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声乐演唱论文

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声乐演唱论文

声乐演唱论文范文第1篇

1.演唱技能呼吸、发声等技能的训练和不同种类歌曲的演唱方法及技巧练习

基础知识的讲授都是声乐教学的内容。对歌曲情感、意境的认识是声乐教学中需要特别注意的内容。无论是何种教学,最本质内容和最核心的教学目标都是通过声乐作品的演唱让学生通过自己的歌唱方式、自己的声音、对于歌曲的理解讲歌曲的情感内容生动地表现出来,从而逐步提高声乐的演唱技能。“混声”的交叉协调联系是传统练声中十分需要注意的一点。在低声区的声音偏真,假声略少,同时要以胸腔共鸣为主,其他共鸣为辅,如果胸腔共鸣少了声音会显得单薄。声音偏假,真声较少,头腔共鸣为主、其他共鸣为辅是高音区的主要特点,这样的演唱方式使声音集中且明亮。建议学生在正确的指导下不断练习,找到适合自己发声感觉,协调运动各个发声器官,从而提高自身歌唱技能。

2.心理素质声音

是上帝赋予生命的最珍贵的美丽,以声音为工具的歌唱则更是人类精神唤醒及升华的最佳形式。声音中的抑扬顿挫都充分体现了人类情感的自我创造与自我追求。情感是歌曲的艺术生命。如何激活歌唱学习过程的情感心理,让演唱者用自己的生活经验、文化修养和想象力完美诠释歌曲,都是声乐教学的灵魂所在。好的演唱者能在体会歌曲内容和情感的基础上,进行深加工,用深切的感情、充满激情的吐字、共鸣、勇气,对于技巧的运用,将歌曲内容深刻地表达出来。无论从视觉或是听觉上来感受音乐、表达情感、积极投入歌唱演唱中。

3.文化素养

声乐演唱是将声乐作品以演唱的方式进行再次的把握和展现,是二次展现艺术作品的一个过程。但是,由于演唱者个体的差异、对于艺术的理解和认知、自身的文化修养、受教育的多少。实际生活中,自身声音条件突出的人并不少见,但是并不是每个人都能将歌曲的内涵淋漓尽致的表现,也就是说不是每一个爱好声乐的人都能够成为歌唱家。很多演唱者热衷于歌唱技巧的修炼,却拙于自身的文化艺术修养,对作品无法深入挖掘,导致演唱效果粗糙,缺乏深度和内涵,丧失了演唱的创造性和个性化的魅力。

二、总结

声乐演唱论文范文第2篇

关键词:声乐技术紧张放松

在声乐演唱中,紧张与放松是不容忽视的问题,因为任何演唱者都会遇到该问题。所谓紧张与放松就是该用的用,不该用的不用。本文通过对声乐演唱中心理状态上、技术层面上和音响美学上还有艺术表现上,来论述什么是紧张与放松及其重要性。

一、心理状态上

演唱是一项高级的生理和心理活动,正确的生理状态为前提,但是正确的心理状态也必不可少,有时候心理状态将导致演唱生理状态上的变化。故演唱时一个良好的心理状态也是非常重要的。

在参加声乐演出时,演唱水平的高低,与当时的心理状况足有直接关系的。也就是说,在良好的心理状态下,你的演唱水平能够得到充分地发挥甚至超长发挥。相反在处于紧张失控的心理状态下,必然会导致你演唱水平不能正常发挥,而使演出失败。严重甚至会造成歌唱失去信心,对参加声乐演出产生恐惧的心理。总之,过于紧张在某种程度上会使演唱者失去自控的能力,从而导致演唱效果不佳。

1、技术因素:由于基本功不够,对声音控制达不到要求,心理上的技术障碍,未开口先就有怕唱的心理负担,导致心理紧张。

2、对作品准备不充分,思想和感情易受外界干扰而紧张。

3、缺乏较好的基本功和表现能力,更缺乏当众演唱的实践,由此产生呆板僵硬,手足无措。

4,心中杂念太多。看到其他人唱的好,心理有恐惧感:怕唱不好,产生紧张的心理负担。

二、技术层面

下面通过对呼吸、共鸣、音域、力度、呼吸、舌的位置、喉头、状态、吐字咬字、姿势表演等方面,分别来论述一下紧张和放松的重要性。

1、共鸣:正确的共鸣发声体,就是一个振动体传到另一个振动体。唱低音时,要保持同样的共鸣感,就好像唱高音送到头腔去,喉头不能移动、下巴要保持放松。否则会加剧发声器官的紧张度,最后必然会失去自然、优美的声音本质。

