绘画艺术的特点

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇绘画艺术的特点范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

绘画艺术的特点范文第1篇

红楼梦中一首行酒令道尽了世间女儿们的娇态。自古以来，女子就一直是历代画者较为喜爱的题材。景德镇陶瓷仕女绘画艺术作为一种艺术实践活动，无不表现着洗礼过去及当下女儿们的常态。艺术来源于生活，无论是诗词、绘画、歌赋，都一如这首《女儿令》般是生活的写照，但作为人们上层意识的产物却高于生活，是精神文明高度概括的表现。佛语常说：“人生有苦，爱别离，怨憎会。人心难免贪爱，贪而不得，嗔生也。”可见，女儿的贪嗔最难绘。瓷绘画与纸质绘画，载体虽不一，但气神相同，顾恺之曾经说过：“凡画，人最难。”可见懂画，得先读人。在此，笔者以平常绘画之创作所得，来谈一谈女子形象描绘的变迁史，并道一道画中女儿的悲苦愁乐。

个人觉得真正意义上人物画的开端应该算是先秦时期，尽管前期石器时代也有一些简单人物壁画的描绘，但却不是真切单纯的人物绘画，只是作为远古石器时期人们崇拜或征服大自然的配角简画。在先秦时期，人们已经开始有意识的在帛或壁上描绘不同的人物，女娲、娥皇及女英等神话人物作为代表形象，其中也有着仕女的始祖——贞女、娲女的表现，尽管这只是作为当时封建社会标榜楷模或神道崇拜的用途而已，却是从非意识绘画进入有意识绘画女人的开端。由于绘画多作于墓室当中，所以还是以仙女引升题材较多，画中墓室女主的形象较为古朴于练概括。到东汉时期，壁画更加多元化，仕女描绘也增加了许多的可选择性，比如，赵夫人、京师节女、梁节姐妹等形象。由于社会等级制度的束缚，封建专权的统治者为了压抑女性思想及地位，所以大肆宣传女人贞洁的形象，在这个时期，仕女绘画多为统治者所服务，但也变相地倾诉着所处时代女人的心酸。

魏晋南北朝继承和发扬了汉代绘画艺术，呈现出丰富多彩的面貌，最突出的一点就是出现了专业的画家。著名的画家顾恺之就产生于这个朝代，他最擅长的就是“伟而有气势”、“巧密于情思”，也就是表现人物的内在气质，他认为描绘仕女最重要的一点就在于“眼睛”。而笔者最为喜爱的莫过于顾恺之仕女绘画中线的描绘，其线的力度、节奏恰到好处，正如“春蚕吐丝”、“春云浮空、流云行地”一般。画中洛神含情脉脉，若往若还，似乎像洛神在我们可望不可及的地方等待着谁。唐代时期，中国仕女绘画得到了重大的发展，但也有一些缺陷存在，这个时期多以反映贵族人物或宫廷仕女为主，民女描绘较为缺乏，比如我们所熟知的《杨贵妃》、《虢国夫人》和《捣练图》等以仕女为题材的绘画。初唐仕女绘画较为代表的是李仙惠墓中的《宫女图》，画面人物前后顾盼，彼此呼应，充满了闲适优雅的宫廷气息。画中对人物前后的安排恰到好处，这正引证了谢赫《画品》中六法“经营位置”的运用，仕女绘画，除运用线条来表现气韵外，对于图面构图的安排也要求“多分则减”般严格。除一系列游玩题材的仕女绘画非常出名之外，这个时期刚兴起的宫怨图也很有代表性，如周昉的《挥扇仕女图》，这一长卷描绘了宫中嫔妃生活的哀怨，深刻地揭示了人物的内心特征，真正是“人生若只如初见，何事秋风悲画扇”。画中13人，情节各不一样：或坐、或抚琴、或对镜和刺绣等，背景与情景有序地组织在一起，如对镜一节，一位嫔妃懒于梳妆、对镜而立，低眉、灰暗的双唇，描绘的是秋日凄凉时节，正是情景交融，仿佛都能听到佳人正低吟着“早被婵娟误，欲妆临镜懒。凄也。”可见一幅绘画作品，大到构图用色和人物姿态线条，小到妆容和手势，无不是一副绘画作品重要的组成部分。情也，景也。宋代时期，士大夫文人思想占据主流思想文明，一大批的文人代表仕女画作争相浮现。而且不仿前人，物之情态形色具若自然，笔韵高简为工，“嫩绿丛中红一点”在绿树掩映下，高楼窗口有一红衣女子倚窗眺望，构图巧思不落俗套，画面将女子心思半酣半渲，引看画者遐思翩连，此类的构图方式在现今传统仕女瓷板画中较为多见。并且宋代也是人物写意画的开始，更加地注重现实生活气息的绘画风格。明清时期，由于瓷器载体的技术创新，古彩和粉彩绘画画面清新华丽，由此仕女陶瓷绘画也展开了盛世之期，传统趣味的宫怨妇女游乐图已不多见，更多的是以才女佳话为题材。绘画的仕女形象纤弱、运笔轻柔、设色清雅。以文学作品《红楼梦》中的众多女性形象较为常见，如当今深受人们喜爱的瓷画作品《黛玉葬花》、《可卿春困》、《宝钗扑蝶》等等，瓷艺绘画构图讲究情景交融，其装饰度非常重要，在《周易》的六十四卦第二十二卦中讲到，贲卦，文饰也。意为，再强调一切文饰，都是空虚的，应当返璞归真。领悟一切，放弃虚饰，悠然自得。饰极必反，陶瓷仕女画亦如是也。

