乐器毕业总结
前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇乐器毕业总结范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。
乐器毕业总结范文第1篇
目前，音乐撰写的毕业论文，问题很多，离“学术规范”很远。其中，抄袭、剽窃现象是最为突出问题。主要表现是：或抄袭音乐老师的文章；或抄袭音乐名家权威的文章；或抄袭外国音乐家的文章；或抄袭一般音乐作者的文章。其抄袭的方式多样，有的是东拼西凑，有的干脆从网上下载，改名换姓。
音乐本科毕业论文抄袭、剽窃现象为何如此严重？许多专家教授都曾论述，归纳起来主要有以下几点原因：
（一）“先天文化基础不牢”。音乐专业学生的综合文化素质不高，他们被录取时，文化分数低于其它专业很多。而“论文写作是一种综合的脑力劳动”，撰写论文“实际上是作者思想、观念、知识、修养和语言文字能力的全面体现”。
[1]“他们最应该补习的东西是文化。” 〔2〕
音乐专业学生的文字表达能力，有些“先天”不足。他们从小用大量的时间接受音乐技能训练，文化知识的学习以及文字表达能力的培养自然要受到一定影响。[1]因此，撰写毕业论文困难较大。“论文是人类用语言文字来表达自己的思想观点的最方便、最好的一种载体。”〔3〕“一个受过高等教育的人，首先应该能清晰明白写作，表达自己的思想。他们现在还不习惯人应该有自己的思想，不知道学术思想从哪里来。” 〔2〕
（二）“后期训练不够”。开设相关的课程很少，音乐专业开设此课程更少。他们在撰写毕业生论文之前没有受此教育，没有进行写作音乐论文规范化的系统训练。郑州大学教授郭英剑说：“不客气地讲，我们的大学生，甚至研究生，没有能够受到良好的学术规范教育”。[3]因而，直接导致音乐专业写作训练的不足、学术规范意识的缺乏。中央音乐学院钟子林教授认为：“对音乐系来说，应该把论文写作规范作为一项教学的重要内容”[3] 例如，音乐专业学生不通晓论文写作的技术规范。有位学生的论文题目是《源远流长的古筝史》，其内容摘要：“凭着自己对古筝的兴趣和爱好，以及大学四年所学到相关音乐知识，使我对古筝的学习有了更深刻的体会，写成此文。”显然，这位音乐专业学生不会写“内容摘要”。
音乐专业本科毕业生，是未来音乐学科研究队伍的后备力量。然而，我们目前却没有加强对他们的科学道德教育、没有制定防止学术失范的根本措施；没有教育音乐大学生，充分尊重他人的研究成果，是从事学术研究者所应具有的最起码的道德；也没有组织他们学习《中华人民共和国著作权法》，树立法制观念。
（三）“部分专业教师对此缺乏足够的重视。”教师是学生的榜样，其一言一行、思维方式、指导思想都会对学生的价值判断产生影响。而专业教师中重技术、轻学术的思想也会对使学生不重视毕业论文写作的重要原因之一。音乐专业的特殊性质要求对其所学专业投入大量精力和时间；而对其教学及工作的评价也由其技术水平的高低来决定 ，至使教师产生技术至上的思想。“作为大学教师，要用自己高尚的品德和人格力量感染学生，引导学生树立良好的学术道德。”“如果一个教师在学术道德上不能为人师表，那他怎么可能传道授业解惑呢？所以，教师决不能在学术人格、道德操守上把自己降为普通人”。[3]
一句话，既有主观原因，也有客观原因，最终导致音乐专业学生不知该怎样入手撰写毕业论文，不知做学问的方法。
二、
“音乐学是一门专业技能，要从事这门职业，必须掌握学科术语以及写作技
巧，对音乐学提出看法。这种看法必须就学科规定的内容用学科接受的写作方式表达出来。”〔2〕
音乐毕业论文写作的目的，要在毕业之前受到科学研究工作各环节的初步训
练。在教师指导下，运用所学知识和基本理论，培养学生独立分析问题和解决问题能力的科研实践训练。怎样达到这一目的？
笔者认为：综述训练方法是有效训练音乐大学生撰写毕业论文的方法，能够
达到这一目的。
其实，西方国家的大学音乐教育，早已注意这一问题。“在西方国家学习音
乐，首先要学习的课程是文献书目与研究方法。这门课程的教师会告诉学生各种有关书籍文献、图书馆分类和查找方法等等必要的资料收集手段。”“在学期末课程结束时，教师一般要求学生做研究状况综述，就某一个题目总结有关数据，明白前人做了什么，自己可以做什么。”〔2〕
何谓“综述训练方法”？是指根据论文写作规律，在专业教师指导下，通过
学生根据已掌握的专业理论知识，每年围绕音乐某一选题，一开始就学习将大量分散的有关本选题的音乐文献，通过各种检索方法收集整理；一开始就学习广泛综合、归纳前人音乐文献数据中有实用价值、有见解的新材料的方法；一开始就学习具体分析有关本选题音乐文献的异同点，并学会述评、阐明自己的观点。“综”即收集百家之言，综合分析整理；“述”即结合学生在专业学习过程中形成的观点和艺术实践经验对文献的观点、结论进行叙述和评论。每篇以综述文体撰写的学年论文，字数要求在3000字以上。经过2至3篇的“综述训练”，再撰写毕业论文。当然，优秀的综述文章也可以作为毕业论文。这种训练要求具备以下特征：
（一）连续性。从大学一年级开始综述训练，连续不断，直到大学四年级完
成撰写毕业论文。这样，将音乐本科毕业论文由一次性写作变为“四年性”论文写作过程。从“综述训练”到论文写作，是一个循序渐进、由浅入深的练笔过程；在这个过程中，学生完成论文写作的所有环节，最后撰写出高质量的毕业论文通过答辩。
（二）同步性。音乐专业学生撰写综述与专业理论课的学习、公共课的学习
同步进行，有机结合，其知识结构同步扩大，学问同步积累，到撰写毕业论文时必能很快进入研究状态。因为在这期间，他们学习《哲学》《法律》《教育学》《心理学》和专业理论等课程，通过综述训练的不断思索，已经积累相关知识，感悟必出。
“综述训练”为本科毕业学位论文的写作选题打下基础。学生选择毕业论