2、发声:也是声乐技术中比较重要的一点,要防止声带过于松垮,不积极靠拢闭合去挡气。应从声带靠拢闭合前,先有一部分气息流出或流失,然后再闭合声门,使声带有紧张的状态,从而发出声音。嘴的两边必须松开,同时使下巴下垂,才能发出报优美很放松的声音。所以在发声训练中,紧张与放松都起到作用。时时保持住这种状态,才能有美妙的声音。

3、音域:音域是指歌唱时嗓音的范围,是指最低音和最高音之间频率能够改变的次数。有的人说音域高低是先天的,其实不然,它也是通过练习和放松的感觉形成的。放松的时候。如果唱高音的时候就会非常容易,但如果紧张的唱高音,就容易产生许多杂音。但唱低音的时候就不一样了,如果过于放松低音就唱不下去了,会没有声音也很闷。但如果少许紧张一点,声音就会发出来,立起来,声音听起来很圆润,有一种厚重感。所以紧张与放松密不可分,都要适度。

4、力度:力度是指影响一个音的激起、保持和唱出的动作和力量的机理术语。音量、活力和强度都是力度的一部分。力度还指一个音的洪亮或清柔程度,音量的大小与紧张和放松密不可分。保持积极的状态,音量自然是先大后小。而保持放松的状态,音量就会随着作品的处理来走。想强就强,想弱就弱。活力与强度,紧张的时候强度武力,出来的声音也不受控制。而放松时声音却不是先大后小和先小后大,力度全由你掌握。所以说,力度方面就应该保持积极放松,不应太过于紧张。

5、舌的位置:舌的位置也是声乐技术中紧张与放松应注意的问题。正确的技术是舌头放松自然平放在口腔中,舌尖抵住下面的牙齿,这时候,喉头软骨垂直,有利于把声音放松自然的送出来,增加共鸣,松弛向前的舌头,把喉头软骨拉向前直立,歌唱时声音和气息就会通达流畅。所以舌头有特别的灵活性,它能向各方向翻动或让它保持放松的口腔底,这就是舌的位置应该有的状态。

6、呼吸:歌唱家菲尔德对呼吸的解释是:将空气吸入肺部,为血液供氧并将它净化,随后将气体呼出体外的过程或运动。呼吸最重要的要依赖于横膈膜,它是一块肌肉,它必须立刻放松。吸气肌肉群运动代表紧,呼气肌肉群运动代表松,吸气运动群紧张的适度,会使呼气肌肉群松得适度,从而使呼出的气非常均匀、自如、不浪费一点儿气,呼吸得到控制。声音得到气息支持这就叫松紧平衡。这些都是可以用意志和训练方法加以控制的。吸气的慢动作要协调一致,要放松,绝对不要一点挤压、僵硬和紧张的感觉。特别应当注意胸部是自然提起的,但又是放松的。胸部紧张是高音唱不上去,而且没有持久力的主要原因。但呼气时小腹向上收缩,腹内紧张度逐渐放松下来,腹肌紧张度要加强。所以只要抓住放松的状态,声乐的学习就会大大缩短。

7、喉头:声乐学派就是在喉上做工作的学派。歌唱时要精神振奋、生气勃勃,面部肌肉不可紧张。喉不可紧张,要有放松状态。软腭要放松而适度抬起,上下前后与喉头的关系,既是对抗的又是统一的:既是紧张的又是放松的。只有这种正确的生理发声吐字机能状态。才能把字吐清楚。

8、吐字、咬字:吐字的解释是:“清楚准确的形成,吐发和传送出语言的基本音响,并把这些音响结合起来,成为顺畅连续的形式。吐字与咬字,与紧张、放松有着直接的联系。”自然放松的咬字可以使声带腔体处在放松的状态,共鸣自然就能出来。加以情绪上的控制,共鸣位置就越高,多练咬字练习,是为了解决腔体紧张。自然放松的咬字可以使声带腔体处在自然放松的状态,吐字也是一样,保持自然放松的发出应有的状态,使字字句句都能让听众听清楚。

