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歌唱艺术论文

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歌唱艺术论文

歌唱艺术论文范文第1篇

歌唱技巧是在声乐表演学习过程中必须要掌握的基本技能,只有具有比较好的歌唱技巧才能够让演唱者在演唱的过程中收放自如,才能把声乐的艺术性发挥的淋漓尽致。在声乐的学习中,有关“呼吸”、“共鸣”“气息”等技巧的学习对演唱者的演唱生涯有着重要影响,因此在声乐的教学过程中教师一定要把歌唱技巧的教授最为教授内容最主要的部分之一,要让声乐学习者在了解声乐的基础之上,尽可能的提高其歌唱技巧,为以后声乐的表演奠定基础。除此之外,教学者要注重声乐学习者的特性,根据其自身的不同特点,制定合适的歌唱技巧培训计划,最大程度的发挥出声乐学习者的音色以及声线上的优势。歌唱技巧是声乐艺术不可分割的一部分,要想成为一个优秀的声乐表演者就必须牢靠掌握相关的歌唱技巧。

2、歌唱技巧能够促进声乐艺术的表达

在声乐艺术的表达中,为了更好的突出曲目中所蕴含的情感,往往需要演唱者对于音色进行一定程度的修饰,这种修饰的技巧是歌唱技巧的一部分。音色对于曲目情感的正确表达具有重要意义,不同旋律的曲目对于音色的要求也不相同,譬如当演唱旋律舒缓、情感基调悲伤的乐曲时就比较适合用低沉的音色对其进行演唱,从而让听众能够更加容易的感受到乐曲所要表达的情感;当演唱旋律轻快的乐曲时,清亮的音色就比较符合要求以及听众对于其音色的想象。音色的不同会直接影响听众对于声乐曲目的理解,因此在进行声乐表演时,演唱者必须根据歌曲所蕴含的情感的不同以及歌曲旋律的不同来恰当的调整自我音色,从而使演唱的过程中情感的抒发更加直接,让听众能够更加透彻的理解乐曲的深层意义。歌唱技巧的运用能够最大程度促进声乐曲目艺术性的表达,对于曲目形象的塑造具有重要意义。

3、歌唱技巧对声乐的表演有着积极作用

在声乐的表演中所需要的不仅仅只是演唱者对曲目进行死板的演唱,既然是表演就一定注重其表演过程中的可观赏性,这就对演唱者的歌唱技巧中的声情并茂技巧提出了要求。要想把声乐曲目的情感表达的透彻就必须注重表演过程中表情的转变,让自己充分的投入到乐曲之中,用表情来诠释歌曲的更深层的含义。要想把声情并茂的技巧运用的比较好就必须在演唱曲目前充分的理解乐曲的创作背景,让自己更好的了解曲目的意义,把自己真正的融入到乐曲之中,能够早演唱过程之中随着乐曲旋律的转变而转换自己的感情,用自己的表演去感染听众,从而把声乐的表演推至灵魂表演的深度。

4、歌唱技术对促进声乐艺术多元化发展有着重要作用

由于各国的文化背景不同,对于声乐艺术的理解也不相同,从而致使各国在声乐艺术的表达上存有一定的差异,这对各国声乐艺术国际化的发展有一定影响。但是虽然各国对于声乐艺术标的方式不完全相同,但是声乐表演过程中所运用的歌唱技巧却是相通的,通过对歌唱技巧的掌握能够更好的促进表演者理解别国的声乐艺术,从而吸取别的声乐文化背景下的声乐艺术中精华的方面,促进本土声乐艺术更加多元化发展。声乐艺术的最终目的就是带给人们对于美好事物的享受,多元化的艺术形式更能满足听众对其的要求,因此为了更好的发展声乐艺术,演唱者必须加强对歌唱技巧的掌握,为其多元化发展打下基础。