文课题，总要做到两个结合：一是与专业理论课结合，二是与已撰写过的综述训练内容结合。河南大学音乐教育2000级于捷在大三时曾撰写学年论文《音乐治疗学综述》，她的毕业论文《现代音乐治疗学管窥》就是在综述基础上完成的。此论文被评为优秀论文，收入《河南大学学术论文集》（2004）印刷出版。
（三）实践性。坚持多写综述，实践再实践，是掌握撰写论文和做学问的基
本途径。在实践中学习撰写综述，在实践中提高撰写综述的水平。
（四）全员性。要求所有音乐专业本科学生参加“综述训练”、所有专业教
师参加指导，教学管理人员进行宏观管理。
“综述训练”离不开专业教师指导。有谁来组织实施“综述训练”？笔者
认为：由的二级学院组织，以音乐专业理论教师为主、音乐专业技能课教师为辅，并有教学管理人员参加的队伍，具体指导学生进行综述训练。在教学计划“毕业
论文写作”中，应有所体现这一方案。其指导形式，或专业理论任课教师通过课堂组织；或专业技能课教师单独指导。
三、
综述训练方法的步骤：
（一）选题：一是专业教师结合本课程的教学规定题目。例如，河南大学
艺术学院班一讲师在讲授《中国传统音乐概论》中，为学生学年论文规定的选题范围限定在《中国传统音乐综述》。这样，学生可选其中一章题目综述，也可选所有章综述。学生结合所学课程的内容撰写综述，有可能做到综中有述，述中有综；既不是纯碎的音乐文献堆砌，也不是专业教材的简单重复，而是专业知识的升化与掌握。二是学生结合自己主修课程选题。一般要选较小的题目，文献资料的来源有保证。如果选题太大，不易掌握。例如有的学生选题是《小提琴的发展史研究综述》、《世界舞蹈艺术的发展历程研究综述》，这类选题偏大，难以承载，不能完成。如果没有围绕已掌握的专业知识选题，学生则对要综述的内容不能形成自己的论断。“综述的题目越具体、明确，搜集音乐文献越容易，写作范围越清楚，因而也越容易把综述的“焦点”写深写透。”〔4〕提倡“小题大作”，而不提倡“大题小作”。
（二）收集音乐文献。
“综述训练方法”的基础是检索音乐文献。欧美许多国家，“大学里导师们
对学生的论文写作指导，一开始便是如何使用图书馆数据。”〔5〕音乐专业学生没有掌握音乐文献及其检索知识，也就没有检索音乐文献的能力，在撰写论文之前，对有关课题前人的研究成果不了解，也是抄袭、剽窃的主要原因之一。而当他们具备了检索音乐文献的能力，不但有利于在有限的时间内，确立重点需要阅读与研究的论文论著；有利于确立资料收集的范围与相关研究的意向，避免研究课题重复；而且也能从根源上杜绝抄袭、剽窃现象的发生。
首先，音乐专业学生要认识音乐文献的特性。音乐文献既有理论论著、乐谱，更有载体形式不同的有声音乐作品（单声道唱片、立体声唱片、激光唱片、激光视盘、录音慈带、录像磁带等等）；音乐文献具有语言文字和非语言文字特征。〔6〕
其次，音乐专业学生要熟悉音乐工具书，掌握传统的检索方法，到学校图书
馆、院（系）资料室查找音乐文献。在西方进行音乐研究，其快捷方式是辞典和百科全书。“在这些工具书里，我们可以找到基本事实，某一个术语的准确解释，以及该词条所涉及内容的简要概括。”〔2〕音乐工具书是在已有的大量音乐图书数据基础上，广泛搜集音乐范围的知识材料，按照一定方式加以编排，为人们提供音乐基本知识和数据线索的一种特殊类型的图书。常见的主要有音乐文献目录、百科全书、音乐年鉴、图录等。还可利用音乐期刊查找，效果不错。它分理论和乐谱两类。理论有《人民音乐》《中国音乐学》《音乐研究》等，以评论音乐为主；《中央音乐学院学报》《音乐艺术》《星海音乐学院学报》《黄锺》《乐府新声》《交响》《音乐探索》等，以音乐理论研究为主，以其学术性见长。曲谱有《音乐创作》、《音乐生活》、《音乐天地》、《歌曲》、《通俗歌曲》、《祁连歌声》、《广播歌选》等，以刊载不同体裁的音乐新作为主。〔7〕音乐专业学生可查馆藏音乐期刊目录或馆藏音乐期刊篇目索引，就可获得有关资料。
再次，面对浩如烟海的网络信息，音乐专业学生要掌握现代信息技术的检索
方法，熟悉主要网站及网址，上网查找。（1）雅虎(http:.cn)。其按主题分为14类，音乐专业学生点击“娱乐”类目下的“音乐”，即能获得各类
音乐相关信息；若点击“参考数据”类目下的“图书馆”，又可以查到联网的音乐图书馆的文献信息。（2）中国期刊网(.cn)等.。
（三）做读书笔记和卡片。这是很关键的一步，目的是获得本选题有用的音
乐文献。首先“确定摘录项目：包括参考文献著录项的作者、论文题目或书名、刊物名称或出版社名称、年、卷、期”〔4〕等。其次确定摘录内容：重点在于写好摘要，适当摘录正文内容等。再次将卡片“分类、归入提纲、标号：根据摘录卡片的内容进行初步分类”，〔4〕将相关的、类似的观点内容分别归类；对结论不一致的音乐文献，要学会对比分析，按已掌握的专业知识做出是非的判断。另外，在这一过程中，应将自己的心得、感受、思想火花记录在卡片上 备用。
（四）草拟提纲：在积累大量读书笔记和卡片的基础上，写出本课题综述提
纲。通过提纲，将已掌握的音乐文献组织起来，并串连到本课题研究的问题上。一般可采用“分类综述”，例如余琛《近年来唐代乐器研究综述（载《西安音乐学院学报》2000年2期）就是分类综述：“一、打击乐；二、吹奏乐器；三、弦乐器。”
（五）评判：在概述音乐文献的基础上，本课题的研究现状就浮出水面。这
时，就要评判前人的成果是否有价值、取得哪些成绩，尤其要注意分析两个以上音乐学者不同的学术思想、观点的异同。在此基础上，适当阐述自己的意见，有话则长，无话则短。这样，“文献综述”不是纯粹从文献到文献的碓砌。
（六）回顾研究与建议：这是最后的步骤。在评判的基础上，要提出进一步
研究的设想和内容，力争发前人未发之言，并分析新的研究思路的可行性等。
为便于说明问题，再详细分析上例：
1、综述题目：近年来唐代乐器研究综述（作者：余琛，载《交响——西安
音乐学院学报）
2、前言部分：本文对20世纪50年代以来有关唐代乐器的研究作分类综述。
3、正文部分（分级分类标题）：
（1）打击乐（再细分各种乐器）;（2）吹奏乐器（再细分各种乐器）;（3）弦乐器（再细分各种乐器）.
