服装设计的意义

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服装设计的意义范文第1篇

【关键词】服装设计；设计管理；设计增值

设计管理作为一门新兴学科的出现，是现代市场经济高度发展的必然结果，其发展关系着工业设计自身的发展和进步，传统的设计由此进入了一个崭新的设计管理时代。增值就是相对价格的提高，实现等价的财务节约或收益。所谓设计增值就是为设计增加价值，这是一个相对的概念。

1 服装设计管理与设计增值

设计管理是从现代管理学科这棵大树上萌生的蘖枝，它是依靠群体力量才能完成的产品设计发展的必然结果。设计管理是为图谋设计部门活动效率化而将设计部门的业务进行体系化、组织化、制度化等方面的管理。服装设计管理的工作及包括对以设计师为主的人员管理，又包括对设计资源和设计方案的管理以及对设计相关工作的衔接，必须建立在一定组织机构的基础上才能得以有效的实施。目前，设计管理已成为设计公司提高效率、创造财富得一件利器。所谓设计增值就是为设计增加价值，指的是某一种商品相对于其它商品的价格有所增高，这就是说，增值（或升值）是相对的。如何通过综合消费者的动机、营销、设计、营运与其它行业的分析比较，深入挖掘目标客群消费潜力成为设计增值的关键。

（1）设计管理是一项逐层递进式的工作，协调各个设计岗位之间的关系，合理的分解设计任务，充分调动设计人员的工作积极性，深入开发设计人员的工作潜能，保证部门内部的设计工作顺利进行。

（2）服装设计管理工作是企业内部的作业链管理，是将管理的内涵融入到设计工作中去，对工作环节和人员进行组织协调搭配，对工作内容和结果进行策划、评价和修正，落实设计工作分工和责任，进而提高工作效率，获得最佳工作成果。

（3）服装设计管理中与策划、营销等环环相扣的多层过滤的评价体系不但对设计工作起到了检查和督促的作用，还能够及时发现问题、解决问题，保证设计工作质量，提高工作效率，为后续工作良性运营提供指导。

所以要想设计增值，离不开设计管理，只有充分发挥设计管理的作用才能使设计得以充分体现，才能为设计增值，为企业创造一个又一个经济神话。

2 服装设计管理对设计增值的意义

一个符合逻辑的有创造性的灵活的管理能够带来持续不断的设计发展和创 造性的产品开发，以及经济方面的可行性与利润的保障。

（1）设计管理作为一门新学科的出现，既是设计的需要，也是管理的需要，设计管理的基本出发点是提高产品开发设计的效率。

服装产品的变化速度快，生命周期短，加上服装产品的个性化分类需求多，因此进行系统、科学、有效的设计管理，才能使设计成为一项有目的、有计划、与各学科、各部门相互协作的组织行为，才能创造设计出具有生命的产品，从而节约大量的时间和宝贵的资源，为企业创造价值。

（2）在设计成为一种企业资源和管理手段并进入决策层的情况下，设计的价值在于影响管理层，让产品往一个更好的、更利于用户的方向发展。

设计管理不是把设计局限在设计本身来考虑，设计的目的是人而不是产品。“更合理地使用”就是要求产品的设计创新更好地满足人们的生理需求和心理需求，通过新产品开发创造出新需求和新市场，从而带来企业利润增加。

（3）最重要的意义，就是很好地满足公司在业务上的需求，帮助公司达成其商业目标。

以满足业务目标为首要考虑，应成为所有设计师基本的工作原则。只有作品为公司在业务上带来实际的用处，设计师的工作才有价值。设计管理不是把设计局限在设计本身来考虑设计问题，而是把设计放在企业的全程盈利链中，通过设计创意规律、产品盈利规律，研究企业在不同阶段与设计相关的所有问题，继而通过建设和优化企业现有的设计营运体系，解决设计环节需要提升的问题，使设计产出盈利达到设计增值的目的。

3 服装设计管理对设计增值的作用

好的设计管理产生的不仅是优秀的产品设计，也可为企业带来巨大的经济效益，有助于企业建立起整合优势。在竞争激烈的市场上起着不可低估的作用

（1）保持竞争力的再设计，正确地选择战略性发展方向，缩短时间、提高效率。

服装设计管理源于服装市场需求细分和工业大生产双方面的需要，适用于既要求有鲜明风格又要求有销售规模的成衣品牌。

设计管理的范畴是贯通消费认知、目标管理、设计营运的综合过程，把设计作为一种商业手段，使企业有效利用设计这一资源，提高产品竞争力，提升企业整体形象的整体规划战略性发展方向，涉及到产品设计、企业形象、品牌策划、营销方案等各个方面，使各方面的设计规划相互统一、协调一致，使设计活动符合企业目标和市场预测、确保产品的实效性，为企业增值。

