设计艺术

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇设计艺术范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

设计艺术范文第1篇

关键词：唐朝；宋朝；设计艺术；艺术风格；比较

唐宋两朝在中国社会发展史中占有重要位置，宋朝对唐朝有着大量继承和发展，但就社会审美趣味和设计艺术风格来讲，由于两朝社会背景和思想文化的不同，却存在天壤之别。唐朝和平开放，可谓百花齐放，兼容并蓄，形成了雍容大度、华丽丰腴的设计艺术风格。而宋朝虽只有“半壁江山”，确是古代设计走向成熟、走向市场的黄金时期，宋朝在艺术形式上追求朴素自然，空灵简意，比唐朝更显典雅质朴，清新大方。

我从几个方面分析了宋朝与唐朝设计艺术之不同。

陶瓷设计艺术：造型单纯古雅，装饰平和简素是宋朝陶瓷艺术的突出特点。宋瓷功能合理，形体简洁流畅且富有变化，与唐朝浑圆饱满的瓷器造型相比更显轻盈洒脱。装饰上，唐朝多采用堆贴捏塑的手法，风格华丽且具有浓郁的异域情调；而宋瓷装饰釉色浑厚，以单色为主，体现了对和谐淡雅的追求和对天然之美的渴望。

铜器设计艺术（铜镜）：唐朝铜镜多为圆形，只有少量方形、菱形等，而宋朝推出鸡心形、盾形、钟形、鼎形、炉形和带柄的铜镜。唐朝铜镜纹饰构图新颖，丰富多彩，装饰技法除浮雕、线雕外，还有金银平脱、嵌螺钿等，其用途主要作为生活用品和珍贵礼品；而宋朝由于铜料缺乏，除徽宗时的仿古镜较精美，多数铜镜熔炼不精，装饰粗放。

玉器设计艺术：唐朝玉器造型丰富多彩，配饰内容和形式新颖独特，生活器皿也充分考虑实用和观赏性。宋人爱玉，但由于玉材缺乏，形体较小，装饰技艺精湛。

金银器设计艺术：唐朝金银器发达，无论装饰品还是日用器皿，其造型都生活化，实用与审美相结合，体现了功能性和科学性的统一；装饰上在保留金银本色的前提下，通过丰富的装饰纹样和装饰手法充分展现金银的材质之美和所蕴含的象征意义。而宋朝的金银器已具有商品性，尤其是银器全面走向市场，其装饰纹样多以自然生动的花卉瓜果、亭台楼阁、人物小品和其他吉祥如意的图案来吸引消费者。

家具设计艺术：唐朝时我们便能看出日用家具形体由低向高发展的不可逆转的形式，传统床榻高度继续增高，新式高足家具品种增多；到宋朝，逐渐形成了高足家具的完整组合。唐朝家具装饰图案花纹增多，还在有关部位增加了装饰部件，特别是用图案雕饰来完成；而宋朝家具的突出特点是装饰线性脚和绘画艺术的普遍应用。

建筑设计艺术（城市、建筑、陵墓）：唐长安城布局仍承前制，采用规整对称的全封闭设计，建有宫城、皇城、外郭三大部分。宫城与皇城集中在全城北部中心，以南则建有棋盘形街道分割坊里，形成北宫南市的城市格局。其建筑多采用木构技术，雄伟壮丽的宫殿和某些庙宇佛寺都成为我国古代木构建筑艺术的珍贵遗存。

宋朝是中国古代城市制度的大变革时期，商业和手工业突破了唐朝城市封闭的访市制度，而代之以临街设店铺，沿巷建住宅的开放型新格局。宋朝居民建筑的一大特点是私人宅第的园林化，此时，中国传统的木结构技术发展的更为成熟，并出现新的生产工具——框架锯和刨子，也有了大型官式建筑法规——《营造法式》。宋朝的陵墓多用砖刻表现建筑形式，平面布局上整齐划一，与唐朝陵墓相差很大。

