视觉传达艺术课程
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视觉传达艺术课程范文第1篇
一、后现论及对艺术教育的影响
后现代主义产生于20世纪60年代工业化向后工业化转换的西方社会，主要集中在美国。由于其本身反对规范和约定俗成，所以各领域就后现代提出了自成体系的论述。后现代主义反对统一的、连贯的、确定的、权威的解释，不是否定道德、真理、现象等，而是设定多种可能，从多角度思考。其在文化上具有不追求文化思想内涵的深度，只承认文化具有当下的意义并否认继承关系等特点。由于后工业社会的发展带来的诸多社会问题，如能源危机、环境污染、生态失衡等，社会现实和大众生活成为后现代主义的关注焦点。后现代美术也打破了生活和艺术的界限，形成了以生活化来融会艺术。[1]这种多元化特征在各种文化（包括科技文化、商业文化、传媒文化、消费文化、都市文化、大众文化）中得到发展和交融，并注重多学科的联构和融汇。美国哈佛大学丹尼尔·贝尔教授认为：“当代文化正在逐步成为视觉文化，而不是印刷文化。”[2]后现代主义在艺术教育中，青睐于视觉艺术教育，因为视觉图像在不断充斥着社会发展，各种文化也越来越依赖视觉，而我国台湾学者郭祯祥认为：“视觉文化在教育中的功能，这个名词也不一定要有精确公认的意义，相反，正式与非正式的教育中所鼓励的‘艺术’的多元定义，更可能有助于维持艺术的活力，使之不断改变创新。”[3]由此可见，视觉艺术和视觉文化推动着艺术教育的发展，也提出了视觉文化艺术教育这一新的教育研究领域。
后现代思想认为，经验是非线性的个人自我感觉，且意义与价值是社会建构的，会随着时代、地域和社会结构的变换而改变，因此，要接受“小叙事”，允许多种诠释的并存。在复杂的视觉环境里，学生对各种视觉影像重组及重新赋予意义，建构自己的文化符号。后现代课程的特征是注重代表教师和学生的“声音”，视课程为学生与教师互动的产品，学习要同时发生在校内与校外环境中，而且这两种环境中的学习对学生的影响是相互渗透的。因此，课程更强调学生要用自我反映的生活经验看世界，这正是学习意义与知识建构的基础。在美国，学科本位的艺术课程往往只涉及欧洲艺术殿堂里的大师作品，忽略了对非西方的、非主流艺术品的学习和不同文化与民族背景的学生的需要。[4]
二、视觉艺术教育中的多元文化
进入21世纪之后，图像媒体对人们视觉造成的影响也越来越大。20世纪90年代提出了“视觉文化”的概念。视觉文化的内涵至今也没有统一的定义。一般而言，其有两个组成要素：一是含有视觉成分、涉及以视觉手段来传递的信息；二是人类的生活经验，包括物质的和精神的。而视觉文化产品，既包括实体的，如绘画、雕塑、建筑、工艺、设计、摄影、摄像灯，也包括非实体的，如文化现象与事件。[5]
人们的日常生活与各种视觉影像就是视觉文化的内容，视觉文化的现象是当下社会的重要现象，并具有建构社会与解构社会的双重责任。在当今，信息技术的提高、后现代的张扬、文化交流区域的扩大使多元文化体现出新的时代特征，给人们的思想观念与视觉带来冲击。后现代主义的教育观认为，课程内容应该有不确定的因素，这种不确定因素引导我们学习和探究。关注课程的不稳定性、非连续性和相对性，以及分体经验相互作用的复杂性。[6]而当今的美术教育教学正体现出了这种“不确定性”，只给出课程标准，不固定课程内容和课程形式，鼓励教师在教学中积极探索新的教学方式，从多方位、多角度研究当今的美术课程。本文以后现论中的视觉多元文化为基点，通过艺术教育引导学生关注世界多元文化和本土文化。
多样性文化是艺术教育的巨大资源，应该充分利用世界上的各种传统艺术，如戏剧艺术、服饰艺术、视觉艺术等，为了解我国和其他各国文化和艺术提供了多样视角。重视多元文化观的视觉艺术教育，就要使学生了解每一种艺术形式都有其自己的特征、独特的贡献和发展规律，提倡在多元文化共存的国际化视觉领域中继承、尊重和创造多样化的美术和文化。当代社会是一个多元的时代，各种价值观、文化形态以及各种各样的信息都在改变和影响着学生，而他们则影响着未来中国文化的发展。要结合我国学生艺术教育的现状，认识到艺术教育的核心点应在国家教育宗旨基础上调动本土文化传统和文化资源，结合学生身心发展，并为民族文化多样性进行更持久的传承，建构有未来意义的学生视觉艺术传承模式。
三、开发本土综合艺术文化资源、提高学生民族文化教育意识
当前，在推进视觉综合艺术教育过程中，艺术教育在提高与完善人的素质方面具有独特作用。艺术课程标准中提出，艺术学习不仅是单纯的技能、技巧学习，也是一种文化学习。本文选择的研究对象是吉林省省会——长春市，其位于我国东北地区，在国内经济、教育等发展方面均可定位为中等发达省份，也是一座历史文化悠久的城市，具有丰富的艺术课程资源，其自然、社会、文化资源有很大的挖掘潜能。本土文化资源是当地人们在长期生产和生活实践中所积累和遗留下来的宝贵财富，是他们耳濡目染的最熟悉的事物。其是在当地特定的历史、宗教和地理环境中形成的，是当地人们经过长期的历史积淀而形成的对现实社会产生巨大影响的、人们赖以生存的重要精神支柱。长春本土文化艺术课程资源是指具有长春地方特色的资源，是长春本土艺术课程和中小学学校艺术课 程内容、教学活动与艺术课程评价的资料来源。随着新艺术课程标准的实施，后现论与本土化视觉艺术教育综合课程开发整合为课堂教学，带来一种崭新的文化教学理念。