（2）摒弃无效设计和过时设计，成功地进行市场营销与品牌管理，为设计带来更大的盈利空间。

服装行业对设计管理统筹感性效果和成本、效率、速度、市场需求和竞争的综合要求极高。只有不断的更新设计以符合更多人的审美需求和心理需求，成功地进行市场营销与品牌管理，才能在激烈的市场竞争中占据优势，为企业增加效益。

（3）优化内部管理，引进人才，提高待遇，扩大团队，提升企业形象及竞争优势。

设计管理作为应对激烈市场竞争最具潜力的工具，越来越成为有目的、有计划的各部门协作的组织行为。优化内部管理使设计要在各方面达到统一，对产品、包装、宣传、广告营销等方面通盘考虑、系统发展。

4 结论

服装设计管理观念的引进扩充了设计的内涵和外延，把设计的概念贯穿在服装的产品定位、开发、生产和销售等各个环节中；协调各部门的工作和分工，充分调动起各部门的工作积极性，从全局出发，优化企业产品定位、稳定企业设计力量；把设计师的个人才华和科学理性的分析结合起来，提高了产品对市场的把握度。

当今社会科技突飞猛进，市场瞬息万变，传统意义上的设计已经渐渐不能完全适应企业及社会的发展，设计管理是现代服装企业首当其冲的任务。只有管理发挥了作用，才能真正发挥设计的价值创造力，使服装企业能真正在日益剧烈的市场竞争中确立自己的位置。

【参考文献】

[1]刘瑞芬.设计程序与设计管理[M].北京：清华大学出版社，2006.

[2]杨威.服装设计教程[M].北京：中国纺织出版社，1998.

服装设计的意义范文第2篇

关键词：中国传统文化；服装设计；意象；意境；美学特征

中图分类号：J501 文献标识码：A

中国古典文论中最早论及“意象”一词的是《周易》：“子曰，圣人立象以尽意”。意象，在《辞海》中是指“主观情意与外在物象融合的心象”。意象，也是形象与情意的契合，正如黑格尔所说的，“在艺术里，感性的东西是经过心灵化了，而心灵的东西也是借感性化而显现出来了”。在服装设计的过程中“意象”也称“审美意象”，是想象力对实际生活所提供的经验材料进行加工生发，而在设计师头脑中形成的服装形象显现。意象又为“表意之象”，是理性思维和抽象观念主导下审美主体对审美对象的艺术反映，是作者以象征手法创造的艺术形象。意象还是融合了设计者主观情思的具体可感的艺术形象，也就是设计者的主观之意和客观之象融合一体的艺术形象。意象美是传统美学的一个重要部分，也是核心部分。它是形态美基础上的延伸，讲究提炼内在涵义。意象美的发展可以分为三个阶段，也可看作中国美学的三个层次，即以象喻意，象外之意，意象交融。

服装，从它一出现，就与人类物质生活、精神生活有着直接的联系。服装是人们生理、心理的需求体现，它具有保护、装饰、精神等功能。保护功能涵盖了遮羞功能与实用功能，遮羞是人类最原始，最基本的要求，是服装起源的根本之一。装饰功能，服装起到了美化形象的作用。精神功能，服装是心灵与外界对话的形式。服装的所有功能都不是凭空产生的，设计者必须通过一定的造型、色彩、材料、意念、情感等要素来体现，服装构成形态的各要素之间也会相互影响与渗透。服装设计中的意象是设计主体在从事与服装相关的活动中所生成的，集知、情、意于一体的心理活动。在服装设计中，它包括服装设计中“象”的直觉感受、服装设计中“意”的情感显现，服装设计中“意象”的交融升华三个部分。