5、结束语

歌唱艺术论文范文第2篇

【关键词】艺术歌曲 风格 处理 演唱

艺术曲的演唱不同于一般创作歌曲,她需要演唱者对作品要有深刻的了解,并在此基础之上,运用自己所学技术和较深厚的艺术功底进行艺术化的处理,力求达到作者所要求的艺术效果,将无声的乐谱以有声的艺术形式还原其艺术风格。为此,需要演唱者在演唱前进行大量的工作,这也就所谓“功夫在戏外”吧。

一、要深入分析作品

认真地分析作品的词和曲,这是演唱好任何音乐作品都首先要做到的,但对演唱好艺术歌曲而言,我们还要对作品的时代背景、各作曲家的个人创作风格等进行全面的了解和研究。

1.要分析作品的时代背景

很多艺术歌曲都带有浓郁的时代特色,饱含丰富的时代气息,可以说,一首优秀的艺术歌曲,就是以音乐形式对那个时代精神的浓缩和凝结。古典主义音乐崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式,古典时期的作品声音力度不是很大,强弱的幅度对比也不是很强烈……在浪漫主义时期,音乐就着重强调自我主观意识的表达,作品多以理想事物、古代神话传说和幻想故事为题材,强调音乐与诗歌、戏剧、绘画等其他艺术的结合,注重音乐的标题性和诗情画意,重视吸收民族民间音乐的素材体现民族性。

2.要分析作品的民族特色

世界上任何民族的音乐都有既明显又与众不同的特点。我们应该借助语言学、民族学、历史学和地理学等学科的科研支持,更好地分析和演绎不同国家、民族风格作品。德国艺术歌曲的演唱含蓄、内向、诗意,声音要求圆润、情绪变化幅度小,情感更加细腻,小动作多……意大利的艺术歌曲演唱就比较倾向于热情洋溢,大起大落,感情很外露夸张,因此,意大利风格的艺术歌曲演唱需要更多的热情浪漫,声音的变化和幅度可以强烈些。我国在二十世纪二三十年代的黄自为代表的艺术歌曲的风格内向、典雅、小巧精制、文人气比较浓。

3.要分析作品的创作风格

舒伯特和舒曼同为艺术歌曲大师,但是由于其生活的不同经历,形成了他们不同的音乐风格。舒曼多表现人的内心情节,很少表现对大自然的感情抒发,其对歌词的诠释分别放在了歌声与琴声中,有时甚至用琴声代替了歌声,伴奏和演唱都成为作曲家的创作手段;而舒伯特的艺术歌曲较多地表现对大自然的感悟,在其作品中,钢琴伴奏的地位有很大提高,但仍以歌唱为主。在我国的艺术歌曲作家中,黄自的作品风格精致、典雅,赵元任的作品简朴、醇厚等等。

艺术歌曲的“根”是个体精神层面的艺术表现,演唱者必须要有这样一个寻“根”的过程,力图去最好的表现他的精神内涵。

二、要尽力融入作品

声乐演唱必然要贯穿情感,通过对艺术歌曲歌词的分析和研究,确定作品的主题思想,准确把握演唱时的情感基调,才能淋漓尽致地表现艺术歌曲意境,塑造出鲜明的艺术形象。

1.要展开场景想象

场景想象即想象作品描述的场景,并把自己置身于当时的场景,设身处地的感受。如舒曼的《献词》,演唱者可“移情”于这样一种场景:一个热恋中的充满朝气充满幻想的年轻人,急于向心上人表达自己的心声,心上人是那么美丽、高贵。再如《核桃树》,美丽的钢琴琶音音型和一再出现的主题动机,把春风荡漾、树叶沙沙作响的诗意,以及青年人对爱情的幸福憧憬,表现得无比生动。

2.要进入角色

艺术歌曲的表演和其他表演创作一样,始于想象,从阅读作品、熟悉角色开始,演唱者都需要进行艺术想象,以便最终进入角色。如拉威尔艺术歌曲套曲《天方夜谭》里的第二首名为《魔笛》的歌曲,所展现的是一幅穆斯林后宫的画面,当主人睡着的时候,心爱的人在享受着情人吹颂的曲调,悠悠的笛声时而悲伤、时而欢快,每个音符飘拂而来,好似神秘的轻吻。尾声渐弱渐慢的处理,犹如克洛德?德彪西的风格。演唱者不仅要完美的运用发音,更要有令人沉醉的情感抒发。