开发本土艺术文化资源必须具有代表性，具备视觉审美价值，如长春皇宫博物院，主要建筑有勤民楼、怀远楼、嘉乐殿，其建筑风格既有中国传统的四合院砖木结构建筑，又有欧洲哥特式楼房，还有东洋式殿阁，充分显示出的殖民地色彩和皇帝的傀儡性。学生在参观皇宫博物院过程中，既享受了古代建筑艺术的真谛，同时也认识了艺术品的生成背景和蕴藏的文化历史。又如拥有20年历史的长春电影城，也是有益于学校美术教育教学的资源，其承载着独特文化特色。电影城内的电影历险宫、电影配音馆、电影艺术表演馆以及采用现代声、光、电技术和影视表现手法，都在不同程度上给予学生视觉冲击力，学生通过参观电影城内景观或美术教师运用影像与图片教学，可大胆运用这种文化资源与学校美术课程结合起来，在美术课堂创造出地方美术文化资源艺术作品。[7]依据这些独特建筑的造型，均衡的构图、和谐的色彩、古朴的风格以及这些建筑与建筑力学、艺术审美、民情风俗之间的联系，可以设计出更加丰富、具有个性、激发学生学习情趣的艺术教学课例。
利用后现论与本土化视觉艺术教育综合课程的开发研究，已成为优质教育的重要环节，其主要涉及内容为：1.通过后现论中所涉及的视觉艺术图像、故事等资料揭示本土文化资源所映射出的当地人们的生活习俗和价值观；2.本土文化资源的功能、形态、色彩、材质及制作方法的分析；3.本土文化资源的教育功能和课程整合；4.本土文化资源的教学案例和课例；5.地方文化资源的传承和发展。当然，本土化视觉艺术教育综合课程的开发和利用并不限于上述内容，需要教师更加科学合理地结合自己的教学对学生进行思想品德和课程教育，以此提高学生美的感受和鉴赏能力，让他们体验到本土文化的艺术魅力，同时也让学生享受到参与艺术实践活动的乐趣，提高创新能力与动手能力，培养本土文化意识。诚然，我们不能排除艺术作品除了具有视觉冲击力以外还有空间、触觉等方面的刺激。
综上所述，艺术课程不仅是学习审美、创造的课程，也是引导学生通过视觉图像与影像直接感知、认知发展艺术思维，感悟个人思想与情感，解决学习和生活中问题的艺术课程。而这一课程提倡的是以后现论为思想基础，以适应本土化视觉文化时代的学习方式。总之，在视觉艺术教育不断发展的今天，许多新的艺术思想和艺术理论接踵而来，要在学校艺术课程中导入本土化视觉艺术的学习内容，引导学生学会鉴赏，突出视觉艺术的能动性。艺术教育者不仅要让学生了解传统文化理论与当代视觉艺术的关系，还应该让他们借鉴前人的方法，创造自己时代文化背景下的视觉表达方式，以新的理论思想和视觉方式创造新文化。每一个时代，因不同地域的文化背景，视觉表达方式也不同，呈现出多样化的形式，在面对多元的视觉文化艺术作品时，要引导学生辨别精华和糟粕，培养其审美能力与批判精神，以视觉艺术和教育培养人的全面发展、促进社会进步的目标相辅相成，学校综合艺术教育将成为传达文化价值的使者。
（注：本文为吉林省教育科学“十二五”规划研究项目“后现论与本土化视觉艺术教育综合课程的开发研究”，课题批准号：GH12011）
参考文献：
[1]齐凤阁，周绍斌.外国美术史[M].长春：东北师范大学出版社，2003.
[2]Paul Duncum.Visual culture：Developments，definitions，and directions for art education[J].Studies in Art educatin，2001（4）.
[3]郭祯祥.视觉文化与艺术教育——台湾地区实施“视觉与人文”课程的现状与思考[J].中国美术教育，2004（5）.
[4]钱初熹.迎接视觉文化挑战的美术教育[M].上海：华东师范大学出版社，2006.
[5]陈美.传统方法培育的美术教师能教好当代视觉文化吗？[J].亚太艺术教育学报，2004.
[6]尹少淳.后现代主义的艺术观和教育观[J].中国美术教育，2004（5）.
视觉传达艺术课程范文第2篇
关键词：图形设计；设计思维；理念教学
在信息高速运转的今天，一切视觉映像充斥的我们的视觉感官，作为视觉传达的基本语言就是图形信息，它日益成为人们在工作生活学习交流中不可缺少的方式，无论是在传统的设计形态中，还是在影视、网络、数字产品、生产生活展示上，都有其不可忽视的作用，图形以其不可替代的语言形式正发挥着长远的效应，以其形象信息履行设计服务，并前所未有地展示了其社会属性、经济属性、文化属性。图形设计也进入了一个崭新的发展阶段，而高校的图形设计课程为了更好地服务于时代需求，作为一门基础课程也得到了充分重视，并不断的探索和发展。