一、现代服装设计中“象”的直觉感受

“象”即形象，客体物象。“象”就是设计者对物象的直觉感受。康德在其著作《判断力批判》中就对形象有一段这样的描述：“在这种形象的显现里面，可以使人想起许多思想，然而又没有任何明确的思想和概念，与之完全相适应……。”服装作品内容中的“象”包括外部形象、内部结构，二者总是结合在一起的。在服装设计中可以将其分为外在形式和内在形式。外在形式又称为造型元素，是指组成客观事物的外形的形式要素，如点、线、面、体、色、质等，还包括这些要素的物理属性，如线的长短、粗细、曲直、疏密；色彩的冷暖、膨胀、收缩、前后；质感的细腻与粗糙、厚重与轻薄等等。内在形式则是指将上述这些要素按一定规律组合，来完美呈现内容的组织结构，其中包含对称、均衡、对比、渐变、重复、点缀、主次、统一等等的形式构成。具体表现在服装的色彩、面料、款式及其造型的形式美法则。例如我们通常会看到自然界中的一些动物如虎、豹、斑马、蟒蛇等毛皮的纹样，或是以抽象夸张的手法演绎，或是直接动物原皮的采用，出现在裙装、外套、大衣、手袋、箱包以及服装配饰上。而这些设计灵感实则是来源于大自然最表面的“象”——动物皮毛中所带有野性与冲击的纹样。设计大师伊夫·圣·罗兰曾以郁金香花型为灵感而设计的裙装，将衣服的廓形与郁金香的形状进行巧妙的融合。

又如，由于服装与建筑造型设计在本质上同属于三维空间设计，所以一些服装设计师通常会在设计中借鉴建筑形象，其中一些借鉴有机的形式、变化的曲线和比较柔和的外轮廓，被称之为“软建筑风格”。而另一些则借鉴了简洁与对比强烈的几何建筑造型，被称之为“硬建筑风格”。服装的立体感与建筑的体量感，都能使人在三维空间中感受到一致的空间存在感。服装造型在借鉴建筑样式的同时使服装造型在比例、廓形、结构和细节上产生了丰富的直觉感受。服装设计中的“象”在“崇尚自然”的同时不仅注重自然中万物所呈现的造型、色彩、纹样、肌理等，更应注重其物象在创意设计时，注意对自然物象进行提炼和概括，或将自然物象分解、重构。同时注意自然物象与人体的关系，让自然物象与人体完美地结合起来。

二、服装设计中“意”的情感显现

“意”即意义、含义，主体情思。在服装设计中，“意”引申为设计情感的体现。情感不仅是人对客观事物或客观环境的直接反应状态，还折射出人的价值观。英国著名诗人托马斯·艾略特曾说过“要用艺术形式来表现情感，唯一的方法是设法寻找客观应和的事物，……而且当那些外在的事物置诸我们的感觉经验之时，须能立刻直接唤起人们内心相同的情感的东西。”由此可以看出形式成为了情感表现的一个载体，而情感就是作品的本质内容，它具有精神性和物质性。正如起源于20世纪60年代的缀满绣花和垂吊的流苏、打满粗褶细褶波西米娅风格服装，表现出嬉皮士们热爱自然、和平、轻松与浪漫以及叛逆的生活方式，表达了他们对自由的向往，以及他们对美丽姿态自由的肆意的渴求情感。

人类的情感是复杂多样的，设计者对情感的分类可依据其主观体验的性质划分，也可根据其客观内容投影在人的主观世界中的客观关系来划分。如从情感对象上可分对自然的情感、社会情感、审美情感等，或侧重主观感受的抽象化，体现为形式感、和谐感、超越感、自由感。或侧重客观内涵的具体化地体现为亲情、友情、爱情、乡情、民族情感、阶级情感、认同感、爱国主义情感、世界情怀、人类中心主义等。换言之，由近及远的血缘情感、亲缘情感、地缘情感。如中国魏晋时期的“竹林七贤”袒胸露腹的着装，表达他们对社会的蔑视和放逸情怀；唐代仕女的富丽华贵着装表现了当时时尚的博怀与优雅气质；而在上世纪70年代的西方社会，以伦敦街头年轻人为代表的一身穿着镶满铁钉、大头针的皮夹克，破洞牛仔裤，高筒皮鞋，染着彩色鸡冠头造型夸张的新新人类的所谓 “朋克”文化，则体现出他们反叛社会、反传统的极端意识。

现代服装设计在表现客观世界时不是简单地再现，也不是对可视物象的照搬复制，而是设计设计者对客观世界“意”与“象”表现，是设计者内心的写照，是设计者向人们袒露宽广的宇宙胸怀的载体，是主观与客观的统一，是情与景、物与我两相交融的产物。

