从罗丹得到的启示

前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇从罗丹得到的启示范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。

从罗丹得到的启示范文第1篇

[内容]

罗丹（1840－1917），19世纪法国最伟大的雕塑家。他从小热爱美术，后就学于巴黎国立工艺美术学校，从师于著名雕塑家卡尔波等人。在青年时代，他曾在布鲁塞尔等地干过许多同雕塑有关的杂活，为他日后的创作积累了丰富的经验。1875年，他旅游到了意大利，深受米开朗琪罗作品的启发，从而确立了现实主义的创作方法。罗丹的一生献给了他心爱的雕塑艺术，不断以极其严肃认真的态度和忘我的工作，探索艺术创作的真谛。据说他在创作《巴尔扎克纪念像》的过程中，经常审视雕像的稿子，思索、琢磨不能令人满意的原因。恰巧，有一天雕塑家布尔德尔来拜访他，看到巴尔扎克的手被塑造得十分精彩，惊叹不已，以至久久凝视这双手。罗丹发现了这种情况。……此后，这双完美的手永远消失了。在他看来，整体感高于一切，任何细节必须服从于作品总的效果，总的意图，假如某一细节分散了观者的注意力，哪怕它本身多么优美动人，也要毫不留情地割舍、抛弃。这个故事真实反映了罗丹对艺术的追求。

茨威格（1881－1942），奥地利著名作家。他生于维也纳一个犹太工厂主家庭，从小爱好文学。后来到大学里攻读哲学和文学。第一次世界大战期间，他流亡瑞士，和罗曼·罗兰一起进行反对战争、争取和平的斗争，是世界闻名的和平主义者。战争结束后，他长期隐居在萨尔茨堡，从事文学创作。1928年，他应邀到苏联去，在此期间结识了高尔基，两人之间建立了深厚的友谊。1938年。祖国法西斯占领奥地利后，他流亡英国，后又被迫逃往巴西直至去世。茨威格的文学活动从诗歌创作开始，早期诗集《银弦》（1901）、《往日的花环》（1904），他的主要成就是在传记文学和中短篇小说的创作上。如著名传记有《三位大师》（巴尔扎克、狄更斯和陀思妥耶夫斯基传，1920）、《罗曼·罗兰》（1921）、《三大诗人》（卡萨诺伐、斯汤达和托尔斯泰传，1928）等。小说集有《最初的经历》（1911）、《马来狂人》（1922）、《混乱的感觉》（1927）、《象棋的故事》（1941）等。此外还有长篇小说《焦躁的心》（1938）。《全神贯注》是根据茨威格《从罗丹得到的启示》一文改写的。茨威格在文中回忆他在罗丹家做客，亲眼目睹罗丹全神贯注修改雕像的全过程，以及从这件事中得到的启发。下面将文中结尾的几段文字抄录如下：“在那天下午，我学得的比在学校所有的时间都多。从此，我知道凡人类的工作必须怎样做，假如那是好而又值得的。“再没有什么像亲见一个全然忘记时间、地方与世界那样使我感动。那时，我领悟到一切艺术与伟业的奥妙──专心，完成或大或小的事业的全力集中，把易于弛散的意志贯注在一件事情上的本领。“于是，我察觉我至今在我工作上所缺少的是什么──那能使人除了追求完整的意志而外把一切都忘掉的热忱，一个人一定要能够把他自己完全沉浸在他的工作里。没有──我现在才知道──别的秘诀。”

从罗丹得到的启示范文第2篇

例如，我班金达同学，入学时学习成绩很差，习惯很不好，语文基础很弱。对于这样的学生我采用了表扬鼓励法。在表扬之前，我先了解金达的学习态度，他告诉我说：“老师，我也想学习，但同学在课下不是抢我的本，就拿我的笔，有的同学还借机打我几下，我觉得学习没意思，这样学习也学不好，我也不知道他们为什么总欺侮我。得此信息之后，我继续向班内同学了解，金达老实，同学们都拿他开心，因为他学习不好，他不敢给我们告诉老师。所以，谁都敢来欺侮她。根据以上的情况，我总结一点，只要让同学们清醒地认识到金达在老师的心目中有地位，金达自然会有学习自信心，不会有自卑感。于是就在课上我们发生了这一幕：