9、姿势、表演(形体):歌唱时的正确姿势就是自自然然的站着。这里也存在着“松”和“紧”的辩证统一,人要站立,无数肌肉就要积极活动来抵抗地心的吸力,还要平衡连接一根根骨头的关节压力与拉力,这种肌肉的高效活动就是紧,但同时又要避免不必要的紧张,身体的自然挺立要像倚着墙,或靠着树干,那样既挺直又放松自如。有一种舒展的感觉。所以紧张与放松要把握得适度。

三、音响美学

1、人们感知音乐主要靠听觉,那起伏的旋律和多彩的音色,只有作用于听觉才会被人感知,否则音乐美便会失去作用。

2、使声音表达得完美。也就是符合音响美学的声音。其实它说来容易做到难。而能否鉴别什么样的声音是放松的,则是自己能否放松的前提。

3、我觉得放松是相互的,而不是绝对的,再说也要分哪放松。其实我觉得唱歌是外松内紧的感觉。放松的声音必须是观众听起来感到轻松的,包括高音。这就提到不光是声音,还有大家听到声音时的感觉,如果歌唱家在台上放松的演唱,声音很美妙,台下的听众听起来,也会很舒服。

4、还有就是演唱者怎样表达歌曲的内容,如果歌唱家将一首很缓凝很柔和的歌曲,表达不出歌里的情绪,那听众就会有紧张的心理。如果歌唱家将每首歌的内容都表现的淋漓尽致,那听众就会听的很自然、很放松。

四、艺术表现

声乐演唱论文范文第3篇

在许多的教科书中都有关于歌唱情感表达的相关章节的介绍。例如在胡郁青主编的《中外声乐曲选集》这本书中,第一部分关于歌唱技巧的介绍中就提到了歌唱者在演唱的时候要“以情带声,声情并茂”。

关于歌唱中情感把握与表达的文章也是屡见不鲜的。例如由李静写的论文《歌唱中的情感体验和情感表现》就详细的介绍了如何表达作品的情感;再如金美淑的论文《歌曲情感表现的若干原则》也是对这一问题的论述。除此之外,有关这一论题的文章还有文铁林的《“声情”如何并茂―声乐声情关系再探》以及程娟娟的《浅析声乐演唱中的情感处理―以古老的歌为例》等等。

通过对相关书目和文章的梳理,关于歌唱中情感的表达与把握的观点主要有以下几点。

一、扎实的演唱技巧是情感表达的基础

在许多的论文中都提到声乐技巧是歌者表现歌曲的基础。声乐技巧包含很多方面的内容。例如发声、咬字、音色、气息等等。只有声乐技巧得到充分的发挥,才能赋予作品新的生命。 所以歌者要不断地提高自己的音乐素养和演唱技巧,要把作品情感淋漓尽致的表达出来可以从以下几方面着手。

(一)行腔的情感把握

演唱者可以在行腔过程中揉入泣声和笑声。同时气口的巧妙运用也可以产生感人肺腑的效果。也有学者谈到演唱时说、唱、喊等技巧的应用也会产生打动人心的效果。

(二)咬字吐字的情感把握

字是歌词的基本元素,演唱者根据作者对字的用声要求进行二度创作,从而达到“情由感发,感从字来”的境界。演唱时通过“俏”、“重”、“响”、“柔”等演唱技巧把字的情感唱出来。

二、对作品创作背景的了解

每一首作品都产生于特定的历史背景下,因此对作品时代特征和创作背景的了解对把握歌曲情感是至关重要的。例如在周箐和李丽梅的论文《歌曲黄水谣演唱情感分析》一文中就提到要把握《黄水谣》这首作品的情感就必须了解该作品是大型声乐套曲《黄河大合唱》的第四乐章,是一首女中音独唱曲。只有抓住了《黄水谣》这首歌曲“的情感,但潜伏着希望和斗争”这一中心思想情感基调,并围绕这个主题进行创造和刻画,才能把情和声有机的结合起来。

三、对歌曲的音乐分析

对作品的分析主要包括作品的曲式结构、调式调性、旋律、和声、速度、力度、节奏、节拍等的分析。通过对这些相关因素的分析可以对作品谱面有个理性的认识,进而对作品有整体的把握,为歌曲情感表达打下基础。