图形设计课程作为传统艺术课程，原是艺术设计专业的基础课程，但是随着专业方向的改革，成为高等院校视觉传达设计专业中的基础课程，旨在启发和培养学生的设计思维和形象创造能力。图形设计教学是学生步入专业设计的基础和铺垫，通过思维训练和造型训练来拓展思维，并熟练掌握运用各种现代信息技术辅助图形设计，使图形语言更为丰富和开阔，具备专业综合创意设计的能力。
1 图形设计课教学的发展现状
我国的高校图形设计课程教学相对西方的设计培养起步要晚，它是伴随着中国社会文化经济的发展逐渐成长的，作为新兴独立的一门专业基础课程，它没有符合实际教学的配套科学体系，各个高校在图形设计教学的内容、方式和效果上也不尽相同，都在教学实践中不断的探索和改革，但也存在诸多问题。许多高校的图形设计课程过于片面重视学生的思维模式训练，而不重视学生设计实践表现能力的培养，教学设计过于单一，没有系统的课程设计。图形设计教学应该不断完善教学过程，重视课程设计的教学方法和手段，不仅要注意学生专业素质的能力培养，学会能够运用各种绘画及媒体方式进行创作，实现从设计思维和创意到形象化图形语言的转化，还要充分考虑学生的个性创新思维，丰富其创新的想象空间，从而达到良好的图形设计教学效果。现代高校在图形设计课程的教学中对理念教学没有系统的统筹，教师对图形设计教学只是单纯的按照大纲和培养方案完成，对课程教学方法和手段没有设计方案，对学生的创意思维和信息辅助设计途径都没有明确的专项课题设计，缺乏图形设计课的理念教学。高校图形设计课程应该在教学过程中不断探索和发掘新的理念教学模式，结合设计实践进行设计创造力的培养，因材施教，注重个性培养，在轻松、自然的教学环境中进行综合素质教育，培养学生的创新精神和实践能力，以适应国际设计教育发展的趋势。
2 高校视觉图形设计课的理念教学培养
现代视觉传达设计是社会生产发展的一种文化状态，它发展到今天已成为一种信息传播的重要产业，从形式、题材内容和风格上都发生了变化，视觉传达的艺术性和商业性也远远超出了基础教学的范畴。因此，高校的视觉传达图形教育要符合时代的基本诉求，树立科学有效的教学理念，完善基础图形设计能力的培养，不断探讨图形设计的理念设计教学，使图设计课程的更具技术化和素质化，提升了学生综合设计的竞争力。
2.1 在高校视觉图形设计教学中，注重现代图形思维理念的培养
在世界文化相互交融的今天，各种学科相互交叉，画种相互借鉴渗透，视觉图形设计呈现多元化的发展局面，不同民族文化、地域文化不断相互借鉴和融合，使视觉图形设计不仅具有了强烈的视觉面貌，也对现代基础图形提出了新的要求。因此，高校的视觉图形设计教学要注意教学观念的转变，要统筹基础图形的思维理念培养，注意开拓学生的创作思维的意象表现空间，丰富多元意识的视觉建设。并通过不断的探索和实践，来完善高校视觉设计教育体系。近年来，各种视觉图像设计展览越来越重视高校的组织规模，使高校的视觉图形设计教育的思维理念不仅越来越贴近国际化，而且达到了一定的艺术高度，对图形设计课程也积累了丰富的设计实践经验，对高校图形设计的教学观念和结构格局都有了深刻的影响。
2.2 在高校视觉图形设计教学中，注重现代图形技术理念的培养
科学技术的高速发展，信息的快速运转，世界方方面面都充满了数字图形的新视觉传达和视觉符号的新概念，数码技术已经渗透到设计的各个阶段，科学技术成为视觉图形设计赖以生存的土壤。数字技术的高端实践能力，艺术的仿真的高效性，都为传统的绘画图形艺术提出了挑战。因此，高校的图形设计教育也要实现艺术与技术的高度统一，重视学生传统手绘造型训练的同时，也要注重开发技术软件的图形辅助设计教学，建立各种视觉图形映像媒介的意识沟通。
2.3 在高校视觉图形设计教学中，注重现代图形文化理念的培养
目前，国际图形设计越来越趋向于民族化、本土化，无论是洋溢传统意蕴的国际盛世会展，还是各种大中型设计大赛，设计本土文化的当代表达已经成为视觉图形设计突显个性品质的基础。社会生活永远都是艺术创作的原动力，中国传统的艺术神韵，蕴含的文化思想都是现代设计取之不尽的文化资源，也成为主导当代中国社会与时俱进的活文化、先进文化。关注生活，关注社会形态意识都为丰富和创新图形语言提供了更为广阔的领域和空间。因此，高校视觉图形教学要注重文化理念的培养，用系统的课程及文化思维的渗透来提高学生的文化修养和设计内涵。
2.4 在高校视觉图形设计教学中，注重现代图形造型理念的培养
现在有很多学生都是应试培养，学生自身素质参差不齐，有的学生设计基本功较差，在图形的造型设计方面无论是意识还是专业技术表现能力都相对薄弱，所以在课程衔接教学中要重视学生造型理念的培养，强化传统手绘图形技法训练和信息技术图形的创造意识，强化他们的图形图像设计的整合能力。
综上所述，增强图形设计基础领域的理念教学，改善传统基础图形训练课程的保守教学方式，结合科技教学、智能教学，拓展图形设计教研的概念范畴，完善基础业务能力培养的薄弱环节，并通过不断的探索、实验、实践树立具有学科特色的概念教学模式。同时，引导课程的衔接，增强学生的自主学习能力，实现完整、有效、灵活的课型理念链条，更好的完善高校视觉传达应用领域的实践培养。
参考文献：
[1] 陈楠.设计思维与方法[M].湖北美术出版社，2009.