4、初步印象：总结全文，提出研究不足。
这篇论文作者至少做卡片85张之上，因为本文引用论文85篇。
音乐专业学生可选其中一类乐器进行综述研究，例如“弦乐器综述研究”；
也可先其中一种乐器进行综述研究，例如“古筝研究综述”。另外，根据读书笔记和卡片，可把年限定为“近年来弦乐器综述研究”、“近年来古筝研究综述”。
四、
“所谓学术，它包含着这样两层意思：一是做学问的方法，二是指应用一
定的方法去认识事物所得到的成果。”〔8〕著名学者王力先生特别强调学会撰写论文方法的重要性，他说：“研究生的任务不单纯是接受知识，而且要进行科研工作。因此，研究生有个重要任务就是写论文。”“我们现在要求研究生写论文，就是要他学会科学研究的方法，学会写论文的方法。”〔9〕显而易见，综述训练方案，对培养学生做学问的方法、养成良好的学术习惯、走向“学术规范”能够起到事半功倍的作用。
“综述训练”为音乐专业毕业学位论文的写作提供了命题。“在西方，指导
教授和学界人士一看论文的导言就可以判断论文是否有学术价值，因为导言部分通常会对前人在某一个问题上所做的研究做出回顾和评价，然后以此 作为基础，提出自己的中心论点，即命题。”〔3〕而我们目前，音乐专业本科学生的毕业论文百分之九十以上没有这一部分。
（一）“综述训练”使学生对前人的学术成果一目了然，熟悉本课题的研究
现状、进展和困境，避免“重复研究”和“常识研究”。“按照德国学术规范，在大学学习期间，学生们就受到文献分析训练：要研究某个问题，先必阅读归纳有关这个问题的全部文献，然后再考虑自己能做什么。”〔2〕
（二）“综述训练”使学生正确使用引文、注释等。曲阜师范大学教授杨昌
勇认为：“学术论著注释和索引的规范化是学术规范建设的重要组成部分”[7]“西方的学术论文注释很长，实际上就是一种学术积累和保证学术发展的重要措施。如果不重视这种积累，就为剽窃抄袭制造条件。”〔3〕
（三）“综述训练”能够训练学生科学的逻辑思维方法，锻练学生覆盖专业
知识的能力。分析与综合是科学的逻辑思维方法，而撰写综述文章离不开分析与综合。只有掌握科学的思维方法，才能形成科学规范的写作思路。
（四）“综述训练”能够锻练学生查找和积累文献资料的能力。在这一过程中，学生学会各种检索音乐文献手段和方法；学生做笔记、做分类卡片，为毕业论文积累学问。厚积累，多看书、多搜集、多动手，根深方显凝重，厚积方能薄发。“抄一本书是剽窃，抄十本书是研究，抄一百本书是学问，抄一千本书是大家。” 〔2〕
五、
在音乐专业毕业论文工作中进行“综述训练”，既是必要的，也是行之有效
的培养学生撰写毕业论文和掌握做学问的方法。但要全面解决培养学生走向学术规范的问题，还应开设相应的课程，“学术规范”教育应成为大学生的一门必修课。其内容包括：音乐文献、音乐文献检索、著作权法、学术论文写作等。这门课程可称为《音乐信息文献综合检索与论文写作》。
在音乐专业开设这门课程，有必要与信息素养教育结合起来。当今，在“美
国，信息素养教育成了讨论热点。”﹝10﹞我国在图书馆界也进行了这方面的研究。图书馆员要在信息素养教育中发挥作用，责无旁贷。
从这门课程内容看，涉及音乐学、法学、图书馆学、情报学、写作学及计算机应用。要完成这门课程的教学，提倡图书馆员、音乐教师、法学教师、写作教师、计算机教师等多方合作开课，音乐教师讲授音乐文献部分、法学教师讲授著作权法部分、写作教师讲授论文写作部分、图书馆员讲授计算机检索和手工检索部分；辅导实习以图书馆员为主，专业教师亦积极参与，与图书馆员密切合作，这样才能收到良好效果。在美国，专业教师与图书馆员的合作，表现在两方面：“一方面，它意味着图书馆员积极走进学科教学的课堂，全面地深层地参与课程；另一方面，它要求教师把信息素质内容纳入自己的课程要求，接纳并主动寻求图书馆员的帮助与合作，双方协同进行课程作业活动等的设计师实施乃至评价。这是信息素质教育最基本的合作形式。只有通过它，信息素质教育才能直接惠及全体教育对象。”﹝10﹞美国的经验值得我们借鉴。
参考文献：
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〔2〕陈铭道．音乐学——历史、文献与写作〔M〕．北京：人民音乐出版社，2004：
〔3〕程千帆，巩本栋．贵在创新〔C〕．学术规范读本．开封：河南大学出版社，2004：324．〔〕郭英剑．〔〕杨玉圣．学术腐败、学术规范与学术伦理——关于学术道德建设的若干问题〔C〕．697．〔〕张国春．近期学术界关于学风问题讨论综述〔C〕．*128．〔〕刘南平．法学博士论文的命题和注释——简评我国法学研究的流弊〔C〕．497．〔〕王笛．学术规范与学术批评——谈中国问题与西方经验〔C〕．194页．
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〔9〕葛发智，陈崇铨．学位论文的要求、准备与撰写能力的自我培育〔J〕．大连海事大学学报，1996（3）．
﹝10﹞王朴．为信息素质而合作——来自美国的启示．大学图书馆学报2005（1）
乐器毕业总结范文第2篇
关键词：民乐；独奏；录音；技巧
中国的民族器乐作为弘扬中华文化的重要艺术载体，是使中华文化屹立于世界成为优秀文化的重要因素。目前，中华民族文化处于复兴时期，国内的民族器乐蓬勃发展，从教育到演出，相比20世纪都有着巨大的进步和发展。同时，录音技术也随着时间的脚步不断地创新。从20世纪发展至今的录音技术，对于我国民乐的传承和发扬有着极其重要的作用，为了使民族的优秀文化得以更好地发扬光大，录制优秀的民乐作品就成为每一个民乐录音工作者应尽的责任。目前，国外的录音技术和有关乐器声学的研究已经有了很多文献和资料，对于不同种类的乐器、不同编制乐队拾音的方法也有系统的理论和技术体系。相比之下，国内的技术起步较晚，同时对于本国自己的民族乐器声学特性的研究也相对较少。所以，写作本文的初衷就是为了能够为广大从事录音的工作者在录制民乐时提供一些参考。
1 民乐独奏录制中的一些技巧与常见问题
中国的民族器乐按照演奏形式吹、拉、弹、打，分为四类乐器：弓弦乐器、弹拨乐器、吹管乐器、打击乐器。下面按照乐器组的分类，对不同种类的乐器拾音技巧进行论述；
1.1 弓弦乐器
一般民族乐队中的弓弦乐器主要由高胡、二胡、中胡组成，为了演奏某些具有地方民族特色的乐曲，还会在乐队中加入板胡和京胡。为了便于分析，按照演奏音域的排列，这里将高胡、板胡、京胡归类为高音弓弦乐器，二胡和中胡归类为中低音弓弦乐器。