饶俊瑞 江西临川人，景德镇高级工艺美术师，江西工艺美术协会会员，景德镇陶瓷美术家协会会员.师从江西省工艺美术大师赵明生。擅长工笔仕女，笔下仕女多姿多彩。风格灵秀，线条流畅，充分体现传统粉彩与现代陶瓷的艺术效果。作品受到广大收藏家的高度肯定。电话：15079893225

绘画艺术的特点范文第2篇

关键词：新媒体技术;绘画艺术;创作;传播

当下，新媒体技术对社会的影响广泛而深远。每个行业都在探索新媒体技术的影响及策略，艺术领域也不例外。有研究认为，随着新媒体技术逐渐向移动化、互动化、人性化、个性化和智能化方向发展，“艺术世界从外在进入室内，从实在进入虚拟，从公共进入个人，从过去进入现在，从经验进入体验，从鉴赏进入浏览”，带给艺术接受者更震感的审美享受。同时，“新媒体传播技术的发展使得传统绘画艺术形式在传播上突破了原有的报刊与杂志等传统局限，借助先进的通讯技术、数字化技术等，实现艺术信息传播。”学者范美俊认为，艺术传播借助于一定的物质媒介和传播方式，将艺术信息传递给接受者的过程，这一过程中艺术信息实现了在时间上的迁徙、变动、蔓延、实现公共化或社会化。绘画作为艺术的一种主要形式，也深受新媒体技术的影响。新媒体技术深刻改变着绘画艺术复制的手段，更改变着绘画艺术传播的渠道和方式，但新媒体技术如何改变绘画艺术的创作和传播，如何在新媒时代有针对性地提升绘画艺术的创作和传播策略对于其发展而言至关重要。

一、新媒体技术与绘画艺术的发展

绘画艺术是创作者用绘画技法把自己的内心感知表达出来的一种方式。传统绘画艺术是借助笔和颜料等工具，在书写介质上描绘出可视化形象的艺术。绘画主要是靠人的自然器官进行感知，然后加工形成意象，最后创作出绘画作品。画家要创作出有美学底蕴和社会反思的作品，需通过眼睛观察外部世界，深入感知对象，然后才能“胸有成竹”，把“形象”展现出来。随着绘画技术的进步，绘画艺术的创作和呈现越来越立体、具有人文色彩和层次感。早期的绘画艺术常使用的颜料为炭黑，主要通过手工绘制到岩石壁面上，后来出现了用羽毛做画笔或以动物的血为颜料进行画作创作的方式。随着社会发展，人们学会了萃取各种颜色进行绘画，使绘画艺术越来越具有艺术性。而新的技术使绘画艺术创作者能够使用油画进行创作，这进一步改变了绘画艺术的创作技术和手法。新媒体技术的发展，给绘画艺术带来了新的变化。一是技术发展丰富了绘画的展现和传播形式。新媒体技术使绘画创作不再拘泥于画笔、颜料等工具，艺术创作者可以对作品无限次修改，可进行无限传播。二是传播渠道进一步增多。“以网络媒体、数字电视、手机媒体为代表的新兴媒体实现了对传统媒介的整合和替代，拓展了传统绘画艺术传播的渠道”，新媒体绘画艺术的大众性特征明显。三是艺术接受者的主体地位凸显。新媒体技术整合后的传播媒介，重新构筑了艺术创作者和艺术接受者的关系，使艺术接受者的主体地位大大提升。在新媒体时代，创作者要着重思考如何使绘画艺术传播的形式更加有趣，符合主流的传播趋向；创作技法的创新和载体的数字化，也使绘画艺术作品的呈现形式趋于立体化；艺术接受者也得以主动参与到绘画的创作和欣赏中。这些变化不仅丰富了绘画艺术的传播渠道，也满足了艺术接受者的审美需求，扩大了绘画艺术的传播范围。