四、表演中的情感表达

在很多的论文中都提到,对歌曲的情感表达如果没有“演”,“唱”也是肤浅的。歌者在演唱时通过表演拉近与观众的距离,会产生很好的艺术效果。歌者可以从以下几方面着手。

(一)通过面部传情

注意面部表情和眉目的传情达意,充分发挥“眼睛是心灵的窗户”的作用。借助眼神和面部表情把歌曲的“酸甜苦辣”表现出来。

(二)通过动作传情

中国戏曲很讲究手、眼、身、法、步。这在演唱中对歌者也是很重要的。协调优美的肢体语言同样会给作品情感表达增添无穷的魅力。

(三)通过妆饰传情

妆饰传情即演出时的服饰要与演唱歌曲相符合,合适的色彩搭配和服装款式也会为表演者很好的投入演出做铺垫。

五、想象与联想对歌曲情感表达的意义

音乐是情感的艺术,可以概括音乐最基本的内涵。而音乐的内涵往往是只可意会不可言传的。正如圣桑所说:“音乐始于词尽处。”它能传达出任何语言不能表达的那些印象和心灵状态。而声乐作品的内涵更广阔、更丰富、更深邃。因此,演唱者要把歌曲所包含的情感表达得淋漓尽致,必须运用想象力充分发挥表演者的联想和想像,尽量去启发音乐的想象力,去抒发歌曲所描绘的内容和情感。

六、个人素养对歌曲情感把握的意义

也有学者认为,歌者的音乐素养对歌曲情感的把握也有一定的影响。一个综合素质较高的歌者,对作品的把握和表达会更准确更全面更深刻,对歌曲的诠释也会更加真实。

以上观点是笔者对歌曲情感表达现有观点的大致梳理,可以看出大家对歌曲情感的把握可谓是仁者见仁,智者见智。笔者认为歌者的个人阅历尤其是实际情感经历对于把握作品情感也有重要的意义。艺术源于生活,每一首声乐作品都是基于现实生活创作的,有着深厚的生活积淀。一个个人情感经历不丰富的歌者,要表现好作品中抽象的情感内容是十分困难的。辩证唯物主义认为物质决定意识,没有亲身的实际经历是不能够完整真实的诠释作品情感的。

声乐演唱论文范文第4篇

关键词:周小燕;声乐理论思想;声乐教学

中图分类号:J605 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2014)05-0108-02

上海音乐学院的周小燕教授在声乐实践上所做的贡献,大家有目共睹,因为在演唱上所取得的佳绩,上个世纪40年代在法国求学的她就被西方声乐界誉为来自东方的“中国夜莺”,那个时候的中国,内忧外患、苦难深重,深受着帝国主义的和压迫,有如此优秀的中国留学生扬名于西欧的歌坛,可算是为祖国争了光,赢得了美誉。后来她回到国内主要致力于声乐教学,凭她在国外掌握到的美声歌唱艺术的真谛在中国声乐艺术的园地里苦苦耕耘,其效果非常显著,尤其是在改革开放后,她一波一波的弟子们频频在国际国内歌唱大赛中摘得桂冠,更是使她声震华夏,亦名扬海外。由此可见,周小燕教授的声乐教学是非常独到而且成功的,她在声乐教学上的成功,一方面是来自于周先生本人对声乐艺术有着一般人所不具备的先天的禀赋和灵感,另一方面则是来自于周先生个人在长期的声乐演唱和教学实践领域里所获得的一切经验和教训,这些经验和教训经过在周先生的脑海里长期的积淀和思考便形成了周先生自己独特的声乐教学理论和思想。最近几年,全国声乐界几乎掀起了向周先生学习的热潮,我们都在探究周先生声乐教学的“奥妙”,关于周先生独到的声乐教学理论和思想是我们在声乐教学和科研中探究的重中之重,我们应该学习和总结专研她的这些声乐理论和思想,深刻领悟她的声乐理论和思想并用之于我们的声乐教学,不仅应该,而且显得非常的必要和重要,但是,我们应该向周先生学习哪些方面的声乐理论和思想呢?众所周知,声乐教学有别于一般普通学科的教学,它在教学上所表现出来的灵活机动性使个体的声乐教学经验在很多方面是无法用语言给以表述的清楚,用我们传统的说法就是:“只能意会而不能言传”,要详细具体的论述周先生哪些方面的声乐教学理论和思想是值得我们应该好好学习和发扬光大的,这不仅很难而且亦不现实,(所以我认为这也是周先生自己本人至今也并没有奉献出这方面的声乐教学理论专著的根本原因之所在吧)但是,从宏观、整体的角度,尤其是周先生在声乐教学上思考问题和解决问题的方法方面所表现出来的那种博襟和深邃的气魄,那种胸襟气魄下所产生的大智慧所产生的深刻理论思想却是我们每一个人都应该值得好好学习的。这一点是我最近重读她的几篇声乐论文后所想到的,以下是对这一问题的详细阐释。

我们到底应该向周小燕教授学习什么呢?