高胡在高音弓弦乐器中，音域相对偏低，音色细腻、富有韵味，常见于各种抒情的乐段，表现喜悦等情绪，尤其是在大多数的广东音乐中，高胡的运用非常多；板胡的音域在高音弓弦乐器中排第2位，比京胡的音高略低一些，由于其琴体构造的特性，与其他的胡琴音色并不相同，某些演奏技巧能让板胡的音色与小提琴的音色十分接近，但是相比之下板胡的音色还是相对单薄，常见于许多戏曲中用来表现诙谐或者激动的音乐情绪；京胡的音域在高音弓弦乐器中是最高的，其音色哪怕是在乐队中也非常容易识别，是京剧的特色乐器，有些音乐作品中也会使用京胡来渲染音乐色彩。对于这三种高音乐器的拾音，最好选择使用两只心形传声器组成立体声对，相比单独的一支话筒能够更好地拾取音色中中频和少量的低频成分，避免录音由于高频信号过多而造成声音尖锐、单薄。
二胡是一种常见的民族乐器，其音色柔美，擅长表现富有故事性的乐段，音色中频的成分较多，在近现代，经过一系列乐器改良和演奏技巧上的创新，现在的二胡能够演奏许多丰富的华彩和炫技乐段；中胡是以二胡为基础改制成的一种改良乐器，其构造与二胡差别不大，因而二胡的大部分演奏技巧在中胡上都可以演奏，由于将琴筒改大、琴杆加长，其整体音域也比二胡低，音色中中低频的成分更多一些，常用来表现一些辽阔的、悠久的音乐画面。这两种中低音弓弦乐器的拾音与高音弓弦乐器相似，也选择使用立体声传声器，从声辐射的角度来看，琴筒方向的声音中频成分居多，蟒皮表面、弦震动的部位高频成分较多。所以，在拾音时避免将传声器设置在垂直朝向琴筒或者蟒皮，这样的拾音位置容易造成声音发闷或者单薄、“钻”耳。
1.2 弹拨乐器
弹拨乐器主要有琵琶、阮、柳琴、扬琴、筝等，与其他三个乐器组不同的是，虽然是民族乐队的组成部分之一，但其实弹拨乐器组本身就可以作为一个独立的乐队进行演奏，这主要是因为大部分的弹拨乐器组具有足够宽广的音域，能够适应各种风格的乐曲演奏。通常将弹拨乐器分为两种：一种是竖弹，抱在怀中演奏，这一种乐器有琵琶、阮、柳琴；另一种是横弹，有琴架支撑琴体来演奏，这一种乐器是扬琴和筝。
琵琶是竖弹乐器中负责高音部分的乐器，音色清脆、明亮，在乐队中的音色可识别度很高，琵琶的面板没有音孔，琴弦振动产生的声音一部分向外界扩散，另一部分在面板上反射，这种特殊的构造和声辐射特性造就了琵琶音色中高频成分多，为了让声音听上去没有那么“钻”，录制琵琶的时候选择两支传声器组成立体声拾音制式为宜；阮的音域没有琵琶那么高，音色更柔和，共鸣腔体为圆形，在琴体面板上通常有两个音孔，这件乐器有着与西洋乐器吉他非常相似的音色，某些演奏技巧下能让这件乐器听上去就像是音色醇厚的吉他，但是由于其共鸣腔体的形状与吉他不同，所以如果仔细辨认的话，本质上还是民族器乐。在录制阮的时候经常遇到一种情况，就是演奏者建议你把话筒设置在音孔附近，然而在现场实践中笔者的经验是，这种拾音方法可以有效地提高阮的输入信号电平，避免其他乐器的串音，同时由于阮主要是面板、背板、琴体空腔与音孔组成耦合振动，使乐器的低频共振非常丰富，所以阮的拾音位置可以选在音孔附近，但是拾音距离不能过近；柳琴的琴体外形与琵琶相似，也是半梨形，音色洪亮、刚劲，常作为地方戏种的伴奏乐器，柳琴的拾音与琵琶相似。
横弹乐器中的筝和扬琴是两种不同的乐器，不论是演奏方法、音色还是声学特性都不同，筝与其他的弹拨乐器演奏方法相似，是以手指佩戴义甲弹奏，琴弦的振动以及琴体的共鸣发出声音，而扬琴是以琴竹敲击琴弦产生的振动以及琴体空腔共鸣发声。筝的琴体较长，决定了它的弦长可以使古筝的音域达到很低，同时琴码可以移动，也就意味着其演奏音区是可以调整的，通过不同的定弦演奏不同风格的乐曲，这与竖弹类的乐器上固定在纸板上的品是不同的。筝的音色既可明亮清脆，也可以粗犷厚重，不同的音区能够带来不同的音色，通常见到的筝的扩声话筒会设置在古筝底部中间音孔的位置，但在录音中拾音位置最好选择在琴弦的正上方，这个位置的频响更丰富一些；扬琴的试音位置与古筝相似，但拾音距离不可以太近，过近的拾音距离容易造成一些中低频的缺失。除了这两种乐器之外，古琴也是一种常见的横弹乐器，这种乐器由于其演奏声压级偏小，在演奏中常常需要配合扩声系统，尤其当古琴与民族乐队协奏时，或者某些乐段中间有古琴的独奏部分时，一般都需要将古琴的声音通过扩声系统将声音放大。古琴的拾音器通常设置在琴桌表面，位置在古琴底板、尾部的两孔之间，这个位置既可以拾取足够的频响，又可以避免由于距离过近而导致动态不足、声音贴近的问题。
1.3 吹管乐器
吹管乐器主要包括笛、箫、笙、唢呐、管子等，按照发声原理分类，笛、箫属于气鸣边楞音乐器，笙属于簧片振动乐器，唢呐、管子属于哨片振动乐器。
笛子一般为竹制，发声原理是靠气鸣产生的边楞激振发出声音，笛子的音色通透、明亮，按照不同的音色和尺寸又分为曲笛和梆笛，曲笛的笛身较长，音色偏厚，富有感染力，在乐曲中经常表现沧桑的气氛、渲染情绪。梆笛顾名思义，常用于北方梆子戏的伴奏，笛身比曲笛短，音色清脆明亮，具有浓厚的地方特色。竹笛的拾音需要注意拾音位置，拾音距离不可以过近，应控制在0.6m～1m，拾音位置在竹笛的斜上方，垂直指向笛身，条件允许的情况下也可以选择将传声器设置在演奏者身后，从后方指向笛身，这样的拾音位置能够有效避免拾取吹奏的气声。箫与笛子的发声原理相同，也是边棱激振发出声音，箫的管身较竹笛更长和粗一些，且演奏时竖着吹奏，吹口的位置在管身的一端。与竹笛一样，箫也是一种竹制的吹管乐器，但在演奏中的音量偏小，传声器可以设置在略高于管身、距离在1m以内的拾音位置。笙是靠演奏时吹起使内部的簧片振动，进而发出声音，唢呐和管子是吹奏时口衔的哨片振动，进而发出声音，对于笙的拾音，演奏者有时需要站立演奏，并且为了配合音乐情绪，身体会有幅度较大的晃动，这时候就需要考虑使用立体声拾音制式，唢呐和管子也是类似的方法，这三种乐器的声压级都比较大，而且动态范围不如笛子的大，由于发声构造的特殊性，一般唢呐、管子的音高和音色也很难控制，需要演奏者具有足够的经验，对于这一类演奏在静场或录音棚录音过程中，需要录音师能够辨认音色和音高的改变，并通过沟通对演奏者提出改善的要求。
1.4 打击乐器