印染织绣及服饰设计艺术：唐朝的印染织绣具有富丽神秘的风格，纹饰以花鸟为主，反映生活，受宗教影响，纹饰中佛像也增多，这些纹饰造型丰满，形象写实，色彩富丽。而宋朝的印染织绣却一反唐朝的富丽堂皇追求淡雅和谐的风格，纹饰花鸟渐少，花卉居多，构图曲折，清新柔婉，与唐朝构图常用团花，端庄饱满的风韵迥然绝殊。另外，寓意美好的吉祥图案也用来做装饰，以天下乐和一年景最为重要。转贴于

由于唐朝思想观念开放，妇女地位提高，服饰宽松飘逸款式多样，且出现袒露样式；首饰与配饰设计也用料丰富，样式新颖。宋朝提倡朱程理学，服饰较唐朝则显得拘谨、保守、等级严格，其款式简洁，色彩清淡；首饰和配饰也做了严格规范，不如唐朝丰富。

以上我从部分器物的造型、装饰、制作工艺以及家具、建筑、织物服饰设计等方面分析比较了宋朝的设计艺术与唐朝相比存在的差异，其实，这种差异还体现在其他多个方面，比如漆器、石窟雕塑、平面设计等等。总的来说，唐朝的设计艺术可谓色彩斑斓，富丽华美。而宋朝则是含蓄天然，淡中见浓，浅中显深，具有“清水出芙蓉，天然去雕饰”的风范，对后世的设计艺术影响极远。

参考资料：

[1]杨泓、李力.美源[M].三联出版社，2008.

设计艺术范文第2篇

一、设计艺术的历史溯源

雨果说过：“没有艺术，人类的生活便会黯然失色，而艺术是伴随着人类的发展而不断延续的”。设计作为艺术与科学结合的产物，它是在人类社会实践过程中不断形成和发展的，其价值在于它的社会性和服务性，因此它不同于艺术的个人行为。

设计艺术的起源可追溯到原始社会，当时的器物体现了装饰性与实用性的统一。然而，正是由于实用性与装饰性的统一这一特性，该时期的设计对象和题材并不广泛，因此，一般只把生产对象或生产工具作为表现题材。如：我国新石器时代的红陶、灰陶、白陶，多用折线纹、波浪纹等装饰图案。它们反映了该时期人们对周围世界的观察和认识，以及设计与生活密不可分的关系。

二、设计艺术的发展

我们会发现在人类造物的早期，很难区分其物质的工艺形态和艺术形态。后来随着社会分工越来越细，以及对行业专业性的要求越来越强，才使得艺术从实用技术中慢慢地脱离开来。纯艺术与设计艺术的区别就在于，前者注重的是审美性，强调个性的自我表达，而后者注重是的是实用性和功能性，立足于解决问题。简明的说：艺术是我，设计是他。虽然如此，设计与艺术二者之间关系既是历史的，也是密不可分的。

在漫长的历史长河中，匠人不仅要对产品的形态进行深入的思考，同时还要将其完整的制造出来，直到19世纪，伴随工业革命的发生，机械的出现打破了传统的工艺模式，机械制造代替了手工制造，设计艺术开始从纯艺术中慢慢地分离出来成为一个独立的行业，这时的设计艺术与生活的关系比先前的任何时代都显得更加紧密，因此人们对设计有了更高的要求和更迫切的期待。

但是由于当时的工业机械制造水平的低下，工业产品显得粗制滥造、美学标准失落，于是引发了1880―1910年间以英国为中心的设计运动“工艺美术运动”。由英国人约翰-拉斯金和威廉-莫里斯所倡导的“工艺美术运动”提出了“艺术与技术相结合”的原则，强调“师承自然”，鼓励“服务大众”，同时推崇“东方艺术”，才使得产品的功能性越来越突出。

一战后，随着科学技术的快速发展，经济水平的逐步回升和社会环境的相对稳定，为“新建筑运动”的发展带来了一次新的机遇。在这个时期各种设计思潮纷纷涌现，体现了战后人们对人的价值的重新的认识与思考。如: 美国“芝加哥学派”的路易斯-沙利文提出“形式服从功能”的口号。随后他的学生弗兰克-赖特进一步提出“有机建筑论”。与此同时在欧洲，位于德国魏玛的一所设计艺术学校“包豪斯”对现代主义设计的形成与发展产生了巨大的影响，它提出了：“标准化”、“功能主义”、“理性主义”的原则。因此该学院被称为“现代主义设计的摇篮”。