一、学习她在声乐教学方法上集各家之所长,溶集体智慧于一身,然后归纳总结这些先进的教学理论和思想,做到“广取博收、为我所用”。

这一点是在重读其论文《男高音中声区和换声区的训练》后给我的深刻印象。业内人士清楚,声乐界似乎有个说法:“男高音,难高音,真是困难”。意思就是说训练男高音的难度超过其它任何声部,也有的教授曾经讲过,宁愿自己训练十个女高音,也不愿意去训练一个男高音,这同样是道出了训练男高音的艰难之苦。鉴于此,周小燕教授在上个世纪70年代末专门组织了一个男高音教学“攻关小组”,攻关结束后,周先生在1979年的第1期的《音乐艺术》上发表了《男高音中声区和换声区的训练》的声乐论文,在这一“攻关小组”成员集体智慧的基础上形成了自己独特的训练男高音声部的方法。后来的事实证明,她的这一理论思想指导下的男高音声部的训练方法对男中、低音声部也是适用的,其理论思想对我国乃至世界的男声声部训练都有着极大的贡献。她后来培养出那么多活跃于国际国内歌坛的男高音罗魏、顾欣、王丰、张建一、魏松以及男中音廖昌永、张峰、杨小勇等歌唱家,便是这一事实的有力证明。不管周先生在文中所持的观点是否对每一个声乐教学人员都有所帮助和裨益。但是,重读该文后,确实给了我这样一个信号:声乐教学必须认真总结,我们必须集各家教学之所长,去粗取精、去伪存真、广取博收、为我所用。综观历史,其实历史上任何伟大的理论和思想也无不是在认真总结形成该理论和思想的他(她)人的成果再结合自己的创新而出现的。

二、学习她在声乐教学上不拘泥于单一演唱和教学模式,主张多种演唱风格并存,坚持声乐艺术的“民族性”思想以及提倡互相借鉴、相互学习各自的演唱方法和特色,做到“百家争鸣、百花齐放”的思想。