三、现代服装设计中“意象”的交融升华

意为内在，为人之所思，所欲表达者，象为外在，为人之所能借助的表达方式。两者的关系就是，意借象来表达，是象的目的与内涵，象是意的具体表现，是意的寄托。服装设计是人类用情感和想象，以审美判断的标准把握世界、反映世界的一种特殊形式。意象不同于“具象”，却离不开“具象”，意象在于它把对生活表象的描述引申到对生活深层的探求，需要在具象的刻画中强调人的历史内涵和内心的精神。意象主张通过“象”来追求主体的精神情趣，在追求中使服装设计灵魂得到提升与净化。“意与象”内外统一才是服装设计的最高境界。国际优秀的服装设计既能够展现出良好的服装形象，同时又可以形成情感上的感召力，以击中消费心理，激发消费者产生情绪上的共鸣。正如国际各大时装中心的服装品牌与设计师所呈现的不同风格与气质：纽约的简约、巴黎的奢华、伦敦的前卫、米兰的高雅。而正是这样的气质在情感上与消费者产生共鸣，使消费者成为其忠实的追随者。

服装设计的意义范文第3篇

关键词：服装设计艺术 技术 灵动

服装设计是在一定社会形态中存在的一种文化，是人们先由想象而变形的一种意识，进而将这种意识用图形表现出来，最终将其转化为实物。这一过程既参与了人们感性意识的创作，又参与了将这种意识创作实现的理性技术。也就是说，一件服装产品的形成需要艺术设计和技术设计的结合才能实现。

艺术设计是随着社会的发展和进步而产生的，是人类为了完成某种特定目的而进行的创造性活动，是以工程技术和艺术美相结合为基础的设计体系。在解决物与物关系的同时，更加侧重于解决物与人的关系，考虑对人的心理和生理上所产生的作用，以此来提高产品的市场竞争力。在服装设计中，艺术设计主要体现在服装的造型、款式、色彩、面料、肌理等形式美感表现上。

技术设计解决产品内部功能、结构原理以及组合条件等物与物之间的关系，更多地考虑产品自身合理性和对人生理功能需要上的作用。在服装设计中，技术设计体现在服装的结构、工艺等内在本质要素运用方面。

一、服装艺术设计与技术设计的灵动性特征

服装设计中无论是艺术性还是技术性，都是为了实现服装产品所采取的设计手段，都具有商品属性，而商品是用来调节社会关系的中介，具有一定的社会性，所以，服装的艺术设计和技术设计也都具有一定的社会性，并各自具有一些特征。

艺术设计是一种显性的表达，注重美感形式和情感性，是以形象思维为主，其最显著的特征就是审美的文化性，即赋予产品以文化意义。不同时代、不同民族的人们具有不同的生活背景和物质生活条件，这使得每个国家和民族对服装艺术设计美的理解和标准不同，也就使服装的审美具有了多种文化意义。例如，中国唐装、旗袍和盘扣元素的运用使服装具有鲜明的民族文化意义；西方20世纪六七十年代受后现代主义文化思潮影响，强调以人为本，推崇人性经验的主导作用，以历史的互渗性及个性化、自由化的思想方法和多元性、模糊化的设计语言，产生了波普、欧普、嬉皮、朋克等反传统的服饰文化现象。人们可以在传统与现代、民族与时尚之间的服饰文化中游走，这使得服装具有明显的时代文化意义。

技术设计是一种隐性的表达，注重数理性和逻辑性，是以抽象的思维为主，其最显著的特征是物质性，即服装从图形化的构思到人们可以穿用的物质化过程，从选取面料、确定款式到打板、裁剪、缝制和熨烫都有技术设计的参与。对面料的新颖性和环保性、生产能力和工艺水准、结构及尺码的要求等方面，都是技术设计物质性的体现。并且，这一物质性特征还包含了效用性和舒适性。

服装是人们的第二层皮肤，强调的是服装的可穿性，其功能是起到保护人体、满足人体的生理需要，而又不影响人体正常活动的作用，这就需要服装结构的合理与工艺的完善来实现。人体各部位功能作用、形体起伏是结构设计的根本，而选择合理的面料及相应的工艺制作技术，是实现服装设计功效性的必然手段。

技术设计的另一特征是功利性，即设计出的产品的最终目的是设计者和生产者能够从中获取利润。因为真正获取利润才是一个服装企业存在和发展的关键，如果设计出的产品实现不了功利性，也就没有技术设计的意义了。

艺术设计与技术设计这一显性和隐性的两个特征共同构成了服装产品的特征。在服装设计中，在发挥艺术设计的特征时，要加入技术设计的数理性、功能性特征；在发挥技术设计的特征时，应融入艺术设计的情感性特征，使两种特征灵动地结合在一起。