3.要把握好度

在演唱艺术歌曲过程中,要让几个音乐符号去让观众感动,让观众明白作品所表现的内涵,是离不开演唱者对音乐形象的塑造的。而这种二度创作,除了要有美好的声音条件、对艺术歌曲的理解等,还要有歌唱时应有的状态,即有控制的歌唱状态。控制的度过了,声音发硬,嗓音过损;控制的度不够,声音苍白扁平无力。如:舒曼的《月夜》,这首艺术歌曲,先后出现了5次e2音,极不好唱。难点就是对其的控制,不能太强,否则将破坏整首乐曲的神秘、肃静的气氛,也不能太弱,太弱的艺术歌曲的支撑点就“塌”了。

三、要反复锤炼作品

要演唱好艺术歌曲,需通过不断的“打磨”过程,找到最佳的艺术感觉。

1.“面”的扩展应建立在“点”的真正突破上

艺术歌曲大多音域适中、结构较紧凑、表现细腻,很适合演唱者培养和加深有控制的“自然状态”,并形成一种“有控制”的演唱意识。许多声乐大师都有这样一种意识“唱好了中声区、高声区就成功了一半;唱好了弱音,强音也容易唱好了”。当然,要达到有控制的“自然”状态也绝非一朝一夕之事。有声乐理论家将这个过程归纳为“简——繁——简”。简是自然的状态,通过声乐练习,进入技巧运用之繁,但最终仍要归于“简”。总之,“面”的扩展要建立在“点”的真正突破上,这样才能真正取得进步。

2.精益求精、烂熟于心

准确、熟练把握乐谱非常重要,歌词是演唱的基础,声乐艺术之所以能感动人,除了本来的美妙外,重要的原因是听众能通过歌词与演唱者进行直接交流。要准确拼读歌词,弄懂每个单词的意思,要字对字的翻译,勤查词典。其次,发音要准确。西方语言的特点是多音节语言,辅音要清晰,非常靠前,元音非常明亮、非常纯正,唱时发音要连贯,每个音要显得很平。再次,音准、节奏是否正确,直接影响到演唱者对作品的表达。

3.要内化为内在的艺术素质

演唱艺术歌曲要求演唱者必须具备深厚的艺术修养,没有艺术修养作底蕴,充满美学意义的感情传达是很难实现的。要通过反复实践,建立良好的表现能力和适度的表现欲,具备在舞台上控制自我、驾驭作品情感的能力,有对作品比较丰富的形象思维,有表演意识和创造能力,有适应舞台和观众的能力。

演唱艺术歌曲是对演唱者综合能力的全面检验。功夫在“诗”外。演唱者只有具有较高的思想和艺术修养,对生活对音乐有深刻的理解,有较深的艺术造诣和较高的歌唱技巧,还有对声乐事业的热爱,才能收获到艺术歌曲那最深厚的美。

参考文献:

[1]马俊芳.树立原作意识,寻求声乐演唱的最佳途径.音乐研究,2007,(2).

[2]卓非亚·丽莎.音乐美学问题.北京:人民音乐出版社,1976.

[3]尚家骧.欧洲声乐发展史.上海:华乐出版社,2003.

歌唱艺术论文范文第3篇

吴雁泽,我国著名男高音歌唱家,四十多年来从事中国声乐演唱和研究工作,并身体力行地走出了一条科学的具有中国民族气质、特点的歌唱道路,被誉为“歌唱诗人”、“歌坛上的长青树”。1984年被文化部授予“民族音乐艺术家”称号。

1992年他被文化部调回北京担任中国歌剧院院长。他还是中国音乐家协会常务理事、中国少数民族声乐学会副会长,现任中国文联副主席、中国音乐家协会副主席、全国政协委员。