老师问：“同学们，你们从《我从罗丹得到的启示》这一课中，得到的启示是什么？”同学们纷纷举手，金达在后面左顾右盼，好像要举手，我感觉这是一次好机会。于是，我声音响亮的叫了一声“金达，你回答，无论对错，你是第一个举手回答，值得表扬。”他站起来，手挠一挠头，不好意思地说：“同学们，别笑我，我认为是专心”。 我此时向金达挑起大拇指，全班同学都向她送去异样的目光，时间好像在瞬间停止，我紧接着说：“太棒了，同学们，给点掌声。”同学们掌声热烈，这一堂课、热烈、和谐、积极，顺利完成教学任务。

下课了，金达跑到我跟前，老师您叫我回答，答错了他们又该笑我了。我很肯定地说：“从今天开始，我会给你创造课上回答问题的机会，就看你的表现了。一周的时间过去了，金达的脸上露出了笑容，每次上交的作业越来越及时。作业本上，我都会印上“好、加油”，这种无声的力量使金达一天天进步。学生言谈话语中，流露出的都是金达的变化。孩子们看到这样一个学习薄弱生都在努力进取，他们也在课上争先恐后，使课堂气氛活跃、积极，获得了学习的时效性。

在每一次测试之后的巨大进步，我都公布于众。尤其，向金达这样的学生，我会更夸张的表扬，让他们在同学心目中占有一席之地。

课堂上的表现，我认为教师的调动、认可、很重要，不在于回答问题的正确与否，而是让他们感觉到老师在乎每一个学生，让他们都感到受宠，在老师眼里，他们个个都很棒。课堂上也就会充分发挥他们的作用。才能在课堂上把知识扎实掌握。

赞美和欣赏，使基础薄弱生有了自信心，树立了在同学心目中的地位，从而提高了学习成绩。我的实践证明：基础薄弱生得到赞赏更会让他们珍惜，他们的学习兴趣的浓厚同样能够带动其他学生，因为没有一个人愿意落后。

由此可见，关注基础薄弱生，哪怕是学生微小的进步，哪怕是学生偶然的一个亮点，老师要抓住这个微弱的火花，把它煽成熊熊大火。靠什么？靠欣赏，靠赞美。一定不要让他自生自灭，更不能无意中把它扑灭。

从罗丹得到的启示范文第3篇

类似的，巴特农神庙、故宫、凯旋门等等建筑，它们之所以成为建筑史上的经典，正是因其予人独特的精神体验。挪威现代建筑理论家罗伯特·舒尔茨先生也认为：“建筑首先是精神的庇所，其次才是身躯的蔽所。”

由此可见建筑中精神内蕴的重要性。但是，对于一名建筑师而言，要想创造美，无疑首先要感受美。在我看来，这种敏锐的感受力，是作为一名建筑师必须具备的天赋，也是一切建筑创造活动之始。

一、有形之美到无形之美

所谓感受有形，是指建筑作为一门造型艺术，必然具备线条、色彩、结构等外观造型之美。

（1） 线条之美

以维克多·霍尔塔为例，霍塔公馆的设计是他的颠峰之作，也是新艺术建筑的里程碑。在他的设计中，凡是能够运用曲线的地方，他都坚决放弃了直线及锐利的角度。在墙壁上和地面的装饰上，完全采用优美缭绕的如柔美音乐旋律的植物图案。在楼梯扶手的设计上利用了铁的柔韧性，设计成各种美丽的植物线条做装饰。在整个建筑设计中，各种曲线幽雅的蜿蜒着，渲染出永恒的新艺术曲线主题。