民族管弦乐队中的打击乐器与西洋管弦乐队的摆位相似，一般位于乐队的最后一排。打击乐器的声功率较大，通常只靠主话筒拾取的声音就足够，但也要考虑有些现场的声学环境问题，如果出现打击乐器的音色浑浊、定位感差，应当考虑为打击乐器补数支适中距离的辅助话筒。另外，对于常见有独奏乐段的打击乐，如堂鼓、排鼓等，以及戏曲中常用的板鼓（单皮鼓）都有必要设置辅助传声器，拾音距离应控制在1～1.5m，传声器的轴向垂直指向鼓皮，打击乐器演奏的动态范围一般会比较大，要注意给增益部分留足够的动态余量。
2 拾音话筒的选择
在选择拾音话筒时，通常需要考虑几个要素：指向性、频率响应范围、信噪比、动态范围等，这里以笔者常用的几种传声器为例作介绍。
Audio Technica AT4021：铁三角出品的AT4021是指向性为心形的电容话筒，具有20-20kHz的频率响应范围，它的中频表现优秀，在录制二胡、箫等乐器时录音效果出色，笔者常用一对AT4021组成小A/B制式立体声话筒录制独奏。另外，话筒本身自带80Hz的高通滤波和10dB的衰减开关，可以根据录制的节目源进行调整。
DPA 4060：DPA公司的创建者原位测量公司B&K前雇员，在DPA的话筒产品中仍然保留了高精度高性能的特点。这是一款小型的全指向性电容话筒，常用于录制吉他、小提琴等西洋弦乐器，在目前常见的许多音乐选秀节目中经常见到DPA4060的运用。在民乐独奏录音中，DPA4060常用于古琴的录音，古琴这件乐器在演奏时的声压级通常较小，且一般需要配合专门的琴桌才可以演奏，DPA 4060的体积非常小，可以将它粘贴在桌面上且不会影响古琴的演奏。除此之外，古琴的拾音也可以选用AKG CBL99界面式话筒。
Schoeps ORTF Stereo Microphone MSTC 64U：这是一款ORTF立体声制式的电容话筒，有效拾音角为95°，这一款话筒的优势在于可以快速地安装和使用，由于是以配套成对的ORTF制式话筒，对于使用条件的要求并不苛刻，而且ORTF混合立体声制式可以同时拾取时间差和强度差的信息。笔者常在民族乐队的拾音中使用MSTC 64U作为竹笛声部的点话筒，也可以用它作为独奏话筒。另外，Superlux S502是一款与MSTC 64U相似的ORTF制式立体声话筒，虽然各项参数不如MSTC 64U，但是其价格相对低廉，笔者常用S502作为打击乐器独奏的拾音话筒。
3 总结
在民乐独奏录音中，笔者认为除了上述的录音技巧和技术问题之外，与演奏者建立良好的沟通联系也是非常重要的，除了能让演奏者的效率提高，对录音工作者本身也是有帮助的。通过合理有效的沟通，能够加深对乐器和演奏的熟悉程度，进而在后期混音处理上能够更快地找到合适的效果。笔者的导师曾经总结过一个优秀录音作品的五大要素：优秀的作品、优秀的演奏者、良好声学条件的录音环境、优秀的录音师以及优秀的录音设备。从这五点的顺序来看，通常认为最为关键的设备却是排在最后一位，关于这一点笔者认为，设备的优劣固然重要，但这五要素中的前四项才是决定一个录音作品好坏的根本。如果没有好的声学环境、演奏员音乐素养不高、音乐作品平庸，加上录音师没有足够的职业素养和尽职尽责的工作心态，那么即使用最高端、昂贵的设备也难保录音的质量。然而，作为录音师要想提高自己的技术水平，除了努力尝试和学习各种录音技术，了解行业的最新动态之外，也要善于沟通，善于总结。录音不仅是技术工作，也是艺术工作，只有两者有机结合，才能做出优秀的录音作品。
参考文献：
[1] 陈通，郑敏华，蔡秀兰.阮的声学特性[J] .声学学报，1994 （05）：339-342.
[2] 张婧颍，杨倩，孟子厚.二胡录音的声学问题[J] .演艺科技，2012（02）：25-32.
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[4] 李伟.立体声拾音技术[M] .北京.中国广播电视出版社，2004（07）.
[5] 朱伟.录音技术[M] .北京.中国广播电视出版社，2003（01）.
乐器毕业总结范文第3篇
关键词：音乐 专业方向 曲式与作品分析 教学特点
曲式与作品分析课程是教学计划中的一门专业必修课，也是一门综合了乐理、视唱练耳、和声学、音乐史等多门音乐理论课程的学科。由于这门学科的纯理性特征，让这门课程教学起来较为深奥，学生大多有枯燥乏味之感，如有何让这门课程能真正为学生所用？ 谈及这门课程的教学目的，笔者认为应该包括以下几方面的内容：
1.进一步巩固所学的乐理、和声学的知识；学会对作品的和声分析、调性分析、结构分析。
2.通过文本分析，初步了解不同作曲家的创作风格。
3.通过学习经典作品的创作技法，初步学会歌曲和小型器乐曲的创作。
在传统的教学中，往往只注重音乐作品分析能力的提高，却容易忽略后面两点。在多年的实践教学中，笔者慢慢发现，恰恰是这后面的两点目的对于学生而言却有着更为重要的意义，尤其是非作曲专业的学生。
针对于此，笔者在多年的独立学院教学中，尝试着从独立学院的实际出发进行教学改革。所谓独立学院的实际，主要体现在音乐学专业和音乐表演专业的教学区分不明显。而音乐表演专业下设的专业方向复杂，但各专业方向人数参差不齐，一些专业理论课程往往是合班授课，例如钢琴表演专业和声乐表演专业或者中国乐器演奏专业合班进行乐理、和声课等的教学。
改革的内容主要有两块：第一块是对整体课程进度计划的更改。传统的课程进度计划是依据教材的内容，从小型曲式逐渐讲解到大型曲式。改革后，笔者是这样来安排教学内容的：第一学期完成曲式基本原理的教学。注重讲解乐段、单二部曲式、单三部曲式、复三部的基本曲式结构特点，每种曲式结构分析3—4首作品，初步掌握曲式学的一些具有共性特点的基本原理和知识点。第二学期突出作品分析的内容，这是教学改革的第二块内容。即根据不同专业的学生，选择不同的音乐作品为分析对象，突出不同的分析侧重点，强调与专业特点向结合的应用方式。这是改革的重点内容。下面，笔者根据不同的专业特点进行详细论述：
一、音乐学专业（即音乐师范专业）
由于录取时分数线的要求，往往师范专业的学生文化基础较音乐表演专业的学生强，但在钢琴演奏能力方面，却又相对较弱。考虑到师范专业的学生毕业后的就业去向多为学校或者艺术培训班，以音乐教师居多，因此教授曲式与作品分析课程时，所选用的乐谱应当是声乐作品和钢琴作品相宜，而且作品的难度不宜太大，增强学生对于乐段的深层次分析。另外，在教学中，还应当适当地引入一些小乐队编配的方法以及歌曲写作技法，以适应学生毕业后到学校排练鼓号队或者小乐队的需要。
二、音乐表演专业（钢琴演奏方向）