二十世纪八十年代以来,吴雁泽曾在国内刊物上,1991年出版了《我的歌唱技术、技艺的形成》声乐专著;他有着润柔的音质、宽广的音域,气息饱满而深长,善于演唱不同风格的歌曲;他的演唱韵味浓厚、技巧精湛、咬字准确。1995年11月荣获中国唱片总公司颂发的第三届“金唱片”奖。

吴雁泽先生的歌声所表达的思想性、艺术性、科学性、时代性具有典型的中国民族气质,是我国民族文化中的瑰宝,我们当今有责任继承老一辈艺术家的艺术精华,弘扬民族文化,振兴发展我们中华民族的声乐艺术。

二、吴雁泽精湛的歌唱技艺

(一)真假声的自然融合与假声的自如运用

1.真假声的自然融合

吴雁泽在做客中央电视台艺术人生栏目时唱完几句《上去高山望平川》后说:“你听出我在哪儿换的吗?我现在都找不着我在哪儿换的了”。这足以显示在吴雁泽的歌唱中真假声的使用确实已经达到了自然融合、炉火纯青的地步。

吴雁泽假声的学习、获得是受到我国民间歌唱艺术的启发并通过努力学习而获得的。吴雁泽当时在同学当中属于弱者,但他觉得越弱就越要多学。当时他学习河北梆子,演《游龟山》。河北梆子的高腔很厉害,它是真假声结合的,这对于他后来的真假声结合起到了很大的作用。

2.假声的自如运用

假声的生理特征如下:1.具有深呼吸的气息支持;2.具有开、松的发声腔体;3.声带边缘振动,不完全关闭;4.声音位置高,有较多的头腔共鸣泛音;5.音调高亢婉转,有很强的穿透力。主要是在表现某些特定地域歌曲风格时使用假声较多,并且此时假声的使用能较好的体现作品风格,其作用是不可替代的。

(二)“歌坛上的常青树”

1.气息的从容保持与高度掌控——歌坛常青的法宝

歌唱的寿命长短,取决于良好的歌唱方法。早在一千年前唐段安节《乐府杂录》中即记载“善歌者,必先调其气。”气息的调整、控制在歌唱中起着至关重要的作用。尤其是在演唱较长的乐句时,气息的控制显得尤为重要,吴雁泽在演唱作品《草原上升起不落的太阳》时他将“白云下面马儿跑,挥动鞭响四方”两个乐句开创性的连在了一起,这种独特的、高难度的处理方式给人们留下了深刻的印象。这种长句的运用使作品显得更加连贯、自然,更多时候给人以震撼,增强了作品的艺术感染力。

2.坚持训练——歌坛常青的关键

俗话说:“一天不练,自己知道;两天不练,同行知道;三天不练,观众知道”。由此我们可以感受到歌唱的练习在歌唱中占有着非常重要的地位;歌唱技巧通过科学的练习是可以获得的,获得的过程也是非常艰辛、不易的,但是在功成名就之后仍能够数十年如一日的天天坚持练声,却更为不易和难得。

吴雁泽在做客《艺术人生》栏目时曾说了这样一句话:“我自始至终坚持训练;没有因为我成名了、当官了就开始坐办公室抽烟、喝茶……我一直坚持,到现在仍在坚持;每天下班后,晚饭以后半小时,八点到十点就是我练声的时候”。

(三)清晰准确的歌唱语言

歌唱的技能技巧是要围绕语言这个中心来训练和发挥的,语言是形成歌曲民族风格的主要特征。吴雁泽歌唱中清晰准确的咬字吐字是值得我们每一位歌唱者去揣摩和学习的,然而他最初在咬字吐字这方面却下了极大的功夫。

吴雁泽老家在山东淄博,初学歌唱时可谓是一口的胶东半岛话,为了克服咬字吐字方面的困难,除了听夏青、葛兰同志主持的中央人民广播电台的广播,还努力学习京韵大鼓和单弦。吴雁泽在自己文章中曾这样写到:“努力学习京韵大鼓和单弦唱段,对于校正我的普通话和歌唱语言起到了相当重要的作用。”