二、新媒体技术对绘画艺术创作的影响

新媒体技术不断向纵深化方向发展，使绘画艺术创作者的创作技法、创作题材和创作过程都发生改变。新媒体时代的用户有“主动性与被动性共存”的特点，互联网资源的无限性与传统思维的局限性对绘画艺术创作产生了重要影响。1．创作技法驱动新的感观体验。“技术进步对于艺术创作观念的影响及其显著变化，可以从艺术史的线性发展中清晰地体现出来”。不同于传统，新媒体技术驱动下的绘画艺术创作不再是简单的意义象征，而更多的是观念的表达。新的观念使绘画艺术能同时调动人的不同感官，给人“真实”体验。当前，虚拟现实技术下创作的绘画可以给人带来多感官体验，给人身临其境的艺术体验。尤其是虚拟现实和AI艺术的创作者突破传统绘画艺术的思维方式，给艺术接受者带来全新的感官体验。其中，虚拟现实技术可以为艺术接受者提供交互式全景绘画，使艺术接受者愉悦地沉浸在场景之中，形成感官刺激，从而产生独特的审美体验。比如，以数字化三维虚拟空间数码创作的水墨山水，这种创作形式丰富了新媒体技术的视觉表达方式，开辟了山水画创作的新视野。尤其是基于FlowSpeed的树木花草生长动画，基于重力、风力等定义对风吹树动的模拟动画，就能够给艺术接受者带来身临其境般的感觉。2．创作题材趋于广泛生动。对于绘画艺术创作来说，寻找不同的题材是完成优秀创作的必备条件。在传统绘画创作中，创作者的题材来源于生活，和自己的生活感受息息相关，创作者需要亲身体悟生活，从而在生活中凝练情感，诉诸笔端。新媒体技术时代，创作者可以突破自己的空间、时间限制，体验到来自于不同身份背景的生活情境，从这些情境中升华出更有价值的题材。而大数据、云计算、物联网等技术的不断发展，使创作者对已有题材和题材内涵的再理解有了更丰富的技术基础支持，借助这些技术，创作者能够将自己已经搜集的题材信息进行保存，并深入理解题材的内涵。3．创作过程基于“互动”场景完成。互动性是新媒体传播最重要特点之一，通过虚拟现实和AI技术挖掘新媒体交互艺术的深层内涵，能够为绘画艺术创作提供真实的“互动”情境。而基于新媒体技术的“互动”是“创作者”和“接收者”可以共同创作绘画作品，绘画艺术的创作者可以通过新媒体技术，吸引艺术接受者参与艺术创作，共同完成绘画作品。随着场景时代的到来，场景传播已经成为增强用户黏性的主要传播路径，在这样的场景中艺术接受者不再是被动的接受者，他们不仅可以参与艺术创作，还可以接收和重新定义绘画艺术作品。这种双向互动的方式也给绘画艺术的创作带来了全新的思路。

三、新媒体技术对绘画艺术传播的影响

当今的绘画艺术创作、传播都和新媒体技术息息相关。从艺术接受者的维度来说，艺术传播者如能基于艺术接受者需求，理解新媒体时代的新变化，从身份转换、互动传播、接受者主体性三个方面进行思考，做到“目中无人”“心中有人”，便可以大幅度提高艺术接收者的接受度、感知度和依从度。1．传受模糊：艺术接受者的“新特点”。新媒体技术的发展使绘画艺术的传播主体发生了变化，传统意义上的创作者和接受者的身份进一步模糊。对于传统意义上的创作者而言，使用新媒体技术进行绘画创作，创作者的意图“会改变大众传播媒体的本质，‘推’送比特给人们的过程将一变而为允许大家或他们的电脑‘拉’出想要的比特的过程”，艺术接收者自主选择的成分加大。绘画艺术传播对象从“艺术家”向大众转变，促使艺术创作者在创作质量、数量和方法上绞尽脑汁地进行对象化改良，促使艺术接收群体范围增大。在创作过程中，鉴于绘画艺术创作者同艺术接受者“共同”完成，创作者也同时成为艺术作品的鉴赏者或接受者。新媒体时代绘画传受身份模糊，必然要求艺术传播者对接受者的需求进行把握，而新媒体技术使绘画作品可以数字化复制，传播途径日趋丰富，普通公众接受和传播绘画艺术更为方便。普通公众作为艺术接受者，由于生活经验、艺术鉴赏能力不同，绘画作品会带给他们审美体验自然不同。艺术传播者要充分考虑到不同接受者的差异化需求变得十分重要。2．互动传播：艺术接受者的“新要求”。新媒体是相对于报刊、广播、电视等传统媒体而言的新兴媒体，以电子和网络传播为主要传播方式。新媒体技术是指依托数字技术、网络技术、移动通信技术等形成的新的传媒技术。新媒体技术最大的特点就是互动，对绘画艺术来说互动是指艺术传播者和艺术接受者之间的互动。在传播过程中，艺术创作者作品后，可以第一时间获取艺术接受者反馈，完成一个完整的互动过程。借由新媒体技术，实现三维或四维立体互动传播，体现出更强的互动特点。在4D和AI智能传播中，艺术接受者可以充分调动视觉、听觉和触觉，实现自身沉浸在绘画艺术的情景中，获得美的享受，同时将自己的感觉反馈给艺术传播者。基于新媒体技术的绘画艺术更具有互动性、生动性和趣味性，更容易引发共鸣，可以说，“互动”是新媒体时代艺术接受者的“新要求”。3．主动接受：艺术接受者的“新姿态”。传统的绘画艺术传播主要是通过实物作品和大众媒体进行单线传播。艺术传播者在整个传播过程中起决定因素。但是，由于传统艺术传播形式途径相对单一，且信息不够完整，艺术接受者经常处于被动接受的地位。而新媒体技术的发展，不断影响着绘画艺术的传播环境和渠道。在新媒体语境中，绘画艺术的接受者已经不再是被动接受，而是主动获取信息，这也增加了艺术接受者接触优质绘画作品的机会，使接受者能够更加自主地选择绘画艺术作品。因此，在新媒体技术的语境下，“主动”成为艺术接受者的“新姿态”。