视觉传达艺术课程范文第3篇
关键词：文化创意产业；视觉传达人才；创意产业发展；培养策略
在当今的数字信息媒体迅速发展的形势下，文化创意产业一跃成为众多生产企业中十分有前景的企业，它提倡创新能力的培养，个人创造力的发展，希望能够通过文化艺术来使我国的经济能够又好又快发展。然而，面对文化创意产业日新月异的发展，困扰产业发展的瓶颈出现了，那就是文化创意人才的极度紧缺，这个困扰已成为企业、政府、大学十分关注且亟待解决的热门话题。
1.高校视觉传达人才培养现状
1.1 课程体系的设置与行业对人才的需求有差距
视觉传达培养目标学院教育方向过于模糊，程序太多，相关行业的竞争力也很大，但缺乏专业化的具体的有目标的强化训练。在评价的过程中，可以使用传统的方法，或略有改善，但仍然不能反映高校学生所具有的创新和全球设计能力的实际情况。广泛的计划可以让学生对于具体的工作要求一无所知，学生就业后也不一定会从事相关的工作，及时去应聘了相关的工作，仍不能达到行业对专业人士所规定的条件。
1.2 教学方式缺乏创新
视觉传达教育的中国高校在对学生进行艺术教育的过程中，受到传统教学模式的熏陶太深，从而导致故步自封，不能立足实际情况进行教育模式和方法的创新，严重忽视了对学生创新意识的培养和创新能力的提高。很多专业教师在课堂上兼职上课，如《素描设计》《色彩设计》等，有些高校视觉传达专业课程的大学所配备的相应的师资力量过于薄弱，在教学过程中，很多教师已经被传统的素描和色彩的教学方式所禁锢，导致学生思维得不到充分的发挥，缺乏创新意识和能力。
1.3 实践环节力度不够
在教学过程中，大多数时间都只是进行理论指导，与实践操作环节严重脱节，学生的动手操作能力薄弱，对于学生的创新能力培养关注度不够。在教学过程中的具体实践，实践操作和行业实际严重不符，很多学生学到最后了都不指导自己学的是什么，设计工作更无法顺利进行，学生对相关产业的发展发展特点和趋势一无所知。同时也有很多的学生忽视了实践环节的重要性，实习的时候选了别的行业，这些情况都导致视觉传达类的高校学生在毕业后就业成为一大难题。
2.文化创意产业下高校视觉传达人才培养策略
2.1 更新教育观念，树立以市场为导向的视觉传达教育理念
艺术本身是一个个人的内心，感受的充分直观的表达，个人和个性化在艺术上需要得到充分的尊重。因此，在对视觉传达的学生进行教育时，帮助其树立市场意识十分关键。同时，要及时对市场进行评估，更新教育理念，梳理教学内容，整合教学资源，使教育系统的艺术课程设计能够得到全面的革新和重建，保证学生能够适应市场的需求。
2.2 深化教学改革，构建实训教学为主线的创新型视觉传达教育体系
视觉传达教育中的文化创意产业要注意从更深层面进行革新，树立对市场的正确认识，加大对学生创新能力培训的力度，在教学的过程中提高学生的自身技能。基于创新能力培养的知识教育是教育工作发展的重要目标，在学习中求发展，它对学生所掌握技能的熟练程度有着较高的要求，而且也需要较强的自学能力，同时必须具有独立分析的能力。创新教育体系的设计更强调创新系统设计专业的学生充分掌握学习方法和设计思路，锻炼学生立足于宏观经济，进行系统的整体设计，加强对所学知识的理解程度，提升其创造能力。
要立足于当前视觉传达专业学生的实际情况，结合各地实际情况进行培训，使学生的能力与教育系统的设计目标紧密契合，保证学生的综合设计能力能够得到有效提高。
2.3 探索机制创新，建立以工作室制为依托的教学模式
目前，教学系统的方法已经成为艺术设计教育的一个主流趋向，建立教学工作室制，为主线，以张贴要求的能力在理论工作建立在标准的程序模块的内容，让学生同时能够接受教师培训和专业培训，使得设计意识和创新能力得以提高。
学生所学习的基础知识基本上在低年级就已经完成，和普通教育的视觉传达不一样，所涉及的方面更广；在选择设计模块、平面、环境、产品等时，学生可以选择运行机制的发展，教学模式十分灵活多变的，每个专业方向在专业教学与转向特性都有着明确的风格，工作室负责对专业导师的技能培训，学生可以独立进行思考和设计，自主选择是否加入到工作室的学习中来，即“术业有专攻”。
2.4 实施发展性学生评价，配以昂具有创新精神和创意能力的高素质人才
对学生的发展方向进行总结，对学生的评价要立足于当前行业环境和明确的思想的基础上，能够有效保证学生得到全面发展。
在对视觉传达类学生的发展进行评价体系的构建时，必须要考虑到发展评价对于视觉传达的重要意义，对具体情况以及概念都要有一个全面充分的了解，结合视觉传达行业的标准进行评价，以确定学生评估计划，使个人的能力和综合素质得到发展。
总体而言，大学的设计教育应特别注意行业发展趋势和市场需求，对于人才的培养和未来的发展方向要有一个明确的计划，保证学生在步入社会时能够满足市场对专业人才的需求，促进创意产业的发展。
参考文献：
[1]罗超阳，王伟忠.文化创意产业下高校艺术设计人才培养探析[J].包装世界，2010（04）：58-59.
[2]赵汇鑫.文化创意产业中艺术设计专业人才的培养探讨[J].四川戏剧，2011（04）：88-90.
视觉传达艺术课程范文第4篇