三、真切动人的歌唱情感与润腔

1.声为情发、以情动人

在我国古代唱论中就将歌唱艺术的情感表现效果放在重要位置。《乐记》中曾有“凡音之起由心生也,情动于中,故形与声”。这就给我们指明了“声为情发”的歌唱方向。

歌唱是将情感通过声音载体呈现给观众的艺术;情感本身是人对客观世界的内部感觉和心情的反映。演唱者通过对作品细致的理解、感受,应用歌唱技巧,按照自己独到的艺术见解,进行演唱。

2.运用润腔,升华情感

歌唱润腔是对作品旋律做进一步处理时表达歌唱情感的重要手段;歌唱中细腻流畅的润腔犹如歌曲的肌肤,通过润腔的运用可以更为清晰、准确的表现作品独特的情感。歌唱时润腔的方法多种多样,其中装饰音润腔、顿音润腔、跳音润腔是表达歌唱情感的主要方法,吴雁泽在唱每一首歌时,除了在咬字吐字方面下功夫外,还在润腔的抑扬顿挫作上下功夫,使演唱有起有伏,层次鲜明。

吴雁泽先生现年已经69岁,他的歌声之所以至今能够如此辉煌,所演唱作品的艺术生命力依旧如此持久,这除了他科学的发声技巧、丰富的生活阅历之外,还与他对事业对知识的渴望和对歌唱艺术的执着追求以及自始至终的坚持练声密不可分。最后我想以吴雁泽先生的一句话结束文本,以求与大家共勉:“做为一个舞台演员,我有个想法,能唱多久就唱多久,能走多远就走多远。”

参考文献:

[1]潘乃先《声乐实用指导》,上海:上海音乐出版社,2003.3.第1版.

[2]薛良《歌唱的艺术》,北京:中国文联出版社,2002.10.第1版.

[3]李晓贰《民族声乐演唱艺术》,长沙:湖南文艺出版社,2001.8.第1版.

歌唱艺术论文范文第4篇

一、对不良歌唱心理状态的认识

形成不良歌唱心理状态的原因有很多,主观原因如不良的学习动机,对声乐没有达到由衷的热爱,缺乏自信,性格内向等;客观原因如身体不适,演出环境陌生,临场遇到突发事件等。产生不良歌唱心理状态是正常的现象,学生不必过于苦恼,但也要积极克服,及时调节,否则,其阴影将会伴随整个学艺生涯。

二、在声乐教学中培养良好的歌唱心理状态

在歌唱发声训练中,教师的一切教学手段都是通过学生的感知、想象与思维等内因起到作用,并形成心理定势,从而获得歌唱发声方法和技巧。在这个复杂过程中,心理是起决定性作用的。因此,学习声乐演唱,首先要有一个正确的歌唱心理状态。在声乐教学中,教师应当将此概念灌输到课堂中去,潜移默化地影响学生的思想,逐步调整歌唱时的心理状态。

在课堂上,很多学生,特别是初学者,总是不能够使身体协调放松,歌唱时会出现翻白眼,面目肌肉抽搐,目光游移,身体摇晃,甚至出现走音、忘词、失去节奏感等现象。作为教师,应积极鼓励、引导学生将注意力集中在作品表现上,并尽可能营造一个良好的课堂氛围,使学生保持着一种愉快的心情投入到演唱中,去体验歌唱带来的愉悦感和兴奋感。在不同环境中,教师应针对不同程度和不同层次的学生,运用多种手段和方法,督促学生多参与舞台歌唱表演,获取声乐艺术技巧、技能训练和舞台表演的实际经验,并且要让学生掌握自我调节心理状态的方法。

三、独立练习时主动进行自我心理训练

心理训练从广义上讲,就是有意识、有目的地培养和发展歌唱者所需要的心理品质和个性心理特征,为演唱做好心理准备;从狭义上讲,就是培养歌唱者善于控制和调节自我心理状态的能力,在演唱时能置入角色之中,达到最佳的歌唱状态。培养良好的歌唱心理状态应从平日独立练习时做起,要对自我进行心理训练。声乐需要课下大量有效的练习,学生在独立练习时具体应注意以下几点。