（2） 色彩之美

西班牙著名建筑师高迪设计的巴特罗公寓可以说其中的典型的代表。萨尔瓦多·达利曾经将其中一面外墙比喻为“一片宁静的湖水”。其入口和下面二层的墙面都故意模仿溶岩和溶洞，上面几层的阳台栏杆做成的假面舞会的面具模样，屋脊如带鳞片的兽类脊背，屋顶上的尖塔及其他突出物体都各有其怪异形状，表面贴以五颜六色的碎瓷片。奇诡的颜色组合，远望去颇象印象派画家的调色盘，但色彩却极为和谐。

（3） 结构之美

现代主义大师建筑勒·柯布西耶的作品萨伏伊别墅在设计上与以往的欧洲住宅大异其趣，充分展现了建筑结构之美。别墅轮廓简单，像一个白色的方盒子被细柱支起。水平长窗平阔舒展，外墙光洁，无任何装饰，但光影变化丰富。别墅虽然外形简单，但内部空间复杂，如同一个内部精巧镂空的几何体，又好像一架复杂的机器。该建筑采用了钢筋混泥土框架结构，平面和空间布局自由，空间相互穿插，内外彼此贯通，它外观轻巧，空间通透，装修简洁，与造型沉重、空间封闭、装修繁琐的古典豪宅形成了强烈对比。

以上都可体现建筑的形状之美，属于有形之美的范畴。但建筑亦是传统文化、地域环境以及时代精神的产物，这些都是无形的建筑语言，却是展现建筑之美的更加高层次、高表现力的手段。

（1） 传统文化之美

这方面的典型代表为皖南宏村月沼徽派建筑。月沼，老百姓称“牛小肚”，当地居民引西溪水绕村屋，其牛肠水圳九曲十弯，又把水引入村中心天然井泉处建月沼池塘，以蓄条内阳水，供防火、饮用等。月沼及其周边形成了人们的共享空间，成为“风俗民情”的露天舞台和村民自发聚会的场所。此外，徽派建筑也形成自己独具特点的马头墙（风火墙）、小青瓦等鲜明特色。不论是村镇规划构思，还是平面及空间处理、建筑雕刻艺术的综合运用都充分体现了鲜明的地方特色和文化传统。

苏州园林亦是如此，可以说，这种与传统文化相结合的特点在中国传统建筑中得到了淋漓尽致的展现。当然，这种特点并非中国独有，而是全世界共有的。在我看来，传统文化在当代的主要功能是作为文化创新的精神源泉而存在，这种传统文化之美，无时无刻不在提醒着我们创新勿失传统文化之根基。尤其对于现代建筑师们盲目、无所依据的“创新”，颇是一种很好的警示。

（2） 地域环境之美

所谓地域环境，简言之即是建筑与自然的结合。说到“建筑”“自然”这两个关键字，脑海中很难不浮现出赖特这个名字。

作为有机建筑主义的代表人物，赖特说“建筑应该是自然的，要成为自然的一部分”。从他的流水建筑、草原式住宅等等经典作品中可以深刻地体现出这一点。对于这种与地域环境相融为一体的思想，我想其对现世更大的启示意义在于环境保护。

与自然对抗，最终只是自取灭亡。与自然和谐相背离，建筑作品也很难生存地长久。所以欲得长久的建筑之美，必然需要与环境的相和。

（3） 时代精神之美

建筑是时代的产物，它是一个时代生产生活及意识形态复合作用的产品，是社会政治、经济、科学文化的综合反映。

时代精神，一则体现在政治上，如北京天安门。天安门位于北京城传统的中轴线上，由城台和城楼两部分组成，造型威严庄重，气势宏大。

它始建于明永乐十五年（1417年）。原名承天门，以示皇帝“承天启运，受命于天”。清顺治八年（1651年）重建后，改称天安门，既包含了皇帝是替天行使权力。理应万世至尊的意旨；又寓有“外安内和，长治久安”的含义。体现了出了国家权力的浓重威严感。

二则体现在与时代科技的结合，如埃菲尔铁塔等等。建筑的发展程度，除去建筑师本人的艺术素养、创新水平，还与科技的发展紧密联系。科技水平的高低，也极大程度地决定了建筑的发展水平。因而作为时代建筑，我们可以从中看到包含了政治、技术等多种方面的时代之美。

