景时的疏、视线的放、水景的蜿蜒曲折等等，都会留下想象的空间。只有恰当地空出“白”来，才能“虚实相生，无画处皆成妙境”，才能在品鉴的过程中驰骋想象。

结语：

通过以上几方面，文人画绘画形式和中国古典园林美的结合点的探讨使我们深刻认识到园林这样一种艺术作品，应当如同绘画作品一样，都需承担一种使命，并激发人们尊崇高尚的道德情操。这两种艺术作品的美对人类的心灵、性格的启迪和影响是相似的，结合我国人文画中的绘画形式美，丰富了园林美艺术体系的理论基础。

参考文献：

[1]寿勤泽. 中国文人画思想史探源 以北宋蜀学为中心[J]北京：荣宝斋出版社 ， 2009.10

[2]赵思毅，张赟. 中国文人画与文人写意园林[M] 北京：中国电力出版社 ， 2006

[3]彭修银. 墨戏与逍遥 中国文人画美学传统[M] 北京：文津出版社 ， 1995

[4]张书珩，张勇主. 中国文人画绘画艺术[J] 呼和浩特：远方出版社 ， 2005.12

[5]金学智. 中国园林美学[M] 北京：中国建筑工业出版社 ， 2005

美术的绘画形式范文第3篇

关键词：高职美术；课堂教学；绘画教学

高职阶段的美术学习相比较于其他阶段的美术教学，往往更偏向于对学生专业技法的传授和引导。高职生在老师的教学指导下，会逐步体会到绘画的乐趣，继而影响他们今后对艺术的欣赏和创作。因此，高职美术教师在课堂教学中一方面需要引导学生们熟悉和掌握绘画的基本概念和相关技巧，另一方面还需要注重对学生绘画兴趣的引导和绘画作品的赏析。学生们在教师的绘画教学中，不仅可以学习和了解到中国画、油画、素描、版画、水彩画、水粉画、粉笔画之间的区别和特点，同时也能够在美术教师的引导下逐步学会绘肖像画、风景画、风俗画、静物画、动物画等。高职生们在课堂和课下时间，积极完成教师布置的美术绘画任务，体会绘画乐趣的同时，往往也能够品味到其中的深刻含义。根据自身的教学经验，笔者认为，针对高职生的绘画教学，随着学生水平的提高可以分为以下几个阶段。

一、绘画兴趣培养阶段的教学

高职生对美术知识的初步学习，往往还是停留在以往的非专业性质的绘画水平。为了引导学生认识到美术学科的真正意义，高职美术教师在课堂教学中，可以为学生们呈现丰富多样的美术教学内容并采用精彩纷呈的教学形式，从而激发并调动高职生们对美术学习的兴趣。

首先，在美术课堂的教学内容上，教师往往需要由易及难地为学生们呈现出不同风格的绘画作品，向同学们介绍每种绘画作品的含义以及主要特点。而考虑到学生对课堂教学注意力的不持久性，美术教师在进行内容的讲授时，一方面可以通过图片的形式向学生们展现出各类画作的形象，另一方面在进行讲解的过程中，要注意到与学生的互动，鼓励学生之间通过交流讨论分享各自的见解，继而针对学生们的想法做出最为中肯的总结和评价。学生们在学习绘画内容的过程中，既是对自身绘画知识的储备，同时也是在美术教师的引导下逐步找到自己绘画的兴趣点，继而在兴趣的指导下逐渐提高自身的绘画能力。

其次，在美术课堂教学内容的选取上，美术教师往往需要借助现代多媒体的教学形式，以丰富多彩的图片、视频以及实物教学，扩展学生的学习视野，继而感受绘画的魅力和提高自身对绘画的兴趣。例如，高职美术教师在教授中国画的内容时，既可以在课堂上以图片或视频播放的形式为学生们讲授中国画的多姿多彩，也可以带领学生们参观美术馆、图书馆、博物馆，鼓励学生们在学习中不断发现中国画的特色和绘画要点，并在充分了解中国写意画的含义基础上，进行课堂练习。很多高职学生对中国画的学习，一般表现在对画的解析和欣赏，教师一般只需要对少数有兴趣的学生加以具体的教学指导。