但由于“现代主义”过多的强调“功能主义和理性思考”而忽视了人们的心理需要，所以从20世纪60年代后期起，设计开始从严肃的、冷漠的功能主义转变到更为人性化和更加色彩斑斓的设计风格，开始注重思考设计与环境的关系。

伴随着20世纪末信息革命和互联网的发展，人们越来越重视设计的人性化和个性化，我们可以清晰的发现人们对产品的追求已不再是满足一种对物的欲望，而是一种对高品质精神生活的渴望，因此新的时代赋予了设计师新的课题。设计只有植根于生活的土壤，才能凸显生命力，人们可以不知道“荷兰风格派”或者“俄国构成主义”，可以不了解格罗佩斯，可以对“后现代主义”一知半解，但这并不影响人们开着BMW，穿着NIKE，玩着ipod，。原因设计艺术早已进入你的生活。

三、设计艺术与生活方式的关系

任何事物都有它的两面性，设计也从不例外，它在给我们带来安逸生活的同时，也在消耗着日益短缺的资源，并对地球的生态平衡造成了极大的破坏。特别是工业设计的过度商业化，使得设计成为鼓励人们无节制消费的重要介质。例如：由通用公司总裁斯隆提出的“有计划的商品废止制度”就是这种现象的极端表现。正是在这种背景下， 我们越来越认识到人类不仅需要得到产品和服务，满足自身，更需要在人―社会―环境之间建立起一种协调发展的机制。

简而言之，设计艺术与生活方式的关系有以下三点：

① 设计的功能性是设计的基础。我们可以发现我们身边各式各样的包装最基本的功能都是保护物品的完整性；环境设计中导向指示的作用在于正确的传达信息、引导受众辨别方位、从而提高人们生活、工作、交通等方面的效率。

② 设计的安全性、无障碍性则是功能的延伸。在一些人群聚集的公共场所，我们不只是为平常百姓进行合理的规划与设计，我们更要为一些弱势群体提供无微不至的便利。

设计艺术范文第3篇

设计是一门有独特魅力的艺术形式，她容极简、婉约、质朴、淳厚为一身；宛若江南布衣采莲女子般娟秀可爱；至清新而脱俗，出污泥而不染。

恰逢观赏了一场设计展览，一如会了老友一般，竟有了创作的冲动和对于生命的感悟。设计于我的个中含义更象是大脑思维的一面镜子，反射出我思想里一些光辉而闪烁的东西。有些想法虽未付诸笔端，却也让我对生命和自身有了一份认识和感动。

同大多数人刚开始欣赏苏州园林时一样，我对拙政园的看法是：就是一座古朴的老宅。孰料拙政园带给我的惊喜远非“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”这样简单的发现之美，而是实实在在的体现着中国古建筑设计的精华。回想当初刚刚接触设计时，我对设计的初印象也如对园林设计的初印象，即：不过是艺术设计的小玩意罢了；但随着研究的深入，我不禁开始思考，原来设计是这样：可以集智慧与艺术于一身，这么多的让人欣喜与感动。

探讨设计的本质，先来看看设计始于何时：

追溯设计的历史，笔者通过研究认为应该和绘画的历史一样的久远。设计是伴随着人类的文明一路走来的：比如古人对石器、陶器、骨器的制作、居住洞穴的改造、布置、标志图腾的运用等等，无不透着设计的味道。按照人的自我意识对客观世界进行有创意的改造，这就是笔者对于设计的理解。那看来，设计的历史上旋自旧石器时代了？不然，我们来看看动物世界，如果人类不把自身看得过分高贵的话，黑猩猩对于捉白蚁工具的改造，是否可以看成是设计的雏形？那和黑猩猩有着近亲血缘关系的人类始祖是否很早就开始了设计思维的表达，是否有了人类，便有了设计，就有了艺术的萌芽？

我们的老祖先用兽骨、陶器、石器等来装饰自己，可以看出人类一开始就具有审美意识并不断进行着各种审美创作的尝试。随着人类社会的发展，艺术水平的提高，设计也在日臻完善，设计的发展史同人类历史的发展史密不可分。