二、建筑之美到大千之美

（1） 从建筑艺术到广泛艺术之美

建筑艺术若只局限在自己的圈子里，必然造成“营养不良”。姊妹艺术之间也是相互影响的，可相互借鉴甚至是可以结合的。

建筑艺术可以从音乐中获取灵感。舒曼说过：“有教养的音乐家能从拉斐尔的圣母像中得到不少启发。同样，美术家也可以从莫扎特的交响曲获益不浅”。

建筑艺术的灵感亦可以来自摄影。建筑作为造型艺术，外在之美除去传统的线条、色彩、结构外，如何合理运用阴影也是极重要的技巧。相机的取景框中是完全的取实，因而摄影作品要展现出意境，必然需要通过利用阴影、构图等其他方式破实入虚，从而展现摄影师的情感体验，故而对于建筑师的表达方式也是极有帮助的。

艺术知识的积累本应博采众家之长，才能丰富艺术语汇，增强艺术表现力。梅兰芳先生曾告诫青年演员“不论演员或剧作者都必须努力开扩自己的眼界。除了多看多学多读，还可以在戏剧之外，去接触各种艺术品和大自然的美景，来多方面培养自己的水平，才不至因孤陋寡闻而不辨精、粗、美、恶，在工作中形成保守和粗暴。”

（2） 艺术之美到大千世界之美

感受力并非只有在面对特定建筑或是某一艺术作品时产生效力。

即便是面对一片夕阳，有人会发现“家在图画中”，有人则见“枯藤，老树、昏鸦”。不论是叹息“只是近黄昏”还是“喜作黄昏颂”，都是每个个体的感受力在发挥效用。

因此加强对生活的体验和感受能力，便同时在加强对艺术的感受力。罗丹曾说：“用自己的眼睛去看别人见过的东西，在别人司空见惯的东西上能够发现出美来”。大自然中高山流水，青树绿草，理论上来说所有人之所见都没什么不同，可是在主体感受力的支配下，同一番景色，进了不同人的眼中，便有了独一无二的美。

俗话说，艺术源于生活，建筑并不例外。感受建筑之美，从感受生活始。

三、个性、社会性、个性闪耀

这是一种令人感叹的感受力三境界的划分。我们所感知到的艺术，是了一个从个体到群体，再到个体的三段式演进路程。

艺术感受首先是个人性的。我们对任何事物的感受，首先是本能性的、直觉性的，这是第一层，纯个体性的。

然而艺术修养是一种社会性的人格素质，因此，又不能因强调直觉而把它看成是一种纯个体的东西。艺术修养有一些起码公认标尺，因此，需要先把自己的个体人格首先经历一次“从众”机制的陶冶。凡属全人类公认的世界艺术名作，要强迫自己投以积极的审美态度，学会欣赏，以取得这种社会性修养的基石，然后再来伸拓强悍的个体感受。这是一种经过理性化思考、社会化拓展的感受力，从社会角度去感受艺术之美，为第二层境界。

最后则是从个体直觉出发，再把这种直觉社会化、群体化、历史化、世界化，由此才可进入第三步，即在新层次的个体闪耀。我所理解的个性闪耀，感知到的一种个性辐射力，它虽然是个性的东西，最终却能对整个社会、各个群体产生辐射性的影响和情感震撼。

总而言之，我所理解的感受力是一种艺术直觉。它感知的来源，应当是从纯艺术向全生活发展；感受的对象，应从有形到无形；产生效力的范围，也是一个先至个体，使自身个性化、社会化，最终扩散到以个体个性影响社会的最终境界。■

参考文献

[1] 同济大学，清华大学，南京工学院.外国近现代建筑史.北京：中国建筑工业出版社，1982

[2] 黑格尔.美学：第三卷上册.北京：商务印书馆，1979

[3] 梅兰芳.梅兰芳戏剧散论.北京：中国戏剧出版社，1959

从罗丹得到的启示范文第4篇

关键词：摄影创作 课余生活 素质教育 修心养性 缓解压力

摄影是一种发现！正如罗丹所说：这个世界从来不缺少美，而是缺少发现。

摄影是一门艺术！既来源于生活，又高于生活，是现实生活的再创造，再提纯。

近年来，由于省教育厅大力提倡并鼓励学生参加摄影创作。为了鼓励少年儿童走出封闭的空间，投入大自然怀抱，呼吸新鲜空气，健康、快乐地成长，我市在中考加分项目中新增了"摄影"，学生凡通过摄影A级或B级测试合格，或参加省、市摄影比赛获奖者，都可获得中考加分资格。