二、绘画想象力培养阶段的教学

学生们在大致了解了绘画的基础内容，也产生了对绘画的兴趣。在此基础上，高职美术教师可以逐步引导学生充分发挥自身的想象力，进行课堂绘画的练习。这是高职美术的重要教学阶段，同时也是考查学生绘画能力的重要参考要素。

首先，高职美术教师可以在鼓励学生们在课堂上就某一个绘画题目，展开无限的想象和联想，进而组织自己的绘画故事，尽量表现绘画中的故事性和想象力，通过绘画表达自己的构思。例如，高职美术教师可以要求学生们想象北极和南极动物的对话，以图画的形式展开无尽的想象，这种形式的课堂教学既是对学生绘画能力的考查，同时也是对学生绘画内容和思想的考查。学生们在想象南北极动物对话的过程中，既可以学习和掌握丰富的地理学知识，同时也能够在一定程度上发挥想象，表现图画的不尽可能性，打破现实常规的束缚，继而展现美术世界的多姿多彩。

其次，高职美术教师还可以带领学生们进行实地写生，这种类型的写生和高难度的景物或人物写生不同，是鼓励学生深入大自然，以大自然为老师，观察大自然的神奇和美丽，继而展开户外想象绘画。一般情况下，高职美术教师可以要求学生们以小组的形式进行大自然的想象绘画，从大自然中找出某一点进行故事的延伸和演化，在独立想象和小组成员的串接想象中合成一个完整的绘画故事，从而锻炼并提高高职生对绘画想象的兴趣和能力，为更高解读的绘画打下坚实的基础。

三、观察力培养阶段的教学

高职生在通过兴趣培养和想象训练的教学之后，为了进一步提升自身的绘画技术，往往还需要在美术教师的课堂指导下，进行相应的观察力培养。高职生对绘画的学习不仅仅是停留在绘画的内容学习上，往往还需要注重从构图的一些技术和技巧上提高绘画的效果。因此，对绘画水平较高的高职生来说观察力是提高绘画技巧的重要因素，需要高职生在绘画学习中引起足够的重视。

首先，高职生需要对所要画的物体进行细致的观察，既要体现事物的外在总体特征，还需要观察所观察事物的自身特点，从而保证绘画的相似性。这是学生观察力绘画训练的重中之重，一方面是训练学生的绘画耐心，另一方面也是训练和考察高职生的观察能力。因此，高职美术教师在课堂教学中，通常会鼓励学生们针对不同的物体进行观察绘画，这类物体既可以是水果，也可以是人物。学生们在此阶段的绘画中一定要仔细观察，从外形和角度上突出物体的特点，从而保证绘画的相似性。

美术的绘画形式范文第4篇

关键词：绘画基础 游戏美术 关系

一、好的游戏美术与绘画基础是相辅相成的关系

1.游戏美术和绘画基础的概念

对予游戏美术，通俗的说就是游戏中所能看到的一切画面都属于游戏美术。

人们通常的观念中，会觉得游戏美术与广告美术的工作在本质上没有差别。但实际上，一般广告制作的基本要求是务必实现让人眼前一亮的效果，而游戏界面的基本要求则是必须经得住玩家注目几个小时而不引起视觉疲劳。不仅细看之后找不到问题，还能发现被制作者精心设计了的细节。因此，游戏美术的工作流程与广告制作之间的区别还是很大的。

