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摘要:现行设计基础课程,以素描、色彩、色彩构成课为例。教学内容与方法,在形式上仍强调造型、技法与单一的色彩配比规律,一定程度上不能承担起全部教学功能。文章提出设计基础课程的教学内容,应以教学过程中对“艺术的思维与表现”的认识与体验为中心,并结合现代科技技术的渗入为先导使学生对造型与技法、及色彩的认识上升到艺术审美的高度;同时能够把握和认识学习的方向。由此挖掘出艺术设计专业基础课程所能承载的全部教学功能。
关键词:设计基础课程素描色彩色彩构成艺术的思维与表现
一、艺术设计基础教育课程现状
“据不完全统计,中国设立艺术设计专业的大专院校已经达到1400多所,每年毕业生数量约10多万人,面对如此庞大的发展数量,中国需要什么样的设计人才引起了我们的思索。我们一定要根据各院校特点,利用丰富的艺术资源,注重学生艺术素质的培养,注重学生本身的整体素质的培养,突出实验性与前瞻性。学生真正要适应社会,真正培养的实际上是他的心理要适应社会,而不是技术要适应社会,技术要高于社会。艺术设计专业学生首先接触到的几门基础课——素描、色彩以及色彩构成往往抹煞了艺术与设计的关系和培养有较强的个性表现力、创新能力、有前瞻性及较高的文化艺术素养这层功能。三门课程的教学实验改革,各校唯一的共同点是都强调造型和技术能力的培养。除去这两点外,还应教什么,目的何在?我认为这才是真正解决现存问题的关键。什么才是高于单一课程,贯穿艺术设计教育的本源问题?毋庸置疑,是艺术审美。艺术审美引领着艺术设计教育中一切要素的走向。所以,深刻意识到素描、色彩以及色彩构成课程除却造型、技法以及单一的色彩配比以外,还能通过“艺术的思维与表现”给设计专业的学生提供最直接的艺术审美训练的平台。而恰恰设计专业的学生的艺术思维与表现能力的高低,对能否实现现时代设计教育的目的与要求,起着至关重要的作用。上述三门基础造型课程,在全国各院校艺术设计专业的基础教学中体现为两大倾向:一种是强调“设计性”、理性化的教学,其弊病是缺乏对学生艺术审美修养的培养,容易养成学生肤浅的形式主义观念和漠视设计艺术性的匠人品位,对学生造型创新思维的培养仅停留在空洞的形式层面。二是脱离设计特殊性,强调造型表现的技术性,造成学生思维禁锢,审美僵化,使之较难与后续课程链接。两种倾向都容易导致课程内容偏缺与方法盲目。“艺术视觉思维的训练”“艺术表现语言的审美体验”往往被忽略掉,恰恰这是设计专业学生理解设计与技术的关系、设计与艺术的关系、艺术设计与社会的关系的桥梁。这也理应是这些基础课课程所要承载的教学内容,而并非要到进入设计专业课程后才要做或才能做到的事。
二、领会艺术的思维与表现
世界上极具前卫地位的加利福尼亚艺术学院的研究生说:“花了这么多钱和时间,我们学到了如何思想。”这反映出美国艺术教育的重点是突出观念和思维,这也是西方现代艺术教育的重点。如何训练学生学会思想,成为西方现代艺术教育者研究的目标。在这样的背景下,90年代开中国艺术教育界也因此开展了系列学术争鸣。中央美术学院由周至禹教授领军,率先对本部设计基础课程进行改革,并已成体系。强调设计的学科特点,围绕培养学生创意思维组织课程的建设。
一、速写
首先从字面理解,顾名思义就是“快速地书写绘画”,当然这种解释并不准确,但相对于慢写,三小时的素描写生而言,还是快了很多。速写讲究形体和造型的准确性、线条的流畅性,是静中求动、动中有静的美,长期的速写训练有助于学生提高造型能力,增强眼睛观察的敏锐度,让他们在不知不觉中提高了造型能力和线条运用的流畅度。此外,不限制学生绘画工具,不限制绘画对象,这让学生有很大空间的发挥余地,在不同的工具运用上,他们能发现不同的肌理语言,在特定的环境中,采用不同的绘画素材,学生可以充分把握材料,表现方式,语言媒介,表达出自己的个性感受。从交上来的作业看,学生的作业很明显地一步步提高,绘画技巧也有了很大的突破。绘画首先它要体现出“美”字,其次是要借笔抒发自己的思想感情和好恶倾向。画人、画物要讲究“灵性”、“画活”。因而,学生在绘画人物、景物的时候都要下意识的加入自己的情感。比如有的学生画乞丐,除了形体动态很到位外,其表情也被恰到好处地表现出来。我对此很认同,同事启发他可配上景物,提上文字,组成一幅完整的画面。几经尝试后,他的兴致更高了,在技巧技法上也更为娴熟了,对素描的理解也更为透彻了。
二、画漫画