因此，许多家长在对待孩子的课余生活这个问题上，观念悄悄地发生着变化，家长们的视角从室内艺术转向室外艺术、从静态学习转向动态学习。

获奖、考级、中考加分，这固然重要，但笔者认为：通过户外摄影创作的锻炼，丰富孩子们的课余生活、有利于孩子们身心健康，提高体能素质，这才是最最重要的。下面，笔者结合自己多年的儿童摄影教学经历，就儿童摄影创作的意义，谈几点粗浅的认识：

其一、改善视力，增强体质，磨练意志

摄影创作的最大特点就是户外创作的场地广阔，这是任何一门学科形式无法比拟的。在摄影创作的过程中，观赏花鸟虫鱼、触目青山绿水、登高远眺、汗流浃背都是必然的，有时还需要特别的耐心和毅力，这样不仅可以改善视力，还可增强体质、磨练意志，不失为一种可调剂生活、调节身心的好运动。

其二、开阔眼界，增长知识，点燃写作热情

在摄影创作的过程中瞻仰历史古迹、了解丰富的人文景物，使原本生活在钢筋水泥包围中的孩子们，开阔了眼界和思想，同时也积累了写作素材，解决了凭空臆造的写作现状，提高孩子们的写作热情。

其三、修心养性，陶冶情操，提高审美情趣

在摄影创作的过程中，孩子们十分自然地学会以艺术的、审美的眼光去欣赏身边的事物，以一颗平静的心和一份细腻的感情去认识、理解与感悟镜头中的大千世界，并以自己独特的视角和个性的表达方式，去感染他人。

其四、放松身心，缓解压力，提高学习效率

摄影创作一般都是在轻松愉快的情境中进行，每当孩子们陶醉在大自然中，尽情地呼吸着清新空气，觉得身心格外舒畅。缓解压力后，孩子的学习效率必然会随之提高。

其五、提高团队协作精神，塑造健全人格

在参加团队摄影创作的过程中，可促进孩子们形成互相尊重、关怀、友善、分享等品质，提高团队协作精神，塑造健全人格，为今后的全面发展提供重要基础。

但是，儿童摄影创作如果没有通过正确的指导，只是一味地让孩子们自由发挥，那么，孩子们就不知道该拍什么，不该拍什么；不知道强调什么，削弱什么；不知道怎样抓取某一特定动态；怎样选择决定性的瞬间等等，也就没有了摄影的独特韵味，也就减弱了孩子们对摄影的兴趣和热情。

从罗丹得到的启示范文第5篇

青田石的质地晶莹湿润，色感雅丽，硬度适中，品类繁多。因其产区、坑洞不同，各显风貌性情。主色调清淡脱俗，亦苍亦翠，问赭间黛，或赤或紫，百面千态，和而不犯，同中有异，具雍容娴静之姿，无取宠献媚之貌。青田石雕作为一门艺术，它最大的艺术空间是生活的体验，思维的想像，而因材施艺与作品和谐统一是每个创作者为之奋斗的终身目标，也是石雕艺术创新的关键所在。运用青田石的原有形态、颜色，经过加工、点化、情化而成为具象或抽象的石雕艺术品，这是“天人合一”、“自然美与艺术相瓦结合”产物，也是作品的灵魂，是创新的立足点。