我手头上有两份课堂实录，一份是本人前几年去外地和本地一些乡下学校听书法、美术课的笔记，一份是《艺术课程标准》中的案例。回想前者的教学情景：教师不停地讲解，学生一味地静听；教师写（画）一笔，学生也跟着写（画）一笔；教师手舞足蹈，学生却难得一动；教师情绪激越，学生却难得开心。整个教学过程是教师唱主角，学生当观众。畅想后者的教学情景：教师创设学习氛围，学生进入情景；教师注重引导，学生参与体验；教师组织欣赏，学生进行展示、活动。整个艺术教学过程是学生唱主角，教师是组织者、引导者、欣赏者。两相比较，前者一味重于学生简单技能的掌握，忽视了学生在艺术学习过程中的艺术体验，艺术感悟，以及学生作为一个完整的人的独立性、主动性。后者的教学通过一种文化情景的生成，让学生在体验和感悟中逐步获得其中的知识要素，发挥了学生的主动性，让学生参与了课堂，创造了课堂。遗憾的是这仅仅是《艺术课程标准》中的一个个案例，如何把《艺术课程标准》中一个个案例的基本理念演绎在自己的课堂上，并不断探索出新的教学方法呢？笔者作了一些粗浅的尝试，认为关键是教师要转变艺术教育教学观念，让孩子用上眼睛、耳朵、鼻子、双手，用整个身心参与课堂，用心灵体验艺术，让他们在兴趣的驱使而非外在的压迫下自觉地去掌握艺术的知识技能，让他们在宽松自由的环境中与文本对话，与艺术大师对话，进而提高自身的艺术修养。
一、从《艺术课程标准》解读“体验”
细细研读《艺术课程标准》，发现全文多次出现了“体验”这一词眼，以及与它基本同义的“感受”这一词眼。如“前言”部分“课程性质”写道“艺术课程在大量充满情趣的个人或集体的创造、表演、欣赏、交流、评价等活动中为学生提供丰富的感性材料和信息，使学生尽情、自由地参与多种艺术活动，体验艺术学习的快乐和满足，获得身心的和谐发展。”又如在“课程价值”中写道“使学生的艺术经验不断得到丰富和升华，获得感受美、创造美、鉴赏美的能力和健康的审美情趣。”
《艺术课程标准》对“体验（感受）”这一词情有独钟，如此反复强调可谓道出了艺术学习的关键：体验快乐满足，体验美，体验真挚的情感。从而使身心得到和谐发展，获得创造美、鉴赏美的能力。
那什么是体验呢？根据《艺术课程标准》的基本理念，笔者认为：体验是主体在自身所处的认知情景或操作活动中产生的心理激活状态及其产生的相关效应，诸如情绪感受、意义体悟、价值判断等。具体来说，它有如下特征：
1、始于兴趣，具有内发性。即，体验是由学习主体置身自己喜爱的，能充分满足自身心理需求的情景、活动而激起的心理感受，是内心产生的，发自肺腑的。只有当学习者对内容、情景发生浓厚的兴趣，才能倾心投入，“入耳乎，箸乎心，布乎四体，行乎动静”，进而达到心领神会的境界；反之，如若学习者对学习内容缺乏兴趣，那么，即使表现得规规矩矩，实质上也只是形此而意彼，始终无法产生“入境始与亲的”的体验。
2、载于活动，具有实践性。即学习主体的体验只能在他自身直接参与的实践活动中产生，只能在他自身的感知或操作行为中产生。就艺术而言，学生只有在一系列的、丰富多彩的艺术实践中才能产生具体深切的体验，如用双眼欣赏、观察，用耳朵倾听，用双手触摸、绘画、书写等等，进而使艺术素养得到多方面、全方位的培育；如果没有自身的参与，没有活动作为依托，体验便成了无源之水、无本之木，艺术素养的培育也成了一纸空文。
3、终于感悟，具有独特性。即学习主体随着自身所参与的各种实践活动的展开，其体验广度将逐步拓展，体验程度将逐步加深，到达一定阶段便出现一种飞跃状态，产生认识的突破、情感的升华或价值观的提升；同时，由于人生经验、感知视觉、思维方式、言语储备、情感类型、文化修养等方面的个别差异，不同学生参与同样的活动、面对同样的画面、书写材料或处于同样的人文环境，会产生不同的心理体验，从而出现感悟广度与深度上的差异。
艺术教育的体验，需要发挥学生的主动性，让学生一积极参与课堂，结合生活经验自己探索、了解、接触，自觉自愿地掌握知识技能，并在探索、了解、接触的基础上，获得认识的突破、情感的升华和价值观的提升，获得感受美、创造美、鉴赏美的能力。其中教师是组织者、引导者、欣赏者。以体验为入口的艺术教育排除以教师为主角，学生坐等着接受已被教师归纳、概念化的单纯的技能知识和学生在课堂上“玩也玩了，写也写了（画也画了），动也动了”，所谓“体验”了，实际上学生什么也没有得到的单纯消遣娱乐这两种教学模式。前者，学生享受不到艺术的愉悦和美，体会不到艺术的文化意义，把学生死死压在了地面上，缺少灵性和悟性；后者，学生学不到必要的艺术技能，体会不了艺术真正的文化意义，让学生高高地飘在了空中，缺少脚踏实地。艺术教育培养的学生必须是“自己会走路”。
在书法和美术教学时，如何让学生参与到课堂上来呢？关键是要把教学过程设计成有利于学生积极主动地、全身心地参与的艺术活动过程，又能巧妙地把艺术教学目标融入其中。
首先，艺术教学要把学生的学习转化为学生全身心参与的积极活动的过程，并尽可能使学生的听觉、视觉感受既外现于操作性的行为之中，又内化于心灵的体验之中。
其次，艺术教学要为学生的主动参与和即兴创作提供氛围和机会，要以学生为中心，而不要让学生在教室划定的范围里被动的兜圈子，教师既是学生参与活动的设计者，也是学生参与行为的欣赏者。我教美术《下雨了》这节课时，原本我已准备好了一些范画和一张雨景的碟片，准备让孩子在课堂上欣赏。天公作美，待我上课时天竟下起了雨。我决定放弃精心准备的教学方案，用十五分钟左右的时间让孩子们在走廊上欣赏雨景。许多孩子还是第一次把下雨当作一种风景来欣赏，快乐中有一丝不苟的认真，女孩子窃窃地伸出小手接点点的雨水，调皮的男孩子找出教室角落里的破伞跑到操场上踩起水来，我告诉女孩子不能喝雨水，叮嘱男孩子小心摔跤，启发孩子们想象远处的人们会在干什么……。兴趣盎然的孩子们欣然作画，《大地笑了》、《踩水》、《不能喝雨水》、《小朋友一起看雨》等等，一幅幅作品生动活泼，充满了生活的气息，我暗自庆幸：幸亏我当时的“放弃”！