我国的现代化设计起步较晚，但随着经济的高速发展，各种商业设计也如井喷一样展现在我们面前，虽然个中不乏精品，但总的态势呈现急功近利的味道。什么时候经济的脚步放缓了，各个设计师冷静下来重新审视自己的设计作品是否有文化底蕴和社会责任感，是否经得住历史的考验，这才是设计发展应有的方向。

设计究竟会怎样？这样的问题常萦绕在笔者的头脑里，一个成功的设计终究是要感动自己，进而感动受众的。如何将各种图形设计符号元素按一定的规律来排列、组合并具有独到的见解与独特的视觉识别效果，这是相当考量设计师的个人素质和人文修养的。现在看来，设计的下一步发展应该是围绕人本身，注重设计主体的人文表达和素质提升，并在设计过程中关注受众的感觉，使他们更好的理解设计艺术，进而推动艺术设计健康、有效、长足的发展。

设计既是人类智慧的结晶，但同时设计也是一把双刃剑。有好的设计，也有差强人意的设计，甚至是违背艺术规律的设计。但凡是优秀的设计，都衡量着设计师的道德修养和文化素质，稍不留神，就极有可能误导大众，颠覆艺术的本质。

另外，设计过程也是一个互动的过程，有设计师、有设计对象还有受众，三方互动才能最终创造出优秀的设计作品，缺一不可。有的设计师讲究个性，不愿也不允许客户（受众）参与意见，结果他的设计作品不能得到客户的认可，流于形式，不被受众接受，最终，也是一个无用的设计。

我们一般说教师是人类灵魂的工程师；其实教育工作者也可以看成是人类灵魂的设计师。关于教书育人的设计，成功与失败总在一线之间。成功的教师对于学生专业、职业、人生的设计起着重要的作用。正确规划学生的思维和德行是每一个教师的职责和义务；失败的教师也如失败的设计师一样，误人子弟，害人害己。

在教书育人的设计过程中，设计对象和受众是合二为一的。教师对学生进行人生规划设计的时候，也要进行必要的沟通和互动。毕竟学生不仅是教师的作品，也是设计的受益者，尊重学生的设计要求和诉求，也是教师人文教育设计的基础。教师的作用应该是在尊重学生意愿的基础上，进行专业艺术加工、归纳、升华。起到人生导师的积极作用。这样不仅教师有创作的满足感，在整个职业规划设计过程中，学生也始终有参与，他们同时也具有创作的成就感、满足感以及强烈的自豪感。

参观过世博会，我们可以看到顶尖设计常常是与人类自身紧密相连的，具有不可分割性，也就是设计的终极目标应该朝人文方向发展；教育设计同样道理：“人”是设计的主体，也是设计的客体，也是设计的践行者和受众；所以关注人的需求是教育和设计需要不断研究的课题。

我们可以把设计理解为是对自然的再创造过程；人类有计划、有目的的改造着身边的物质世界，使万事万物尽量符合我们的思维定势和生活模式，设计在我们的生活中也起着至关重要的作用。没有了设计，人类就失去了创新的意识和改造的激情，我们的生活将变得如此的乏味和无聊。

设计艺术范文第4篇

新的科学技术将人类不断带入新的时代，然而艺术则不断使这个时代变得更加丰富。科学与艺术作为人类生活的物质与文化的两个重要组成部分，它们之间的关系问题固然也成为当今研究者研讨的热点了。设计艺术是两大要素的对立统一，即功能合理性所依托的科学技术和审美所依托的艺术。无论哪一种设计风格或设计产品，它的最终服务对象和使用者都是人，人的需求一端连着科学技术解决实用性的问题而另一端则连着艺术创造解决审美问题，综合起来就是设计艺术。科学技术与艺术可以说是一对双胞胎，并以实践为纽带相互影响，并肩发展。科学技术是设计的基础，而设计是科学技术实现为人类服务目标的手段。科学技术的发展水平会直接影响设计水平。科学技术的进步造就了设计的大环境，科学技术的进步与社会背景、环境状况的种种改变，都会影响着设计师的选用材料、设计风格、设计方法。随着方法、材料、工具的改变与变化，科学技术对设计活动产生着直接影响。