多年从事雕刻创作，加深了对源自生活的“意境”、

“情境”、

“物境”的理解。石雕创作必须善于捕捉刹那间的灵感，在生活所创造的意境、物境中大胆地诠释情感，才能在对生活之美的发掘中成就雕刻技艺。

一、情境发自生活，石雕创作主张诠释情感

这里的“情境”指的是创作的情感。有人说，石本无言却能歌。这说明静态的物体必有动态的潜流在涌动，即使是冥顽至极的石头，如果赋予艺术的美丽，同样也会进发出智者的思想和情感。雕刻艺术表层上是刀与石巧妙结合的艺术，而深层上则是创作者思想情感的释放，它需要达成与灵石的默契。青田石雕文化所凝冻、积淀、传留下来的力量感染着人们的思想、情感、观念、意绪。石雕创作本身具有强盛的生命力，创作者无不善于运用独特的雕刻语言充分地表达特定的思想感情。只有创作者把对客观世界的真诚感受通过一定的艺术手段准确地表现出来，在完美的艺术语境中恰如其分地诠释，才能使观赏者产生情感上的共鸣，这样的作品才能称得上是好的雕刻作品。艺术的美总是会感染人，人们会通过细节去了解、评断一样东西、一个人、或者一种环境。目前的价值只是暂时的，通过时间，雕刻作品也会变化，最终人们将理解它，热爱它，并将它视为生活的一部分。艺术源于生活，又高于生活。同样，雕刻技艺不仅仅是对事物的照搬和重复，还需要经过提炼加工得以思想情感的升华，石雕创作尤其需要用夸张的手法达到更好的艺术效果。随着时间的推移、时代的进步、雕刻艺术也在发展，如今的处理方法是好的石质尽量留着不雕或少雕。作为雕刻工作者应具有量材而用、以变应不变的能力。

任何一种石雕的表现技法，只是手段，只有在错综复杂的客观现实和千变万化的创作实践中，坚定不移地诠释思想和情感，才能毫不困惑、得心应手地使创作得以最精确、最完美、最和谐、最生动的表现，并把作品提升到出神入化的境界，这才是目的。在这层意义上，要成为一个成功的石雕创作者，在掌握尽可能多的表现技法的基础上，还必须具有较强的创造力和想象力，来丰富自己的雕刻表达语言。简明扼要地说：就是用最丰富的情感和最适宜的手段去获取最佳的效果。

当然，诠释情感首先要感动自己，这是一种很难的事。一个人无法预料自己何时感动，每一次感动都是偶然的，而且每次感动的背后都是一个综合修养的全部体现、生活经历、知识修养等。尊重自己的感受，咀嚼自己的灵魂，主观与客观相结合才会产生创作的激情。激情是石雕创作的源泉，要出好作品，就要记载自己感动的浪花和激动之处，记录多了，创作好作品的素材也就有了，感人之作也就从心灵中流淌出来了。一位著名画家说过这样的话：

“创作有两种方法，一种是强烈的激动法；一种是遗忘法。”这个说法很有哲理，第一种方法是趁热打铁，正激动时迅速创作；另一种遗忘法是把一件经历过多年、难以忘怀的感动创作成艺术作品。把不感人的东西去掉，留下难忘的回忆，这样的艺术作品一定能感人。

作品《夜游赤壁》取自坡的《前赤壁赋》，“壬戌之秋，七月既望，苏子与客泛舟游于赤壁之下。清风徐来，水波不兴。举酒属客，诵明月之诗，歌窈窕之章。少焉，月出于东山之上，徘徊于斗牛之间。白露横江，水光接天……”。为了把坡与客夜游赤壁的场景生动细致地表现出来，我在取材时根据石萌料的色彩、肌理、钉结等质地的不同而随类赋形，在努力勾画其深邃意境的基础上，力求人物造型生动，激流刻画流畅。借以使观者领略坡对江山风物的热爱和旷达的心胸，体味他在最后达到的那种能够忘怀得失、超然物外的境界，在将自己投入大自然的同时，也能够将人生所有的失意狠狠掷入江中，豁达面对人生。因为在自然中的人，没有了俗世雕琢的痕迹，没有了功利虚名的压力。游走于自然，才能陶冶出如水一般的情怀，感受生活的温暖，释放火热的情怀。