二、服装设计艺术与技术的灵动性关系

服装设计从某种角度也可以看作是一门艺术，是设计者运用一定的文化载体、艺术表现手段进行创造，更确切地说是美化人类生活着装和生活环境的一门实用艺术。而实用艺术从其实用意义上来说，它又是艺术领域之外的，还有其实用价值的立足点，也就是工艺技术品质。为此，服装艺术设计是以技术设计为内容，技术设计则以艺术设计为形式，两者互不可分。布劳恩・劳森在《设计师怎样思考》中说：“为了达到设计目的，设计师必须理解和应用相应的技术手段，设计师不但要明白他们期望得到怎样的结果，还要清楚怎样得到这些结果。”这就是说，只是进行设计而没有考虑技术设计实践的设计是没有思考的设计，对预期的视觉效果是无法达到的，对自己的创意构思也无法实现。因此，如果一个服装设计师在设计时完全不考虑技术设计的实践要求，只注重形式和材料的美感，而没有考虑服装作为产品的功能性和商品性，其设计只能是形式优美的艺术作品或概念性作品。同样，如果设计师在设计时只注重技术性，而没有融入艺术的灵性，这个设计虽然具有了功能性，但由于缺少了服装的文化和艺术美的感染性，也会黯然失色。

服装艺术设计和技术设计的不可分，并不是把两者牵强地拉扯在一起，而是找到一个美的结合点，使二者自然地融为一体、相互整合，从而创造出具有功能美和艺术美的服装产品。

在服装设计创作中，服装的艺术设计往往是第二性的，技术设计是第一性的。服装设计并不只是简单地先进行艺术设计构思，再用技术设计手段将其实现，而是在进行艺术设计时，需要技术设计的知识去验证、补充以及启发设计者的构思。也可以理解为，艺术设计是对技术设计的产品做进一步的改进。如果设计师不清楚有哪些结构、工艺手段以及与之相呼应的视觉效果，就无法与造型、款式、色彩等艺术设计手段进行结合，也就无法实现自己的创意设计构思。

如图1中的图1a为一短款小衫的款式设计图，其款式造型设计以前胸部的横向和半圆形分割为结构线，以简洁的碎褶和垂褶的节奏变化表现设计特征。图1b、图1c分别为对应展开的结构变化图，结构图通过省与褶的转换，依结构线分别在胸高处和前衣摆处形成具有塑型作用的碎褶和强化动感层次的垂褶。图2为该款式结构的立体试型图。通过这一款式与结构的设计实例分析可以看出，省道和分割线结构能与款式设计巧妙地结合起来，线条可以处理得流畅并具动感，碎褶和垂褶可以表现得更有张力和美感，把款式设计演绎得精致到位。

三、服装设计艺术与技术的灵动性表现

服装设计是艺术与技术设计的综合，缺少了感性的艺术设计，服装将失去灵魂；缺少了精湛的技术设计，将无法承载艺术的魅力表现。因此具备较好的艺术感觉是先决条件，这样能很快理解设计内涵、准确把握款式特征。同时，要发挥技术设计的调整作用，根据款式的风格和定位，运用创造性的技术设计技巧，把服装本身的内涵和品位表达出来，将前期艺术设计中不合理的因素进行调整、补充，使之更为恰当、完美。

图3为Dior品牌原设计师约翰・加利亚诺2009年秋冬高级定制会的作品。此作品是以17世纪荷兰黄金时代绘画大师约内斯・维米尔所运用的柔和金色为色彩灵感。在款式设计上是将老迪奥先生1947年战后推出的新造型“New Look”的精髓――纤细高腰、过膝长裙加以夸张演绎。它保留了“New Look”中肩线窄而柔美，突出胸部的丰满和细腰的造型，把蓬起的长裙造型演变为强调臀部的巴斯克裙、吊袜带，并且在衣领和袖子上配以文艺复兴初期安东尼・凡・代克画中典型的精致蕾丝衣领和袖子，这些与明艳的黄色相结合，重新演绎了“New Look”中所营造出的纤美、高贵的女性气质。

设计者在创作中，将这个艺术形象通过选定适合的面料及相应的结构手段来实现。作品中所体现的款式是肩线窄而柔美，所以在结构设计中选择了肩部没有袖窿线的连身腋下夹角袖，同时为了使衣服更加合体，衣身设计为三开身并带有一个腰褶裥，特别是从腰节线以下的设计最为特殊，即侧身处布料重叠起来缝合后延伸至后中线的半活褶裥，并从侧面延伸至前中线的部分为活褶裥，以此特殊设计来形成侧面翘起，使前后出现自然下垂活褶裥的设计效果。图4为立体结构设计完成的款式造型图，图5为最终完成纸样试型。