二、科学技术与设计艺术的交织展

2.1科学技术与设计艺术的交织

技术与艺术自古以来就是分不开的，无论是原始社会还是近现代社会，科学技术与设计都是联系紧密，既相互对立又相互转化的。设计是“艺术化的造物行为”，它与科学技术一样，都需要创新，这样制作出的物品才能够满足使用者的心理与使用需求。如西汉长信宫灯：宫灯灯体为鎏金，双手执灯静坐的宫女，神态恬静优雅。灯体通高48厘米，重15.85公斤。长信宫灯设计十分巧妙，由头部、右臂、身躯、灯罩、灯盘、灯座6个部分分别铸造组成，头部和右臂可以组装拆卸，便于对灯具进行清洗。宫灯部分的灯盘分上下两部分，刻有阴阳家的铭文，可以转动以调整灯光的方向，镶嵌于灯盘沟槽上的弧形瓦状铜板可以调整出光口开口的大小来控制灯的亮度。右手与下垂的衣袖罩于铜灯顶部。宫女铜像体内中空，其中空的右臂沉积于宫女体内，不会大量散逸到周围环境中，既防止了空气污染，又有审美价值。可以说长信宫灯非常符合现代人体工学和以人为本的概念，在环保功能与光学照明方面的设计运用。20世纪以来，科技文明的进步，使得科学与技术、艺术之间的关系密切程度提高了。21世纪后现代艺术设计要求设计师要更科学、更理性的去创造与认识一切，这样现代先进的科学技术才能成为设计师设计创造的更有力的支持与保障。所以说现代艺术设计与科学技术是密不可分的兄弟关系。比如现代一个不懂计算机技术的设计师很难展开他的设计活动，或者说不用计算机的辅助，会在速度以及效果图上落后于其他熟练操作各种辅助软件的设计师。又比如即使是在传统绘画方面，也面临着在新材料、新工艺的出现上，科学技术快速发展带来的各种问题，作为一个现代的艺术工作者，既要有返璞归真的思想也要有勇于创新的勇气，不能单一的去追求某个方面，否则就会走进思维的死胡同。

2.2科学技术推动艺术设计的发展

科学技术服务于人类的生活与生存需求，与设计的目的几乎相同，同样都是为人而设计。设计艺术需要借助科学技术创造更新、奇、异的效果。科学技术同样也离不开艺术，因为他需要艺术的外壳来包装自己、推广自己、以最快的方式得到大众的认可。所有的艺术都离不开日益更新的科学技术，有了新技术的血液注入，传统的艺术形式才能够得到继承的同时被完善和发展，从而变得更加绚丽多彩。随着经济与科技的发展，人类的生活变得更加丰富多彩了，但是由于活动的种类与规模的不断拓宽，造成了严重的环境污染和大面积自然的过度开发。所以人类开始重新思考正确的发展模式，通过创新新能源或改进原有能源技术从根本上进行治理，提高现有能源的利用效率、开发清洁能源等。在七十年代，格鲁斯在德国首先提高了再生循环处理设计思想，这种设计思想就是生态设计，也称为绿色设计或生命周期设计，这是一种新的设计观念，是将环境因素纳入设计中，进而帮助设计决策方向。如今，人们开始进入“数字化”的时代。从前的二维设计状态不断地受到三维四维设计的冲击，设计师在不断探求新的领域，而受众也在不断尝试接受新的设计状态。由于技术的支持，艺术家的思维也延续到其他领域中去寻找突破的灵感。所以说“数字化”时代的科学技术为艺术设计创造活动提供了更广阔的的造型基础，现代艺术设计也逐渐由传统设计方向向“数字化”方向转变。

三、结语

设计艺术范文第5篇

关键词：设计艺术；教育；专业选择；艺考；综合

一、走进设计艺术

很多人容易把设计艺术与纯艺术混为一谈，误认为两者都只是关着门搞创作。当然这情有可原，因为设计艺术与纯艺术联系很大，设计可以说是纯艺与社会的桥梁，它把艺术带入设计，让艺术大众化，普遍化，让人们更容易认识艺术接受艺术。而他们同样有区别，纯艺术的创作来源生活但高于生活。一幅油画，一座雕塑，它是艺术品，一个观赏物，并不是所有人都能看懂作家的内涵和想法。而设计是先高于生活后回归生活。当设计师提取纯艺作品的元素进行创新设计后，这些艺术品立刻变成人们身边最平常的日常用品，而且从中感受到艺术的魅力。