四、新媒体时代提升绘画艺术传播效果的策略

新媒体时代，绘画艺术借助技术力量，使创作水平和传播策略产生了深刻变化。但从总体来看，绘画艺术要在新媒体时代达到更好传播效果，仍需在以下几个方面下工夫。1．创新多元化传播载体。新媒体技术可以带给艺术接受者美好的艺术体验，一些艺术传播者善用载体，开发了诸多优质的传播载体，拓宽了传播渠道。比如，故宫博物院制作的8K高清技术4D动感影像《清明上河图》就是代表，这使艺术接受者能够通过新媒体技术沉浸在画面的历史文化氛围中，具有较好的审美体验。在绘画艺术的传播中，艺术传播者要善用新媒体技术，创造多平台的艺术传播载体，使艺术接受者有机会欣赏到绘画艺术的魅力，增强绘画艺术的传播效果。2．增强互动交流。从艺术创作到艺术传播再到艺术接受，是一个复杂的过程。传统的绘画艺术作品传播到接收者那里，让接受者产生美的愉悦也是个复杂的过程。新媒体技术改变了绘画艺术的创作和传播方式，也使绘画艺术接受群体发生了变化。绘画艺术唯有抓住技术特色，满足接受者的需求，提升互动体验，才能收到较好的效果。3．实现绘画艺术精准传播。新媒体时代绘画艺术的精准传播，可以从两个方面考虑：一是标签化接收对象，实现精准传播。新媒体时代，绘画艺术传播也需要给接受者画像，研究他们偏好，获取他们的观赏环境、审美能力、艺术素养、文化素养和人生阅历等信息，以此为基础为用户制定特定标签。基于对“艺术接受者”画像，艺术传播者可以据预测传播场景中艺术接受者的需求进行传播，使绘画艺术传播更加具针对性，更有“对象感”。二是分析用户接受特点，使用精准传播方法。新媒体时代除了要分析艺术接受者自身审美素养外，也要“心中有人”，充分考虑艺术接受者在新媒体时代的大众化和分众化特点，研究艺术接收者的“碎片化”接受习惯，使用艺术接受者敏感度较高的传播方法进行精准传播。

绘画艺术的特点范文第3篇

关键词：水墨；语境；现代；陶瓷绘画；创作

0 前言

在经济社会迅猛发展的今天，现代艺术的发展也是日新月异，即艺术的发展逐步打破了传统艺术的范围束缚，各种文化艺术不断融合、重组，推动现代艺术的快速发展。而在这一发展过程中，我国国画艺术业发生了翻天覆地的变化，其中就包括水墨画和陶瓷绘画，大量的创作艺术家有效的将传统继承与现代创新有效的结合在一起，总体来讲我国绘画艺术已经全面进入了一个创新的时代，在中国的陶瓷之都――景德镇有许多的陶瓷艺术家在深厚功底的基础上，不断提高自己的艺术涵养、提升自己的创作能力，在陶瓷绘画中开拓创新，有效的将水墨画的创造理念、创造形式深深的融入进了陶瓷绘画艺术中，这可以称得上是陶瓷绘画艺术领域的一次重大变革与创新，这一创新势必会把我国陶瓷艺术推向更高的艺术水平，陶瓷艺术在新时展下势必会取得更好的成就。对此，我们作为与之相关的研究者、工作者，应该将在传统陶瓷绘画艺术基础上与水墨艺术相结合，实现创新与发展，使其与时展产生共鸣的问题真正重视起来，为我国文化的发展与繁荣做出更大的贡献。