由此可见，通过艺术设计与技术设计的相互融合、相互补充，很好地表达了艺术设计的内涵，也完成了技术设计的意义，完美地实现了艺术与技术的灵动。如果缺乏二者的灵动，将无法表达出服装款式的灵魂和所塑造的形象，也无法承载服装款式的艺术魅力。

服装的艺术设计与技术设计是服装设计的两个方面，技术设计是服装设计中的物质技术基础，同时艺术设计又是服装设计中创新的动力、源泉。艺术设计要遵从技术设计的规律，遵从技术设计中的物质性、舒适性、效用性以及功利性，技术设计要以艺术设计的头脑去思考，使二者的灵动性得到很好的发挥与结合，相互渗透与交织、互为支持后盾，最终设计出符合现代市场需求的服装设计产品。

参考文献：

[1]吴兴奕.服装设计中的艺术设计与技术设计[J].江苏纺织，2006（2）.

[2]李娜.浅谈艺术设计中技术与艺术的关系[J].安徽文学，2007（9）.

[3]龚勤理.时装样板的艺术性与技术性[J].装饰，2004（2）.

[4]胡秀琴.谈服装设计对技术美的要求[J].装饰，2004（11）

服装设计的意义范文第4篇

从20世纪60年代起，后现代主义思潮一前所未有的速度席卷了全世界，对包括工业设计、服装设计、平面设计和工业设计在内的设计行业都产生了极其深远的影响。涂鸦文化无论是从其艺术性或是社会性来说，都是一种典型的“后现代主义”的行为和形式。于是，无数的设计师在寻求自身价值的同时，把目光投向了涂鸦这个独特的艺术形式，将涂鸦图案融入自己设计作品。所以，现代服装设计和涂鸦地结合在极大程度上也表现出现代服装设计对后现代主义的需求。无论是从外在形式或是内在气质，涂鸦都很好地诠释了其代表的服装时代个性。对比保守的中产阶级品味，涂鸦文化的活力、自由甚至是破坏力，让涂鸦逐渐成为服装时尚界创造新刺激和结构传统的挖宝之地。对大部分服装设计师来说，后现代主义的服装设计观已不再单纯体现传统价值观，更表现了设计师对周围环境的应激和对个体的需求，哪怕这种应激和需求是毫不实际。涂鸦充满了对现代社会的调侃和影射，是一种典型的后现代主义形式。涂鸦手法是现代服装设计大师喜爱的惯用手法，运用非洲图案，色彩十分鲜明，涉及美国社会有色人种方面话题，可以说是有色人种在美国社会中的典型例子。涂鸦艺术具有一种属于年轻人的野性和自由感，这些新鲜的元素是米兰巴黎这些主流时尚圈不具备的，为现代服装设计带来新的启发。一些年轻设计师在谈起涂鸦艺术的时候，认为其能给他们带来兴奋感。服装设计者对涂鸦有一种天然的亲近，他们认为涂鸦艺术是他们对于设计和艺术理解的块段，包括色彩、组合、线条、造型以及每一个图形元素具有的普遍感情和原创意义，开始将涂鸦图案在去设计的服装中应用。一些涂鸦图案和字体被运用到面料的设计中，使设计呈现出一种全新面貌。当然，涂鸦的意义不仅在于对面料的改造，更在于它是种从心底迸发的需求，有着自身的情感，而用这些情感来表达设计才是涂鸦精神带给我们最大的影响。对于如今的服装设计师来说，可用的素材太多，常常让他们失去了自己的个性及原创性，设计出的服装缺少灵魂。真正优秀的创意应是凭借自身的直觉和情感，这样设计出的作品才能打动人。涂鸦这种表现形式冲破了传统的禁锢，源自与设计者的内心，体现了设计者精神上的返璞归真。

二、涂鸦图案对服装行业的影响

在当下社会的消费品市场，涂鸦图案已经从初期简单的实验转变为有很大的社会影响力的文化符号和视觉符号。在人们现实生活中这种文化符号随处可见，不管是在家居、日用品还是服装。这些文化符号体现了现代人不同群体的消费观和价值观，同时也体现了现代社会价值观的多元化。对于现代的服装设计，文化符号是重要的设计元素。首先，文化符号体现了所属社会的价值取向和文化背景，不管是图案、造型或是色彩上的文化符号都表现了设计的时代特征，这也正是服装作为消费品的检验标准。其次本随着大众媒体的引导及宣传，服装品牌具有更多的象征意义，民众通过服装的消费渐渐构建自我和社会的认同感，在消费和社会意识见建立起一种联系，继而不断改进服装产业的消费及营销模式。