纵观周先生各个时期的学生,无论是魏松的磅礴大气还是廖昌永的温文尔雅,无论是万山红的雍容华贵还是方琼的细腻柔美,无论是高曼华的激情咏叹,还是鞠秀芳的纯朴清野;无论是廖昌永演唱的西洋歌剧咏叹调还是中国艺术歌曲和地方民歌,其演唱风格都纷彩各异、迥象万千,而且十分的地道,绝没有我们今天所批判的那种“千人一腔、万人同声”的大一统的演唱模式。究其原因,这无不与周先生那海纳百川,有着博大、宽阔的胸襟去包容一切、接纳一切(演唱风格),怀抱着不拘泥于单一演唱的教学模式,始终坚持百家争鸣、百花齐放,多种演唱风格并存和声乐艺术的“民族性”思想以及提倡互相借鉴、相互学习各自的演唱方法和特色的声乐理论思想主张有关。在《中国声乐艺术的发展轨迹》这篇文章里,她将这一思想和主张阐述得再明白不过。她建议学习美声唱法的歌者应该向我们的民族传统学习,认为我们的传统声乐艺术博大精深、资源丰富。她说:“我们的一些专门学习美声唱法的青年学生,对民族声乐传统缺乏了解,缺乏感受,缺乏求知意识,甚至以为民歌、曲艺、戏曲、古代歌曲的唱法与美声唱法行当不同,又何必下苦功研究学习呢?这种片面的观念使他们在实际演唱中尝到了苦味,尤其是在演唱中国艺术歌曲和歌剧唱段时暴露出这样那样的弱点。”②“包括戏曲、曲艺、民歌、民族风格浓郁的创作歌曲和歌剧演唱在内的民族声乐,作为中国文化传统和文化精神的一种生动体现,有着深厚的历史根基和广泛的艺术影响,它在咬字吐音、气口、运腔、音色、真假声运用、装饰性处理、风格表现等方面的独特个性,是美声演唱所不可替代的。”③对于以学习传统声乐为主的歌者借鉴西洋美声歌唱艺术的一些方法取得的进步也是持赞赏和肯定的态度。“京剧演员杜近芳、李维康不仅善于掌握梅派的特点,而且能够适当运用美声演唱的共鸣方法,使其演唱京味浓郁,气息流畅,声音也显得明亮圆润。”④但是她也告诫“以中国传统唱法为专业的青年学生,也需努力提高自身的民族民间音乐素养,倘若满足于表面的形式,而不求传神,依然难以表现好中国歌曲的风格特性。黑格尔在其《美学》一书中写道:‘各门艺术都或多或少是民族性的,它们与某一民族的天然的资禀密切相关。’”⑤总之,她认为从事这两种演唱风格的歌者应该互相学习和取长补短,“现在,一些唱民歌的或是唱京、晋、豫等戏曲的演员,已经不像从前那样憋紧喉咙演唱或单纯采用一部分共鸣(仅用头腔、或咽腔、或胸腔共鸣),而是吸取了美声唱法的优点,注意喉部肌肉松弛,用上一些混合共鸣,声音便有所改善……同样,学美声的也在努力学习戏曲、曲艺演唱的吐字、行腔以及演唱风格,使美声唱法能够较好地结合中国语言的特点。这些现象是符合演唱艺术不断进步的时代趋势的。”⑥ “世界上许多国家,一方面大力发展国际性音乐品种,如交响乐、室内乐、艺术歌曲、歌剧等,另一方面十分重视发展本民族固有传统形式,如民间歌舞、民族器乐、民族的音乐戏剧等,这两者是并行不悖,可以同时提高、互为促进的。民族声乐和美声唱法在中国的发展也应是如此。多种演唱方法共存,有利于比较、吸收,彼此取长补短,相得益彰。”⑦由此可见,周先生虽留法八年,喝的是西洋声乐的墨水,经受着多年西方声乐文化的洗礼和浸润,学的是地地道道的美声歌唱艺术,但她却没有以此而自居自傲,忘掉了我们的老祖宗,没有持祖国的传统声乐艺术落后论的思想只一味的去拘泥于西洋美声歌唱这一单一的演唱和教学模式,相反,她持的是文化相对主义的观点,以开阔的胸襟,博大的情怀去接纳一切,包容一切,认为中国传统的声乐艺术源源流长,精彩纷呈,有许多精髓值得我们去学习和继承,主张美声歌唱艺术和传统的声乐艺术应相互借鉴、相互学习,多种风格并存。正是因为她的这一理论思想主张的坚持,所以,她教授培养而成功的学生,在演唱风格上无不呈现出纷彩各异,迥象万千的良好特色,那种“千人一腔、万人同声”的演唱模式基本上也与她培养的学生无缘,难能可贵的是周先生从不拘泥于古传统声乐艺术在演唱和教学上只重视发展高音声部尤其是女高音声部的习法,各种声部(男高、男中、男低、女高、女中、女低)齐头并进,各种风格竟相迸放,尤其是今天的廖昌永,无论是演绎西洋的古典、现当代声乐作品还是演绎中国的创作歌曲、民歌,包括廖昌永演绎通俗音乐作品(比如专辑《情释》中的《有多少爱可以重来》、《月满西楼》、《爱上你是个错》等),周先生都是持肯定、支持、宽容的态度⑧。也正因为此,在今天,上至学院派的精英,下至平民百姓,都没有不喜欢廖昌永的声乐演唱艺术的。