1 陶瓷绘画艺术的概述

我国具有几千年的文明史，我国古代人民以其精湛的智慧在大量的实践生活中创造出了具有东方文化气息的中国画以及具有中华民族独特蕴含的陶瓷艺术，二者可谓是同根同源，相生相伴，并且在长时间的发展过程中相互交融、相互促进，取得了高超的艺术成就。而从陶瓷艺术的角度来看，陶瓷绘画是陶瓷工艺的重要组成部分，其主要作用是对陶瓷的外表面进行美化，来提高陶瓷的艺术美感，而陶瓷绘画中最具影响的因素就是绘画所选取的图案，古代劳动人民通过自己的智慧将绘画中的线条、色彩搭配、水墨颜色等充分的应用到陶瓷绘画创作中，来讲陶瓷的艺术形象、艺术韵味以及中国独特的发展风貌展现的淋漓尽致。随着陶瓷工艺的发展，陶瓷绘画艺术已经逐步发展成为一门独立的艺术载体，并且和中国画的发展水平不相上下，但是，陶瓷绘画与纯粹的国画相比又存在一定的不同，因为陶瓷绘画是陶瓷工艺与国画结合的产物，通过陶瓷的工艺生产过程将陶瓷绘画的艺术美展现出来，达到质地美、造型美和装饰美的协调与统一。

2 水墨语境下现代陶瓷绘画的发展

（1）水墨艺术与陶瓷绘画艺术的艺术表现。我们知道，水墨画艺术与陶瓷绘画艺术是两种不同的艺术表现形式，这两种艺术表现形式在创造风格上、艺术造型上、创作工具上、表现技巧上都存在自身的特殊性。其具体表现在以下几个方面，下面，我们就来详细探讨下。第一，国画的创作是借助文房四宝等工具来完成的，即在纸上面通过笔墨、色彩等展现的一目了然的艺术形象，而陶瓷绘画艺术是在陶瓷工艺生产基础上形成的艺术，其是通过画笔、釉料的装饰装潢来完成的，并且陶瓷绘画需要高温的考验，从中我们可以发现二者的创作形式、创作理念截然不同。其次，中国画艺术是一种平面艺术，而陶瓷绘画艺术是立体艺术，在创作过程中需要与陶瓷的整体外形、质地相互联系，来形成立体的美感，同时，陶瓷绘画不能仅仅将中国画的艺术元素机械地移植，必须在融会贯通和领悟掌握的基础上，同时考虑视觉层次的主体安排和空间表达，才能形成独特的艺术效果。

（2）水墨语境下陶瓷绘画艺术的表现技巧及表现手法。我们知道，陶瓷绘画艺术的形成是在充分借鉴中国画艺术的表现技巧和表现形式的基础之上的，因此，在当代陶瓷绘画创作中，也只有将陶瓷绘画艺术与中国画艺术相结合才能形成陶瓷绘画艺术的新风格、新风貌，推动陶瓷绘画艺术的创新与发展。其中在陶瓷绘画艺术中应用最为广泛的就是水墨画中的青花分水，青花分水与中国画中的无色具有有着异曲同工之妙，其所指的就是通过对色彩浓淡变化规律的应用，将色彩表现成为由浅到深、由薄到厚、有简单到复杂，充分体现出色彩的层次感，来达到色彩艺术的独特效果。而从空间的布局来看，其空间布局科学合理，具有明确的空间层次，将空间美感表现的淋漓尽致。

（3）现代陶瓷绘画艺术中水墨画精神所在。我们知道，水墨画的创作主要集中在山、水的艺术形象的创作，通过创作技巧、创作手法给人一种美的感觉，这种感觉可以让人的精神愉快、放松，另一方面也是通过作者独特的艺术创作技巧和手法传达作者的精神感悟、自身修养和内心情感，所以水墨之中皆是意蕴和精神的共同体现。具有较高水平的陶瓷艺术也是如此，首先，陶瓷绘画艺术的素材和动力源泉都来源于真切实际的生活，在客观生活的基础上，通过艺术家的情感加工、审美体悟、精神意识等主观因素的糅合和丰富，形成具有主观思想色彩的艺术形式，表现独特意蕴，提升作品价值。其次，陶瓷绘画通过艺术家的知识积累、技巧训练、学识修养体现陶瓷作品的灵性和逸气，描绘作者的精神世界，表达身修养，从这个角度讲，陶瓷绘画本身就是一种精神文化。