相对于游戏美术，绘画基础的概念更加简略。绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术，是模仿场景。绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式。绘画的性质可以是自然及具象派的、影像绘画、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。绘画中最强调的就是三大面，五大调。在这个基础上，对于构图也有很多的要求，它包括：1、艺术形象在空间位置的确定。2、艺术形象在空间大小的确定。3、艺术形象自身各部分之间、主体形象与陪体形象之间的组合关系及分隔形式。4、艺术形象与空间的组合关系及分隔形式。5、艺术形象所产生的视觉冲击和力感。6、运用的形式美法则继而产生的美感。

2.两者相辅相成的关系

游戏美术作为一门新兴的艺术门类，在艺术手段，表现内容等方面都受到的绘画基础的滋补。例如：色彩饱和度的对比；对比度的变化；线的导向性；虚实的对比。从绘制材质的角度来说，最后能被玩家所注意到的才是细节。满眼的细节等于没有细节，因为它分散掉了我们的视觉中心。

二、游戏美术必须尊重绘画基础

1.绘画基础的重要性

绘画基础是美术一个重要部分，它是通过传述美术基础知识进行美术基本技能的训练，通过对美术作品的赏析和艺术表现实践，学习运用物质材料和手段塑造静态的视觉艺术形象，表现自己的生活和他们对世界的认识与感受，提高人们的审美文化素养，以达到培育美的，和谐的精神境界的目的。绘画基础知识是指人类长期认识自然和社会生活积累起来的带有共性和规律性的知识。运用这些知识去认识现实世界，是人们认识世界的途径之一。

2.绘画基础在游戏美术中的表现

游戏美术的表现手法呈现两种状况：1.游戏美术现实性的这一类主要追求是真实，尽量贴近现实的角色。2.游戏角色卡通风格。

以游戏美术中的网游角色制定为例，首先模型的制作还是以传统的多边形起稿，在制作过程中没有刻意以先整体后局部再整体的形式建立模型，但是我们注意的是尽量让每一条结构线都能发挥它的作用。在合理的面数中彰显人物的气势，保证画面的美感。当模型展好UV之后，我们做的工作就是开始画贴图。贴图讲究的主要是形体的张力，体积的把握，颜色的丰富以及细节的描绘。绘制贴图一定要画出角色的整体光感和颜色的丰富性。更重要的是要画出来的角色的每一部分材质的属性。画贴图考验的是对材质的把握，也是一个对传统绘画的考验。

如果说贴图是角色成败的关键，那么我认为模型就是整个角色的灵魂所在，当做完一个角色，就应该体现出模型的霸气与张力，体现出角色性格。

三、绘画基础可以给予游戏美术丰富的养分

1.绘画基础的基本技法

绘画艺术由来已久，作为中国的国粹，国画的技法我认为是非常值得我们学习的。早在两千多年前战国时期楚国的两幅帛画，就以其生动的气韵，简洁的笔墨，流畅的线条，表达出完美的意境，确立了中国绘画艺术以线条造型的名族风格形式。

说到绘画基础技法，不得不提同样作为四大造型之一的油画技法。古今中外，油画技法有三：一是北欧尼德兰画派，以爱克为代表的透明薄图画法；二是南欧意大利画派以威尼斯提香为代表的不透明厚涂画法；三是以佛兰德斯画家鲁本斯为代表的融合南北画派技法的暗部透明薄涂，亮部不透明厚涂的折中画法。

2.绘画基础在游戏美术中的体现

在游戏美术中，综上所述的国画和油画技巧有了淋漓尽致的体现。同样以游戏角色为例，角色形体的加强和质感的表现是贴图绘制的主要内容。只有我们将绘画基础中的技法发挥的淋漓尽致，才不会在绘制途中犯颜色混淆，不够直观，容易厌烦这样的错误。

四、绘画基础可以给予游戏美术丰富的养分

1.绘画和游戏美术的受众群

我们的生活中无处不存在绘画的影子，无论人们的衣食住行，还是日常生活中需要的柴米油盐，都烙印上了绘画的痕迹，可以说，绘画的受众群是所有的人民大众。相对绘画的受众群，游戏美术的受众群就小了许多，游戏美术的受众群主要就是喜爱游戏的玩家。