其目的是锻炼学生全面的观察力,只有对对象进行全面的观察分析,研究掌握对象的特征,学生才不再是手的机械运动,被动绘画艺术对象;才能处于兴奋的思考中,表达出一种心境和自我创造力。漫画,又叫“讽刺画”,是以政治和社会各种事态为题材进行讽刺批判或鼓动的一种幽默性绘画,构图时允许使用大胆的夸张、比喻、象征、寓意等手法和笔触,使画面产生风趣、诙谐的效果。学生们对漫画《涩女郎》很感兴趣,我找了一些庸、丰子恺等人的作品,让学生体味漫画的精神美。当然,我只要求学生肖像漫画,因为画漫画的目的是为了熟练手头表现功夫,还得和高考接轨。学生在互相对画的过程中,由于要去发现对方的特点,因而增强学生的观察力,培养了爱思考的好习惯,经过一段时间,许多平时素描不突出的学生居然把人物神态画的惟妙惟肖,我想,我的目的达到了。当然这些目的都是为了辅助素描中所要求的“形体比例准确、生态生动”而做的。让学生的进步在潜移默化中得到提升,也是为防止学生一味临摹,写生头像、半身像而觉得枯燥,用这种形式提高了学生的兴趣,调节了情绪,培养了他们的绘画的激情和创造力。我对他们说:“画画不仅仅是为了高考,也是内心灵性的发挥与表现,是共性中个性的张扬和抒发”。
三、简笔画
这是我最初教学生画速写之前要求他们画的,我演示了一个学生的动态,基本上圆、椭圆或单线去表现,学生们一看都乐了,觉得很好玩,平时画完素描头像、半身像时都会兴致盎然地画上一通,画了一段时间后,我通过讲解比例、骨点、骨骼,他们豁然开朗,在写生人物时也格外注意骨点、骨骼、比例与变化了,我趁热打铁,复印了肌肉、骨点解剖图给他们看,效果比平时硬性灌输要好得多。这种方法,对于好玩的中职学生有着很强的吸引力。
摘要:正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系,强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中,注重学生的创造性思维和创新能力的培养,运用恰当的评价方法,培养学生的学习兴趣,使学科发展更规范、更完善,为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。
关键词:艺术设计;绘画基础;教学;评价
近年来,随着社会经济的发展,社会对艺术设计人才的需求越来越多,“美术高考热”不断升温,每年报考艺术类院校的考生日趋增加,艺术设计学科逐渐成为热门的学科,全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业,如平面设计,环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说,不能简单地把设计专业等同于绘画专业,尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面,不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础,从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确,直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩,是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程,在艺术设计教学体系中,把它们作为基础绘画教育课程,有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来,素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础,但在学习设计的过程中,大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起,只注重绘画写生和技法的训练,而忽视艺术设计的专业性,牵制了学生设计思维的发展。在过去,我们的艺术教育强调基础,强调绘画功底,在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家,以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里,我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语,难道除了他们的画法外,其他人的绘画风格都是旁门左道吗?何谓“正规”,艺无止境,但凡形成一定的范式或风格,即是走到了终点,接下来就是必然要打破它,超越它,这样艺术才能进步,我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品,可设计艺术却不能去重复、去拷贝,因为设计追求的是原创性和创新性;目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后,看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况,一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白,这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果,是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的?