3 水墨语境下陶瓷绘画创作对水墨的应用

（1）现代陶瓷绘画中"水墨"的艺术性应用。从中华民族几千年的艺术文明史中我们可以看出，艺术总是反映时代风貌，展现时代特点，体现时代背景。所以现代陶瓷绘画要借鉴水墨画的艺术表达，表现当代中国的地域风情、文化风貌、审美情趣和智慧思维。悠久的陶瓷绘画创作历史深深地体现了中华民族的风格和骨气，具有东方文化和民族气息的历史烙印，陶瓷的历史就是中华文明的发迹史，就是中华民族社会文化发展的长卷。从这些角度都说明，陶瓷绘画和水墨画有着千丝万缕的联系。现代陶瓷绘画的艺术创作也要充分利用两者的历史渊源和艺术联系，广泛运用水墨的艺术形式和艺术表现手法，通过釉料、色彩和布局的合理运用，通过营造具有"水墨"特点的艺术情境和画面效果，充分表现中国画的水墨韵味，表达陶瓷素雅、宁静、沉着的美学价值。

（2）现代陶瓷绘画中"水墨"的创新性应用。艺术来源于生活，陶瓷绘画也不例外，每个时代都有自身的生活特点、生活方式、生活规则，艺术发展的根源和动力在于其不断变化的艺术形式、不断创新的艺术表达和不断丰富的艺术境界。当今时代的特点就是人民的生活水平不断提高，精神需求和审美观念发生了变化，陶瓷绘画也要不断创新艺术形式和艺术创作的观念，在展现中国传统文化特点的基础上，可以适当地加入时代元素和现代艺术创作的基本理念，形成具有独创性和反映时展、时代主题的艺术作品。同时，陶瓷绘画创作的根还在于中国传统文化，陶瓷绘画创作的精髓还在于中国水墨画的艺术取向。作为一种现在还在流传的艺术形态，陶瓷绘画的启示和方向是现代艺术元素和当代艺术特征的合理运用，所以，从事陶瓷绘画的艺术家们必须在充分认识时代特点、合理汲取时代营养的基础上，才能将"水墨"的创新性应用在现代陶瓷绘画创作中。

（3）现代陶瓷绘画中"水墨"的科技性应用。陶瓷绘画作为具有民族特色的艺术形式，必须得到充分的继承和发扬。但我们纵观当代的艺术传承现状，许多艺术形式都有青黄不接的危险，其根本原因在于艺术形式没有和当代科技进行有效结合，传统的陶瓷绘画艺术创作和艺术教育没有得到创新，这也在一定程度上限制和约束了陶瓷绘画艺术的发展，不能很好地适应当代新技术流程和新工艺材料的发展要求。在目前的陶瓷绘画创作中往往不能将陶瓷的工艺流程和艺术设计很好地融会贯通，也就难以产生具有较高艺术价值的作品。水墨陶瓷法的出现就很好地解决了这一个矛盾的问题，使当代陶瓷绘画的艺术创作上升到了一个新的层次，这不仅是技术工艺与艺术设计的完美融合，也说明了当代"水墨"的科技性应用在陶瓷绘画中有很好的体现，陶瓷绘画的发展也没有放弃对水墨韵味的一贯追求。

4 结语

综上所述，水墨艺术与陶瓷绘画艺术虽然是两种艺术形式，但是在具体的艺术表达中、表现手法中、鉴赏方式上有着异曲同工的奇妙之处。本文结合自身多年从事绘画实践工作经验提出了以上看法，希望给广大同行业者提供资料参考和经验借鉴。

参考文献：

[1]姜强 .论陶瓷绘画艺术语言[J]. 社会科学家，2011（08）.

绘画艺术的特点范文第4篇

1.绘画艺术的内容美

绘画艺术的内容美主要包括艺术作品的主题和题材，并可以将其理解为绘画艺术在正常意识形态特征中所具备的的审美内涵。绘画艺术所具备的社会性特征，可以归结为现实与艺术相结合的反映产物。并可将其内涵理解为对于社会的理性认识，在抽象的绘画作品中，内容美大多来自于艺术家的主观创造，还有许多主题不明确的作品，由于并不能表现思想内容，便属于“非主题性艺术”。在绘画艺术审美特征中，中西方绘画艺术由于受到的文化背景影响不同，绘画作品的表现内容也有差异，中国绘画在发展过程中，运用人物、花鸟、山水和肖像等意象，并始终保持着自身的独特性。而西方绘画通过对历史、宗教、人物和风景的影响，与中国绘画相比，传统西方绘画在内容美方面更为写实，而中国绘画则重视形象的类型化和概括性，并在表达思想内容的方面，重视运用象征和含蓄的意象，追求画外的绘画境界。在绘画艺术的审美特征中，中国绘画在内容上寄托着对于美的理解，而中国画的灵魂也正是绘画的内容美。中国绘画受到哲学影响，将神韵和意境作为中国绘画艺术中的最高境界。在绘画过程中，对于内容美的强化需要把握意与象的结合与运用，将神韵表现在艺术与现实的处理方面，从而连贯艺术构思与象征意境的发展，从而推动绘画艺术内容美的发展。