五、结合毕业设计证明绘画基础对游戏美术的重要性

本次的毕业设计，整个片子的模型充分展示了网游角色的制作要求，所有的角色在气势，体积，颜色，细节这四个方面上做的比较完整。游戏美术作为动画系学生毕业后择业的一大重要分支，因此在我们的毕业设计中，我们将游戏美术和影视动画相结合，在动画的过程中，展示了网游角色的制作需求。

美术的绘画形式范文第5篇

信息技术的发展与影响，随着科技的发展和信息时代的到来，图像和影像已经开始成为现代社会的主要传播媒介，“视觉文化”这一词汇应运而生。在视觉文化的氛围之下，人们对美术的理解不再局限于国画、油画、雕塑、工艺的范畴，而开始变得开放和多元化起来。反映在教育方面，“视觉化”在逐渐改变着我们对原有艺术的认识的同时，也必然对美术课程进行重新审视和新的建构。它一方面极大地拓展了美术课程的内容，另一方面也在逐渐扭转着美术教育的“本质内涵”———基于视觉文化的美术教育是一种生活取向的美术教育，美术教育不应只是强调技法的熟练和媒介、材料的认知，而应教导学生关注生活的多姿多彩，并学会对各式视觉影像进行一定的思考、解读与运用。将信息技术应用到美术教育领域中，并发挥其独特的魅力和作用。

二、美术教育

1．美术教育

美术教育也称为“造型艺术教育”、“视觉艺术教育”等，不同的名称体现了对美术教育涵义的不同理解。以往的美术教育主要指绘画、雕塑、工艺和建筑4大门类的知识技术教育。“造型艺术教育”侧重的是以造型元素及其组合规律为主线的艺术、设计等内容的教育，强调美术在实际生活中的应用。“视觉艺术教育”的提法超越了绘画、雕塑、工艺和建筑等传统美术门类的界线，其教育内容包括一切与视觉有关的艺术作品和现象，强调视觉阅读、表达和交流能力的培养。美术教育的范围包括一切与视觉有关的艺术作品、艺术现象和日常生活中各种视觉影像，既包括传统的绘画、雕塑、工艺和建筑的知识与技法，也包括新兴的视觉艺术作品和现象，以及日常生活中能构建并传达个人态度、信念、价值观的各种视觉影像，主张通过美术学习，培养学生视觉阅读、表达和交流的能力，引导他们学会对其生活中各种视觉影像进行思考与解读。

2．美术教育研究

美术教育的科学研究，是指用科学的方法对美术教育现象进行系统的认知、分析、解释、控制，以探究和构建美术教育学科发展的基本原理、原则、理论和知识体系的创造。通常讲，美术教育科研，就是一种以获得促进美术教育发展的学科规律性的知识体系为目标的创造性探求行为。其意义在于，有利促进美术教育学科的发展，有利于提高美术教育教学的质量，有利于促进美术队伍的建设和专业化水平。

三、美术教育与信息技术教育两者的特点

信息技术教育与美术教育密不可分，互相影响、相互渗透。美术教育与信息技术教育的实质都是视觉的表现形式，都是通过一定的工具、借助一定的材料把视觉的效果呈现出来。现以美术绘画和计算机技术为例来阐述美术教育与信息技术教育的特点与关系。