再次，艺术教学要让学生在教师的引导下，在主动地参与艺术活动中不知不觉地完成学习任务，使学生在参与艺术欣赏和艺术表现活动过程中，既获得了艺术审美的愉悦体验，同时也学习掌握有关的艺术的基本知识以及欣赏表现技能。特级美术教师陈寿鹏老师教学《怎样画鸡》，他首先把《怎样画鸡》改名为《养鸡场》。上课时，他以“错误画法”和“考老师”的教学活动传授学生正确的知识技能，启发、开阔学生思维。然后，陈老师拿出一整张大画纸，在上面画了一个头带草帽，手拿小钵，一只手在喂鸡的小男孩，要求学生每人画一只与众不同的鸡，放在养鸡场里。就这样，学生在这一特定的环境中，愉悦地把艺术知识技能转化为创造的动力，画-出了许多没有一只相同的鸡，当把这些鸡粘贴在一起后，一幅《养鸡场》的热闹画面就展现在大家面前。这堂课中，学习兴趣激励了每个学生，技能技巧知识传授寓于游戏娱乐之中，审美与双基融为一体，是一堂非常成功的美术课。
另外，抓好物质环境也有利于学生的参与。
首先，优美的大自然是艺术教学最广阔的课堂，是学生开展艺术活动最迷人的场所。无论是音乐课还是美术课，其中一些内容都可以在大自然中进行。在教《泉水叮咚》一课时，我带领孩子走出校园，来到学校附近的小山坡上，大家围坐在一条小溪流旁边。孩子们用双手嬉水，用耳朵倾听，用双眼观察，时而捧起溪水浇路边的野花，时而用双脚在石块上踩出一个个脚印。老师跟孩子们随意围坐在一起，轻轻诵读歌词，在老师口琴伴奏下吟唱歌曲。入情入境，大自然是最好的老师。
其次，布置好艺术教室，让学生从那“听讲”式的教室，没有多少活动余地的座位上解放出来。让艺术教室有艺术的韵味，使学生感到从一般的教室到艺术的教室，心境会随着这种环境的变化而顿感迥异。艺术教室的布置应该是不受学校经济条件的限制的，关键是教师的思考角度。
二、体验的结果――感悟
体验的最终目的是学生有所感悟。学生随着自身参与活动的展开，其体验广度将逐步拓展，体验的程度将逐步加深，到达一定阶段，便出现一种飞越状态，产生认识的突破，情感的升华或价值观的提升。这就是感悟。许多人不相信学生具有艺术感悟的能力，这实在是不了解学生，低估学生了。
《艺术课程标准》中这样写道：“艺术课程最理想的教学模式应该是一种真正意义的文化课。即学生在不同的课题中与其蕴含的文化接触、对话重新构建文化的过程。……目的是一种了解，学生不必也不可能在他每个年龄段中对艺术文化有多深刻的理解，只要能够了解和接触。有一天只要有一种对优秀文化的认同就可以了，接触过了他就会有一种心灵的震憾与撞击，就会有一种成年人看来不能的结果在学生身上绽放。”这其中“了解”、“接触”是体验，“优秀文化的认同”、“心灵的震憾和撞击”是感悟。学生的感悟是建立在充分的体验、大脑思考融合的基础上。作为艺术教师，我们既不能无视学生的这种艺术感悟，也不可无限夸大学生的艺术感悟，要求学生在每一堂课都有所跨越，这也有违于感悟的真实含义。而艺术课的含义就在于让学生充分体验，注重于体验的过程，感悟是在此基础上的自然而然，水到渠成的结果。
视觉传达艺术课程范文第5篇
关键词：高校；公共艺术教育；课程；改革
高校美术类公共艺术教育是对非艺术类专业学生进行的一种审美教育，通过欣赏令人鼓舞和令人心悦诚服的美好艺术形象和艺术作品，培养学生正确的艺术审美观、审美鉴赏力与审美创造力，从而培养和陶冶大学生的感性能力，并使他们的感性世界更加丰富多彩，精神世界得到提升，人格更加完善。多年来，根据《全国学校艺术教育发展规划》和《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010-2020）》中提出的“坚持以人为本，全面实施素质教育”、“加强美育，培养学生良好的审美情趣和人文素养”的战略要求，全国许多高校成立了公共艺术教育中心，并以美育为教育目的，为挖掘学生自身的创造力、想象力和丰富的情感，提高学生的审美素养，培养创新精神和实践能力，开展了一系列科学有序的公共艺术教育，取得了一定的成果。本文以扬州大学美术类公共艺术课程为例，分析普通高校美术类公共艺术教育课程体系建设中的问题，并对未来高校美术类公共艺术教育的发展提出相关建议。
一、当前高校美术类公共艺术教育课程体系功能发挥现状解析
从公共美术类艺术教育的角度看，公共美术类艺术教育具备了引领学生树立正确的审美观，陶冶学生的道德情操，培养学生体验深厚的民族情感，激发学生丰富的创新意识等功能，而这些功能也是高校大学生素质教育必不可少的内容。1.引领学生树立正确的审美观公共美术类艺术教育是以鉴赏的模式开拓学生的视野，通过对各个艺术领域中美的解读，让同学们有机会接触到高雅艺术中所蕴含历经人类发展传承下来的高质量的艺术美，从视野拓宽的角度进行审美情趣的培养，在美术教育的活动中，学生们通过对艺术作品的情感体验，会得到身心上的愉悦感，进而获得审美感受[1]。好的艺术作品能够培养大学生的审美能力、欣赏能力、想象能力和创造能力，比如大学生上美术鉴赏课时，对各种绘画的鉴赏需要学生必须有一定的绘画知识作基础，通过老师的介绍，学生会了解学绘画要有细心的观察力与概括力，视角、素描、色彩、构图等专业知识也能使学生的审美能力提高；而教师讲解中外美术史时，又需要学生对中外各时代的美术大师有一定的了解，学生的想象力和理解力也会有所提升，当学生专心于美术鉴赏课的学习时，会竭尽全力去摸索与其相关的文化知识和历史知识，从而得到综合的艺术素养，而与之相关的综合素质也会得到提高。2.陶冶学生的道德情操信息时代的今天，数字化的传播模式让学生拥有了更为广阔的接受信息的途径。但面对蜂拥而至的信息，尚未脱离青春期的大学生仍未能正确地筛选出有利于自身发展的信息，这就需要高校进行有目的性的引导，而公共美术类艺术教育是通过教育的方式让学生感受艺术的美，美术类艺术教育既能培养和提高大学生的审美能力，还能对大学生的性情起到净化和陶冶的作用。在美术教育活动中，学生们通过对美术作品的情感体验，能获得视觉和心灵的愉悦，并从优秀的作品中培养起对生活的热爱，对艺术的向往以及对美的追求，形成良好的思想品德。