2.绘画艺术的形式美

随着绘画艺术的发展，人们也更为重视艺术作品的形式美，绘画艺术的形式美体现在形式结构的多样统一中，而绘画作品形式结构具体表现在构图方面，构图的原则是多样统一，并且让绘画内容中，取得统一，让艺术作品呈现出整体的和谐美感。与西方绘画相比，传统中国绘画，在构图形式上，通常会在画面上留下大量的空白，从而表达出淡泊的创作思想。在中国绘画的形式构图中，充分运用浓淡、疏密、宾主和虚实等形式，富有表现力的线条也正是绘画艺术的形式美之一，在世界绘画艺术的发展历程中，线条始终处于重要地位。线条随着绘画艺术的演化，更具有表现性、含蓄性和象征性。色彩作为艺术作品的重要因素，对于绘画作品往往起到关键的装饰作用，从而促进绘画作品的完美，而色彩也能体现出绘画的形式美。随着色彩运用方面认识水平的深化，色彩在绘画作品中国的作用也更为重要，在中国绘画中，色彩上的浓淡运用，也是画风演变的重大趋势。

二、个体的道德素养生成

道德素养作为社会意识形态的重要内容，也是个体在日常生活过程中的重要规范和准则。道德素养能通过社会舆论对日常生活起到约束作用，而道德素养的生成主要体现在主观和客观两个方面。道德素养的主观方面以个体的到的活动为中心，强调接受和认知道德素养的主观能动性，并表现在个体对于伦理行为等客观规律的认识、社会道德目的认知以及个体与他人是否符合道德标准的认知。

绘画艺术的特点范文第5篇

关键词：儿童艺术 率真 稚拙 荒诞 现代主义

一、引 言

人们过去并未意识到儿童随意而愉快的涂抹有什么特殊意义，更谈不上对儿童艺术的发现及关注，然而，随着人类艺术史上对儿童艺术的发现及现代艺术的产生，儿童艺术在当代艺术世界的位置正日益凸显。现在，“儿童艺术”已是被普遍接受的概念，儿童艺术中那种形象的简化、画面的和谐、富有表现力的线条、大胆的纯色平涂以及那种无意识的创作状态，使得西方现代艺术家怀着新奇的目光从儿童艺术中汲取营养。

二、西方现代主义艺术大师对儿童艺术的认识与评价

儿童的作品究竟有何魅力？为什么会吸引全世界艺术家的目光？在儿童艺术中，儿童常常以其天真率直的心态每每使我们拍手称快，是任何人为的方法都无法企及的。儿童艺术是无意识下创作的作品，是儿童心智和心绪的自然流露，往往呈现着艺术创作最初的也是最纯粹的源泉。其构图造型稚拙有趣，似无法之法，有意想不到的生动。正如黑格尔所说：“儿童是最美好的，一切个别特殊性在他们身上好像都还沉睡在未展开的幼芽里，还没有什么狭隘的东西在他们的胸中激动，在儿童还在变化的面貌上，还看不出承认繁复意图所造成的烦恼，因而在儿童绘画里表现出来的是他们对事物无意识的、天真率直的看法。”儿童艺术更具创造性和表现性，注重个人感受。儿童天性充满热情，能主动、自由地表现画面，儿童看世界有他们自己的独特眼光，他看起人来，只看到一个人的一个大头，头上的两只眼睛，一个鼻子，一张嘴巴，什么耳朵、头发、眉毛，他都没有看见，所以他不画一个人的身体，他看得不重要，只画一条线来表示。这些入眼的观察对象在儿童的心目中形象分外鲜明。儿童是画其所想而非画其所见，因此儿童画出的作品往往想象丰富，用色大胆，富有生气，有更多的灵性。西方现代派艺术中，反叛传统，追求单纯和质朴无华是其共同的目的和重要特征，因此，现代艺术家们不约而同地将目光投向了儿童艺术，而且给予儿童艺术以高度的评价，甚至对儿童的艺术状态和儿童的艺术作品崇拜不已。现代艺术大师毕加索曾说过：“我曾经能像拉斐尔那样作画，但我却花了毕生的时间去学会像儿童那样作画。”这在当时是很有代表性的。其实这种对儿童艺术的新的认识和评价在野兽派那里已有所表现。康定斯基崇拜儿童艺术是因为他认为儿童艺术是对事物内在本质的直觉表现，他说：“儿童除了描摹外观的能力之外，还有力量使永久的内在真理处在它最能有力地得以表现的形式中。……儿童有一种巨大的无意识力量，它在此表达自身，并且使儿童的作品达到与成人一样高（甚至更高）的水平。”画家马蒂斯、杜飞、夏加尔，尤其是克利、米罗和杜布菲等，同样感到了儿童艺术的魅力。西方艺术家所向往的那种无意识的创作状态、“信手涂抹”在儿童艺术那里得到了很好的诠释。