三、结语

服装设计的意义范文第5篇

一、前言

20世纪初，在欧洲和美国相继出现了全面的、革命性的和彻底的现代艺术运动和现代主义设计运动，在艺术设计发展史上有着巨大的影响。现代艺术作为20世纪以来占主导地位的艺术形态，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。二十世纪上半叶，最具代表性的现代艺术是立体主义。它颠覆了古典艺术"真"的原则，即彻底放弃了空间透视的方法。主要艺术家有毕加索。二战后至今，现代艺术主要是沿着达达主义的轨迹前行。它彻底否定了传统文化，是反艺术。主要艺术家杜尚。其影响一直到今天的信息时代。其它流派还有野兽派、未来派、抽象主义、超现实主义、波普艺术、照相写实主义等，都是从不同角度和层面对传统艺术不同程度的否定。

无论何种艺术形式，它所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。而服装设计与人们的社会生活密切相关，着装体现人的精神状态和内心世界，具有时代气息，现代艺术对服装设计的影响也是巨大的。

二、现代艺术对服装图案设计的影响

（一）抽象的几何纹样

抽象的几何纹样受抽象派画家观念的影响，以直觉和想象力为创作的出发点，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上，打破了绘画必须模仿自然的传统观念。二战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

抽象绘画可分为两种类型，一种是通过对自然物的概括与提炼所创作的抽象绘画，带有浪漫色彩。另一种是用单纯的点、线、面、形体与色彩构成的抽象绘画，比较理性。这种艺术形式最具装饰性和图案特征。如荷兰风格派的主将蒙德里安的创作，他利用垂直水平结构和原色矩形色块的作品，简洁却蕴含着严谨而复杂的结构关系，虽是装饰性的，但具有深刻的哲理，使得许多人产生了精神共鸣。

服装设计师也直接采用了蒙德里安的语言，这种影响直到今天还存在着。抽象派美术对现代装饰艺术和图案艺术影响广泛，使得印花织物的纹样处理呈现崭新的特点，随意的抽象的几何纹样取实的精致的花卉纹样而广泛流行。

（二）平面构成纹样

平面构成纹样的产生源于包豪斯的构成理论，以点、线、面、体来高度概括复杂的事物，将几何形体进行理性的排列，构成新的艺术形像。这种平面构成纹样被广泛运用于染织图案中，并不断推陈出新。如男式衬衣的印花图案就是比较典型的平面构成纹样，以极小的几何图案重复并且有规律的进行排列，形成大面积的几何形态，不仅男士衬衫上会应用平面构成纹样，t-恤，领带，围巾等也有平面构成纹样的应用。

（三）欧普纹样本文由收集整理

欧普纹样来源于欧普艺术（optical art），又称为光效应艺术、视幻艺术或视觉艺术，在60年代流行于欧美。

60年代以前，布料上的织纹图案仅限于苏格兰格纹、千鸟纹和人字纹等传统织纹。60年代，纺织和印染技术水平有所提高，再加上欧普纹样比较便于拷贝和复制，使得欧普纹样广泛应用于服饰品设计，掀起时尚界的革命。

因此，欧普纹样应用在服装、丝巾、领带等服饰品上会产生一种时尚前卫的着装效果。另外，欧普图案所产生的视觉错觉还能达到修饰、雕塑身材的目的。如07年秋冬季，以60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼等设计师品牌，相继推出采用类似欧普艺术手法的服装。英国知名时装设计师亚历山大·麦奎恩、日本时装设计师川久保玲（comme de garcons）和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等。

（四）立体派纹样

立体主义开始于1906年，由乔治·布拉克与帕布洛·毕加索所建立。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。它追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感，探索画面结构、空间、色彩和节奏的相互关系，在造型和表现上突破了时空限制。

立体派纹样应用于服装面料的印花设计中，使平面的布料仿佛具有立体感，赋予服饰品独特的美感，采用这些图案设计的服饰大有毕加索之风。这种纹样的融入使着装者洋溢着充满时尚的气质，在当时的欧美社会一度流行。

（五）野兽派的杜飞纹样

杜飞应用印象派和野兽派的写意手法，吸取马蒂斯绘画的装饰风格，线条质朴简洁，花卉图案形像夸张变形，人物动物相互交错，豪放粗犷，流畅自然，具有创造性、装饰性，后人把这种写意花卉图案称之为杜飞纹样。时装设计师利用杜飞纹样体现服饰设计作品的独特灵魂，体现一种自然美、野性美，利用流畅飘逸的线条结合服饰品的造型，生动而鲜活地突显出服饰的独特魅力。