1.对课上正确的歌唱状态有清楚准确的感受记忆。课堂上学生应积极与教师沟通,敏锐捕捉正确的歌唱状态,并在独立练习时间积极运用。

2.将歌唱练习作为最愉快、最舒心的事情去对待,赋予作品以不同的情感和情绪。全身心投入到音乐作品中去,获得精神上的满足。

3.独立练习时,学会延续课堂上由于紧张感和重视感所带来的兴奋度。课堂上,学生思想注意力和发声器官的兴奋度比课下练习时要强(因此总有学生觉得课下单独练习时没有上课时状态好),这是很重要的因素。因此,在独立练习时,学生要控制并调整自己的心理和生理机能,保持适当的心理兴奋度,保证练习效果。

4.树立自信心,钻研歌唱方法和技巧,不钻牛角尖。有的学生由于对声乐的热爱,在学习过程中对自己要求非常苛刻,以致不能用一种放松的姿态和情绪去对待声乐演唱,不求变通,不够灵活。其实,在发声方法上,作为个体的每一个人自身的主观感受往往是不尽相同的。在理解发声概念、掌握正确发声方法的基础上,学生要学会调整自身的发声器官和各项机能运作,使得自身在一个相对放松平衡的状态下去歌唱。过分地强调和苛求某一种发声感觉和发声状态都是不必要的,甚至会带来负面影响。声乐的学习需要认知和感受,更需要变通。

5.谨记“欲速则不达”的道理。有些学生尚未学习几节课,就要制定一个计划和目标,要在很短时间内达到某种水平,结果只会适得其反。从某种程度上讲,声乐的学习不同于器乐的学习。器乐只要方法得当,勤学苦练,就可以在较短时间内取得一定的进步。声乐的进步则因人而异,或许天分所占比重更大(包括声音条件和悟性)。事实上,学习声乐技巧就是寻找发声状态,状态在这里就是指可以瞬间抓到的东西。当然,不论你有怎样的天赋,踏实认真的学习态度是必不可少的,切不可急于求成。

四、在演出、比赛中获得良好的心理状态

18世纪著名声乐教授吉•曼契尼在《关于花腔唱法的一些想法和实践体会》中指出:“当众表演的时候,永远不要胆怯、畏惧和软弱无力。”19世纪中叶,西班牙卓越的声乐教授玛•加尔西亚在《歌唱艺术论文大全》中写道:“几乎所有的歌唱者在刚一见到听众时都会感到紧张。为了使自己在舞台上平静下来,歌唱者应当在过门临近最后几小节时吸几口比较深的气,使血液循环减慢,心神安定下来,从而使得呼吸器官和喉头获得它们的放松。”由此可见,每一个歌唱者在面对观众演唱时都有不同程度的紧张。其实,适度的紧张不仅不会影响歌唱状态,反而可以增加兴奋度,甚至超常发挥。那么,如何在演出和比赛中获得良好的歌唱心理状态呢?第一,俗话说:“艺高人胆大。”所有的歌唱演员都应当具备一定的歌唱技巧、基本素质和修养。第二,充分做好赛前或演出前的准备工作,包括歌曲、伴奏、化妆造型、睡眠质量等细致的准备,这里强调一点,切勿一味追求曲目大而最终无法驾驭作品,导致破坏作品完整性。同样的道理,要选择自己可以胜任,且游刃有余的作品。第三,调整好演出和赛前心态。去除杂念,将名利之事抛于脑后,不可过分患得患失,心中坚定一个信念,那就是全身心地投入歌唱。第四,临上场前就要主动进入歌唱状态,进入角色和情节,将注意力集中在作品的内容和内涵中,调整气息,使其平稳,避免气虚气浮。将整个身体机能调整到歌唱的最佳状态,包括面部表情。万不可走上台后再做以上准备工作,尤其前奏较短的作品。第五,歌唱中要将注意力高度集中。实践证明,注意力高度集中是减轻紧张程度的关键因素。这样可以投入地演唱,进一步排除与歌唱无关的杂念。