钢琴表演专业的学生由于钢琴基础好，识谱能力强，往往乐理、和声的基础也较强，因此针对钢琴表演专业，应当更多选择钢琴作品作为分析对象。在分析过程中，可以适当加强和声和大型曲式结构的学习，尤其是一些曲式结构原则的掌握，培养学生对于这些常用结构原则的熟知与敏感度。例如三部性结构原则中，注意中段材料的发展与对比，观察再现段与首段的比较；变奏结构中，注意主题材料在不同段落中的变奏方式与手法；回旋结构原则中，注意主题回旋运用以及主题与对比段之间的联系；奏鸣结构原则中，注意主副部的对比，各自材料的展开方式等。通过对曲式结构原则的关注，增强学生对于作品的理性认知，巩固对作品的记忆深度。
三、音乐表演专业（声乐演唱方向）
声乐表演专业的学生往往钢琴基础较弱，而对声乐作品较为熟悉。考虑到这一特点，教学中教师应当选择中外艺术歌曲作为分析的对象，再辅助以少量的中国传统民歌和歌剧选段。外国艺术歌曲有着较为成熟的发展历程，有着许多经典的艺术歌曲作品。例如古典主义时期的莫扎特和贝多芬，中国古代姜白石创作的《梅花天引》 都是声乐表演专业课堂教学的主要内容。采用这些作品为分析对象，不仅与声乐课堂教学内容相对接，学生易于接受，而且通过对这些艺术歌曲的创作背景、歌词内容 、钢琴声部的和声特点、整体结构特点内容的综合分析，提升学生对这些声乐作品的深层次解读，提高演唱水平。另一方面，还可以在教学中引入歌曲创作的内容，学习简单的旋律写作方法，这样不仅可以让学生学会从歌曲创作的角度去了解作品，同时也培养了简单的旋律写作技能，以便将来工作时应用。
四、音乐表演专业（中国乐器演奏方向）
中国乐器演奏专业包括竹笛演奏、古筝演奏、二胡演奏、琵琶演奏等中国传统乐器，由于这些乐器接触到的乐谱多为简谱，并且是一些中国传统的音乐曲目，因此在面对这些学生教学时，如果采用西方的音乐作品为分析对象，学生会面临识谱、接受难等问题，而应当采用学生熟知的民乐作品进行分析，结合中国音乐的结构特点进行讲解，加强学生对于中国一些传统的音乐结构的认知。尤其是对中国传统音乐的线性创作特点和线性结构特征、以及一些大型曲式结构板腔变速体、曲牌联缀体等的认识和学习。
乐器毕业总结范文第4篇
我有个梦想。让每一个新生儿听到世界上的第一个声响就是敦煌雅乐的祥和之音。从蹒跚学步到风华正茂；从艳阳当空到晚霞夕照。弦歌多彩的人生，欢悦于乐，纵情于琴，让国乐风飘、琴音绕梁相伴年年岁岁……用豪情编织我的梦想，用实干追求我的梦想。不管有多少个“路漫漫”，我都会走下去，直到梦想成真――王国振
越是民族的，也越是世界的民乐“敦煌“，业已成为奥运会、世博会上的中国文化使者而走出国门、走向世界，堪称大美――她就是上海民族乐器一厂励精图治的老品牌，其“三大件”琵琶、古筝、二胡，一举成就中国民乐的半壁江山，一个行业龙头；更有甚者，厂方身体力行地组建上海馨忆民族室内乐团成功出访多国，成为宣传我国民族乐器的一个窗口而愈加馨香弥久、声名远播。
企业梦、中华梦，人生追梦更精彩。是日，刚刚从德国回来尚在倒时差的上海民族乐器一厂王国振厂长，拨冗接受笔者采访，茗香茶语中仿佛沉浸中华民乐的“轻拢慢捻”而“转轴拨弦三两声，未成曲调先有情”――那是王厂长声声话语如“揉弦活腕“如”颤叠振打“的民乐，无不感染笔者而赞叹不已。
扩张营销
上海民族乐器一厂建于1958年，曾是早年多个家庭作坊演变而来的一家集体所有制企业，与苏州、北京的民乐生产呈三足鼎立局面；而今天的上海民族乐器一厂却是一骑绝尘，产值连连飙升跨越2亿逾，利润2500万，税收6000万，人均收入八九万……
一个企业如何在生产发展中去适应市场经济的内在要求，如何适应市场体制的转变倒逼企业转型，凸显一个经营人的理念的战略观念和他的远见卓识，让企业以适应经济发展的客观要求――这就是王国振厂长很有见地的经验之谈。尝到“低成本扩张”甜头的王厂长，随即开启他如数家珍的创业经历和他的创业心路。
他说，焦裕禄曾在河南兰考种了很多泡桐树，而泡桐树是做民族乐器音板的最好木材。今天的河南兰考已被誉为“民族乐器之乡”，那与民乐一厂分不开的。王厂长动情地说，这里曾是焦裕禄工作、生活的地方。他当年种下泡桐树传承的不仅仅是艰苦奋斗、迎难而上的精神，也是当地百姓致富的依托。走在兰考县，不论在田间地头，在道路两侧，还是在村民的房前屋后，都能看到泡桐树的身影。种植泡桐已经成为该县百姓的一种习惯，家家户户都种泡桐树。虽说泡桐不是什么名贵树种，但在兰考县百姓心中却是“宝”。因为泡桐树种下的是一笔财富，传承的是一种精神。王厂长拍板决定将上海民族乐器一厂的生产基地移植于此，因为这里天时地利人和，其用人成本、用材成本都要比上海低得多，从而成就了兰考“中国民族乐器之乡”的美誉。
提起这里的泡桐树，当地百姓都有一种自豪感：这里的泡桐树制造出来的乐器“音板”发音准、音色优美；提起这里的泡桐树，百姓都有一种感激：感激焦裕禄留下的物质财富和精神财富；提起这里的泡桐树，近期在兰考考察，也听闻了上海民族乐器一厂给这里带有的经济发展、劳动就业……今天“兰考计划”，堪称王厂长的一个“低成本扩张”的一个成功案例，令他津津乐道，听闻者也是啧啧赞叹。
“50后”的王厂长，经营之道可圈可点，最可揣摩就是一个“新”字。比如，他的“一二三四”的发展架构，就是企业创新战略运作：即“一“个创新。这里的创新，是个全方位的概念，包括思维模式的创新，运行方式的创新以及产品技术的创新。”二“个延伸。既从生产型企业向品牌服务型企业延伸，又从文化产品营销向营销民乐文化延伸。”三“个运作。分别是品牌运作、社会资源运作以及资本运作。”四“个中心。就是建立科技研发中心，建立测试鉴定中心，建立非遗传习中心，建立文化营销中心。这些战略思考囊括企业的远景，既有理论性又可操作性――王国振厂如是说。
说及竞争，王厂长也是胸有成竹。比如说扬州地区以古筝为主，有上百家企业，所以作为一个集群可能会对我们有一点影响。北方主要是扬琴，集中在北京、河北地区，也会对我们某一项的产品形成冲击。另外像苏州地区主要是二胡，浙江杭州地区主要是笛子。他说单个企业对企业影响不大，但是作为地区的产业集群可能会对企业有一定的竞争压力。关键是，上海民族乐器一厂是一个综合性的民族乐器企业，所有的民族乐器该厂几乎都能生产。尤其民乐三大件的古筝、二胡、琵琶，占了企业整个销售收入的90%以上，规模可见一斑。