3.培养学生体验深厚的民族情感一个国家的发展离不开振奋的民族精神和高尚的民族品格，全球化的社会环境，在开拓大学生视野的同时，却也造成了他们民族精神的缺失。中华民族数千年的历史中，五十六个民族的迁移、交融，形成了爱好和平、勤劳勇敢、自强不息的民族精神，高校美术类公共艺术教育面向的是全体高校学生，如合理有效地利用本土民族艺术资源，可将民族精神和文化最大程度地推广，使学生在欣赏和了解各民族文化的同时，体验和认同蕴含于其中的民族情感。扬州大学目前的举措是积极组织大学生参与并组织“民间艺术进校园”活动，通过“民间艺术进校园”活动，达到提升非艺术类专业学生的艺术审美情趣，全面提高非艺术类专业学生的艺术素养。另外，邀请知名艺术家和老艺人为学生们做精彩的学术讲座和艺术沙龙，艺术家们现场表演民间艺术或现场展示优秀作品，能激发学生对学习民间艺术的强烈向往。众所周知，好的艺术作品是具有较高审美能力的艺术家们创作出的具有较高美育程度的劳动成果，其中包括艺术家的人生修养、专业修养、文化修养。通过这样一系列的活动，对于提高学生的艺术素养、营造积极向上的校园文化氛围、体验深厚的民族情感能起到积极的作用。4.激发学生丰富的创新意识艺术体现着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想，在艺术思想的传达中，美的概念通过艺术作品从创造者的思想、灵感或是人生阅历传达出其审美经验，在历史中更新和淘汰，保留下最经典的人类美学。很多学生虽然在思维能力方面已经得到了较大的发展，但由于高等教育以及其后的阶段更多地会转向逻辑形式的学习与发展，对形象思维、直觉思维等非逻辑思维能力的训练是相对缺乏的，导致学生想象力匮乏、思维标准化，并成为制约学生创新能力发展的障碍[2]。而通过美术类公共艺术教育，学生在对各类艺术作品的接触过程中，能够将自身的生活体验和艺术家所传达出的艺术美相结合，通过联想发散出具有创新性的思维。如增设素描基础训练、书法基础训练等实践性较强的课程，在训练过程中，学生会本能地产生出因艺术美带来的创新冲动，无形中养成一种积极思考、展开想象的习惯，这无疑在培养学生创造性思维的过程中有着推动和激励的作用。
二、高校美术类公共艺术教育课程体系的现实困境解读
随着我国经济水平的提高，整个社会对艺术文化的需求越来越大，而公共艺术教育顺应着素质教育也逐渐深入到高等院校之中。经过教育部相应政策的推动，扬州大学的公共艺术教育体系已逐渐建立，且取得了一定的成绩。但与全民素质教育所需要的高度相比仍有一定的距离，尤其在美术类公共艺术教育课程设置方面还存在一些不容忽视的问题。1.师资队伍配比失衡，课程体系规划针对性不足对于美术类公共艺术教育的课程的设置，国家有着详细的具体要求。然而，扬州大学并没有完全按照教育部的相关规定来实施，而是依赖于现有的师资条件设立公共艺术选修课程，缺乏针对性、系统性和长远性[3]。不同于专业课程，扬州大学美术类公共艺术教育的课程，由于其依赖现有师资，每一门课程的开设充满了随意性，没有固定的章法。更由于顶层课程设计的空缺[4]，有些课程的开设和取消会随老师分配的变动而进行修改，课程开设缺乏稳定性。美术类公共艺术教育的相关课程设置，往往不是从艺术和美育培养的知识结构出发，而是由授课教师会什么就教什么，缺乏科学规划和针对性。到目前为止，扬州大学还没有设立美术类公共艺术教育的专门机构和专业老师，授课教师虽然来自美术专业的教授或副教授，但公共艺术教育对于他们仅仅是附带的课程，相对于专业课程而言，他们没有投入也无法投入足够的精力，他们的授课内容往往具有主观性和片面性，基本不顾及学生的兴趣和爱好，致使美术类公共艺术教育教学质量严重受挫。2.课程目标相对模糊，学时分配科学性不足美术类公共艺术课程由于其特殊性，不同于专业美术学科的技能教学，更注重的是对学生审美能力的训练，提升学生的艺术素养和陶冶思想情操。对于艺术限定的选修课程，多为鉴赏类课程。而这类课程，由于其复杂性需要从多方面由浅入深地剖析，是一个循序渐进的审美训练过程。例如名画的鉴赏，不光需要欣赏画面中通过色彩和构图等方面表达出的视觉美，还要通过对作者生活环境和历史背景进行分析，对其创作理念中传达出的情感、人生理念、精神渴求等进行解读，从多个角度鉴赏出视觉美和精神美相结合的境界。但是，针对美术类公共艺术教育学生需修满2个学分的规定，扬州大学仅设置了一学期的课时安排，老师在安排课程内容的时候，受到了很大的限制。在一学期约三十几个课时中，授课教师只能对教学内容进行筛选和取舍，如果只顾数量而不顾细节，就会造成泛泛而谈的局面，学生无法了解到更深的艺术内涵，也无法被激发出具有审美功能的主观感受，审美训练收效甚微。在美术类公共艺术教育的鉴赏过程中，只有通过大量且广泛地鉴赏国内外的优秀美术作品，才能拓展学生的视野，提高他们的鉴赏能力，从而培养出有较高审美情趣的创新性人才。美术鉴赏是个由浅入深的教学过程，但如今却因学时的限制，造成教师所能介绍的作品十分有限，可见这样短时间的学时安排，远远不能满足学生的审美需求。3.课程评价体系尚未健全，美术教育的素质性难以彰显在《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》中规定，“每个学生在校学习期间，至少要在艺术限定性选修课程中选修1门并且通过考核。对于实行学分制的高等学校，每个学生至少要通过艺术限定性选修课程的学习取得2个学分；修满规定学分的学生方可毕业。”学分制的设定，虽带有一定的强制意味，但其目的是以强制性的手段，提高高校对公共艺术教育的重视，使其等同于学校的常规课程，以利于推行素质教育。