这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去,我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求,这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性,因为那毕竟是在培养画家;但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子,而忽略艺术设计教学目标的目的性,忽视对学生创造性思维和创新能力的培养,花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时,会不会觉有些得太奢侈,会不会有好的教学效果呢?既然我们培养的是设计人才,而不是画家、艺术家,那么它的必要性又有多少呢?一味的对着物象去表现、再现,对着石膏像磨来磨去,会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力,更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下,把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位,不失为一种目的明确的基础训练。
说到基础,我们首先应当培养学生的观察能力,如结构素描练习中的理性分析作图,表现可见与不可见的关系等;其次培养学生的表现能力,除了传统光影调子的表现外,还应提倡学生个性独特的表现方法,不可用抽象、具象来评判学生作品,应看重他们的真实情况与独特视角,并鼓励他们能用语言来表达创作体会,注重启发和引导学生提高审美意识和艺术表现的独立性;最后,是培养学生的创新能力,从静物的自由组合练习到想象默写及意象创作。有了这些方法或步骤的练习,我想培养出的学生才能更适合于不同的设计领域,才能培养出更多富有创新思维和创新能力的艺术设计家。如今,年轻人价值取向多样化,审美趣味多元化,这样的课程练习对于学设计的学生也许会更受欢迎些,毕竟“兴趣”是学习的第一原动力,是成功地完成某件事情的重要因素,培养和提高学生的专业兴趣,是艺术设计专业基础绘画教学中不可缺少的内容和重要环节。另外在教学中需要教师注意的问题是,不可过于看重结果,注重对学生日常学习和发展的评价,注重学生的学习体验。在学习过程中及时给予评价和反馈,鼓励学生的创新意识;有时,由于我们教师审美口味的不同,没有很好地与学生进行沟通,没有很好的评价标准,片面性的评价可能会挫伤许多学生的积极性,提高课堂的学习气氛和提高学生的学习兴趣是我们教师首先要解决的问题,只有做好观察与沟通,把握好学生的个性特征,虽然每个学生的特性不同,但我们的每个学生却都是有可培养性的。
一、高职院校美术教育基础教学问题分析
1.教师教学自主性不强在高职院校美术教育基础教学中,部分美术教师在授课中缺乏完善的教学体制,生搬硬套教学大纲,加上教师教学压力大,同时兼任多个专业的课程,容易产生厌烦情绪,也难以形成精品课程。这样的教学压力大大降低了教师教学的自主性,对激发学生学习的主动性和创造性不利,最终难以提高美术专业学生的技能水平。
2.美术高考内容单一专业美术基础教育主要包括中学专业美术考试教育阶段和高职院校美术教育一年级阶段,其中中学美术考试教育是基础教学的重点和难点。写实性绘画与中学美术考试基础教学内容有一定的联系,不应将整个教学内容局限于此而排斥其他内容。随着社会的进步,人们的文化观念不断转变,美术开始与其他学科融合,美术作品呈现出多媒材、多学科、多维度发展。但是目前美术高考内容仍然以写实性绘画为主。
二、解决高职院校美术教育基础教学问题的对策
1.调整高校美术专业入学考试方式固有的考试方式只重视学生的手绘能力,不利于培养学生美术的创造力和想象力,考试方式也仅限于默写和写生。因此针对参考的美术专业学生,国家推行了“大综合”模式,增加了对其他美术造型能力的考察,如三维空间塑造能力、美术鉴赏能力等。当然,考试形式上应更加多样化,如在传统的考试方式上增加电脑图形图像制作等。考试内容应实行模块化,将所有的内容划分为若干个模块,考生可以抽签选择其中几个进行考试,从而确保考试的公平性。