三、学习她在声乐教学后的自我反思、不断总结、不断否定、谦虚谨慎、虚怀若谷、没有终点、只有起点,永不满足于既有成绩的思想和作风,作到“活到老,学到老”的思想。

一九八四年七月、八月间在奥地利首都维也纳隆重揭幕的贝尔佛岱莱歌剧歌唱家比赛中,中华人民共和国参赛的四名选手又全部进入了最后的决赛,不仅如此,周小燕子教授的学生张建一、詹曼华,还取得了并列第一名的出色成绩。在拥有四十余个国家、二百四十七名选手参加的这次比赛中夺魁。照说,取得了如此骄人的成绩,周先生是应该回到国内好好炫耀炫耀一番的,但是,恰恰相反,周先生却保持着一颗冷静清醒的头脑,她在其学生获奖后不是大肆炫耀而是认真总结这次比赛中我国选手所表现的不足。她说:“……所以,当人们赞扬张建一,说他唱得比卡莱拉斯还要好时,我就对张建一说,‘可不要真以为如此,就以唱过的曲目数量来看,你仅达到卡莱拉斯的一个零头。’当然,这也不能完全责怪他们。因此,我希望今后我们派出国的选手,不要因为比赛需要多少首歌就准备多少首歌。这种‘突击’作法很不好。我们应尽快地把目前这种脱离基础或基础不广的倒三角状态改变过来。它不应该再存在下去了。我们也一定要改变我们的观念和做法,不要把声乐人才的培养局限在声乐的范围之内。他们应该是有深广文化、艺术修养的、有过硬基本功的人才。我们应该培养他们的各个方面,包括高尚的道德品质、丰富的生活经历和艺术情趣等等。”⑨试想,说出这样的话,需要多么大的勇气,在成绩面前,不是夸大其辞,而是自我“检讨”、“自我反思”、“自我责备”,这是怎样的一种胸襟呢?她还说:“……是否可以这样说,今天在我们学生身上出现的许多问题,除有一部分是由于学生的基础、条件等所造成的外,有的就是因为教师本身就存在着这方面的缺陷呢?我说这话当然完全包括我自己在内。因此,我深深感到,我们今天正在从事声乐教学的教师,有必要在看到自己教学成绩的同时,冷静地剖析一下自己,要努力更新知识,进一步完善自己的‘装备’。同时,为了保证‘工作母机’的质量,我们也应该慎而又慎地选择和培养声乐教师,使其成为一支真正称得上实力雄厚的队伍”。⑩“……这次获奖果然令人振奋,但我认为,在这样的时候,我们不能只看成绩,不看缺点,让胜利冲昏了头脑。我们应该把这次胜利看作是一个起点而不是终点。今后的路程会更长、更艰巨”。{11}因此我想正是周先生具有这种善于自我反思,不断总结、不断否定、谦虚谨慎、虚怀若谷、没有终点、只有起点,永不满足于既有成绩的思想和作风,再加上她本身在声乐艺术上的丰富学养,所以,她在其以后的教学生涯中,进而才获得了一个又一个突破和跨越,魏松、廖昌永、张峰、李秀英等等一个个闪亮的高足都出自其门下,这也就不足为奇了。

我们到底应该向周小燕教授学习什么呢?

看看以上三点,也许就明白了我的意思。

基金项目:该文系2013年度教育部人文社会科学研究规划基金项目“20世纪中国声乐留学生群体研究(1900――1959)”阶段性成果,项目编号:13YJA760007

注释:

①主要指《男高音中声区和换声区的训练》(《音乐艺术》1979年第1期)、《中国声乐艺术的发展轨迹》 (《音乐艺术》1992年第2期)、《声乐人材培养中应该注意的几个问题――从维也纳国际声乐比赛获奖谈起》(《音乐艺术》1985年第4期)这三篇文章。

②周小燕《中国声乐艺术的发展轨迹》,《音乐艺术》1992年第2期第37页。

③同上44页。

④同上45页。

⑤同上44页。

⑥同上45页。

⑦同上45页。

⑧廖昌永录完新专辑《情释》后告诉记者,在所有歌曲录完以后,他还是有点担心,于是他把专辑送给了老师周小燕试听,“有点出乎我的意料,她很满意,而她最喜欢的是那首《月满西楼》”(环球日报新闻网)。

⑨周小燕,《声乐人材培养中应该注意的几个问题――从维也纳国际声乐比赛获奖谈起》,《音乐艺术》,1985年第4期第54页。

声乐演唱论文范文第5篇

【关键词】《兰花花》;演唱版本;郭兰英;李谷一;

中图分类号:J616.2 文献标志码:A 文章编号:1007-0125(2016)11-0096-01

根据陕北民歌改编的《兰花花》,讲述了一个农家女孩兰花花的悲惨命运。农家女孩兰花花蕙质兰心、清秀美丽。清秀水灵的兰花花与战士相爱了,他们相许诺言、私定终身、承诺永不分离。然而战士因战场的转移不得不暂时离开。留下兰花花一个人被父母强行嫁给富贵人家任老五的儿子,恶习连连的任家儿子并没有给她带来幸福的生活,任家儿子被捕入狱死于狱中。第二年她又被父母强行嫁给周家,她在周家受尽折磨。在长期的苦闷和压抑的情绪下,终患重病去世,那年她只有24岁。战士战争胜利后回到陕北,惊悉兰花花去世的消息悲痛不已,在思念中创作了《兰花花》这首歌曲。演唱《兰花花》这首歌曲的歌唱家很多,其中以郭兰英、李谷一、三位歌唱家演唱的《兰花花》最有代表性,并形成了具有代表性的《兰花花》三种演唱版本。本文尝试着对这三种演唱版本进行比较研究。

