色彩构成音乐韵律美艺术

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“各门同出一源。因此，凡艺术都大同小异。”这是抽象绘画鼻祖康定斯基的艺术观点，从中我们可看出他的思想已远远超过了单纯绘画的范畴。在他的作品中我们既能感受到点、线、面、色的美，也能分享到旋律的美。康定斯基可称为绘画与音乐的最佳融合者。那么，在高校设计专业色彩构成教学中，是否能渗透一些音乐的美感，在色彩构成中体现声音、音乐的听觉美？因为，一个优秀的设计家可把听到的声音或对音乐的通感，经过感悟、联想后，创造性地用色彩、线条和图形表现出来。这是一个音乐与设计的撞击过程，也是设计理念更人文、更富内涵的升华过程。

一、色彩与音乐的融通关系

有一位音乐家曾和一些画家、设计家做过这样的尝试，即先由画家即兴作画，再由他本人（音乐家）即兴作曲，再由设计家即兴创意……如此继续反复几次，可以构成奥妙无穷的“气场循环”。我们从这一“行为艺术”中，可领悟到音乐与设计皆是通过听觉和视觉传递美感的，它们之间在听觉和视觉上有着强烈的情感共振和形式上的融通关系。

色彩构成是高校设计专业的基础课，学生通过能感受到色彩丰富的表现性和色彩与人之间的亲密关系。色彩还助人们识别对象，从曾经见过的形象中去想象从未直接接触过的形象。总之，色彩的物理刺激直接导致人的某些心理体验，然后又产生知觉中其他感受，以至形成一连串的心理效应。所以，色彩构成中所涵盖的点、线、面都是富有张力的生命体，不同的色彩和不同的色彩构成表现形式能营造出不同的视觉效果。音乐的内涵，亦是人类文化的一个组成部分，音乐语言是由音乐的各种要素旋律、节奏、音色、和声等组成的，音乐中的每首乐曲，每一个音符都有着它自己的魂灵。它是充满灵性的，只有具备文化、具备天性、具备敏感心灵的人才能感受它、体验它，进而表现它。从这一点看，音乐与设计在价值定位上是很有共同点的。

形式融通在于，视觉与听觉艺术都是易于抽象化的语言。色彩构成能产生声音、音乐的抽象美。那么，色彩构成的人性化表现更是具有较大的抽象展示空间的，声音虽不能与它本身的发源体相脱离，但由于人的声音是有个性的，人的声音还由于环境、心情等因素的而发生变化。由此，我们可以减弱发音本体的印象，把注意力引向其抽象性的表现上。如声音的高低可用色彩的明、暗程度来表示，高的音具有明亮感，低的音具有黑暗感，吐词清晰的声音用纯度高的色彩表现，含糊的声音用纯度低的色彩表现。而作为艺术作品的音乐，我们可以感受声音本身音色和力度上的强弱变化。因为声音的强弱变化、速度快慢是阐释乐意的重要手段之一。