2.调整大一阶段基础教育的内容与形式在接受高职院校美术教育前,学生所受的是泛美术基础教育,而大学的基础教育更具有针对性。由于各个专业学科存在一定的差异,对学生的基础知识结构和表现力要求也不同。如大一阶段美术专业的学生以写生为主,这实质是对中学美术基础教育的一种巩固与增强。因此,美术教师应根据大一学生的实际能力,结合专业教学任务、内容,对该阶段美术基础教学的内容和形式进行调整,增加有本专业特色的基础内容,采取有专业特色的训练方法,培养学生正确的学习方法和获取知识的能力,促进学生美术专业技能的提高。
一、学会如何观察,突出“看”的重要性
“看”一直是艺术活动过程中的一个重要组成部分。先有“看”而后有画,有什么样的“看”就有什么样的画。“看”本身并不需要任何技术,用心去“看”就可以。但是,随着人们的年龄、环境的变化以及知识的叠加,“看”也就发生了一些变化。学好素描必须要学会用一种全新的入木三分的方式去“看”。我们只使用眼睛,还要用所有的感觉去“看”。常常会出现这样一种情况:新生一进校门,在写生练习中,教师怎样摆放的静物,学生就在原有的位置如实加以描绘、打形、确定位置、分析比例和透视关系……看似是很熟练的过程,但最后呈现的画面结果却是千人一面。高考培训班的训练早已把学生变成了主观主义的盲目随从者,先入为主的成见大大影响了其在课堂上准确地认识和理解所描绘对象的能力。因此,如何去“看”在教学上需要一个正确的认识和对待。在基础教学中,“看”的方式由于阶段性和目的性的不同也会有所不同。如造型基础素描(在原有的教学概念中)是以研究和表现自然物象的客观造型为目的,注重对象外在形态的把握与表现,通过再现对象的具象描绘来反映意识形态的创造。设计基础素描并没有对象可供再现,以研究客观对象中构造的重组与再造关系的表达,表现可见与不可见的关系等,素描表现的技法可以通过日积月累的反复训练加以熟练和完善。素描是一种艺术创造,然而要具备敏感的形体意识和心智却必须从眼前所“看”做起。
二、素描材料和表现方式的多元化
在素描表现的教学中,学生的表现技能除了传统光影明暗调子的表现外,还应发现其不同的视知觉感受能力及独特的个性化表达方式。不可用具象、抽象来评判学生的作品,鼓励学生个性独特的表现方法。应看重学生的真实情况与独特视角,并鼓励其用视觉语言来表达创作体会,不拘泥于单一的表达方式,注重引导和启发学生提高审美意识和表现方式的独立性。材料在现代艺术的表现语言中占有相当重要的地位,因此以对材料语言的关注和研究为基础拓展素描表现方式多元化。一年级学生接触的专业知识有限,对素描材料的了解和使用缺乏一定的认识,大多数学生只懂得使用铅笔和炭笔在素描纸上作画。其实可以通过不同于传统材料的新材料,如蜡、水彩、彩铅、针管笔等的尝试,体验不同材料的特性和效果,扩展了视觉语言的形式,突破单一材料在视觉体验的局限性,为绘画形式注入了新的活力,同时也形成了对传统素描意识的挑战。综合材料的表现范围是无尽的,新材料充实和丰富了视觉空间的表现力和层次感,不同材料的结合和碰撞产生对比、发生联系,扩展了学生的视觉空间,推动其对所熟悉描绘的主体进行想象力的再创造,改变传统意识对素描的理解,强化主体的主观创造性并增强学生对素描的趣味和探索欲。教学中引导和鼓励学生了解绘画材料及材料的综合运用,既有利于推动其不同感受体验的发展,又利于开发其聪明才智。在整个教学实践过程中,由于作业周期或其他原因,学生不可能马上达到熟练运用的程度,但这种多元化的尝试和体验会产生意外的惊喜和收获,衍生出更多个性化的表现方式,为学生进入各个专业领域学习打下良好的基础。
三、创新意识的培养
教师要要求学生遵循一定的艺术规律去画画,但不能让其都用一种方式去表现,画出来的结果就像同一个模子翻印出来的,这样是失败的教学。一个思想僵化、没有个性特点的学生难以创作出独创性的作品。古人说,“授人以鱼,不如授之以渔”。创造能力不是少数人的专利,而是人人都应具备的,并且应培养和发展的。在教学中要引导学生克服早期绘画学习中形成的惯性思维、固执的视觉经验以及片面的判断等不利因素。要为其创造一个标新立异环境,这样才能激发学生的学习积极性和创造性,形成自己对于事物的独特见解。在对创造意识的培养过程中,画面形式语言的研究和实践尤为重要。我们对于素描的基本要素、基本规律、材料语言要认真学习,且最终要熟练自由地运用它们。而在这种解构与重构的过程中以及教学实践中,要带动学生回到艺术的本体,加深对点、线、面构成的研究,以特定的课题为切入点进行符号化抽象研究,强调不同的学生形成不同的主观感受。通过对“看”的方式、材料的研究、创造意识的培养使学生的艺术才智能在开放自由的空间里健康生长,使其在进入各个专业的学习中可以更大地发挥出潜能且释放出无限的可能性。总而言之,怎样通过不同的教与学的互动体验充分调动学生的学习积极性,增强其自信心,激发其创造性潜能,凸显其个性特点以满足在不同时期、不同专业学科发展的需要,是作为基础教学工作者一直思考和研究的问题。与此同时,素描概念的界限也会随着不断的研究而扩展和延伸。