可以说，王国振1998年始任上海民族乐器一厂厂长以来，是一位具有强烈民族意识和敏锐市场洞察力的企业家，一名创新与实干精神并举的优秀企业家。他的文化营销战略在日益激烈的市场竞争中走出一条独具敦煌特色的发展道路而令老字号品牌焕发出新的活力。正是凭借王国振的业绩，他荣获全国轻工行业劳动模范、中国乐器行业优秀人物、上海轻工优秀企业家、上海轻工业卓越经营者、金山区先进生产（工作）者等荣誉称号。有人说，王厂长众多好经验是份财富，值得好好总结，可以为其他企业家所借鉴。
市场营销
有一种经营叫文化，王厂长将其演绎至极。正如王国振厂长所言，我们不只卖乐器，我们更是卖文化。因为，文化的附加值也是一种无形资产，世界上唯有文化永恒，唯有文化走得最远……王厂长是这样想，更是这样做的。王厂长把乐器当文化在吆喝，在演绎，当海内外观众喜爱中华民乐的同时，也就爱上了敦煌民族乐器。敦煌，已是中华民族乐器的代名词，此言不假。
当年，俞正声书记考察民乐一厂，曾握着王国振厂长的手关爱有加地说，像你们这样的手工行业，能用国营和集体的机制发展到现在，是很不容易的，在全国都很少，应该支持。俞书记的话至今温暖着王厂长与全厂员工，那是市委市政府对王国振的认可与褒奖。今天，敦煌的成功就是技术与艺术的完美结合。这是王厂长的匠心独运。
由于民乐产品兼具音乐与文化属性，王国振于2005年招录上海音乐学院优秀毕业生组建了民族乐队，将品牌运作与展演巧妙结合，以演绎的方式来生动、形象地传递品牌的文化内涵。为此，企业成立“上海馨忆民族室内乐团”，乐团成员全部来自上海音乐学院。自成立以来，在国内外音乐厅、剧院、学校等场所演出400余场，并跟随上海市政府部门赴法国、美国、韩国、西班牙等国家进行文化交流，受到热烈欢迎。
敦煌，投入演艺领域无疑为抢占音乐文化市场赢得了先机，在为世人展示艺术的同时，也在展示中华国乐的器乐。缘此，企业每年开发的新产品一经面世，该乐团便以精彩的表演将新产品的特性第一时间传递给消费者。随着民族文化事业的发展以及国家对传统文化的强调与支持，民族音乐文化不断推陈出新，国内外掀起民乐学习热潮，民乐培训市场具有很大的发展空间，企业在现有品牌实力的基础上，将敦煌品牌延伸到了教育、培训领域。目前企业已经与上海城市剧院签约，每月推出一个民乐的主题讲座。与此同时，企业还将参与一系列的国际演出。通过弘扬民族音乐，带动企业的快速发展。
企业也主动承担所负载的社会责任，公益性与经营性相结合，云集不同层次、不同年龄段的民乐演奏人员，举办“敦煌杯”民族乐器大赛，通过企业自身力量，将中国民族乐器文化广泛传播。企业对于人才力量储备，采用培育与引进并举。通过社会文化活动塑造品牌形象，带领员工开展了“敦煌杯”“敦煌国乐”“敦煌之夜”系列民族乐器演奏比赛、民乐音乐会、民乐论坛、民乐讲座等百余项活动，具有广泛的社会影响力，“敦煌”之声响彻大江南北。其中，“敦煌杯”全国古筝、琵琶、二胡系列赛事已经被中国音乐学院、中央音乐学院列入了研究生保送、奖学金评定的加分项目。
作为中国民乐行业的领军企业，在产品研发上投入大量的资金和人力、物力，为民族乐器的品质提升、结构改良以及材料替代上作出应有的贡献。企业正计划通过设备仪器以及一整套完整的测试流程，科学地进行测试鉴定。作为国家级“非遗”的保护单位，企业将打造一个“非遗”的传习基地，通过建立工作室，传承乐器的制作方法，培养一批民乐技艺人员。建立文化营销中心不仅仅是营销产品，更重要的是营销民乐文化。
文化营销
上世纪末，在历史、文化、经济等多重因素的影响下，民族乐器低价简朴，市场不景气。1998年，王国振走马上任注重挖掘企业和产品的文化竞争优势，以“文化”和“创新”为核心，大力推进“敦煌”品牌建设，让敦煌成为既是文化营销者，也是文化实践者、文化推广者，形成从“文化营销“到”营销文化“的转变。事实证明，他的”输出文化“成功了。在21世纪充满文化撞击的时代里，文化为企业积蓄持久的竞争力和生命力，成为凸显产品差异化、个性化的重要因素。
基于现代消费者追求文化价值的心理，王国振提出“传承经典、引领时尚”的发展理念。一方面，每年推出几十款具有时代特色和文化价值的新颖产品。开发出仿古版、时尚版、巨型版、微型版、古典文学版、极品版、纪念版等系列乐器，逐渐形成产品的个性化系列。这种标新立异的文化风格为传统的民族乐器注入了全新的活力，也与同类产品形成差异，从而为企业赢得文化竞争优势。另一方面，提高民族乐器的市场地位。新品乐器除内部结构改良外，在外观设计上嫁接了漆器制作、景泰蓝、木雕、竹雕等传统工艺，增加产品的文化附加值。售价40万元的古筝、30万元的二胡等精品乐器纷纷被收藏，有效提升了民族乐器的社会地位。
2013年，一批仿敦煌壁画乐器也在王潮歌指导的、中央民族乐团倾力演绎的大型民族乐剧――《印象・国乐》上令人印象深刻，成为媒体关注的焦点。中央电视台新闻频道、上海电视台新闻综合频道《午间新闻》、《媒体大搜索》、《夜线约见》等电视栏目，以及《新民晚报》、《文汇报》、《劳动报》、《青年报》等多家媒体积极报道。不仅扩大了企业敦煌品牌影响力，树立了良好的社会形象，更为民族文化的发展、民族乐器制造技艺的发展贡献了力量，使敦煌这一老字号品牌更具活力。
创新营销
在内部管理上，王国振导入绩效管理模式，实施绩效考核机制，使企业的经营好坏与员工的利益息息相关。企业中层以上干部实行双月考核机制，通过目标承诺考察工作效率。在销售过程中实行买断经营模式，以销售利润和资金回笼为考核重点，将业务员的考核成绩与薪资挂钩，调动了销售人员的积极性和创造性，保障了企业销售逐年上升。在生产岗位上，制定质量奖、技术奖和创新奖，一线岗位的技能工资与产品质量、产量挂钩，多劳多得，多优多得。另外，生产岗位根据技术等级规定技术工资和产品单价，激励员工不断学习，考取职称。企业重视研发，每年有近十项的专利诞生。
王国振一方面广招贤才，每年有大学生、研究生进厂在各自的岗位上充分发挥自己的特长，更将创新的理念、新鲜的活力带给了企业；另一方面加强员工的培养与使用，让他们在乐器制作过程中能将理论与实践相结合，为产品的创新与改良献计献策。2013年，企业在全球中心城区最大的购物中心――上海环球港，设立了面积达200多平方米的敦煌民乐展示中心，集销售、展示、演艺、互动为一体，为民乐爱好者提供了一个接触民族音乐文化的优秀平台。上海市委书记韩正，市长杨雄等都曾到上海环球港考察，莅临敦煌民乐展示中心。