（六）迪斯科纹样

迪斯科纹样的命名源于迪斯科音乐和舞蹈，迪斯科纹样有着迪斯科般的风格特点，新鲜、多变、富有活力。迪斯科纹样最初来源于美国影片《星球大战》，大多是描绘星系和宇宙的主题，超人、外星人、天空流行等图案，后来，迪斯科纹样采用抽象派巨匠康定斯基和西班牙画家米罗的绘画作为服饰面料的图案，从两位大师的艺术中汲取营养，平铺色块，流畅潦草的线条，强烈的对比色，用干笔在纸上一蹴而就，挥洒自如，当然，印有迪斯科纹样的服饰品也会被赋予迪斯科个性，给人以富有活力、浪漫、新潮、潇洒的视觉感受。

三、现代艺术对服装材料设计的影响

20世纪的女性追求独立，彻底抛弃了紧身胸衣，喜欢式样简洁，有综合功能的服饰，由蕾丝、花边、丝绸面料组成的内衣问世时，曾引起轰动，有人称它为“内衣革命”。现代服装设计越来越注重材料的开发性应用。然而在二战之前，服装设计基本上以款式、结构和造型的变化为主。50年代的蓝色丝缎晚装。极其轻柔的面料，被称为“女人的肌肤”。20世纪，人们越来越关注面料，有句名言：仅次于情人的，是好的布料。到二十世纪六、七十年代，一些设计师开始以材料为出发点进行服装设计，如1966年拉巴尼设计了以仿金属片链接的时装，七十年代后“面料魔术师”三宅一生作品的面世，都给了服装设计界以巨大的冲击。到八、九十年代，材料逐渐成为设计师关注的焦点，并形成了一些共识。

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四、现代艺术对服装廓形设计的影响

战争改变了原有的社会价值体系，也将19世纪浪漫主义风潮打破。现代西方服饰逐渐去除了大量不必要的装饰，越来越强调其功能性，服饰变得简单、实用。随着女权思想的逐渐成熟、普及，女装与男装之间的差异日渐缩小。随着20世纪下半叶年轻风潮的兴起和大众审美标准的变迁，服饰流行日益多元化、平民化。

1、20世纪20年代：永远的经典——可可·香奈儿“现代主义”设计师追求人与机器之间的一种和平共处，在追逐机械化、现代化的同时，女性的束缚也被逐渐解除。20世纪20年代，年轻的法国女时装设计师可可·香奈儿，以她简洁的日常服装、运动装、便服和度假服装，将女性从束缚中解放。她推出直线型男孩儿式的轮廓和新潮的短发，提倡背肩包与针织品套装，她把晚礼服“法定”的拖地长裙缩短到与白日服一样的长度，尽可能使造型朴素、单纯化，她教给人们如何用人工宝石来装饰自己，把服饰品的装饰作用提到首位。

她提供了具有解放意义的自由和选择，让女人也可以穿裤子将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。香奈儿设计时装追求实用，推动了服装设计新概念，对现代女装的形成起着不可估量的历史作用。

2、20世纪30年代的服装廓形：斜裁女皇——玛德琳·维奥内特

20世纪30年代早期的光滑轮廓与"现代主义"秩序井然的线条相和谐，这可以在不少设计师的作品看到，如玛德琳·维奥内特的斜裁真丝缎子的紧身女装，巴斯博物馆两件藏品的其中一件是1934年的拖地长袍，裙子的上半身是蕾丝褶皱紧身胸衣、飘逸的绸缎轻盈地从肩上泻下，下半身是招牌式垂坠长裙，腰间饰以褶皱。

维奥内特的设计强调女性自然身体曲线，反对紧 身衣等填充、雕塑女性身体轮廓的方式，有“裁缝师里的建筑师”、“斜裁女王”的称号。在大师一生的作品中，“古希腊女神式”的斜裁和皱褶垂坠连衣裙是她设 计中的经典代表。她打破了之前打版制样的裁缝传统，而直接将布料或垂挂或缠绕在身体上进行裁剪，利用衣料的自然垂坠使得时装如第二层肌肤般轻盈飘逸，勾勒 出女性流动的曲线和曼妙的体态，皱褶则是这种剪裁方式 所衍生出的特有细节。

但这些最终都被更精心制作的轮廓所替代，到了这10年结束时强调肩部、掐腰和连身的裙子更加坚定了新浪漫主义设计倾向，并预示了战后“新外观”的出现。