二、色彩构成中如何表现音乐的韵律美

色彩构成练习中要渗透和表现对音乐的理解和感受，只有当几个音或音群组成的旋律线条结合起来，并产生与之相应的节奏和调性，才能表现一定乐感。其中，节奏是作为完形来把握的。在旋律中由于有一个音在发生变化的印象，所以先后出现的音能保持一种连续存在性。这就是音乐的“冲击力”。当然，马克思说过：“对于不辨音律的耳朵来说，最美的音乐也毫无意义，音乐对他们来说不是对象。这是为什么，因为他们没有培养自己的审美。”①而优秀的设计师受到音乐的震撼和启发后，会抓住对音乐的主要感受，体会乐曲是抒情的、轻快的或是凄凉的、忧伤的……同时还要觉察乐曲的创作背景和音乐家的个性和风格，力求达到一种与音乐家创作时十分相似的情感境界。我们知道点是一个跃动的因子，在音乐视觉化的平面设计中，它的表现形式是丰富的。它的大小形态是随着音响的高低变化而变化的。线是二点之间的移动形成的。音乐中只要有“声部”间的横向运动，无论低声部，中声部，高声部，只要音的点在连续在进行在运动，即成了自身的“线”。在平面设计作品中，线的长短、粗细、曲直、浓淡和线的方向还能体现人类丰富的情感和审美情趣。平面设计中“面”的形态可分为几何形、有机形、徒手形和意外不规则形。而音乐中的“和声学”就是随着“面之乐”的而兴盛起来的。这些“面”的形态是决定音乐主旋律的重要因素。在设计师眼里音乐与平面设计都有和谐的比例，音乐的和声美就是设计的形态美，不同形态的“面”能给人以迥然的视觉观感和心理影响。所以设计师以“面”来体现对音乐的通感，起到一个整体控制的作用。同时我们还能把对乐曲的通感用色彩三要素来表现，高亢激越的乐曲有一种振奋精神的感觉，可用高明度鲜亮的色彩表现；嘈杂不和谐的音乐则有一种不鲜明的浑浊感，可用纯度较低的色彩来表现；而情感变化丰富、华美的乐章则用丰富的色相来体现。炽热奔放的乐曲可用暖色表现，神秘悠远的乐曲可用冷色表现。三、与平面设计之间的融通

21世纪，堪称为设计的世纪。而促进设计的重要因素之一，应是加强设计与其他艺术学科之间的交流，注重设计与音乐之间的融通性。它山之石，可以攻玉。设计艺术可从音乐学科中汲取营养，丰富和强化设计的视觉效果和表现力度。音乐与设计二者之间的转换是有可循的，也是十分有趣的。美妙的音乐能给设计家以想象的空间并从中得到启迪，也会给设计作品的创新带来意想不到的契机。所以，一个设计师应具备基本的音乐文化修养，提高自己的艺术情趣，用自己的设计智慧去把握设计作品的形式和风格。音乐视觉化的创作过程，是一种培养设计师联想力、想象力的形象思维过程，是对设计师创造性思维的挑战与延伸，它是个体通过亲身体验、感悟后，以真实、独特、个性的方式表达的富有“冲击力”的视觉作品。灵魂艺术家的先驱之一梅特林克说过：“世界上没有任何东西具有灵魂对美的那种兴趣和接受力。因此，几乎没有什么人能拒绝听从一个沉溺于美的灵魂的指引。”②音乐中的韵律抽象美渗透运用到平面设计的色彩构成中去，这就是一种美的指引，它融入了设计家的个人情感要素，打破了时空界限，突破了专业藩篱，它融具象与抽象、形与色以及所有构成语言为一体，充分体现了音乐与设计在视觉与听觉上的融通与促进关系。

今天，日益加快的生活节奏已让人们进入了一个“图像”，音乐视觉化作品不像音乐那样短促，也不像它那样迅速消失，它较为适合现代人的阅读习惯，它能引导人们从另一种渠道去感受音乐的存在，用另一种方式去欣赏音乐的美，同时还能唤醒人类潜意识中深藏着的美好情感。平面设计中用色彩构成来体现音乐的韵律美，旨在表现现代设计的语言和设计的视觉效果，它能促进和提高设计作品的个性化色彩的表现以及其独特风格的形成，它既丰富了现代设计作品的表现内涵、增添了设计作品的人文气息，也是对现代设计的一个有益的补充，是设计理念的进一步推进和发展。是现代设计对人类精神的的途径之一。

注释：

①转引自金开诚《文艺心概论》，北京大学出版社，1999年1月，第2版第342页.

②转引自(俄)瓦·康定斯基《论艺术的精神》，出版社，1987年7月.

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[1]赵晓生著.走进音乐，上海音乐出版社，2000年4月版第34页.

[2](日)渡边攘著.音乐美的构成，人民音乐出版社，1998年10月版第56页.