设计艺术与文理专业的联系同样不小，在一项优秀的设计中往往要贯穿很多不同领域的学科知识。比如建筑设计，需要数学逻辑、力学、物理专业方面的支持。环境艺术设计需要生态、人文、地域、气候等多方面的了解。工业设计需要联系人体工程、生物工程、材料、市场等专业。一个好的设计师必须具备好的综合素质，了解更多的背景和历史，运用更宽领域的知识和材料。考虑面越广，覆盖面越大，设计出来的作品才能得到广大人的认同，经得起时间的考验。所以设计艺术的教育是多元性的，在培养学生设计能力的同时也不能忽视其他专业的学习。设计艺术也同文理专业有很大区别，设计艺术的实践高于理论，技术实做性强，需要创造性思维，并且注重灵活性、创新性。为了开发和培养学生的个性特征和创造性，一般艺术院校主要采用小班制和多元化的授课形式。这也决定了它的考试、教育都应与一般的文理专业不同。

二、对中国目前设计教育的看法

随着国家进步，社会发展急需大量设计类人才，设计艺术直接服务于经济建设，是繁荣经济市场的重要力量。行业中的设计师也成为人才市场一道靓丽的风景线。人们认为设计师是前卫的，是开放的，是“洋气”的。再加上近年来国外的各种新设计来袭，这使得年轻一代越来越向往设计领域。促使他们选择走向艺考这条道路，导致艺考升温，竞争强烈。

最近几年来“艺考热”已经成为众所周知的现实，面临这样的情况，不仅艺术类专业院校在扩招，各类综合类大学也在建立自己的艺术院系。艺术类的迅猛扩招，导致考生的增加，势必水涨船高。由于门槛降低，生源素质也受到影响，艺术类也成了拿文凭的手段之一。我身边不乏有这样的同学，因自身原因无法通过文理专业进入大学，在最后用三个月突击学习艺术，选择设计专业。这根本谈不上个人理想，也没有明确目标，不在乎专业是否适合自己，只为了能拥有外表光鲜的“大学生”称号。这样的扩招也从根本上降低了教学的水平。由于师资水平、培养模式、管理结构等客观资源的制约，在教学环节上出现了很多问题。比如很多高校为了扩招，把小班变成大班，一个设计班甚至高达40人到50人。每个学生设计出来的作品甚至都来不及听到老师的半句点评，更不要说老师手把手的教授每一个学生技术实践，从而降低了教学质量。对艺考的升温现象应该有所反思，它是把双刃剑，在保证能为国家为社会源源不断提供精英人才的同时也成为学生将来就业的现实问题。不能以牺牲质量为扩招付出代价。学生学有所成才能为社会带来贡献，如果直到毕业也毫无收获，则不仅浪费金钱、资源也浪费了时间。

设计艺术专业除教育不同于其他专业外。考试也应该有所不同。但事实并非如此，目前设计艺术的招考的方式和文理专业一样八股，而考试内容又和纯艺术一样。单一的技巧考试并不能考验学生的创造能力和审美能力，这样机械的考试，录取了机械的学生，怎么才能学好设计?国外一位著名院校的校长曾说过，既然每个孩子生下了就有不同的外貌、性格、成长环境等，为什么都要一样的方法来培养?而设计专业也有别于其他专业，为什么还要用同样的招考方式来选拔?作为一个综合性的专业，更应该看重学生的文化程度，和思维能力。所以，现在的招考形式已经可以适当尝试改革了，当然这种方式还需要探讨。伯乐识马，并非易事，但有一些思路还是可行的，比如加考一些创意表现考试，并提高分值。技法性考试比如素描，水彩可以削弱一些。文化课分值还是保持适中，不能因扩招而大幅降低学员素质。普遍的艺术设计老师们认为知识越丰富，视野越广的学生越适合做设计。总之，设计艺术考试应该有别与纯艺术考试，这样才能招到合适的设计学生。