一、郭兰英版的艺术特点

郭兰英是我国著名民族声乐表演艺术家、声乐教育家。贵州师范大学艺术学专业2014届硕士研究生印雪键的学位论文《从郭兰英、的演唱看当代中国民族唱法的两次融合》[1]中,写到郭兰英从4岁开始学习山西梆子,发音、咬字、吐字、收韵等都是每天必练的基本功,使她后来演唱各种民歌作品都游刃有余。她演唱的《兰花花》在语言上仍然采用了陕北地区的方言来进行演唱,保留了歌曲的原汁原味和民歌的风格特点,注重咬字上的方言化处理,例如在歌曲的开头部分唱到“生下一个兰花花实实爱死个人。”这句中的“生下”就由“shengxa”的发音变成了“sengha”,“实实的爱死个人”一句中的“爱”的发音则由“ai”变成了“nia”。郭兰英采用这样的方式演唱使作品体现出了它原汁原味的风格特点。

二、李谷一版的艺术特点

李谷一出生在战乱、动荡的年代,从小颠沛流离和缺少父母的关怀照料,成就了李谷一的泼辣开朗性格和勇敢、不信邪的精神,对她后来演唱创新有着直接影响。河南大学音乐学专业2006届硕士研究生吴俊廷的学位论文《李谷一演唱风格研究》[2],认为李谷一的演唱带有浓郁的民族特色,声音明亮,就像潺潺的清泉;吐字清晰,又如秋夜的银杏。通过对李谷一演唱风格的研究,可以看出民族音乐文化的独特魅力和勇于创新的精神是形成其演唱风格的两大因素。

夏燕的《论李谷一演唱陕北民歌的艺术特色》[3]一文认为,李谷一在演唱《兰花花》时,对歌曲中某些表现肢体语言的歌词进行了重音处理,画龙点睛,从微观上又进一步确立了此曲动静结合的基调。如歌曲中“撇下我的亲哥哥,抬进了周家”的“撇”和“抬”两字重音的处理,前面的“撇”用重音表达了对情哥哥内心深处的依依不舍,后面的“抬”用重音恰好又衬托出心中对抬进周家的被逼无奈而压抑郁闷的情感。李谷一通过多年对民族声乐艺术的研究,对《兰花花》的演唱进行了精心的、独特的“二度创作”,使得叙事歌曲的演唱在生动形象、引人入胜的基础上产生了动态逼真的画面效果。

三、版的艺术特点

坚定不移地在“中国民族声乐”这条路上发展着、开拓着,继承和借鉴一切有利于中国民族声乐发展的东西为我所用。吐字的精准、灼热的情感、独特的润腔,都是演唱的主要特点,而这些特点恰恰体现了我国传统声乐艺术的审美特征。

演唱的《兰花花》,采用了陕北民歌的演唱风格,发声位置较为靠前,演唱时有较重的鼻音。例如在“青线线”的“青”字,演唱时就使用了较重的鼻音,体现了浓郁的民族风味,让听众们在歌曲一开始就能感受到浓郁的陕北气息。另外,还运用了“衬词”。张耀云发表在《戏剧之家》的《试论的艺术特色及处理》[4]一文,认为“衬词”有两方面作用:一是对歌词进行补充,衬词内容具有实质意义;二是通过拟声和模仿,渲染歌曲气氛,衬词内容没有实质意义。

《兰花花》是陕北民歌的典型代表作品,根据真人真事改编而来。它是汉族传统的民族歌曲,有着浓厚的乡土气息和洒脱的曲调。本文通过对不同时期三位歌唱家演唱风格的研究,让我了解到以后在演唱《兰花花》这首作品时更准确地去把握作品的风格特点以及在演唱中的一些特殊处理,能够更完美地展现该作品的艺术风格和魅力。

参考文献:

[1]印雪键.从郭兰英、的演唱看当代中国民族唱法的两次融合[D].贵州师范大学,2014.

[2]吴俊廷.李谷一演唱风格研究[D].河南大学,2006.