1．美术绘画的特点

美术又称为造型艺术，绘画是美术艺术的根基，艺术是人类藉以表达情感的一种形式，而色彩是视觉艺术诸多形式语言中十分诱人的一种。单纯的美术教育应视为绘画艺术，绘画是通过色彩、造型、构图等表现出来的，色彩与表现是绘画的重要因素。色彩本身是一种表现手段，色彩总是和其他因素结合在一起构成整体的表现力。包括构图、造型、用笔、用刀以及使用各类工具材料与制作手段所发挥的表现效果。传统的色彩手绘，必须是通过绘画者根据自己的观察和自身的审美理念，用手工调制颜料，并通常是借助于各种类型的笔，在油画或水粉画中有时会借助于画刀，无论是笔或刀，当它们将颜料从调色盘转移到纸上或布上时，所留下的便不只是颜色，而同时包括笔或刀所运行的痕迹，这种痕迹便构成了绘画的表现效果。其特点：一是传统绘画作品人情味十足，它所构建美的表现形式与计算机绘画相比没有事先设定好的程序、画笔、渲染效果等，因此，具有更大的自由性与随意感；二是传统绘画形式表现个性化明显；三是传统绘画作品的表现效果具有直观性，更能抒感、表现个性，它所创作出的画面效果更具原创性，也具有严谨的形式美和充分的艺术感染力。从另一方面看，传统绘画劳动强度大、用时长、效率低。

2．信息技术的特点

运用计算机等多媒体技术来表现视觉效果的，同样是用在绘画上，如果用计算机来制作，那完全就是不一样的感觉，只用移动鼠标，按照设定的程序操作就可达到很好的作画效果，计算机绘画有很好的发展空间，能充分展示物象的特效功能，其特点：一是计算机绘画效率高；二是精确度高；三是作品易于表现，绘画方式容易掌握。从另一方面看，计算机绘画没有特色、没有个性。3．美术绘画与信息技术的关系在技法上，传统绘画的技术是艺术家在实践的基础上，认识了造型能力及协调画面各种关系而表现的技巧，同时熟悉绘画工具和材料的性能，并掌握其科学的操作方法。在计算机绘画中，对一种技法的认识是对某一命令程序所产生的结果上的认识，如色彩的变化在传统绘画中需掌握大量的色彩理论知识和实践经验，在操作上也要经过大量耗时费力的训练。而计算机的绘画方式更加简便、快捷，形象具体而真实自然。另外，借助信息技术的有利因素，可激发创新精神和对艺术作品感悟，认识与理解形体、色彩、构图、线条、质感等造型要素，运用计算机及多媒体组合，运用美术基本造型表现技术创造形象，使美术构思与形象创造不断完善，也使美术创作意识与应用能力得到促进和提升。由此可见，信息技术的发展给传统绘画中存在的难以解决的问题找到了新的出路，并使一些技法简单化。从表现形式上说，也能将主观表现与客观再现融入一体，从而创意出当代艺术新的视觉表现形式。

四、信息技术与美术教育的有机结合

信息技术在各领域中被广泛运用，它是当代文化的精髓之一。运用到美术教学中更能整合美术教育资源，使美术教育教学手段向多元化发展，扩大美术作为视觉艺术领域的内容及取向。

1．运用信息技术，提升学习美术的情趣

美术是造型艺术，通常意义来讲，视觉艺术，具有可视的形象特点，但用传统的形式单纯的来学习美术绘画，学起来死板，没有情境，在美术教学中，结合并运用多媒体技术教学，这实物展示、投影、影像引进，使美术教学内容由平面到立体，由静止到运动，极大地优化了美术教学的信息量和科技含量。充分利用信息技术的网络平台指导学生在学习上遇到的问题，学生把自己的作品上传到网上与教师进行研讨，培养学生利用计算机解决实际问题的能力。学生也可利用网上平台查看教师课件。在教学中，教师要以学生为中心，以学生为主体，运用多媒体及网络教学现代化的教学手段，激发学生学习意识，活跃课堂学习气氛，使学生积极参与课堂教学，让学生感觉到信息技术的魅力并由此激发他们学习信息技术的动机和创作动机。同时也极大地提升学习美术的情趣。