二、意境取自生活，石雕创作离不开好的意境

在雕刻创作中，有句老话，叫做“形象易得，意境难求”。表明奇石创作，是很重视意境的。奇石作品的意境美，是源自生活的，是奇石作品美的灵魂。

意境是创作者内心世界及个性、风格、才能和艺术追求的综合体现。意境源于生活，具有创新性。石雕创作在构建意境中要防止出现“有境无意”、

“有意无境”、意境不高即“俗意”等失缺，并需要用高超的雕刻手法来表现。诗词语言讲究一个源“炼”字，雕刻创作亦是如此，不仅要雕出生动的形象性，还要雕出特色，为欣赏者提供宏达深邃的审美空间。一件意境宏远的作品，会把欣赏着带入其中，使其心驰神往，并在遐想中与作品交融在一起，达到”物我两忘”的美妙境地。

“意境”一度被视为创作的灵魂。意境与生活、意境与创作有着本质的内在联系。意境有着自身的规律性，这种规律性往往来自作品中形神、气韵或创作的典型化、形象性等一般规律的艺术美之中。

奇石作品，由于她一方面是大自然的杰作；另一方面，一又是作者的力作，一件好的作品，常常具有深的意境。境与意有先有后，相辅相在。境是基础，意为主导。创作活动，即所谓以境孕情，又缘情以造境。只有境的基础好，才能意不泛空。只有高意创造，才能境随意高，所谓艺出高格，就是指“境意”双优，创造好的作品来。正如石友们的一句“行话”：

“把石溶为我，把我炼为石”。只有象王国维说的“以物观物”，才能达到无我之境界，创造出自成高格的奇石艺术作品来。

为了淋漓尽致地表达作品的“意境”，在石雕创作中，要注意构成视觉形象形式美的诸方面，充分利用因材施艺方法，作品总体上力求表现稳重与大方，注重虚实变化、动静结合、疏、密都形成强烈对比，恰如其分地表达作品的思想内容。

古人把“望月”作为寄托乡思的一种独特表达方式。作品《月是故乡明》出自杜甫诗《夜忆舍弟》，颇道人之思亲恋乡之意。月亮的颜色运用了逼真的黄色，月亮周围一圈朦胧氰氲的微黄，使“思故乡”的意境更加鲜明。作品在谋篇布局上充满了生活的元素，朦胧月光下的小村落，背依绿树青山，一渠山泉环绕 茅屋，穿过石桥，循峭壁直下。茅屋内琴瑟和谐，小桥上一老一小，遥望明月，充满了对诸弟及家乡的思念。

“写生”

这两个字是画者的口头禅，理解为“写照生活”，把对象记录下来，不让你在我的记忆里消失，是一种程式化的手段。石雕创作也是如此，只有把自己融入到生活中，才能从生活里提炼艺术。只有对生活、社会、自然不断感悟，不断升华自己个性的理解与观察力，始终以生活伴随自己，才能使智慧和创造碰撞所产生的火花，闪闪烁烁得以真实或者超常的发挥。

三、物境基于生活，石雕创作需要感悟和想象

生活给了我们无限生动的物境，创作者需要在对物境的体验和领会中，发挥时间、空间的想象。因为意境本身不是一个单层平面的再现，而是一个基于物境的深层的创构。石雕创作的过程，是从直观感受刻画，活跃生命的传达，获取最高灵境启示的过程，而不是只凭简单地掌握技法就能达到的，需要通过对自然观察和生活的体验之后，充分运用想像，使情感上升到高层次的境界，从而“以形写神”、

“形神兼备”，这里的“神”是指作者以生活物境为基础，以文化修养为辅助，以雕刻技法为手段，以“读万卷书、行万里路”为条件所获客观物景融进主观之情，通过自己审美想像力的运用达到的结果。所以说雕刻家创作出的意境有它的深度、高度和阔度，不同的程度产生不同效应，获得不同的艺术审美价值。