一把二胡能卖多少钱，上千上万，王国振所推行的一系列品牌建设措施带动了上海民族乐器一厂的全面发展。王厂长举例，2012年，为庆祝古筝制作大师徐振高80高寿，特别制作了80台限量版古筝，3万一台竞相收藏，如今已飙升到9万还惜售。那是文化收藏的价值。“敦煌牌”商标连续荣获“上海市著名商标”称号，“敦煌牌”古筝、二胡、琵琶并评为“上海名牌”。上海民族乐器一厂获得全国实施用户满意工程先进单位、轻工卓越绩效先进企业、轻工行业十强企业、中华老字号、国家级非物质文化遗产保护单位等荣誉称号。
乐器毕业总结范文第5篇
《秦始皇》歌剧原创工作坊与师生对话
在谭盾的建议下，大都会歌剧院决定把《秦始皇》的第一期音乐试排放在上海，同时举办两个重要的教育项目：由纽约大都会歌剧院的最高层管理人员及来自艺术、音乐、传媒界的杰出人士主讲的高峰论坛系列，和由参加《秦始皇》试排的主要演员及主创人员领衔的歌剧大师班系列。3月20日至4月6日，该系列活动举行，吸引大批学子。
高峰论坛系列由包括纽约大都会歌剧院总裁、执行艺术总监、作曲家谭盾等主讲，为各大高校师生传播介绍全新的文化管理理念和艺术信息。其中，谭盾从作曲家和导演的各自角色出发，讨论了原创歌剧的创作、诠释和合作经验。参与此次歌剧《秦始皇》上海试排的大部分演创音乐家、艺术家，在上海音乐学院为来自全国音乐院校的师生开设了大师班。
点评：这次系列活动在文化和教育层面上别具意义。其突出原创、致力教育的宗旨，其结合理论、注重实践的运作方式，都与常规的教育项目不同。
主办“世博会与音乐艺术发展”研讨会
3月30日，由上海市政协教科文卫体委员会与上海音乐学院主办，上海高校音乐人类学E－研究院承办的“城市音乐人类学论坛：世博会与音乐艺术发展研讨会”在该院举办。多位学者在会上作了专题发言，就学院如何为世博会服务以及世博会应有怎样的音乐文化内涵等话题进行了多角度的探讨和阐述。
点评：听取专家学者的意见，集思广益，显示出政府有关部门的独特眼光。
CEO畅谈艺术管理和人才培训
4月15日，“CEO眼中的艺术管理和培训――上海音乐学院2006艺术管理讲坛”在小音乐厅开幕。此次讲坛为期4天，共设5场讲座和2场座谈会。香港艺术发展局艺术顾问茹国烈、台湾的艺术管理专业资深学者夏学理、中国对外演出公司总经理张宇、北京国际音乐节艺术总监余隆等作精彩发言。随后的座谈会汇聚的业界权威郑新文、余隆、韦芝、杨绍林、张宇、夏学理等，共同探讨在21世纪文化艺术产业领域，中国究竟需要怎样的艺术管理人才。
4月17日，来自北京、上海、广州演艺场所的CEO钱世锦、余其铿、杨绍林、李南、林宏鸣等，座谈中国演艺场所经营模式的探索，与会者们能够从中发现在不同地区演艺场所经营管理模式的不同。
点评：CEO们做客学院，从实际经营中的问题及现况出发总结他们在这一领域中的宝贵经验，是一个双赢之举。
平查斯・祖克曼大师班
6月6日至6月9日，平查斯・祖克曼在上海音乐学院作为期3天的大师班教学。并举行室内乐专场音乐会。这个项目也是该院向教委申报的“高水平特色项目”大师班重点计划之一。6月7日上午首次在中国利用远程教育手段，平查斯・祖克曼先生在该院对美国曼哈顿音乐学院的学生进行远程教学，中国学生现场聆听。
讲学期间，祖克曼共为22名学生授课，旁听达到上千人次。他的音乐会更是一票难求。祖克曼教授对该院的弦乐教学水平给与了充分肯定，并有意将上海作为他长期致力于促进音乐表演与教育目标的亚洲基地，展开长期有效的合作。院长杨立青向祖克曼颁发了荣誉教授证书。
点评：以此为契机，该院将进一步扩大并提升对外交流的质量与层次，吸引更多的大师来上海讲学、演出。
音乐教育系组团参加第27届世界音乐教育大会
7月，学院音乐教育系组团参加了在马来西亚举行的第27届世界音乐教育大会，并在会议上发表了“上海音乐学院附中的音乐教育体制”、“古琴与课堂教学”等论文，同时开设了“中国打击乐锣鼓经”工作室。这是该院音乐教育系在集体加入音乐教育学会后的第一次国际性活动。
点评： 越来越多的教育工作者走出国门，展开国际交流，将先进的理念带入我国的教育机制。
上音交响乐团再赴意德巡演
继去年在德国演出取得成功后，应意大利艾米利亚罗马涅音乐事务所和2006青年欧洲古典音乐节组委会的邀请，上海音乐学院交响乐团于8月1日至8月21日出访意大利和德国巡演三周。担任此次巡演的指挥分别为意大利杰出的指挥家保罗・奥尔米先生和上海音乐学院校友汤沐海。这是乐团第二次应邀参加音乐节，同时也是与欧洲青年交响乐团合作共同演出的唯一乐团。
点评： 通过巡演，促进该院表演专业的演奏水平、国际交流和学术往来，增强上海文化艺术的影响力和辐射力。
举办乐器研究国际学术研讨会
以“乐器学再思考――乐器研究的挑战与转机国际学术研讨会”为主题的国际学术研讨会9月22日至23日举行。来自澳大利亚、英国、新西兰、中国大陆及台湾的乐器学研究专家们共聚一堂。他们是从事民族音乐学、人类学、考古学、博物馆学研究的资深学者，对乐器学的研究主体、研究理论与方法进行了全新的阐释，还有正在进行乐器个案研究的该院博士硕士研究生。
点评：此次研讨会更加强调乐器与其使用者及其人文背景之间的关系，关注的焦点扩大到在乐器上所发生的各种人类文化活动事象。
2006上海音乐学院国际电子音乐周
10月16日至20日，“2006上海音乐学院国际电子音乐周”举办。这是在上海举办的首次大型国际电子音乐系列活动。主要包括4场正式音乐会、5个系列工作坊以及近十场讲座。来自法国、荷兰美国、悉尼等地音乐学院及国内十余所兄弟音乐院校的专家聚首。他们带来了最新的电子音乐作品、电子音乐工程技术和作曲理念及其相关的基础理论。
点评：音乐周集中反映了上海音乐学院音乐工程系自组建以来的教学、科研成果。
李斯特、茱丽亚音乐学院院长相继来访
11月2日，匈牙利李斯特音乐学院院长Batta Andras先生等一行9人来该院访问。11月7日，世界著名音乐学府美国茱利亚音乐学院院长Joseph Polisi博士来该院访问。Batta Andras院长对匈牙利科达伊教育法在中国音乐教育中的开展表示高兴，并且观摩了钢琴系和管弦系的教学，同时也介绍了李斯特音乐学院的音乐教育体系。
点评：互动增进友谊，更重要的落实了合作的方向和项目，长此以往，师生必将大为受益。
与上海大剧院艺术中心联手成立人才培养基地
12月24日，“上海音乐学院、上海大剧院艺术中心人才培养实践基地”揭牌仪式在上海音乐厅举行。同时举行《上音、上海交响乐团合作建设实践基地协议》、《上音、上海歌剧院合作建设实践基地协议》签约仪式。