2．运用信息技术，提高教学质量

多媒体教学的介入，为目前美术艺术教育提高广大学生的绘画修养和创意能力的改革提供了科学的保证。在美术教学中，美术教师在教学中要充分利用信息技术、多媒体教学这一技术的优势使之与美术教学的相结合，视觉上能更好表现艺术形象及绘画手段教学的根本目的，美术教学是视觉艺术教学，最终是借助视觉形象来传达教师的意图，所以在利用信息技术中有着得天独厚的优势。美术教学中，美术教师不仅仅要把绘画语言传达给学生，而且也要利用现代多媒体技术教学手段表现绘画基本技法，使学生既能了解教师的意图，也能根据教师的意图利用多媒体课件独有的画面看到现代绘画的基本技法表现过程，使学生之积极参与教师的教学过程，极大地增强了课堂的生动性和趣味性，有效地完成课堂教学效果，极大地提高美术教学质量。

3．运用信息技术，培养学生鉴赏美的能力

教师讲解作品时，不仅仅关注的是技法，也要积极引导学生感受作品的美，不仅要欣赏作品的形象外在美，更要引导学生把握作品形象的内在结构美。在教学中，发挥信息技术网络教学的作用，可利用网络平台课件中的优秀美术作品，更有效的引导学生鉴赏美，并将这种本质特征的美用明白易懂的形式逼真的表现出来。法国艺术大师罗丹说过：对我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。要充分利用多媒体技术引导学生去发现美、鉴赏美。利用网络平台技术、电视影像、书籍和现实生活中获取教学所需的图片等感性材料应用于课堂教学。同时给予学生视觉、听觉等全方位的信息，对学生的多种感官形成一种感染和冲击，从而唤起学生审美的欲望，把被动的接受过程转化为主动出于内心的冲动与要求，使学生受到美的感染，达到审美的目的。如《色彩》课教学课件里，加入大量的像印象派、俄罗斯写实画派、徐悲鸿、齐白石等优秀画派及大师的作品图像资料，运用艺术软件编辑合成。在教学时，学生既学到了大师的高超的绘画表现技巧，也感受到作品形象的自然美。在唤醒学生审美意识的同时，也增强了他们的绘画意识。所以在美术课教学中，多利用网络多媒体教学可以营造真实、生动形象的动态化情境，将学生引入跨时空、跨地域的特定氛围中，犹如身临其境。有利于学生对美术教学过程的理解和审美，增强了学生鉴赏美的能力。

4．利用信息技术，培养学生创造美的能力

美术教育作为学校教育的重要组成部分，美术教育可以培养人的艺术欣赏和艺术创造能力，因此，教师不仅要充分利用好教材，还要充分利用现代化网络教学平台模式和多元化的教学手段，通过讲解、动画视频给学生以生动的直观视觉感受，可以与学生进行交流和互动，起到活跃课堂教与学有机结合的效果，活跃课堂气氛，加深学生理解和认识的目的，增强自主学习的作用，使传统教学手段和现代手段相结合，改变了美术教学的单一性，更有效地激发学生创作激情和感悟作品创作思想的精髓，激发学生的想象力和审美创造力。如利用多媒体和网络平台让学生理解并掌握形体、明暗、空间、色彩、线条、工具材料使用技巧等基本造型要素，同时学生利用计算机进行综合性学习，增强传统和现代综合创造表现能力。绘画是技术的，也是思想的，是技术和思想的结合。在创作思想的这样一个精神层面上，教师想用更多的现代信息技术更多的引导，从视觉的感受上直接地影响学生作提取、表现研究、分析。研究表现与再现、主观与客观、形式与情感、具象与抽象、美与不美等创造课题，现代艺术创造需要学生对传统绘画进行重新的诠释，以追求现代信息技术与传统构成法则下的绘画创造效应，现代艺术以感觉为中心、以存在为中心、以形式为中心。现代艺术的观念体现学生作为创造的本体出现，对作品的语言形式多元构成，将借助于信息技术来组构，使画面更有时代感，更能展示形式语言的真实性和审美性，更能发挥学生艺术的想象力，培养学生创造美的能力。

五、结语