石雕艺术就是生活的浓缩与提炼，它有时会把一些生活中的东西做得更纯粹，更极致。它是美的，纯粹的，带着创作者的个人倾向，必定是展现、提取他认为有价值的东西。

在石雕创作中，手法写实不等于守旧，而是感受的再现。主要是培养创造性构想的能力，并通过从具象到抽象，具象要逐步地演变到抽象图形的路径，涉及抽象思维的模式，及方向性极为明确的从思维模式与方向性极不明确的，从一点到多点的感性思维模式。

创造性能力的培养是抽象的根本出发点。创造性构想是抽象的起源，抽象的行为及其过程都是通过人的思维来实现的，这一过程一般而言又是抽象思维和形象思维有机结合的过程。这就是实践抽象思维的过程，是从具象到抽象的训练过程，主要通过直觉、推理、逻辑思考等模式来达到从具象到抽象的演变。抽象也是不错的，象抽掉了，留下情感是确切的，只要抽象得好就是好东西，既不抽象也不写实，而是从记忆与印象的情感中表述自己的感情也是很好的，不要为别人变而变，不要为新奇而新奇，为形式而形式，艺术就是人类情感的自然流露。

作品《深山藏古寺》描述的是：在薄雾缭绕的崇山峻岭中，一股清泉飞流直下，跳珠溅玉。山泉边上一个神采奕奕的和尚，正挑着一担清泉在隐约通入山里的羊肠小道上行走着。只刻画一个和尚，而不作过多的勾勒，是从“物境”方面考虑的。和尚挑水，无非是烧茶煮饭，洗衣浆衫，使人很自然地想到山里肯定有个庙，但作品上却独不见庙，不刻庙是为了体现一个“藏”字。雕刻时，我的眼前不断闪现出这样一幅诗情画卷：葱山流绿，溪水潺潺，层林叠嶂，曲径通幽。花木掩映下，僧人汲水，重磐之音环绕于耳畔。处于这样一个宁静优美的境界之中，自然而然地将自然与心灵融为一体，颇有超凡脱俗之感，在淙淙流水、莺啼虫呜的安谧祥和中，获得放松和汲取智慧，尽情地呼吸大自然的气息，体味生活的安逸。

大凡要创作成功或做好某一件事，都必须对事物有所了解，正如画家要走进大自然写生，作家要体验生活、熟悉生活，掌握大量素材，进入创作阶段。从吸收到消化、从感性到实践、从体验转化到技艺，使作品在生活中得到认证。

法国雕塑家罗丹曾说过：

“美到处是有的，对于你的眼睛不是缺少美，而是缺少发现”。此话正道出了作为一名雕刻创作者首先必备的便是“发现”二字，即作者具有敏锐的观赏力和审视力。雕刻者先于别人发现生活中某种具有审美价值的东西，那么你的创作已完成了一半。毕竟，生活的空间才是艺术创作的唯一源泉。在《罗丹艺术论》中探讨到作品时，罗丹说：

“我只是发现了被包裹在原石里的‘真’。而这‘真’就是美，我只是把包裹着不属于美的东西去掉，让美完整展现出来而已。”故而，发现原石中的‘真’的‘美’，与之共鸣，并完美展示其应有的艺术面貌，也是雕刻者应有的艺术潜能之一。

人类文明发展到21世纪，高楼万丈、载人航天、探索宇宙……日新月异的社会发展脚步让大部分人逐渐淡忘了这一问题。然而这一问题的深入解剖，同样能带给我们非一股的精神财富，改观我们的人生观和价值观，或是世界观。她可以带我们追溯历史，回到那混沌之初……

人类的起源，各个文明的发展有着不同的说法。关於人类起源的神话传说，各民族都相当丰富，其中有些说法颇为相似，当然不同的也不少，在这些神话里，很有趣的，我们可以发现有和进化论不谋而合之处。

归纳各种神话，人类的起源可以分为“呼唤而出”、

“原本存在”、“植物变的”、“动物变的”、和“泥土造的”五种。

然而神话毕竟只是神话，神话的产生总是存在着其人为的主观性、目的性，代替不了客观性的科学，故而在众说纷纭的人类起源声音中，只有“动物进化论――类人猿的进化”依靠众多科考依据，成为人类史中最有力的科学观点。