歌唱艺术论文范文第5篇

1.学生的课堂参与性不高

小学音乐课堂合唱教学最容易出现的问题就是学生对于课堂的参与积极性不高,特别是进入到中高年级阶段,学生在合唱教学中往往应付了事。小学音乐课的上课频率在一周两次左右,音乐教师在课堂上讲解的合唱技巧多数学生在下一次课时已经遗忘,很难在音乐学习中形成良好的演唱习惯。

2.学生没有合作意识

中高年段的学生在心智发展上不是很成熟,学生的合作意识往往不够。有的学生对于自己的歌唱技巧十分自信,在音乐课堂上一旦有了自我展示的机会,就会迫不及待地进行展示,在唱歌的过程中故意唱得很大声;有的学生则对于唱准自己的声部缺乏自信心,在合唱的时候声音很小,甚至根本不发出声音,导致整个和声部分有高有低,整个合唱效果不好。

3.学生缺乏兴趣

音乐教师在课堂中对合唱教学所花费的时间是有限的,而在这有限的时间里,学生不仅要熟记自己的声部旋律,还要花费大量的时间进行训练和配合,对于一些缺乏音乐学习兴趣的小学生来说,合唱的学习方式在一定程度上并没有调动学生的学习积极性,也就无法取得良好的教学效果,最终导致学生对于合唱练习失去了参与兴趣,无法真正实现合唱教学的目的。

二、优化小学中年段合唱教学的方法

为了让更多的小学中年段学生认识到音乐教学对于发展其综合素质的重要性,首先,教师要让学生认识到合唱在音乐中的重要地位。音乐教师要激发学生提高音乐审美素养的意识,鼓励学生多欣赏优美的歌曲,提高学生的音乐欣赏能力,使学生对于合唱中的声部知识有更多的认识。如此,学生在音乐课堂上会更加关注合唱技巧,在音乐欣赏的时候有意识地提高自己的欣赏水平,从而找到适合自己的学习方法,树立合唱的自信心,找到音准,提高合唱学习的效率,在音乐课堂上积极参与,掌握合唱的精髓,实现音乐素质水平的提高。

与此同时,音乐教师也应当改善课堂合唱教学的方式,针对学生的学习实际,让学生在音乐课堂上产生情感共鸣,尤其是在合作过程中产生同学情谊以及快乐的情绪,进而激发学生对于合唱的热爱情感,并将热爱转化为自身的兴趣以及爱好,最好能够将其转化成为理想以及志趣,辅以音乐教师的正确引导,让学生对于合唱技巧的学习产生内在的动力。

在音乐教学的时候,教师要对学生的发声、听力同步锻炼,让学生真正体会音乐艺术,在不同的合唱环节锻炼小学生的听觉能力,让小学生在合唱的过程中对于听觉的感悟更加深刻,学生之间彼此依赖,信任感逐渐增强,在彼此合作讨论以及倾听的过程中改善自我、提高自我,同时还能够确保合唱的和谐。在听觉训练的过程中,教师要引导学生自己认识到合唱过程中遇到的问题,针对合唱中的难点,教师可以鼓励学生倾听合唱范本,找到其中的难点,自主攻克。这不仅尊重了中年段学生在音乐课堂上的自主性,还让学生掌握了合唱的科学原则,对小学生其他学科的学习也有着非常积极的影响。

例如,在学习《八只小鹅》这首歌曲的时候,加入模仿小鹅的二声部无疑是最佳的表现方式,小鹅的叽叽喳喳、热热闹闹将歌曲衬托得更富童趣。再如,《小事情》这首歌曲讲述的是积少成多、聚沙成塔的故事,在一定的情感驱动下,中年段学生对于歌曲的理解会更加深入,教师只要引导学生掌握正确的节奏,就能够带领学生更加准确地抓住合唱技巧,提高学生的合唱水平,同时也赋予了学生一段丰富的情感体验。