除此之外，学分制的设立，可以让学生选择自己感兴趣的艺术学科进行学习。通过不同学科的选课学生人数之间的比较，也可以提高教师的竞争意识，从而提高教学质量，形成良性竞争。然而目前扬州大学只是机械化地执行学分制，以学生完成毕业要求的美术类公共艺术课程学分指标为目的，没有投入足够的师资力量和教学空间，也没有建立科学统一的美术类公共艺术教学与评价的相关制度。这样不够规范的教学管理，使得教师没有具体标准可依，上课内容充满了随意性和主观性，变成以教师兴趣为主的课堂发挥。且公共课程相对于专业学科的课堂规模较大，每门课的选修学生最低一百名，这也形成了较为松散的教学氛围，使老师无法当堂获得学生的教学反馈，教学质量得不到保障。机械化地执行学分的教学安排，也容易让学生形成错误的认知，即学分修满的意义大于学习课程本身的意义，这严重偏离了美术类公共艺术课程施行学分制的本来目的。另外，扬州大学美术类公共艺术课程都安排在晚间或是双休日，这不仅占用了学生的课余时间，导致学生上课情绪不高，无法达到应有的教学效果，而且也使得公共艺术课程的教学管理约束力不足，学生上课注意力不集中甚至逃课的不良现象时有发生。学校应对公共艺术教育学分制的机械化态度，形成了学校为修学分而设课，学生为修学分而选课的消极氛围。
三、高校美术类公共艺术教育课程体系优化建议
针对高校美术类公共艺术教育课程设置的存在问题，结合学校美术类公共艺术教育课程的主要目标，以促进学生全面发展的角度出发，普通高等学校公共艺术教育课程改革方向可以着重在以下几个方面思考。1.凸显素质发展导向，发挥美术类公共艺术教育课程的教育性美术类公共艺术教育在高校虽然得到了一定的重视，但这样的重视往往停留在表面上，由于观念偏差的限制，使得美术类公共艺术教育在具体实施过程中并没有获得相应的重视。因此，必须先从观念上将非专业学生的美术类公共艺术教育作为一门必要且重要的课程来看待。学校在培养创新型人才时，应从长远的角度考虑学生的各方面发展，在以学科教学为主要支柱的同时，也要充分认识到文化素质在将来学生走上社会起到的不可磨灭的作用。如设立独立的公共艺术教育中心，在此基础上，在教学管理标准、教师队伍建设、教学内容设计、教师考核等方面，设立专门的管理人员进行研究和筛选，这不仅提高了教学质量且能以具体机关的角度，使美术类公共艺术教育作为一个独立的学科，从教学管理、教学方法、教学设备和经费支持等方面得到重视，有能力且有影响力来获得人力财力上的政策支持。2.多元化遴选教学素材，构建综合性公共艺术教育体系在面对美术类公共艺术教学素材的选择上，建立一套有高校特点的成熟教育系统有着决定性作用。第一，可根据高校的学科门类，将诸多艺术门类与工科、理科或农科有机结合起来，构建综合性美术类公共艺术教育课程体系。第二，构建第二课堂，每学期组织非艺术类专业学生参与美术类服装展演活动，请担任美术类公共艺术教育的老师们从内容、形式、节目的审定、编排等方面入手，认真组织非艺术类专业学生排练，确保美术类服装展演的质量。定期举办美术类公共艺术展览，让来自各个学院不同专业的学生展示在美术类公共艺术选修课上学习的书法作品、绘画作品、服装设计作品、陶艺作品、动漫作品等，这一类的公共艺术展演与公共艺术展览，既是美术类公共艺术教育课程教学成果的一次集中展示，也是美术类公共艺术教育不可或缺的第二课堂。第三，还可以构建以鉴赏为主并兼顾技能实训的动手课程，使学生在训练技能的过程中获得相关知识。如美术鉴赏课程中，让非艺术专业的学生进行技能训练，如绘画、练习书法、亲手制作陶艺作品等[5]，使学生在绘画、练习书法、制作陶艺作品的同时，深入了解比较古今绘画作品、书法作品和陶文化等。第四，选择本土化的教学内容，此举不仅可以响应国家所号召的传统文化的弘扬与传播，也可以将教学内容的大方向相统一，让不同的公共艺术学科之间有一定的联系。教学内容的本土化，还可将传统文化生根于学生的审美情趣之中，在训练的过程中，通过耳濡墨染的方式，将传统的美与现实中各种文化现象作对比，去粗取精。3.社会化整合课程资源，拓展美术类公共艺术教育课程的表达形式在公共艺术教育的大背景下，公共课程多为班级形式的课堂环境，但艺术教育局限于班级内，会使得其教育质量难以得到保障。高校美术类公共艺术教育，随着时展和要求，越来越注重教育过程中内涵的多元化发展，教育模式更需要适应当前的社会现状，与实际情况相结合。高校美术类公共艺术教育社会化拓展，就是走出课堂，与社会文化资源接轨，我国是有着两千五百年历史的文明古国，地方文博资源丰富，高校公共艺术教育社会化，既使非专业学生增长了知识、开阔了视野，又能传播当地的民族文化，创造社会价值[6]。
四、结语
高校的美术类公共艺术教育作为大学通识教育的重要组成部分，集聚着“文化育人、文艺化人”的教育功能，随着当前MOOC的兴起和盛行，高校的公共艺术教育课程体系也必须得到重视和强化。既要科学遴选、优化承担公共艺术教育课程的师资队伍，强化队伍保障，也要积极推动现有课程体系及内容的变革，实现“线上线下”共融互动，构建出彰显“中国文化特色”和体现“国际化艺术前沿”并重的课程内容，进一步提升高校公共艺术教育的科学性和有效性，实现“实践育人、文化强人，文艺化人”的教育目标。
作者:黄茜 曹生龙 单位:扬州大学
参考文献：
[1]邵萍.音乐素质教育的功能[J].艺术百家，2005（5）：157-158.
[2]李莉，周世祥.浅谈高校艺术教育与大学生创新型思维培养[J].中国电力教育，2011（7）：8-9.
[3]鞠向玲，贺秀梅.艺术教育离我们有多远[J].艺术教育，2012（8）：6-13.
[4]庞海芍.大学公共艺术教育面临的困境与出路[J].中国高教研究，2005（12）：77-78.