三、西方现代主义绘画对儿童艺术的借鉴与模仿

从19世纪后半叶起，西方画坛发生了重大变化，眼花缭乱的西方现代画派，既受到儿童绘画在艺术形式上以及表现技巧方面的启发，更受到儿童对待绘画的基本态度无意识的强烈冲击。对儿童艺术的推崇与模仿直接反映在他们作品的形式中。克利就一直崇拜儿童的这种天真状态，并以自己的方式加以模仿。克利在绘画技巧上使用儿童那种环绕的、粗陋的轮廓线，反应在作品《动物园》、《他喊叫，我们玩》和《女舞蹈家》中，这些画中线条技法与儿童素描的线条技巧很接近，尽管它更细窄，更优美。《高架桥的革命》画面上简单的甚至笨拙的高架桥，表现出了克利对儿童画天真稚拙的形象以及符号化形象的兴趣。在米罗的绘画世界中同样可以感受到这位大师对儿童艺术的推崇，在他1948年至1953年的许多绘画作品中，人物没有身体表现，头部直接安在以球形脚为末端的直腿上，整个脸像一个不规则的椭圆形或圆形，这种极端单纯化的形象的变体，也就是儿童画中的“蝌蚪人”样式，如作品《在甲壳下部》、《黎明时瞪羚的哭叫》和《绘画》以及早期最有名的作品《农场》都已呈现出一种儿童般稚拙的风格倾向。后来由于战争，米罗的作品表现出前所未有的恐怖之感，但画面依然保持他那种天真、优美的风格。如系列《星座》及《女诗人》都是在战争的威胁之下创作出来的，但我们从中看不到任何血腥的痕迹。无怪乎有批评家说：“米罗的天才是一种返老还童的天才。”涂鸦和儿童艺术也是杜布菲的范例和灵感来源，他特别赞同用最简单的正面和侧面形象及儿童的轮廓线风格画出大脑袋粗陋人物，也赞同儿童对记忆中传达信息的细节的强调，杜布菲甚至希望以更加粗蛮、直接和确定的方式抛弃“后天学到的手段”，去探讨一条回到“艺术基本的、形成的时期，记录下儿童式的天真与好奇状态的道路”。在他早期的作品中，如《街上的男人》画面中描绘的是巴黎的景色与生活，具有一种天真稚拙的趣味。此后，他很快摆脱了克利艺术中那种幻想、略显天真的气质，而转向一种独特的、奠定自己在艺术史上地位的绘画创作方法，创作出一些涂鸦形态的作品，如在《人间的联欢节上》，我们可以看到的一种以此法创作出来的令人厌恶和不安的欢乐氛围。

西方现代派艺术中的荒诞和随意性与儿童艺术中的荒诞和随意是一致的。“荒诞艺术比起优美、崇高的艺术更加深刻地表现了人之所以为人的内在生命力。”这是西方现代画派对怪诞艺术的看法和推崇。现代派大师马蒂斯、毕加索等人就从古代非洲的绘画和雕塑中吸取怪异而又荒诞的特点，在我们的眼中极不符合常规，但这与儿童美术中的无意识荒诞的想法极为相似。西方现代主义绘画对儿童艺术的接受主要表现在欣赏他们的天然和单纯，使得他们的作品具有稚拙的面貌,法国评论家在观看他们的画展时,曾称这些颜色不符合“客观实际”，艺术形象难以理解。虽说在现在看来有点言过其实，然而的确在马蒂斯等人的作品中反映出画家进一步转向表现内心情感,这也是近现代以来西方绘画逐渐摆脱传统上摹写现实的主流画法的新的一步,在野兽派绘画中,马蒂斯等画家的一些人物画有一个特点,人物的形象往往有弯曲的形态和封闭的轮廓线。如马蒂斯的《浴者》和《海滨妇女》,这些作品使人想起儿童艺术的某些特点，人物的形象看起来“不准确”。上述这些对儿童艺术语言的模仿甚至直接挪用只是一个方面，更重要的是现代艺术家们从儿童那里重新获得天真、纯朴和清新的内在品质。